Arte realista

Arte Realista. Gago Romero, Roberto
Apuntes. Anexo Unidad 4. La Revolución Industrial.

Arte realista
Este movimiento cobró importancia con Honoré Daumier y Gustavo Doré, siendo con justicia el más
destacado de los pintores realistas Gustave Courbert, cuyos pinceles se deslizan en más de una ocasión
hacia un sensualismo que deriva en erotismo. Sus obras más significativas son: Entierro de Ormans,
Bonjour, M. Courbet, Señoritas a la orilla del Sena...
Fue Courbert, en una carta remitida a un periódico, el que definió su propia pintura..."Soy un Realista,
porque ser realista significa ser el amigo sincero de la verdad real".
Otro artista destacado del realismo es Juan Francois Millet, que pinta escenas de campo grabadas en su
memoria, no tomadas del natural, pero que las dota de gran delicadeza, lirismo y ternura. Sus obras más
reconocidas son: El Angelus, Las espigadoras y el hombre del azadón.
Ciertamente, el Realismo encierra, en su propia definición, una variedad de formas, como ya indicamos
anteriormente. En su acepción más amplía, el término se utiliza como Naturalismo, que implica describir
las cosas con precisión y objetividad. Es decir, los artistas representan las cosas tal como son, tal como se ven
y tal como se conocen. En sentido más restringido, el término designa el movimiento artístico del siglo XIX
que se caracteriza por la rebelión contra los temas históricos, mitológicos y religiosos y la tendencia hacia las
escenas desmitificadores de la vida moderna.
Por todo ello, se habla con frecuencia de distintos realismos. Así, tenemos el realismo socialista, estilo
aprobado oficialmente en la antigua Unión Soviética, y en algunos países comunistas. Aquí, el realismo,
lejos de analizar con espíritu crítico los temas políticos y sociales, se dejaría llevar por las directrices y
disciplina del partido.
A partir de mediados de siglo, el Realismo fue concebido con otros significados. Se comenzó a hablar
de Nuevo realismo, que se ha venido aplicando a obras hechas con materiales y objetos que se presentan
exactamente por lo que son y por lo que se sabe que son.
Realismo Mágico es otra denominación que encierra la atención al detalle propia de la Nueva
Objetividad. En este apartado se incluyen un número importante de pintores no alemanes, de proyección
muy distinta entre los que se cuentan figuras como Miro, Picasso y Severini. Sus trabajos, en los que
incluyen, además de un naturalismo fotográfico, elementos que transmiten irrealidad y cierto aire de
misterio. Las pinturas, por ejemplo de Rene Magritte, encajan perfectamente en esta definición. En lo que
respecta el denominado Realismo fantástico, sus seguidores tenían predilección por el mundo mágico de
fantasía e imaginación, descrito con minuciosidad. Ernst Fuchs es la figura más conocida del realismo
fantástico.
También en este movimiento se incluye el realismo feo, al que pertenece un grupo de pintores
alemanes, activo en Berlín, en los años setenta, y que expresa, a través de la pintura, su repulsa de la
imaginación, la brutalidad y la superficialidad de la vida moderna.
Cuando se está hablando de un Realismo social, término muy amplío y ambiguo, lógicamente, se hace
referencia a un enfoque realista sobre las condiciones sociales, políticas y económicas, desde el punto de
vista de la izquierda ideológica.
El arte realista se configura como un movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se extiende
a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura. En el caso
concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la
mitad del siglo XIX.
El realismo es un término confuso y de muy difícil definición en lo que respecta a las artes plásticas; en
general, sólo alude a una cierta actitud del artista frente a la realidad, en la que la plasmación de ésta no tiene
que ser necesariamente copia o imitación, aunque sí ajustarse a una cierta visión generalizada.
Los cambios fundamentales que hacen que se pase del romanticismo al realismo son:
1. La definitiva implantación de la burguesía olvidándose de la causa de 1789, ya que prefieren saborear
los placeres de la vida.
2. La conciencia en los artistas de los terribles problemas sociales de la industrialización: trabajo para
niños y mujeres, jornadas laborales interminables...
3. Desencanto con los estímulos revolucionarios de 1848, que llevan al artista a olvidarse del tema
político y a centrarse en el tema social.
El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo del momento de una manera verídica, objetiva e
imparcial. Por lo tanto, el Realismo no puede idealizar. El manifiesto se basaba en lo siguiente:
• La única fuente de inspiración en el arte es la realidad.
• No admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la que suministra la
realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla.
• Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista.

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El Nacimiento del Realismo.
Ya desde épocas anteriores se apreciaba un cansancio de los valores románticos y el deseo,
entre los artistas más inquietos, de incorporar las experiencias más directas y objetivas en
sus obras. El proceso es gradual aunque rápido, y entre el romanticismo y el realismo se
establece una continuidad, sin embargo sus planteamientos ideológicos y formales serán
muy distintos.
También se establece una relación compleja entre el realismo y el academicismo, debido a
que todavía existe entre los dos una competencia evidente. También es cierto que se
influyen mutuamente. Así, aunque los pintores realistas sean excluidos de las grandes
muestras oficiales, la pintura académica evidenciara una atención mayor hacia la
observación directa de la naturaleza y la realidad del momento.
La ideología del Arte Realista.
Desde el punto de vista ideológico, el realismo queda vinculado a las ideas socialistas más o
menos definidas. Aunque con claras diferencias entre los distintos autores, en general se
aprecia un interés por la situación de las clases más desfavorecidas de la sociedad surgida
de la Revolución Industrial. Algunos, adoptan una actitud absolutamente comprometida
con los intereses del proletariado, participa en acontecimientos políticos del momento y
hace un arte combativo. Otros, mantienen una postura más moderada, y endulzan de
alguna forma su visión de la realidad.
Todos ellos comparten una estética basada en la representación directa de la realidad. La
manera cómo se materializa este principio básico varia desde la crudeza objetiva de
Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el filtro idealista de Millet.
En cualquier caso, todos comparten la radicalidad de los temas: ante la trascendencia que
conceden al tema romanticismo y academicismo, el arte realista entiende que no hay temas
banales y que, en consecuencia, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico.
Este planteamiento tiene una enorme importancia en un momento en el que la pintura está
sometida a reglas extraordinarias de la crítica oficial: los temas, las actitudes, las
composiciones y hasta las medidas de los cuadros tiene que ajustarse a estos rígidos
criterios. Ante esta situación, los pintores realistas defienden una pintura sin argumento,
una captación simple de la realidad, en la cual lo fundamental es la forma en que se
representa la imagen y el sonido, y no su desarrollo narrativo.
Características.
Su característica principal es la reflexión sobre la realidad, sin idealizar ni la sociedad, ni la
naturaleza, ni el pasado, como lo había hecho la corriente del Romanticismo.
También se caracteriza porque los artistas dejaron a un lado los temas sobrenaturales y
mágicos y se centraron en temas más corrientes. Los principales sujetos pictóricos fueron
los de la vida cotidiana. Los cambios fundamentales que hacen que se pase del
romanticismo al realismo son:
1. La definitiva implantación de la burguesía olvidándose de la causa de 1789, ya que
prefieren saborear los placeres de la vida.
2. La conciencia en los artistas de los terribles problemas sociales de la
industrialización: trabajo para niños y mujeres, jornadas laborales interminables...
3. Desencanto con los estímulos revolucionarios de 1848, que llevan al artista a
olvidarse del tema político y a centrarse en el tema social.
El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo del momento de una manera
verídica, objetiva e imparcial. Por lo tanto, el Realismo no puede idealizar. El manifiesto se
basaba en lo siguiente:
• La única fuente de inspiración en el arte es la realidad.

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• No admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la que
suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin
embellecerla.
• Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista.

El Realismo surge después de la revolución
francesa de 1848. El desencanto por los
fracasos revolucionarios hace que el arte
abandone los temas políticos y se concentre
en temas sociales. La industrialización
determinó la desaparición del artesanado y la
formación de una numerosa población obrera
acumulada en los centros urbanos. Con ello,
las condiciones de vida económica y social
sufren una alteración profundísima, que se
refleja en las ideologías. Los artistas toman
conciencia de los terribles problemas sociales
como el trabajo de niños y mujeres, los
horarios excesivos, las viviendas insalubres y
consideran que deben denunciar estas lacras.
Mientras Augusto Compte elaboraba la
filosofía del Positivismo, quien estima que la
única fuente de conocimiento es la
observación y la experiencia, tenían lugar una
serie de descubrimientos científicos que
fomentaron la formulación de una doctrina optimista, la del progreso social. En vez de
soñar con la mejoría de la vida, hay que especular partiendo de la realidad. El hombre es
representado en sus tareas normales y el tema de la fatiga se convierte en motivo de
inspiración.
Quienes mejor manifiestan este cambio son los paisajistas de la Escuela de Barbizón,
que a través del paisaje transmitieron la conquista de la realidad. La escuela fue creada por
Rousseau y la integraron un grupo de artistas que se propusieron construir un tipo de
pintura diferente. Realizaron un estudio objetivo y directo de la naturaleza plasmando los
sentimientos que ésta les despertaba. A ellos les debemos el inicio de la práctica de pintor
al aire libre, pues tomaban sus apuntes directamente de la naturaleza y luego ejecutaban
sus obras definitivas en el estudio.

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Jean François Millet, (1841-
1875), hijo de campesinos pobres,
fue uno de los máximos
representantes de la Escuela de
Barbizón. Se distinguió como
paisajista, pero en sus paisajes no
olvida nunca a los campesinos,
humildes, cabizbajos, pesimistas y
redimidos por el trabajo. Es el
mejor intérprete de la vida
campesina y del hambre y la
miseria que éste trae consigo.
Contempló de cerca la situación en
la que vivía, pero no la denunció
en sus pinturas, sino que la
representó tal y como era, plasmó
la realidad.
Sus obras más características son Los Gavilladores, El Ángelus, Los canteros, La costurera,
La colada y Las espigadoras.
En esta última, muestra el trabajo rural, pero haciendo hincapié en lo social. Tres
campesinas ataviadas con la vestimenta típica Normanda recogen inclinadas
los restos de la cosecha, el trabajo más duro y menos reconocido entre las tareas rurales.
Sus posturas reflejan la fatiga que provoca su labor. Los personajes se sitúan en primer
plano elevándolos a la categoría de héroes y la iluminación infiere dramatismo a toda la
escena.

El Angelus El pastor El sembrador

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Si Millet se muestra conformista con la realidad que le toca vivir, Honoré Daumier
(1808-1879) se muestra crítico y satírico. Se fija en la sociedad y en determinados grupos
sociales, poniéndose al lado de los desfavorecidos. Algunos de sus temas evocan el mundo
de la marginación como Los presos y Los mendigos. En El vagón de tercera clase
reivindica la dura vida de las clases populares en las grandes ciudades.
muestra crítico y satírico. Se fija en la sociedad y en
determinados grupos sociales, poniéndose al lado de los
desfavorecidos. Algunos de sus temas evocan el mundo de
la marginación como Los presos y Los mendigos. En El
vagón de tercera clase reivindica la dura vida de las
clases populares en las grandes ciudades. La ternura que
despiertan los personajes en el espectador contrasta con la
sofisticación industrial del tren.
La ternura que despiertan los personajes en el espectador
contrasta con la sofisticación industrial del tren.
En El baño de las muchachas, los personajes son mujeres que se bañan en el Sena, en plena
ciudad. Es una imagen patética. Aparece una muchacha que se moja los pies acompañada
de una serie de personajes amorfos, casi sin facciones ni rasgos que representan
trabajadores. Sus vidas se limitan al trabajo, el esfuerzo los deforma y les roba su
identidad.
También fue un gran difusor de la caricatura, mediante la que hacía críticas mordaces a la
sociedad y al gobierno de Luis Felipe de Orleáns, lo que le costaría la cárcel
Gustave Courbet (1819-1877)
Las pinturas de Gustave Courbet (1819-1877)
suscitaron enormes polémicas por su selección
de temas vulgares como Un entierro en Ornans
(1849) y por sus ideas pragmáticas sobre el arte.

Gustave Courbet
Ornans es su pueblo natal. Este
entierro es una de las obras en las que
más claramente aparece una manera
nueva de ver la realidad. El tema se
podía haber tratado solemnemente,
entierro en Ornans (1849)
pero lo hace de forma peculiar, es un
cuadro desolador. Se trata de un
entierro en un pueblo al que asisten
los aldeanos y el clero y apenas hay
diferencias entre ellos, en un intento de hacer crítica. Al contrario que en los cuadros que
representan entierros y en los que está presente lo religioso invocando el más allá, aquí
todo es deprimente, no se espera ni se cree nada.
Una de sus obras más significativas, que denotan el modo de ser del autor, es El Taller

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(1855). Aquel año, no siendo admitido por el jurado en el Salón, inauguró una exposición
particular paralela a la Exposición

Retrato de Baudelaire,
c. 1848
mujer que personifica sus modelos vivientes. A la derecha, sus amigos, los artistas, y a la
izquierda, los miserables y quienes viven explotando su miseria
Otras obras son Buenos días, señor Courbet (1854), Jóvenes a orillas del Sena (1856-57),
La Siesta (1866), Mujer en las olas (1866), Las Bañistas (1853). Cultivó el desnudo
femenino con gran libertad e incluso a veces con total impudor. Su trayectoria artística se
mezcla con su actividad política, llegando a ser director de Bellas Artes durante el periodo
de La Commune de 1871. Al término de esta experiencia revolucionaria tuvo que exiliarse
en Suiza, donde falleció en 1877.

Interior de mi Taller, una Alegoria
Real, Resumen de Siete Años de
los Campenesinos Los Bañistas Hombre Herido, 1844-54
Mi Flagey” Artista, 1854-55
en Vida de
Bonjour, Monsieur Retrato de Prudhon y sus
Courbet, 1854 hijos,1865

Retrato de H. de Piedra,
Los PicadoresJ. van
Wisselingh, 1846
1849 El Sueño, 1866
Mujer pobre de Aldeia 1866
Retrato depeinadores de
Las Mujer con Papagayo, 1866
Trigo, 1855
Chenavard, 1869

Honoré Daumier
Si Millet se muestra conformista con la realidad que le toca vivir, Honoré Daumier
(1808-1879) se muestra crítico y satírico. Se fija en la sociedad y en determinados grupos
sociales, poniéndose al lado de los desfavorecidos. Algunos de sus temas evocan el mundo

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de la marginación como Los presos y Los mendigos. En El vagón de tercera clase
reivindica la dura vida de las clases populares en las grandes ciudades.
muestra crítico y satírico. Se fija en la sociedad y en determinados
grupos sociales, poniéndose al lado de los desfavorecidos. Algunos
de sus temas evocan el mundo de la marginación como Los presos y
Los mendigos. En El vagón de tercera clase reivindica la dura
vida de las clases populares en las grandes ciudades. La ternura que
despiertan los personajes en el espectador contrasta con la
El vagón de tercera sofisticación industrial del tren.
clase La ternura que despiertan los personajes en el espectador contrasta
con la sofisticación industrial del tren.

En El baño de las muchachas, los personajes son mujeres que se
bañan en el Sena, en plena ciudad. Es una imagen patética. Aparece
una muchacha que se moja los pies acompañada de una serie de
personajes amorfos, casi sin facciones ni rasgos que representan
trabajadores. Sus vidas se limitan al trabajo, el esfuerzo los deforma
y les roba su identidad.
La Lavandera.

En El baño de las muchachas, los personajes son mujeres que se bañan en el Sena, en plena
ciudad. Es una imagen patética. Aparece una muchacha que se moja los pies acompañada
de una serie de personajes amorfos, casi sin facciones ni rasgos que representan
trabajadores. Sus vidas se limitan al trabajo, el esfuerzo los deforma y les roba su
identidad.
También fue un gran difusor de la caricatura, mediante la que hacía críticas mordaces a la
sociedad y al gobierno de Luis Felipe de Orleáns, lo que le costaría la cárcel.

Pintura Realista Española.
Mariano Fortuny.
Poco después pintó uno de sus cuadros
más famosos: La vicaría (Museu
Nacional d'Art de Catalunya, Barcelona),
inspirado supuestamente en la vicaría de
su parroquia en Madrid, pero que muchos
identifican como la vicaría de la prioral de
Sant Pere de Reus. Théophile Gautier lo
alabó extraordinariamente, lo que
contribuyó a incrementar su fama. El
marchante Goupil compró el cuadro por
70.000 francos y no lo quiso exponer por
miedo a estropearlo, hasta que lo
La vicaría
revendió por 250.000 francos.

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Hacia 1870 se trasladó a París, donde contempló las obras del Museo del Louvre, y del
Museo de Luxemburgo, interesándose especialmente por artistas como Horace Vernet,
Eugène Fromentin, Alexandre Decamps y, muy especialmente, Eugène Delacroix.
En 1868 los Fortuny se instalan en Granada, donde pintará diversas obras y hacia donde
atraerá a algunos de sus amigos de París, como Martín Rico, Jules Worms o el bilbaíno
Eduardo Zamacois (quien, finalmente, moriría en Madrid antes de llegar).
Viajó brevemente a Londres, y después a Nápoles y a la pequeña localidad de Portici, en el
sur de Italia. Finalmente el 9 de noviembre de 1874 volvió a Roma, donde murió el 21 de
noviembre.
En abril de 1875, los cuadros que aún se encontraban en su estudio y los diferentes objetos
que que Fortuny había reunido en su colección privada fueron subastados en el Hotel
Drouot de París, alcanzando ya entonces precios desorbitados.
A pesar de su muerte a los 36 años, su estilo y su obra le definen como un auténtico genio
que marcó indeleblemente a toda una generación de pintores europeos, y que pudo
revolucionar la pintura española de haber seguido vivo, tal como se demuestra en el estilo
de sus últimas obras como Desnudo en la Playa de Portici o Los hijos del pintor en un
salón japonés (ambas obras en el Museo del Prado).
Su corazón fue enterrado en Reus, su localidad natal, en la prioral de Sant Pere. En Reus,
asimismo, se dio su nombre al teatro principal de la ciudad (el Teatro Fortuny, aún
existente), una plaza (la Plaza del Pintor Fortuny, más conocida como Plaza del
Condesito, personaje protagonista de una de las más populares acuarelas del maestro) y
más tarde a una avenida.
Su hijo Mariano Fortuny y Madrazo fue un notable pintor, escenógrafo y diseñador.

Francisco Pradilla.
Aprendió con dos pintores de decoradores en Zaragoza. En 1863 se trasladó a Madrid,
donde estudió a los antiguos maestros. En Roma aprendió con Alfredo Serri y terminó sus
estudios en la Academia de España en Roma.
Su primer cuadro de importancia fue El rapto de las sabinas, al que siguió en 1878 Doña
Juana la Loca, por el que obtuvo la primera medalla de Honor que se concedía en las
Exposiciones Nacionales de Bellas Artes y una medalla de honor en la Exposición de París
de 1878. Por encargo del Ayuntamiento de Zaragoza, realizó los cuadros de Alfonso I el
Batallador y de Alfonso X el Sabio. Se superó con la realización de La rendición de
Granada (3,50 X 5,42 m) de 1882, que se destaca tanto por la limpieza de la
caracterización como por la viveza de la representación y la grandeza del estilo. El cuadro
ganó el primer premio en una exposición de Munich de 1993. Otras obras de este autor de
gran interés son: El suspiro del moro, La lección de Venus al amor, y Vendimia en las
lagunas Pontina.
Además de estas composiciones, Pradilla también tiene obras más pequeñas sobre la vida
del pueblo, del tipo que realizó Fortuny.
Cabe anotar que fue el Director de la Academia de España en Roma. Por poco tiempo, pues
renunció al decepcionarse por los engorrosos trámites burocráticos que impedían su
gestión.
Obras

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Capitulación de Granada (detalle),
1882 Doña Juana la Loca (1877),

Bautizo del Príncipe Juan (1910),

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Antonio Muñoz Degrain
Empezó a estudiar arquitectura, estudios que dejó para dedicarse a la
pintura. Acudió a la Academia de Bellas Artes de San Carlos en
Valencia, pero es más bien un pintor autodidacto.
En 1862 se da a conocer en la Exposición Nacional. Recibe premios en
ediciones posteriores. En 1870 su amigo Bernardo Ferrándiz le requiere
para decorar el techo del Teatro Cervantes en Málaga, ciudad a la que se
traslada. Allí enseñó en la escuela de San Telmo. En 1898 es nombrado
Director de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

En sus comienzos realizó una pintura realista. Realiza
cuadros de temas históricos. Destaca sobre todo como
paisajista. Trata los temas con gran imaginación y ciertas
implicaciones simbolistas. Al final de su vida, pinta con
pinceladas cortas y vivas, de un cierto impresionismo tardío

Conversión de
Recaredo, cuadro
histórico de Muñoz
Degrain de 1888.

José Moreno Carbonero (Málaga, 28 de marzo de 1858 - Madrid, 1942); pintor
español. Retratista y pintor de temas históricos.
Destacó en el dibujo muy joven, y en 1868 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Málaga,
donde estudió con Ferrándiz. En 1870 consiguió la medalla de oro en una exposición de su
ciudad natal, Málaga.
Fue conocido como pintor academicista, y también ejerció la labor docente como
catedrático de Bellas Artes. Asentó su fama en los cuadros de historia, que fueron muy
premiados en su tiempo y en el retrato, especialidad por la que fue muy solicitado por la
familia real y la aristocracia. Fue, asimismo, académico
Ramon Martí i Alsina
Barcelona, 1826 - Barcelona, 1894

Pintor.

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Orfe de pare a l'edat de vuit anys, malgrat les
Bonaventura Carles dificultats econòmiques pogué estudiar dibuix a
Aribau retratat per l'escola de Llotja (1840-44) i obtenir alhora el títol de
Ramon Martí i Alsina - batxiller en filosofia (1845). Al començament
(GCI) Arxiu combinà una gran activitat com a retratista —
Fototeca.cat especialment a Mataró, la ciutat natal de la seva
mare— amb la traducció de llibres del francès i, fins i
tot, escrivint drames en vers d'influència romàntica,
que no arribaren a ésser mai publicats. Casat amb Carlota Aguiló (1860), obtingué poc
temps després, per oposició, la càtedra de professor d'aritmètica i geometria a l'escola
de Llotja (1852) i, més endavant, la de dibuix de figura (1854). Durant les seves
escapades a París conegué les obres de Courbet, que a mitjan s XIX havia revolucionat
el món pictòric de la capital de França.
Aquesta influència el portà a crear un estil propi,
analític, del màxim realisme formal en el dibuix, el
color i la llum, amb una temàtica que intentava de
reflectir amb tota l'objectivitat possible el món que
envoltava l'artista, és a dir, el paisatge de Catalunya i
els seus habitants; els registrà en unes notes ràpides,
preses directament del natural per a ésser passades
després a la tela, quan els altres pintors no havien
sentit encara la necessitat de sortir de llurs tallers per
a fer llurs obres. Un contingut, doncs, enfrontat alhora
amb el romanticisme dels natzarens catalans i les
ampul·loses composicions d'història tan Ramon Martí i Alsina
generalitzades a la Península Ibèrica. Aconseguí Migdiada - Fototeca.cat
tercera medalla (1858) i segona medalla (1860) a les
Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de Madrid.
Elegit membre de l'Acadèmia de Belles Arts de Barcelona (1859), dimití set anys
després (1866), per motius polítics, derivats de les seves idees liberals i republicanes,
combinades amb una ateisme tenyit moltes vegades d'anticlericalisme, com
reflecteixen els seus escrits i alguns dels seus olis. L'actitud militant que adoptà
durant tota la vida el portà a renunciar a la càtedra de l'escola de Llotja (1870) abans
que jurar la Constitució del 1869 —la que coronà Amadeu I, traint, segons el pintor, la
revolució de l'any anterior—, càtedra que li fou retornada per la Primera República
(1873). Les formes analítiques i el realisme pur, característics dels primers temps de
l'artista, són substituïts a la fi dels anys seixanta per un estil sintètic, més efectista,
alhora que s'amplià la temàtica, puix que, a més dels retrats, els paisatges i les vistes
urbanes, apareixen figures i nus femenins, marines, natures mortes, al·legories,
escenes de costums i fins composicions històriques, com la monumental Els defensors
de Girona, de prop d'onze metres d'amplària. En morir la seva primera dona (1878),
residí més d'un any a París, i segurament visità Bèlgica i Holanda. Quan retornà a
Barcelona organitzà la producció pictòrica quasi en forma industrial. Nombrosos
tallers, on treballaven col·laboradors de l'artista, produïren innombrables pintures,
solament dirigides o retocades pel mestre. L'organització no funcionà
econòmicament, i a la llarga el prestigi de l'autor se'n ressentí. Hom afirma que el
nombre d'olis signats per Martí i Alsina ultrapassà els 4 000. Aquesta quantitat no
deu ésser pas exagerada, si hom té en compte que, vers l'any 1870, el pintor mateix
catalogava 12 000 dibuixos, guardats a les seves carpetes. Casat en segones noces,
amb Francisca Chillida (1889), els darrers anys tornà a ressorgir el geni solitari, que
cercava noves formes d'expressió, amb una pinzellada desfeta, pròxima a
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l'impressionisme. La importància de Martí i Alsina es deu principalment al fet d'haver
introduït el realisme en la pintura catalana, però també a la labor com a mestre de
tota una generació de nous pintors, en els quals inculcà un esperit de renovació.
Vayreda, Urgell, Galofre, Tusquets, Pellicer, Torrescassana, Armet i Pahissa, entre els
més coneguts, passaren pel taller de l'artista i en reberen la influència. Amb ell, doncs,
es produeix un trencament en la marxa de les arts plàstiques del Principat.
Generalment ha estat considerat l'iniciador de l'escola catalana de pintura moderna.

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