En esta búsqueda del sentido del mimo y su técnica a partir de movimientos contrarios he encontrado que desde Platón y Aristóteles existe una polarización de fuerzas que a la vez son contrarias y complementarias. Parece ser que el pensamiento occidental gira alrededor de esta lógica de opuestos que a través de la historia han sido resignificadas pero siempre mantienen este juego dialéctico.
Para Kant, la estética se refiere al juicio sobre la belleza de un objeto dictado por el placer que produce en el sujeto de manera desinteresada. Un juicio estético es puro si no está influenciado por conceptos o finalidades. Kant distingue entre belleza adherente, que obedece a intereses, y belleza pura, que no obedece a ningún interés. Su enfoque marcó el inicio de la autonomía de lo estético respecto a fines prácticos o morales.
Este documento discute la evolución histórica de la estética desde la antigüedad hasta la actualidad. Aborda las teorías de varios filósofos clave como Platón, Aristóteles, Kant, Hegel y otros, y cómo sus ideas influyeron en las corrientes estéticas romántica, realista e idealista. También menciona brevemente las principales escuelas de pensamiento estético modernas como la marxista, fenomenológica y analítica.
Belén cobacho maya exposiciones de ética y estéticaBelnCobachoMaya
El documento presenta una introducción a la estética, definiendo el término y explicando sus principales teorías y autores como Platón, Kant y Hume. Explica conceptos como la belleza, lo sublime, lo trágico, lo cómico y lo grotesco. Define el arte como la creación de un artista que genera experiencias estéticas en el espectador. Finalmente, resume las opiniones de Aristóteles y Hume sobre el arte y cómo es percibido de forma subjetiva.
Material de exclusivo uso interno de la Cátedra de Estética/Fundamentos Estéticos de la Facultad de Bellas Artes, UNLP.
Publicado con fines académicos.
CC Uso permitido con mención de la fuente
Este documento presenta diferentes puntos de vista sobre la estética de varios filósofos y pensadores. Define la estética como la rama de la filosofía que estudia la esencia y percepción de la belleza y el arte. Explica las perspectivas de Platón, Kant, Hegel, Schopenhauer, entre otros, sobre conceptos como la belleza, el arte, la forma y el orden. También discute brevemente la noción de "antiestética" y presenta una nueva definición de arte.
Platón tenía una visión idealista de la belleza. Creía que existían Ideas eternas e inmutables de conceptos como la Belleza y la Justicia. La belleza de los objetos sensibles era solo una imitación de la Belleza verdadera e ideal. Platón distinguía entre una belleza absoluta y objetiva representada por las Ideas, y una belleza relativa en el mundo sensible. También creía que la belleza estaba relacionada con la medida, el orden y la proporción. Su concepción de la belleza influyó en la estética occidental y en la cr
El documento presenta una introducción a las teorías estéticas, comenzando con la consolidación de la estética como disciplina filosófica autónoma gracias a los principios ilustrados. Luego resume las principales ideas de Kant sobre la estética trascendental, incluyendo las formas a priori de la sensibilidad, la sensibilidad como facultad cognoscitiva y el principio de autonomía en el juicio de gusto.
Este documento explora las categorías estéticas de la belleza y la fealdad a través de la historia. Define la belleza como orden, proporción y armonía según los griegos, aunque también reconoce definiciones subjetivas. Examina cómo las concepciones de lo bello han variado culturalmente. Finalmente, argumenta que aunque la fealdad a veces se asocia con lo negativo, también puede tener una dimensión estética legítima como experiencia contraria a la belleza.
Para Kant, la estética se refiere al juicio sobre la belleza de un objeto dictado por el placer que produce en el sujeto de manera desinteresada. Un juicio estético es puro si no está influenciado por conceptos o finalidades. Kant distingue entre belleza adherente, que obedece a intereses, y belleza pura, que no obedece a ningún interés. Su enfoque marcó el inicio de la autonomía de lo estético respecto a fines prácticos o morales.
Este documento discute la evolución histórica de la estética desde la antigüedad hasta la actualidad. Aborda las teorías de varios filósofos clave como Platón, Aristóteles, Kant, Hegel y otros, y cómo sus ideas influyeron en las corrientes estéticas romántica, realista e idealista. También menciona brevemente las principales escuelas de pensamiento estético modernas como la marxista, fenomenológica y analítica.
Belén cobacho maya exposiciones de ética y estéticaBelnCobachoMaya
El documento presenta una introducción a la estética, definiendo el término y explicando sus principales teorías y autores como Platón, Kant y Hume. Explica conceptos como la belleza, lo sublime, lo trágico, lo cómico y lo grotesco. Define el arte como la creación de un artista que genera experiencias estéticas en el espectador. Finalmente, resume las opiniones de Aristóteles y Hume sobre el arte y cómo es percibido de forma subjetiva.
Material de exclusivo uso interno de la Cátedra de Estética/Fundamentos Estéticos de la Facultad de Bellas Artes, UNLP.
Publicado con fines académicos.
CC Uso permitido con mención de la fuente
Este documento presenta diferentes puntos de vista sobre la estética de varios filósofos y pensadores. Define la estética como la rama de la filosofía que estudia la esencia y percepción de la belleza y el arte. Explica las perspectivas de Platón, Kant, Hegel, Schopenhauer, entre otros, sobre conceptos como la belleza, el arte, la forma y el orden. También discute brevemente la noción de "antiestética" y presenta una nueva definición de arte.
Platón tenía una visión idealista de la belleza. Creía que existían Ideas eternas e inmutables de conceptos como la Belleza y la Justicia. La belleza de los objetos sensibles era solo una imitación de la Belleza verdadera e ideal. Platón distinguía entre una belleza absoluta y objetiva representada por las Ideas, y una belleza relativa en el mundo sensible. También creía que la belleza estaba relacionada con la medida, el orden y la proporción. Su concepción de la belleza influyó en la estética occidental y en la cr
El documento presenta una introducción a las teorías estéticas, comenzando con la consolidación de la estética como disciplina filosófica autónoma gracias a los principios ilustrados. Luego resume las principales ideas de Kant sobre la estética trascendental, incluyendo las formas a priori de la sensibilidad, la sensibilidad como facultad cognoscitiva y el principio de autonomía en el juicio de gusto.
Este documento explora las categorías estéticas de la belleza y la fealdad a través de la historia. Define la belleza como orden, proporción y armonía según los griegos, aunque también reconoce definiciones subjetivas. Examina cómo las concepciones de lo bello han variado culturalmente. Finalmente, argumenta que aunque la fealdad a veces se asocia con lo negativo, también puede tener una dimensión estética legítima como experiencia contraria a la belleza.
Presentación del Capítulo III: "HACIA LA ESTÉTICA DE LOS TIEMPOS DEL TRIUNFO DE LA ESTÉTICA", del libro de Yves Michaud "El arte en estado gaseoso" (2007 [2003]), Ed. FCE.
Este documento resume las perspectivas de varios filósofos sobre la estética y el arte a través de los siglos. Explica que la estética estudia conceptos como la belleza, lo sublime y lo feo. Luego resume brevemente las ideas sobre la estética de Platón, Aristóteles, Kant, Hegel y otros. Finalmente, describe algunas teorías contemporáneas que aplican métodos científicos como la teoría de la información al análisis del arte.
El documento resume las perspectivas de Aristóteles, Hegel, Heidegger y Gadamer sobre la relación entre arte y verdad. Aristóteles considera que el arte puede producir "efectos de verdad" al representar lo universal en lo particular. Hegel sostiene que las obras de arte expresan verdades más profundas que la realidad cotidiana. Para Heidegger, el arte "establece un mundo" y pone en operación la verdad del ente a través de símbolos como la pintura de "Un par de zapatos" de Van Gogh.
El documento resume conceptos clave de la estética como disciplina filosófica, incluyendo definiciones de arte, experiencia estética y actitud estética. También examina las ideas de Platón y Aristóteles sobre el arte como imitación de la naturaleza, y cómo Aristóteles ve a la tragedia griega como purificadora de emociones.
La estética es la disciplina que estudia el origen sistemático del sentimiento puro y su manifestación en el arte. Explora la reflexión sobre los problemas del arte, desde la belleza hasta lo sublime y lo grotesco. A lo largo de la historia, los filósofos han debatido conceptos como belleza, fealdad y lo sublime, pero coinciden en que están relacionados con el espíritu aunque su percepción sea subjetiva.
El documento resume la idea de lo bello en el arte según Hegel. En primer lugar, explica que el arte es una creación del espíritu humano, no de la naturaleza. Luego, señala que el origen del arte radica en la necesidad del ser humano de manifestarse a sí mismo a través de sus obras. Finalmente, indica que el carácter esencial del arte se define en contraste con otras formas de manifestación humana como la política, la religión y la ciencia.
Platón creía que el arte era una imitación de la apariencia de la realidad en lugar de la verdad misma. Tenía dos argumentos principales en contra del arte: 1) El arte no contribuye al fortalecimiento intelectual porque se aleja del mundo de las ideas y solo imita lo sensible. 2) La poesía en particular puede inducir emociones negativas que debilitan la racionalidad en lugar de fortalecerla. Por lo tanto, Platón consideraba que el arte no debía ser una actividad digna de cultivo por los hombres sabios.
El documento presenta evidencias de los conocimientos adquiridos por Talía Vianney Román López en su curso de Psicología II. Incluye títulos sobre performance arte-acción, estética kantiana, ética kantiana y obras de artistas conceptuales como Teresa Margolles que generan controversia al utilizar materiales como grasa humana o agua usada para lavar cadáveres. El documento resume los conceptos clave aprendidos en el curso de una manera organizada y con enlaces a información más detallada.
El documento presenta un resumen de la obra "Crítica del Juicio" de Immanuel Kant. Kant divide la obra en dos partes principales: una sobre el juicio estético y otra sobre el juicio teleológico. En la primera parte, Kant distingue entre lo bello, lo agradable y lo bueno, y define lo bello como aquello que place de manera desinteresada. En la segunda parte, analiza la manera de juzgar las cosas de acuerdo a su finalidad y habla de lo biológico como teleológico.
El documento define los conceptos de estética, arte y artista. La estética estudia la experiencia de lo bello y el arte. El filósofo Alexander Gottlieb Baumgarten usó por primera vez el término "estética" para referirse a la reflexión sobre el arte y la belleza. El arte se define como una creación humana que genera experiencias estéticas en los espectadores. A lo largo de la historia, el artista ha sido visto como un mensajero divino, un genio o un ser enfermizo pero con talento.
Este documento analiza diferentes conceptos relacionados con la estética a lo largo de la historia. Explica que la poiesis, la aisthesis y la catarsis son categorías básicas de la experiencia estética según filósofos como Aristóteles, Platón y Hegel. La poiesis se refiere a la creación artística, la aisthesis a la percepción estética y la catarsis al placer que producen las emociones artísticas. El documento argumenta que estas tres dimensiones deben entenderse como funciones independ
El romanticismo es una revolución artística, política, social e ideológica tan importante que todavía hoy viven muchos de sus principios: libertad, individualismo, democracia, nacionalismo, etc.
El documento trata sobre la estética. Explica que la estética es la rama de la filosofía que estudia la experiencia sensible. Señala que su fundador fue Alexander Baumgarten y que tiene como objeto de estudio el arte, lo natural y lo producido por el hombre. Finalmente, destaca la importancia del conocimiento estético, pues nos permite desarrollar la sensibilidad y conocer nuestra realidad a través de las experiencias estéticas que vivimos día a día.
Sánchez teórico inaugural de epistemología 21011HAV
Este documento presenta una introducción a los fundamentos para construir una epistemología de las artes. Plantea que tradicionalmente se ha entendido que el arte y el conocimiento son conceptos separados, con el arte como subjetivo y el conocimiento como objetivo. Sin embargo, esta visión reduce el campo de acción de ambos conceptos. Propone abordarlos de manera menos absoluta y más contextual, considerando las diferentes dimensiones que han tenido a lo largo de la historia y entre culturas.
El documento trata sobre el tema de la estética desde diferentes perspectivas. Define la estética como el estudio de la esencia y percepción de la belleza y la teoría del arte. Explica que la estética estudia el origen del sentimiento puro y su manifestación en el arte. También analiza cómo la noción de belleza y el campo del arte han evolucionado a través de la historia.
Las principales aportaciones de Sócrates a la estética se agrupan en 5 tesis: 1) La representación de la naturaleza por el arte de forma idealizada pero no exacta, 2) La belleza espiritual que representa el alma y los sentimientos, 3) La belleza depende de la adaptación al fin o función del objeto, y 4) Las proporciones eurítmicas o armónicas entre las partes y el todo.
Este documento discute la estética en la sociedad contemporánea y la ruptura de la verdad preestablecida. Argumenta que la estética se ha transformado a partir de la conceptualización del entorno mediante la comprensión científica-conceptual del contexto histórico. También critica las teorías de Lukács y otros por no considerar plenamente la percepción verbal y el papel de la educación y la cultura en la estética.
El documento presenta las opiniones de Platón y Aristóteles sobre el arte. Platón creía que el arte es imitativo pero no enseña nada ni cumple un papel importante en la sociedad. Aristóteles creía que el arte satisface la necesidad humana de aprender a través de la imitación. También define el arte de manera transhistórica como un objeto que posee estructura expresiva y cualidades cualitativas que son transmitidas sensorial e imaginativamente de manera directa o evocativa, creando un todo autotélico aunque permanezca como parte
Este documento discute cómo el arte en Occidente se desarrolló como una producción de la élite guiada por la racionalidad. Desde el período Helenístico, el arte griego dejó de ser la materialización de mitos y se convirtió en alegorías evaluadas bajo principios racionales como la identidad y no contradicción. Este enfoque elitista del arte y la razón se extendió a través de la filosofía de Aristóteles y Platón y dio forma al pensamiento moderno. Las vanguardias artísticas también mant
El documento resume los principales conceptos de la estética como disciplina filosófica. Explica que la estética estudia el arte y la belleza, y cómo estas revelan aspectos de la naturaleza humana. También analiza conceptos como la experiencia estética, la actitud estética y la comunicación artística. Por último, revisa las ideas de Platón y Aristóteles sobre el arte como imitación de la naturaleza.
Presentación del Capítulo III: "HACIA LA ESTÉTICA DE LOS TIEMPOS DEL TRIUNFO DE LA ESTÉTICA", del libro de Yves Michaud "El arte en estado gaseoso" (2007 [2003]), Ed. FCE.
Este documento resume las perspectivas de varios filósofos sobre la estética y el arte a través de los siglos. Explica que la estética estudia conceptos como la belleza, lo sublime y lo feo. Luego resume brevemente las ideas sobre la estética de Platón, Aristóteles, Kant, Hegel y otros. Finalmente, describe algunas teorías contemporáneas que aplican métodos científicos como la teoría de la información al análisis del arte.
El documento resume las perspectivas de Aristóteles, Hegel, Heidegger y Gadamer sobre la relación entre arte y verdad. Aristóteles considera que el arte puede producir "efectos de verdad" al representar lo universal en lo particular. Hegel sostiene que las obras de arte expresan verdades más profundas que la realidad cotidiana. Para Heidegger, el arte "establece un mundo" y pone en operación la verdad del ente a través de símbolos como la pintura de "Un par de zapatos" de Van Gogh.
El documento resume conceptos clave de la estética como disciplina filosófica, incluyendo definiciones de arte, experiencia estética y actitud estética. También examina las ideas de Platón y Aristóteles sobre el arte como imitación de la naturaleza, y cómo Aristóteles ve a la tragedia griega como purificadora de emociones.
La estética es la disciplina que estudia el origen sistemático del sentimiento puro y su manifestación en el arte. Explora la reflexión sobre los problemas del arte, desde la belleza hasta lo sublime y lo grotesco. A lo largo de la historia, los filósofos han debatido conceptos como belleza, fealdad y lo sublime, pero coinciden en que están relacionados con el espíritu aunque su percepción sea subjetiva.
El documento resume la idea de lo bello en el arte según Hegel. En primer lugar, explica que el arte es una creación del espíritu humano, no de la naturaleza. Luego, señala que el origen del arte radica en la necesidad del ser humano de manifestarse a sí mismo a través de sus obras. Finalmente, indica que el carácter esencial del arte se define en contraste con otras formas de manifestación humana como la política, la religión y la ciencia.
Platón creía que el arte era una imitación de la apariencia de la realidad en lugar de la verdad misma. Tenía dos argumentos principales en contra del arte: 1) El arte no contribuye al fortalecimiento intelectual porque se aleja del mundo de las ideas y solo imita lo sensible. 2) La poesía en particular puede inducir emociones negativas que debilitan la racionalidad en lugar de fortalecerla. Por lo tanto, Platón consideraba que el arte no debía ser una actividad digna de cultivo por los hombres sabios.
El documento presenta evidencias de los conocimientos adquiridos por Talía Vianney Román López en su curso de Psicología II. Incluye títulos sobre performance arte-acción, estética kantiana, ética kantiana y obras de artistas conceptuales como Teresa Margolles que generan controversia al utilizar materiales como grasa humana o agua usada para lavar cadáveres. El documento resume los conceptos clave aprendidos en el curso de una manera organizada y con enlaces a información más detallada.
El documento presenta un resumen de la obra "Crítica del Juicio" de Immanuel Kant. Kant divide la obra en dos partes principales: una sobre el juicio estético y otra sobre el juicio teleológico. En la primera parte, Kant distingue entre lo bello, lo agradable y lo bueno, y define lo bello como aquello que place de manera desinteresada. En la segunda parte, analiza la manera de juzgar las cosas de acuerdo a su finalidad y habla de lo biológico como teleológico.
El documento define los conceptos de estética, arte y artista. La estética estudia la experiencia de lo bello y el arte. El filósofo Alexander Gottlieb Baumgarten usó por primera vez el término "estética" para referirse a la reflexión sobre el arte y la belleza. El arte se define como una creación humana que genera experiencias estéticas en los espectadores. A lo largo de la historia, el artista ha sido visto como un mensajero divino, un genio o un ser enfermizo pero con talento.
Este documento analiza diferentes conceptos relacionados con la estética a lo largo de la historia. Explica que la poiesis, la aisthesis y la catarsis son categorías básicas de la experiencia estética según filósofos como Aristóteles, Platón y Hegel. La poiesis se refiere a la creación artística, la aisthesis a la percepción estética y la catarsis al placer que producen las emociones artísticas. El documento argumenta que estas tres dimensiones deben entenderse como funciones independ
El romanticismo es una revolución artística, política, social e ideológica tan importante que todavía hoy viven muchos de sus principios: libertad, individualismo, democracia, nacionalismo, etc.
El documento trata sobre la estética. Explica que la estética es la rama de la filosofía que estudia la experiencia sensible. Señala que su fundador fue Alexander Baumgarten y que tiene como objeto de estudio el arte, lo natural y lo producido por el hombre. Finalmente, destaca la importancia del conocimiento estético, pues nos permite desarrollar la sensibilidad y conocer nuestra realidad a través de las experiencias estéticas que vivimos día a día.
Sánchez teórico inaugural de epistemología 21011HAV
Este documento presenta una introducción a los fundamentos para construir una epistemología de las artes. Plantea que tradicionalmente se ha entendido que el arte y el conocimiento son conceptos separados, con el arte como subjetivo y el conocimiento como objetivo. Sin embargo, esta visión reduce el campo de acción de ambos conceptos. Propone abordarlos de manera menos absoluta y más contextual, considerando las diferentes dimensiones que han tenido a lo largo de la historia y entre culturas.
El documento trata sobre el tema de la estética desde diferentes perspectivas. Define la estética como el estudio de la esencia y percepción de la belleza y la teoría del arte. Explica que la estética estudia el origen del sentimiento puro y su manifestación en el arte. También analiza cómo la noción de belleza y el campo del arte han evolucionado a través de la historia.
Las principales aportaciones de Sócrates a la estética se agrupan en 5 tesis: 1) La representación de la naturaleza por el arte de forma idealizada pero no exacta, 2) La belleza espiritual que representa el alma y los sentimientos, 3) La belleza depende de la adaptación al fin o función del objeto, y 4) Las proporciones eurítmicas o armónicas entre las partes y el todo.
Este documento discute la estética en la sociedad contemporánea y la ruptura de la verdad preestablecida. Argumenta que la estética se ha transformado a partir de la conceptualización del entorno mediante la comprensión científica-conceptual del contexto histórico. También critica las teorías de Lukács y otros por no considerar plenamente la percepción verbal y el papel de la educación y la cultura en la estética.
El documento presenta las opiniones de Platón y Aristóteles sobre el arte. Platón creía que el arte es imitativo pero no enseña nada ni cumple un papel importante en la sociedad. Aristóteles creía que el arte satisface la necesidad humana de aprender a través de la imitación. También define el arte de manera transhistórica como un objeto que posee estructura expresiva y cualidades cualitativas que son transmitidas sensorial e imaginativamente de manera directa o evocativa, creando un todo autotélico aunque permanezca como parte
Este documento discute cómo el arte en Occidente se desarrolló como una producción de la élite guiada por la racionalidad. Desde el período Helenístico, el arte griego dejó de ser la materialización de mitos y se convirtió en alegorías evaluadas bajo principios racionales como la identidad y no contradicción. Este enfoque elitista del arte y la razón se extendió a través de la filosofía de Aristóteles y Platón y dio forma al pensamiento moderno. Las vanguardias artísticas también mant
El documento resume los principales conceptos de la estética como disciplina filosófica. Explica que la estética estudia el arte y la belleza, y cómo estas revelan aspectos de la naturaleza humana. También analiza conceptos como la experiencia estética, la actitud estética y la comunicación artística. Por último, revisa las ideas de Platón y Aristóteles sobre el arte como imitación de la naturaleza.
Este documento discute la relación entre el arte, la élite y la racionalidad a lo largo de la historia occidental. Argumenta que desde el período helenístico, el arte ha sido producido principalmente por una élite y ha estado guiado por principios de racionalidad. También sugiere que aunque las vanguardias del siglo XX rechazaron la sociedad de clases, aún mantuvieron una distancia estética e intelectual del resto de la sociedad y fueron producidas selectivamente por una élite. Finalmente, explora cómo la noción de rac
Belleza apariencia e intuición en la teoría estética wilmar de jesus diazacuarela46
Este documento resume las ideas estéticas y la teoría del arte del filósofo alemán Theodor Adorno. Adorno ve el arte como una resistencia a la cosificación y alineación bajo el capitalismo, mostrando la muerte del arte alejado de la sociedad e historia. Para Adorno, el arte enfrenta su materia mortal de forma opuesta a la espiritualización propuesta por Hegel, incorporando lo empírico y contextual. Adorno también considera la dialéctica entre el pensamiento y el arte, y cómo la experiencia estética debe involucrar una
Belleza apariencia e intuición en la teoríaacuarela46
Teodor Adorno fue un filósofo alemán considerado uno de los máximos representantes de la Escuela de Fráncfort y la teoría crítica marxista. Para Adorno, el arte experimenta una agonía y resistencia bajo el capitalismo, que conduce a la cosificación y alienación, alejándolo de la sociedad e historia. Sin embargo, el arte no muere sino que encuentra su materia mortal a través de lo empírico y real, enfrentando su contradicción inherente. Adorno concibe el arte de manera diferente a Hegel, vié
Este documento resume conceptos clave de la hermenéutica y la estética según autores como Gadamer, Heidegger y Husserl. Explora las bases de la hermenéutica filosófica de Gadamer y cómo las categorías hermenéuticas son aplicables al arte. También describe conceptos como Dasein, poesía, obra de arte y el círculo hermenéutico según las ideas de estos pensadores.
La belleza ha sido estudiada por filósofos griegos como Pitágoras y Platón. Platón consideraba que la belleza verdadera reside en el alma y solo puede accederse a través del conocimiento. Aristóteles definió el arte como la imitación de objetos naturales pero con el propósito de completar lo que la naturaleza no puede lograr. A través de la historia, el concepto de arte ha variado pero siempre ha sido una forma de expresión humana.
1. El documento describe la evolución del pensamiento filosófico sobre el arte y sus clasificaciones desde la antigua Grecia hasta el siglo XX. En la antigua Grecia, Platón y Aristóteles establecieron las bases para entender el arte como imitación y como técnica. En la Edad Media, san Agustín concibió el arte como una actividad del alma guiada por Dios para alcanzar la belleza y la verdad. En el siglo XX surgieron cuatro corrientes para clasificar el arte: tradicionalista, cientificista, sociol
Pensamiento salvaje capitulo 1: la ciencia de lo concretowernercito Pinedo
Lévi-Strauss argumenta que el llamado "pensamiento salvaje" de las sociedades indígenas no es inferior al pensamiento de las sociedades modernas, sino que implica formas sofisticadas de clasificación y ordenamiento del mundo natural. El conocimiento indígena de plantas y animales no se basa solo en su utilidad práctica, sino en una necesidad intelectual de introducir significado mediante agrupaciones. Del mismo modo, los mitos y ritos indígenas no son primitivos sino sistemas bien articulados de observación y reflexión
Este documento presenta varias teorías sobre el arte. Explica que la teoría formalista divide el arte en tres factores: periodo histórico, actividad filosófica y movimiento artístico. También describe la teoría posmodernista, la cual ve la realidad como algo construido socialmente donde no hay verdades absolutas. Por último, explica que el arte en el siglo XXI avanza hacia la ciencia y tecnología, permitiendo mayor libertad de expresión artística e impulsando cambios sociales.
El documento discute la relación entre arte, vanguardia y racionalidad, centrándose en el cine militante argentino de los años 1960. Argumenta que el cine militante puede considerarse una vanguardia por rechazar el modelo socioeconómico latinoamericano e impulsar el arte como herramienta revolucionaria, aunque sus ideas eran monopolizadas por intelectuales de élite. También explora cómo desde la Grecia antigua se estableció una mediación discursiva del arte controlada por principios racionalistas de identidad, no contradicción
Este documento resume el capítulo 1 del libro "La transfiguración del lugar común" de Arthur Danto, en el que explora la distinción entre obras de arte y meros objetos. Danto presenta el caso de un cuadrado rojo creado por "J" y argumenta que no es una obra de arte a pesar de ser creado por un artista. Luego discute las teorías mimética y antimimética del arte y concluye que son las convenciones sociales las que determinan qué es considerado arte.
Este documento presenta una introducción a la apreciación artística. Explica que la estética es la rama de la filosofía relacionada con la percepción de la belleza y la fealdad. A lo largo de la historia, diferentes filósofos han propuesto teorías sobre la estética, como Platón, Aristóteles y Santo Tomás de Aquino. En los siglos XVIII y XIX, la estética se centró en el arte como imitación de la naturaleza, aunque los movimientos de vanguardia del siglo XX c
El manifiesto Dadaísta de Tristán Tzara expresa las ideas fundamentales del movimiento Dada, como rechazar sistemas y lógica establecida, promover la espontaneidad y la individualidad artística por encima de toda belleza o moral convencional. Dada busca destruir las normas de la sociedad burguesa a través de un arte sin sentido y caótico. El manifiesto Surrealista de André Breton define el surrealismo como la expresión del pensamiento mediante el automatismo psíquico, rechazando la raz
Este documento resume conceptos clave de la hermenéutica y la estética. Explica cómo autores como Heidegger, Gadamer y Hegel entienden la obra de arte y la interpretación desde una perspectiva ontológica y hermenéutica, más que subjetiva. También analiza cómo la noción de "juego" permite superar la dicotomía sujeto-objeto en la comprensión de la verdad y el arte.
Platón vivió en una época de cambios políticos en Atenas que afectaron la democracia. Influenciado por Sócrates, propuso que los filósofos gobiernen o que los gobernantes sean filósofos. El mito de la caverna resume su teoría de las ideas, donde el mundo sensible es como sombras y el mundo de las ideas es la verdadera realidad conocida a través de la filosofía.
Este documento resume las diferentes perspectivas y teorías sobre el arte que surgieron entre los siglos XVIII y XX. Explica que en el romanticismo se consideró al arte como la expresión espontánea de las emociones del artista. Más tarde, autores como Schopenhauer, Wagner y Baudelaire analizaron la relación entre arte, belleza, voluntad y sociedad. Finalmente, en el siglo XX surgió el estudio psicológico del arte a través de Freud y Jung, quienes vincularon el arte a los deseos y arquetipos del
Nietzsche argumenta que la cultura occidental es nihilista porque dirige sus pasiones y esperanzas a algo inexistente como Dios o el mundo ideal platónico, despreciando la única realidad que es el mundo sensible. Platón culpabiliza al mundo sensible por miedo a la muerte y crea un mundo verdadero eterno e inmutable para consuelo. El cristianismo continúa esta metafísica nihilista y decadente. Para Nietzsche, el mundo en su devenir es inocente más allá del bien y el mal.
Nietzsche criticó las ideologías dominantes de su época como el liberalismo y el marxismo. También se opuso al positivismo filosófico y valoró más el arte y la música como formas de entender la realidad. Introdujo conceptos como lo dionisíaco, la inocencia del devenir, el nihilismo activo y pasivo, y propuso una transmutación de valores para reemplazar la moral cristiana contranatural por una moral que afirme la vida.
Similar a Aristóteles, Platón y el mimo moderno (20)
Este documento discute las diferencias entre mimo y pantomima desde una perspectiva semiótica y lingüística. Explica que la pantomima usa gestos para traducir palabras de forma literal, mientras que el mimo busca expresar sentimientos con todo el cuerpo. También analiza las técnicas del mimo moderno de Decroux y el mimo clásico/pantomima de Marcel Marceau, y propone que el intérprete sea consciente de los procesos semióticos para crear lenguajes en los ejes metonímico y
El cuerpo humano cuenta con tres estructuras generales para activar la expresión: la macro, la meso y la micro-gestualidad. La primera corresponde a los hábitos expresivos y es desarrollada con el tiempo, la segunda a las estructuras corporales grandes que se desplazan en el espacio y la tercera a los segmentos pequeños.
El cuerpo humano cuenta con tres estructuras generales para activar la expresión: la macro, la meso y la micro-gestualidad. La primera corresponde a los hábitos expresivos y es desarrollada con el tiempo, la segunda a las estructuras corporales grandes que se desplazan en el espacio y la tercera a los segmentos pequeños.
Obras cortas de teatro y pantomima de Petronio CáceresColectivo Arista
Cuatro obras cortas. Dos de teatro y dos de pantomima escritas por el maetro Petronio Cáceres.
Se ruega comunicarse con el autor antes de descargar el trabajo o montarlo.
Este documento explica cómo trabajar con imágenes para sitios web, incluyendo formatos como GIF y JPG. Recomienda procesar las imágenes antes de subirlas al sitio para reducir su tamaño y peso. Explica cómo insertar imágenes en HTML usando la etiqueta <img> y sus parámetros como src, alt, width y height.
Este documento describe la importancia del bloque de cierre en un aula virtual y los roles del cierre para la institución, el tutor y el estudiante. Explica que el cierre debe permitir que cada parte cierre el ciclo y se retroalimente. Para el estudiante, es un momento para aclarar dudas y desahogarse. Para el tutor, es una oportunidad para evaluar su desempeño y recibir comentarios. El cierre consta de negociación y retroalimentación para que el tutor tenga indicadores sobre cuándo terminar
José Luis Jiménez Rodríguez
Junio 2024.
“La pedagogía es la metodología de la educación. Constituye una problemática de medios y fines, y en esa problemática estudia las situaciones educativas, las selecciona y luego organiza y asegura su explotación situacional”. Louis Not. 1993.
La Unidad Eudista de Espiritualidad se complace en poner a su disposición el siguiente Triduo Eudista, que tiene como propósito ofrecer tres breves meditaciones sobre Jesucristo Sumo y Eterno Sacerdote, el Sagrado Corazón de Jesús y el Inmaculado Corazón de María. En cada día encuentran una oración inicial, una meditación y una oración final.
Examen de Selectividad. Geografía junio 2024 (Convocatoria Ordinaria). UCLMJuan Martín Martín
Examen de Selectividad de la EvAU de Geografía de junio de 2023 en Castilla La Mancha. UCLM . (Convocatoria ordinaria)
Más información en el Blog de Geografía de Juan Martín Martín
http://blogdegeografiadejuan.blogspot.com/
Este documento presenta un examen de geografía para el Acceso a la universidad (EVAU). Consta de cuatro secciones. La primera sección ofrece tres ejercicios prácticos sobre paisajes, mapas o hábitats. La segunda sección contiene preguntas teóricas sobre unidades de relieve, transporte o demografía. La tercera sección pide definir conceptos geográficos. La cuarta sección implica identificar elementos geográficos en un mapa. El examen evalúa conocimientos fundamentales de geografía.
1. Aristóteles y Platón en el mimo
24 de octubre de 2012 a la(s) 0:29
En esta búsqueda del sentido del mimo y su técnica a partir de movimientos contrarios he
encontrado que desde Platón y Aristóteles existe una polarización de fuerzas que a la vez
son contrarias y complementarias. Parece ser que el pensamiento occidental gira alrededor
de esta lógica de opuestos que a través de la historia han sido resignificadas pero siempre
mantienen este juego dialéctico. Para Aristóteles la esencia se encuentra en la misma
materia, en este mundo, mientras que Platón busca la esencia fuera del objeto, en el mundo
de las ideas. Por un lado tenemos un pensamiento desde la materia, que intenta encontrar
las respuestas en el mismo lugar y tiempo y por el otro una forma de encontrar estas
respuestas en el mundo de las ideas y no en el real. Por esta razón puede considerarse a
Aristóteles materialista y presente en la realidad circundante. Puede ser una forma de ver el
mundo dentro de su propia lógica y leyes. Platón tiene una mirada idealista, busca las
respuestas fuera del mundo real, en el pensamiento.
¿Pero dónde queda el arte? Los griegos no separan el arte de la técnica ya que el arte es un
saber hacer. El arte es técnica, como las otras ciencias, pero la diferencia está en la forma
de ver la obra de arte. Aristóteles busca lo esencial en la misma obra a través de la mímesis,
que es una práctica, mientras que Platón ve el peligro en el arte al interpretar esa mímesis
como un reflejo torcido de del mundo real afectando el mundo de las ideas. Para Platón el
arte puede mostrar, de una manera deformada, la realidad de los dos mundos.
Inicialmente, en el mundo occidental, tenemos esta lucha de fuerzas de concepción del
arte. Mientras Aristóteles institucionaliza el arte y la regula, determinando los tipos de
representación y clasificación, Platón ve en el arte la posibilidad de perder el control a
causa de una representación que no refleje la realidad. Sin embargo los dos comparten la
idea de que el Arte puede ser la que despierte pasiones y esto, para los dos filósofos, es
peligroso ya que rompen el orden establecido.
En esta primera reflexión podemos encontrar lo que Descartes separa como objeto y sujeto.
Lo objetivo relacionado con la búsqueda de la verdad, la razón, el mundo de los objetos y la
ciencia y lo subjetivo como lo sensible, perceptivo, no material o el mundo de los estados
mentales. Para Descartes hay un solo mundo, una sola realidad que es la que vivimos,
2. vemos y sentimos. La razón se unió a la praxis y la pasión se quedó en lo subjetivo. Esta
lógica ha sido, de cierta manera, la base de la modernidad que hasta ahora persiste y que
divide la ciencia del arte, lo utilitario y lo no utilitario.
En Kant encuentro este mismo juego de fuerzas contrapuestas cuando diferencia a la obra
de arte de los objetos utilitarios, la contemplación interesada y desinteresada permite definir
cuando una obra es arte. El análisis se hace desde el objeto y del que lo mira. Podemos
relacionar pensamientos con el de Descartes y concluimos que lo objetivo está relacionado
con el uso práctico, el utensilio, mientras que lo subjetivo se refiere a lo no útil, lo no
usable. El arte entra dentro de estos parámetros ya que no tiene una utilidad práctica,
únicamente está para ser contemplada desinteresadamente.
También vemos una contraposición de fuerzas cuando Kant plantea la diferencia entre lo
bello y lo sublime. Lo bello siempre es armónico, vivo, con luz, con sentimientos de alegría
mientras que lo sublime algunas veces se contrapone a lo bello irrumpiendo y modificando
su estado. Lo sublime es lo oscuro, lo conmovedor, la ambición y lo profundo.
Si comparamos con el pensamiento aristotélico, este es bello, mientras lo que Platón piensa
del arte es sublime. El primero es conservador y busca lo armónico en la naturaleza
mientras que lo platónico denuncia al arte como contrastante y conmovedora. El hecho de
buscar la esencia en otro lugar que no sea este espacio físico lo hace sublime, deformando
la realidad y rompiendo la cotidianidad.
Al momento de concebir lo utilitario de lo no utilitario o lo objetivo de lo subjetivo nacen
las fuerzas opuestas que separan el arte de la ciencia y en esa búsqueda de la verdad desde
la ciencia como impulso modernizador, el arte va siendo relegada a un plano secundario en
la vida. La verdad y su confirmación por medio de la ciencia se convierten en la ley común
para lograr la civilización del hombre. Es lo instituido y universal y como universal debe
ser en todo el mundo que se considere moderno. Sin embargo lo subjetivo siempre irrumpe
y determina cambios importantes en la historia y si el arte es subjetivo, es una herramienta
para romper lo institucionalizado. El arte es la que marca otros caminos, irrumpe lo
cotidiano, subvierte lo hegemónico.
Hegel Deja ver estas fuerzas al comprender el mundo desde una dialéctica del amo y el
esclavo, donde el amo es la institución, la ciencia, lo objetivo y el esclavo representa la
3. subjetividad que intenta ser permanentemente subordinada. El arte nuevamente irrumpe
para dejar ver lo que la ciencia no permite. Sin embargo cuando el esclavo puede volverse
amo y en ese momento se institucionaliza, se convierte en la nueva verdad pero necesita del
esclavo para sobrevivir o justificar su existencia. Me permito interpretar cómo el amo
puede ser visto como lo aristotélico, lo establecido, lo convencional y el esclavo como la
concepción platónica que de pronto irrumpe o intenta surgir en lo establecido, buscando
respuestas desde otros puntos de vista o desde otras concepciones y no las impuestas por la
universalidad.
Kant habla sobre lo bello y lo sublime y en estas categorías estéticas encuentro la misma
relación. Lo bello como lo aristotélico, lo establecido y aceptado, mientras que lo sublime
rompe el equilibrio de lo bello. No es una constante, aparece en momentos dejándose ver.
Lo sublime conmueve.
Nietzsche también interpreta estas fuerzas desde lo apolíneo y lo dionisiaco. El primero
tiene relación con lo aristotélico, con el amo y con lo bello kantiano. Dionisio es el dios
muerto que irrumpe, sublime, intentando burlar al amo. Nuevamente las fuerzas
contrapuestas aparecen en una lucha eterna. Hasta aquí todos los filósofos coinciden de
cierta manera que el arte es peligroso para el poder mientras no se encuentre controlada. Si
el arte irrumpe pone en peligro la continuidad del orden establecido.
Heidegger da cuenta de esta dinámica y la importancia de su pensamiento radica en que
intenta aproximar las dos fuerzas donde el ser humano histórico es el principal protagonista.
El arte parece ser la solución. Determina una relación del hacer artístico, posiblemente
justifica este hacer, con los procesos científicos. Lo platónico y lo aristotélico confluyen en
un mismo espacio y tiempo histórico donde se manifiesta sin irrumpir bruscamente. La
teoría del arte es la encargada de encontrar el camino para justificar este acercamiento. La
idea está en encontrar el fundamento de las cosas, de los fenómenos, desde el ser en el
tiempo.
El problema para Heidegger es la técnica, ya que ella no permite pensar, solamente
reproducir. La técnica se separa de la ciencia y el arte se encuentra en el medio. La técnica
no permite reflexionar sobre el ser. Para Heidegger el ser es el principal actor de la
sociedad pero la técnica no permite ser consiente ni hacer ciencia ni arte. El utensilio es una
4. cosa producto de la técnica que oculta en su práctica la realidad histórica pero la obra de
arte no es un utensilio.
La obra de arte, al estar entre ciencia y técnica sin definirse, crea un mundo completo y lo
que permite es develar, mostrar la vivencia, el hacer y reflexionar problematizando la
experiencia. No se oculta en la técnica, se muestra completamente independiente de esta.
La obra de arte es ser en sí misma, es una cosa dada forma que se justifica a sí misma y
habla del mundo histórico. Por eso la obra de arte tiene vida propia y puede ser separado de
la ciencia y la técnica sin desligarse al mismo tiempo.
Para Heidegger la subjetividad tiene un fundamento en la filosofía e intenta objetivizarla a
partir del hacer histórico del ser humano. En mi concepto justifica todo hacer del hombre
histórico desde la ciencia, desde lo aristotélico o desde una visión del amo.
Como respuesta a estos pensamientos tenemos a Adorno que regresa a la idea de separar la
relación entre institución de lo no establecido. Esto lo hace planteando una dialéctica de la
ilustración donde demuestra cómo la razón es la causante de la barbarie humana.
Nuevamente la lucha de fuerzas contrapuestas. Heidegger busca la fundamentación en la
ciencia para la acción humana mientras que Adorno ve en este acto la barbarie apoyada por
la razón y la objetivación. Por eso Adorno ve la salida en el arte como forma subjetiva de
irrumpir en la racionalidad.
Para Adorno la técnica ha subordinado a la ciencia y esto la convierte en una herramienta
del poder o de la institución y convierte a la ciencia en observadora neutral permitiendo la
barbarie del instrumentalismo técnico anulando también al individuo. El progreso es
sinónimo de barbarie y también es reafirmar el dominio sobre la naturaleza que enajena al
hombre. La obra de arte es convertida en mercancía gracias a la industria cultural que
estandariza el consumo y haciendo que el individuo cancele la experiencia y por medio de
este mercado dar imaginando el mundo. El ser humano encuentra placer, ya no en el arte,
en la posibilidad de adquirir objetos.
Adorno contrapone la idea del arte producida dentro de la industria cultural. Cree que de
esta manera mata el arte. La moda es una forma de consumo de masas donde el arte es
usada para agradar a la sociedad y el capitalismo alimenta esta forma de visión del mundo.
5. Nuevamente la lucha de contrarios, el juego dialéctico entre el arte y la industria cultural se
hace presente.
Benjamin coincide con las ideas de Adorno sobre la industria cultural pero introduce un
elemento importante en el hacer arte y en la obra misma que es la técnica. Cómo la obra de
arte pierde su autenticidad y se convierte en mercancía para las masas. La posibilidad de
reproducir arte técnicamente hace que la obra pierda su áurea, su historicidad.
Hasta aquí he realizado una vista rápida de este juego dialéctico entre lo cotidiano y no
cotidiano. La lucha de dos fuerzas productoras de la dialéctica ha sido una constante y de
alguna manera este juego binario ha permitido reformular la relación del arte en la
sociedad. Si visualizamos desde el mimo podemos encontrar que este siempre ha
compartido estos procesos dialécticos. En el renacimiento, la Comedia del Arte era lo que
irrumpía con lo establecido. Posteriormente la industria cultural se apropia o acoge las
prácticas de La Comedia del Arte, institucionalizándolas. En ese momento Pierde fuerza el
teatro de calle y resurge el de salón. Lo dionisíaco se vuelve apolíneo convirtiéndolo en
bello. Sin embargo resurgen manifestaciones del arte no oficial, sublimes, conmovedoras,
que vuelven a cuestionar a las instituciones culturales.
El arte ha sido una forma de subvertir lo institucionalizado y la pantomima tiene ahí su
razón de aparecer en momentos concretos de la historia.
Mi punto de partida es Pierrot, personaje arquetipo de La Comedia del Arte que en el
renacimiento era considerada subversiva y es excluida de la clase erudita. La Comedia del
Arte puede ser considerada como platónica, esclava y dionisiaca. Era una forma de
representar el mundo que habitaban. Por mucho tiempo lucha contra los cánones
establecidos por la industria cultural y la burla y la mofa muestran al pueblo las debilidades
del poder.
A finales del siglo XIX e inicios del XX la pantomima en Europa fue considerada como
una actividad exclusiva de juglares y comediantes callejeros. Se encontraba mimos en los
circos, las plazas y ferias. Era una hermana menor del teatro y exclusiva del pueblo. Eran
muy escasos y los pocos que quedaban eran presentados como parte de espectáculos de
atracciones junto a la mujer barbuda y al hombre más grande del mundo. Las temáticas de
sus historias se centraban en el amor, el deseo y el golpe como recurso de humor. Sus
6. gestos estaban concentrados en describir o reemplazar a la palabra acompañando la
gesticulación facial. El personaje tradicional de la pantomima popular era Pierrot,
proveniente de La Comedia del Arte y existieron muchos de ellos interpretados por varios
mimos. Como dice Ibern (2004) "La pantomima arlequinada es parte de los espectáculos
que ofrecen las familias circenses." (p.13). La pantomima pertenecía a un grupo social de
una cultura no oficial o cultura popular a la que tenían acceso también la clase alta. (Burke,
2000). La fuerza hegemónica casi hace desaparecer esta disciplina.
Según la historia oficial no se dice con certeza por qué fueron desapareciendo los mimos o
si al no estar aceptados en la industria cultural, que era exclusiva de una clase alta (Burke),
por considerarlos populares, no se los tomó en cuenta dentro de la historia oficial del teatro.
En Paris, para ese tiempo centro del mundo occidental y cuna del arte y las vanguardias, la
alta sociedad frecuenta los teatros en busca de la verdad escénica pero su llegada será
posterior. Las compañías teatrales, según Borja (2008) "… la escena francesa estaba
dominada por un tipo de interpretación que Copeau llamaba cabotinage[1] y que presentaba
al actor de manera afectada, decididamente falsa y con un punto de sobreactuación…"
(p.215), se dedicaban a viajar de pueblo en pueblo ofreciendo un teatro sobreactuado y de
mediocre calidad. Jaques Copeau, director y crítico teatral y consiente del surgimiento de
las vanguardias, decide cambiar el rumbo del teatro proponiendo una nueva forma de
hacerlo. Se agrupa con varios actores y actrices y forma la Vieux Colombier, un colectivo
que a su vez funcionaba como escuela de formación. Vieux Colomber tiene tanto éxito que
inmediatamente es aceptado en el círculo artístico Parisino. Etienne Decroux, en ese tiempo
estudiante de la escuela de Copeau, cuenta en sus memorias cómo los vehículos se
agolpaban fuera de las instalaciones y muchas personas de la alta sociedad ingresaban a
tener una clase con el maestro (Palabras sobre el mimo, 1990). Pero la propuesta de Copeau
era contraria a la industria cultural. Reconoce al cuerpo como elemento primordial de la
escena y esto convulsiona el teatro.
Borja indica tres cambios planteados por Copeau: El primero, que hace referencia al tema
del mimo y la pantomima, es que destaca el cuerpo como eje de la expresión dramática. El
segundo consiste en ver al teatro como arte para ser realizado en comunidad. El tercero la
necesidad de redescubrir un teatro popular y consistía en crear un nuevo género teatral
7. tomando como referencia La Comedia del Arte. Lo llamaría La nueva Comedia
Improvisada. Un teatro para realizarlo al aire libre, sin nada de utilería, usando el cuerpo
como único elemento expresivo y el acercar el teatro “…física, emocional e
intelectualmente al público de a pié” (Borja, 2008, pág.: 228). El proyecto nunca se
cristalizó pero otras agrupaciones siguieron intentándolo luego de la II Guerra Mundial.
Para las década de los 30 y 40, no he conseguido información sobre la existencia de mimos.
Decroux era reconocido como actor de cine y junto a su discípulo Jean Louis Barrault
filman en 1945 la película los niños del paraíso bajo la dirección de Marcel Carne. Una
historia donde Barrault interpreta a un actor que representa a Pierrot. Renace, de alguna
manera, la imagen del mimo popular desde el cine y lo convierte en clásico. De alguna
manera la industria cultural sirve de impulso para el resurgimiento del mimo dentro de su
maquinaria. Posteriormente Barrault interpretará en escena a Pierrot por algunos años,
siendo el último de su clase en el siglo XX pero el que daría pié a la difusión del mimo.
Por otro lado, Decroux abre su escuela antes y después de la guerra y centró sus estudios en
lograr imágenes metafóricas con el cuerpo a partir del uso del tronco como único segmento
con la capacidad de expresar. Los brazos y la cara no son tomadas en cuenta ya que evocan
una comunicación descriptiva y para Decroux su función es de acompañamiento del tronco.
La pantomima moderna da sus primeros pasos y a mi criterio pudo ser bien vista por la
cultura erudita ya que Decroux venía de una institución reconocida.
Se convierte su escuela en un lugar cerrado, con muestras a muy pocas personas, solamente
los privilegiados podías acceder a estos trabajos. Decroux formaba mimos con una gran
habilidad corporal y expresiva. Tan exigente se vuelve el trabajo de Decroux que se da
cuenta que todo lo logrado sobre gramática corporal durante años de investigación solo es
el inicio de todo un universo estético. Decroux se convierte en un referente del cuerpo
permitiendo a Eugenio Barba, Jaques Lecoq y Peter Brook desarrollar sus teorías sobre
antropología teatral, el cuerpo poético y la transparencia del actor respectivamente. Tres
corrientes que en la actualidad han conseguido un lugar importante en el círculo erudito de
la industria cutral. Lo interesante es que estas propuestas nacen de las inquietudes
cuestionadoras de la misma industria.
8. De la escuela de Decroux surge el mimo más famoso de todo el siglo XX: Marcel Marceau.
Este mimo difunde la pantomima a nivel mundial pero no desde la mima corporal, lo hace
retomando al mimo descriptivo y reconceptualizando a Pierrot. Crea su propio personaje,
Bip, y sin caer en la descripción literaria del gesto construye pantomimas que basan su
historia en lo cotidiano pero dejando a un lado el chiste fácil, sexual o el golpe. Es un mimo
culto pero con una cercanía a lo popular por su fácil comprensión del lenguaje e inspira
nuevamente a practicar esta tendencia por todo el mundo.
Lo interesante es que el mimo moderno recoge, desde su nacimiento, estas fuerzas
contrapuestas. Decroux, desde el dinamo ritmo: lo fundido como lo apolíneo y lo brusco
como lo dionisíaco; Barba el anima y el animus con la misma relación anterior; Lecoq el
ondulado y el contra ondulado y todos ellos el juego de peso y contrapeso. Propuestas
técnicas que dejan ver la lucha de contrarios a través del movimiento. La práctica del
mimo, que nace en Europa, refleja el pensamiento occidental y esta lucha de fuerzas
contrarias.
El mimo moderno, en la práctica, tiene un fundamento filosófico y es necesario
comprenderlo no solo en la praxis, también en lo técnico ya que esto puede dar un sustento
teórico y un mejor entendimiento de esta disciplina.
Bibliografía
Aristóteles. (1974) Poética Madrid. Editorial Gredos
Aristóteles. (2007) Metafísica Madrid. Espasa Calpe
Benjamin, Walter. (1989) La obra de arte en la época de su reproductibilidad
técnicaBuenos Aires: Taurus.
Borja, Ruiz. (2008) El arte del actor en el siglo XX. Un recorrido teórico práctico por las
vanguardias. Bilbao: Artezblai SL
Burke, Peter. (2000) Formas de Historia Cultural Madrid: Alianza Editorial
9. Hegel. (1985) Introducción a la Estética Barcelona: NeXos
Pellettieri, Osvaldo. (2007) Historia del teatro argentino. Volumen II. Buenos Aires:
Galerna.
Torres, Javier de. (1999) Las mil caras del mimo. Madrid: Editorial Fundamentos.
Hernando, Víctor. (2005) Palabra obscena, cuerpo explícito. Santa Fe. Asociación
Argentina de Profesores de Filosofía y el Centro Educativo Cultural de la Universidad
Tecnológica Nacional.
Kant, Immanuel. Crítica del Juicio.
Ivern, Alberto. (2004) El Arte del mimo. Buenos Aires. Ediciones novedades Educativas.
Osipovna, María. (2000) La Palabra en la Creación Actoral. Madrid. Fundamentos.
[1] El término cabotin hace referencia a un tipo de actor ambulante y sin
talento.Cabotinage es un actor que viaja de ciudad en ciudad con un trabajo de mediocre
calidad. (Borja, 2008, pag:215)