1. El documento describe el Op Art, un movimiento artístico que usa patrones geométricos y colores para crear ilusiones ópticas de movimiento. 2. El Op Art se desarrolló a partir del arte cinético y surgió en los Estados Unidos en 1958, utilizando diseños que producen sensaciones de movimiento sin movimiento real. 3. Artistas clave del Op Art incluyen a Bridget Riley, Victor Vasarely, y Julio Le Parc, cuyas obras usaban líneas, formas geométricas y colores para generar

1. OP ART – ARTE CINÉTICO

2. ¿QUE ES EL OP-ART?
El arte óptico es una tendencia desarrollada a partir del arte cinético que apareció después del
surrealismo en el siglo XX. Se define como un movimiento artístico originado en Estados Unidos
en el año 1958
* Es una forma de arte cinético que se relaciona con diseños geométricos que crean sensaciones
de movimiento o vibración. Produciendo diferentes tipos de ilusión óptica.
* Hace que el ojo detecte una sensación de movimiento como: hinchazón, deformación, parpadeo,
vibración en la superficie de la obra.
* Los patrones, formas y colores utilizados en estas imágenes generalmente tiene cualidades
ilusorias.
* Las obras de Op-Art se produjeron primero en blanco y negro, luego en colores vibrantes.

3. El Op-art explota la relación funcional entre la retina del ojo (el órgano que "ve" los patrones) y el
cerebro (el órgano que interpreta los patrones). Ciertos patrones causan confusión entre estos dos
órganos, lo que resulta en la percepción de efectos ópticos irracionales. Estos efectos se dividen en
dos categorías básicas: primero, el movimiento causado por ciertos patrones geométricos
específicos en blanco y negro. Por ejemplo, como los de los trabajos anteriores de Bridget Riley, o
las superficies de aluminio de Getulio Alviani, que pueden confundir el ojo incluso hasta el punto de
inducir mareos físicos. Segundo, las imágenes posteriores que aparecen después de ver imágenes
con ciertos colores o combinaciones de colores.
La interacción de diferentes colores en la pintura (contraste simultáneo, contraste sucesivo y
contraste inverso) puede causar efectos retinianos adicionales. Por ejemplo, en las pinturas del
"Templo" de Richard Anuszkiewicz, la disposición de dos colores altamente contrastantes hace que
parezca que la forma arquitectónica invade el espacio del espectador.
Como se produce a nivel físico?

4. PRECURSORES

5. Los orígenes del Op-Art se remontan a las teorías de pintura de antes de la guerra. Entre ellas se encuentran las
ideas constructivistas de la escuela de diseño Bauhaus de la década de 1920 en Alemania. Estas enfatizaban la
importancia del diseño formal general, en la creación de un efecto visual específico. Cuando la Bauhaus cerró en
1933, muchos de sus profesores (especialmente Josef Albers) se mudaron a América y enseñaron en Chicago y en
el Black Mountain College de Carolina del Norte.

6. BRIDGET RILEY
Bridget Louise Riley.
Nace 24 de abril de
1931; Norwood,
London, United Kingdom
Es una pintora inglesa,
figura destacada dentro
del movimiento artístico
del Op Art. Creó
complejas
configuraciones de
formas abstractas
diseñadas para producir
efectos ópticos
llamativos

7. Bridget Riley

8. GETULIO ALVANI
nace en Udine en 1937. Se le
considera como uno de los
principales representantes del
arte abstracto y cinético de
Italia. Desde la infancia
manifiesta un interés para la
concepción gráfica y
geométrica. A pesar de su
admisión en el Colegio de Arte
de Venecia el joven prefiere
pasar las tardes en los museos
de la ciudad admirando las
obras maestras
Testura grafica X...
Serigrafía

9. Superficie a testura vibratile (1972).
Getulio Alviani. Cortesía de Galleria
Tonelli.

10. 1. La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del
Arte cinético.
2. Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea
poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros
recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias
en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
3. En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el
efecto óptico completamente.
4. El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto
emocional en la obra.
5. El Op art se basaba en la percepción del espectador. No existe ningún aspecto emocional en las obras de
Op-art. Es pura ciencia (óptica) y con ello consigue efectos estéticos utilizando desde líneas paralelas a
contrastes cromáticos.
6. Es casi siempre un tipo de arte abstracto, casi siempre geométrico, y casi nunca se preocupa por
comunicar un sentimiento o tocar la fibra emocional del espectador
Características

11. Patrón de moaré​ es una interferencia visual; un efecto geométrico de distorsión
ocasionado por la interacción de dos patrones de trama, situados uno encima del
otro. El resultado es un nuevo patrón con un efecto visual un tanto peculiar. A
este efecto visual se lo llamó moiré o muaré.

12. La copa de Rubin, una singular ilusión óptica, La vista es uno de los sentidos más
sorprendentes por las capacidades que nos da de percibir nuevos elementos en
determinadas imágenes. Un ejemplo es la copa de Rubin, en la cual pueden percibirse
diferentes objetos, dependiendo del ángulo.
Este juego óptico,
mediante el cual en la
misma imagen es posible
identificar tanto una copa
como dos rostros
enfrentados, se organiza
alrededor del principio de
que, cuando dos campos
presentan un borde en
común y uno es visto
como figura y el otro
como fondo, la percepción
inmediata se caracteriza
por un efecto que emerge
de ese límite en común y
que opera de manera más
fuerte en un campo que
en el otro.

13. M.C Escher
Sol LeWitt
Victor Vasarely
https://historia-arte.com/artistas/victor-vasarely

14. VÍCTOR VASARELY
Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1908 - París,
Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado como el padre del op art.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad
desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op
art.
Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto
geométrico, con efectos ópticos de movimiento, antigüedad de formas y perspectivas, e
imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de
colores.

15. El mejor trabajo de Victor
Vasarely, se expresa en términos
geométricos, incluso
mecanicistas, pero integrado en
un equilibrio y contrapunto que
es orgánico e intuitivo. Afirma
que su trabajo contiene "una
forma de arte abstracto
arquitectónico, una especie de
folklore universal". Su misión es
"una nueva ciudad: geométrica,
soleada y llena de colores",
resplandeciente con un arte
"cinético, multidimensional y
comunitario. Abstracto, por
supuesto, y más cercano a las
ciencias

16. Zebra
Victor Vasarely
Fecha: 1937
Estilo: Op Art
Género: pintura de animales
Dimensiónes: 52 x 60 cm
Vega-Nor
Victor Vasarely
Fecha: 1969
Estilo: Op Art
Género: pintura abstracta
Media: acrílico, canvas
Dimensiónes: 200 x 200 cm

17. Otros artistas asociados con Op-Art incluyen:
Yaacov Agam, Josef Albers, Richard Allen, Getulio
Alviani, Richard Anuszkiewicz, Carlos Cruz-Diez,
Tony DeLap, Gunter Fruhtrunk, Julio Le Parc, John
McHale, Youri Messen-Jaschin, Reginald H. Neal,
Bridget Riley, Jesús Rafael Soto, Julian Stanczak,
Günther Uecker, Ludwig Wilding y Marian Zazeela.

18. JULIO LE PARC
Palmira, San Martín, Mendoza, Argentina, 23 de septiembre de 1928 es un escultor y
pintor argentino.
Nacido en la localidad de Palmira (departamento de San Martín, provincia de Mendoza)
en 1928. Durante el año 1942 se mudó junto a su familia a la ciudad de Buenos Aires.
Le Parc busca involucrar absolutamente al espectador dentro de la obra; para ello
recurre a iluminaciones artificiales, efectos especulares, reflejos y movimientos; por
ejemplo con bandas mecánicas que se mueven por dispositivos mecánicos ocultos, el
fluir de líquidos fosforescentes, el movimiento de hilos de nylon, sus esculturas en
ciertos casos son genuinas instalaciones que envuelven a los espectadores.

19. Composition S -14 - 4
Julio Le Parc
Fecha: 1970
Género: pintura
Untitled
Julio Le Parc
Estilo: Op Art
Género: pintura
abstracta

20. ARTE CINÉTICO
El arte cinético, conocido también como cinetismo, es una corriente artística surgida a mediados del siglo XX, que integra el movimiento físico-
espacial como elemento compositivo. En tanto movimiento artístico, el arte cinético tuvo su origen en París hacia la segunda mitad del siglo XX. El
primer hito lo constituye la exposición Le Mouvement, celebrada en 1955, en la galería Denise René.
El arte cinético heredó del futurismo la voluntad mecanicista y, del constructivismo, la celebración tecnológica. La fusión de estos dos aspectos
permitió hacer del movimiento algo más que un principio: una realidad perceptible y/o real. De allí se desprenden las características de esta corriente.
A diferencia del futurismo y el constructivismo, en el cinetismo el movimiento no se imagina, sino que se percibe sensorial y materialmente.
Comprende el movimiento de tres maneras: el movimiento físico real de la obra, el movimiento óptico y el movimiento físico del espectador.
Es principalmente pictórica y escultórica, basada en el movimiento.
Las obras cinéticas están dotadas de movimiento real, juegan con efectos ópticos que lo simulan o incluso provocan que sea el propio espectador el
que se mueva para experimentar con sus distintas interpretaciones.
Destacamos tres tipos
Los estables: Son obras fijas, y es el espectador quien tiene que rodearlas para percibir el movimiento.
Los móviles: Las obras producen un movimiento real, y por tanto van cambiando su estructura constantemente. Siendo «heraclitianos», a cada
instante nace una obra distinta.
Los penetrables: Las obras son ensamblajes en espacios reales y el espectador debe recorrerlas, penetrar en ellas, siendo el espectador el productor
de movimiento.

21. ALEXANDER CALDER
Alexander Calder (Lawton, Pennsylvania, 1898 - Nueva York, 1976) es
uno de los escultores más influyentes del siglo XX.
Fue un ingeniero y escultor estadounidense que se trasladó al
efervescente París de los años 20 y comenzó a crear figuras de animales
en madera y alambre. Poco a poco las fue simplificando hasta llegar a la
abstracción y descubrió que ganaban en dinamismo si se movían en
realidad. Nacieron así sus innovadores móviles o chupin (juguetes
móviles colgantes), que acabarían por ser el germen de la escultura
cinética.

22. Sin Título, 1934. Tubo, varilla,
madera, hilo de alambre, cuerda
114,5 x 94 cm Calder
Foundation, New York © 2018
Calder Foundation, Nueva York /
Artists Rights Society (ARS),
Triple Gong, ca. 1948 Chapa de latón, alambre,
pintura 99,1 x 190,5 x 7 cm Calder Foundation, New
York; Donación prometida de /promised Gift of
Holton Rower © 2018 Calder Foundation, Nueva
York / Artists Rights Society (ARS), Nueva York /
SAVA Buenos Aires.

23. Jesús Rafael Soto
Ciudad Bolívar, Venezuela, 5 de junio de 1923 - París, Francia, 14 de
enero de 2005)​​ fue un artista venezolano, figura importante del arte
cinético, que inicia y desarrolla a finales de los años 50.
Soto fue particularmente famoso por sus "penetrables" esculturas
dentro de las cuales, las personas pueden caminar e interactuar.

24. Escultura, Esfera theospacio,
1989, Jesús Rafael Soto
Pintura, Vibration
superieure, 1998
Jesús Rafael Soto
Escultura,
Progresion Rosa
Jesús Rafael Soto

25. Victor Vasarely
Yaacov Agam
David Ascalon
Jo Andres
Daniel Buren
Alexander Calder
Carlos Cruz-Díez
Mark di Suvero
László Moholí-Nagy
Arthur Ganson
Bruce Gray
Theo Jansen
Starr Kempf
Frederick Kiesler
Gyula Kosice
Gilles Larrain
Julio Le Parc
Len Lye
Franco Gaston Otero
Darío Pérez-Flores
Naum Gabo
Marcel Duchamp
Juvenal Ravelo
George Rickey
Nicolas Schöffer
Jesús Soto
Takis
Jean Tinguely
Gregorio Vardanega
Panayiotis Vassilakis
Lyman Whitaker