El documento detalla la evolución y características del ballet clásico, desde sus inicios en el Renacimiento italiano hasta su desarrollo como arte profesional en el siglo XVII. Se exploran las diferentes técnicas, vestimenta y el impacto de bailarines y compositores vascos, así como la influencia de la Academia Real de Danza creada por Luis XIV. Además, se menciona la diversificación del ballet a lo largo del tiempo y destaca la relevancia de obras clásicas y bailarines a lo largo de la historia.

1. Jorge Beramendi – 17 de julio 2018
Fundación Vasco-Argentina Juan de Garay

2.  Inicios del ballet clásico
 Pasos vascos de ballet
 Bailarines y coreógrafos vascos y de la
diáspora vasca
 Compositores musicales vascos de ballet

4.  El ballet clásico es el más formal dentro de los estilos de ballet y adhiere a la
técnica tradicional de ballet. Hay variaciones según el lugar de origen como el
ballet ruso, el ballet francés, el ballet cubano o el ballet italiano. Entre sus
características distintivas están el uso de las puntas, sus gráciles, sus fluidos y
precisos movimientos, y sus cualidades etéreas.
 Se originó en la corte del Renacimiento italiano y fue llevado a Francia por Catalina
de Medici en el siglo XVI. Las ballets de corte de eran presentados por amateurs
aristócratas en lugar de bailarines profesionales.
 En el siglo XVII, la popularidad del ballet comenzó a crecer, se comenzó a
convertir en arte profesional. Dejó de presentarse por amateurs, las
presentaciones de ballet comenzaron a incorporar movimientos acrobáticos que
solo se podían interpretar por personas con habilidades específicas. Debido a
esto, se creó la primera escuela de ballet la Académie Royale de Danse, fue
establecida por el rey Louis XIV de Francia y III de Navarra en 1661. ​El propósito de
la academia era mejorar la calidad del entrenamiento de este baile en Francia, e
inventar una técnica que pudiera ser usada para transformar el ballet en una
disciplina formal. Un tiempo después de que la academia se formó, en 1672, el
rey Louis XIV estableció una compañía para presentarse llamada la Academie Royal
de Musique et de Danse cómo la cabeza.

5.  Exige muchos años de preparación en forma y técnica. El vestuario propio son los leotardos y
las mallas, con una falda opcional (tutú). Las bailarinas usan zapatillas de media-punta hasta
que sus músculos sean lo suficientemente fuertes y estén entrenados para usar y soportar las
zapatillas de punta; los bailarines solo utilizan zapatillas de media-punta y en escasas
ocasiones de punta para trabajar huesos de los pies como el empeine. Los huesos de
los tobillos y de los pies deben ser lo suficientemente fuertes para ir en pointe (en punta).
 El ballet clásico está basado en pasos, posiciones y formas de cargar el cuerpo que se
originaron fundamentalmente en el siglo XVIII con el trabajo de Jean-Georges Noverre.
 A pesar de que en todo el mundo se comparte una misma base, hay variaciones regionales, y
diversas escuelas, como el método de Agrippina Vagánova o el de Nicolai Legat (rusos ambos)
o el de Enrico Cecchetti (italiano).
 Actualmente se ha ido diversificando el ballet desde las técnicas hasta la soltura a la hora de
bailarlo, siendo estas primeras la herramienta principal con la que se forma a un bailarín, la
técnica proporciona la base del baile, para que con ella el bailarín sea libre de poder expresar
lo que a el le plazca. La barra al piso es una técnica innovadora, ya que los trabajos que
realizara el ejecutante en barra de ballet, (de pie) los realizara en el piso, jugando de esta
manera con la gravedad, siendo esta una manera eficaz de trabajar el cuerpo pues los huesos
de la columna se alinean desde la cabeza hasta el coxis, permitiendo también una mejor
conciencia del trabajo corporal.
 El ballet o danza clásica es un género dramático cuya acción es representada por medio de
pantomimas y danzas. Es también el nombre específico dado a una forma concreta de danza y
su técnica. Según las épocas, los países o las corrientes el espectáculo coreográfico puede
incluir: danza, mímica, texto y música (de orquesta y coral), decorados y maquinaria.
 También se utiliza el término ballet para designar la pieza musical compuesta, a propósito,
para que sea interpretada por medio de la danza.

6.  (Paso de vasco). Movimiento originado dentro de los bailes de
tradición vasca, que durante la centuria del 1700 fue realizado
en el ámbito de las obras de ballet clásico. La primera bailarina
en ejecutarlo sobre un escenario fue María Camargo. Es la
conjunción de varios pasos simples: rond de jambe,
glissade y chassé. Puede realizarse deslizado por el piso (glissé),
a modo de salto (sauté), de frente al público, o bien girando para
cambiar de frente.
 5a posición croisé punto 8 pierna derecha al frente, ésta hace
un tendu devant mientras la otra va al demi plié con brazos en
1ª, brazos y pierna derecha abren a la 2ª en face, la izquierda se
mantiene en demi plié y rechaza levemente del piso pasando por
2ª en el aire para caer sobre la pierna derecha en demi plié en
face, luego la izquierda pasa por 1ª al tendu croisé devant con la
derecha aun en demi plié y brazos en 1ª para dar un paso a la 4ª
y hacer un assemblé derrière con la derecha, terminando al
punto 2 en 5ª croisé demi plié y brazos en 2ª.

7.  Gran salto ejecutado con una vuelta en el aire en el cual se cae sobre una pierna,
con la otra pierna en passé.
 Salto de una pierna a la otra con giro. Demi plié sobre la pierna izquierda posición
y cabeza en face, la derecha el cou-de-pied devant con brazos en 3ª, derecho al
frente. Paso sobre la derecha en demi plié, la cabeza fija un punto a la derecha,
brazos y pierna izquierda a la 2ª, se lanza ésta pasando por 1ª a la 2ª a 45º, la
otra rechaza haciendo medio giro en el aire y cambiando los brazos a 3ª con
izquierdo al frente, pierna derecha estirada en la vertical manteniendo la cabeza
en su fijado punto. Se completa el giro aterrizando sobre la izquierda en la
posición inicial. El gran saut de basque se ejecuta a gran altura y con doble giro.
 (Escuelas Francesa y Rusa). Salto vasco. Paso en desplazamiento en el que el
bailarín gira en el aire con un pie contraído en la rodilla de la otra pierna. Quinta
posición pie derecho adelante. Demi-plié con el pie derecho en retiré devant; paso
con el pie derecho en demi-plié a la segunda posición, girando en dedans media
vuelta, impulsando la pierna izquierda a la segunda posición en l'air; se da
impulso del piso con el pie derecho y completa el giro, desplazándose al costado
de la pierna extendida y cayendo sobre el pie izquierdo en fondu con la pierna
derecha inclinada en retiré devant. Ambas pierna deberían estar completamente
giradas hacia afuera durante el salto. El saut de basque se puede hacer también
con un doble giro en el aire.

9.  La Academia real de Danza es una institución creada por iniciativa de Luis XIV y
registrada en 1661. Predecesora de la Academia real de Música (fundada en 1669)
no se fusionó nunca con la misma, despareciendo a principios de los años 1780.
 Era una asociación de trece expertos de baile cuya finalidad, según el preámbulo
de las cartas del rey era "restaurar el arte de la danza a su perfección original y
mejorarlo tanto como sea posible". El grupo tenía la intención de codificar las
danza de corte y de carácter y de certificar maestros de danza por examen, pero
como no se han encontrado archivos de la organización, no ha sido posible
evaluar con detalle sus actividades y logros. La Academia Real de Música, fundada
originalmente en 1669 como la Académie d'Opéra, fue una compañía que estuvo
estrechamente relacionada con la de ópera y ballet y, aunque las dos instituciones
nunca se fusionaron, miembros de la academia de baile también se asociaron con
la ópera.
 Junto con muchas otras instituciones reales, la academia de baile dejó de existir
en el momento de la caída de la monarquía en 1789, pero la compañía de ópera y
ballet sobrevivió y hoy es conocida como la Ópera Nacional de París.
 La academia estaba constituida por 13 maestros de danza y se encargaba de
establecer las formas canónicas de las danzas. A partir de la gestión de
Beauchamp se hizo un sistema de notación.

11.  François Galant du Désert (directeur)
 Florent Galant du Désert
 Jean Renauld
 Guillaume Renauld
 Guillaume Raynal
 Jean Raynal
 Guillaume Quéru
 Hilaire d'Olivet
 Thomas Le Vacher
 Nicolas de Lorges
 Jean Piquet
 François Piquet
 Jean Grigny

13.  El 30 de marzo de 1662, el rey acuerda por carta patente la exclusividad de la
Academia Real de Danza. A continuación el teexto de 1661 y registrado una año
después::
 « Louis par la grace de Dieu, Roy de France et de Navarre, À tous presens & à
venir, Salut.
 Bien que l'Art de la Danse ait toûjours esté reconnu l'un des plus honnestes & plus
necessaires à former le corps, & luy donner les premieres & plus naturelles
dispositions à toute sorte d'exercices, & entre autres à ceux des armes ; & par
consequent l'un des plus avantageux & plus utiles à nostre Noblesse, & autres qui
ont l'honneur de nous approcher, non seulement en temps de guerre dans nos
armées, mais mesme en temps de paix dans le divertissement de nos Ballets :
Neanmoins il s'est pendant les desordres & la confusion des dernieres guerres,
introduit dans ledit Art, comme en tous les autres, un si grand nombre d'abus
capables de les porter à leur ruïne irreparable, que plusieurs personnes pour
ignorans & inhabiles qu'ils ayent esté en cet Art de la Danse, se sont ingerez de la
monstrer publiquement ; en sorte qu'il y a lieu de s'étonner que le petit nombre de
ceux qui se sont trouvez capables de l'enseigner ayent par leur étude & par leur
application si longtemps resisté aux essentiels defauts dont le nombre infiny des
ignorans ont tâché de la défigurer & de la corrompre en la personne de la plus
grande partie des Gens de qualité : Ce qui fait que nous en voyons peu dans
nostre Cour & suite, capables & en estat d'entrer dans nos Ballets, & autres
semblables divertissemens de Danse, quelque dessein que nous en eussions de
les y appeller.

14.  Las zapatillas de ballet, son zapatillas ligeras diseñadas específicamente para la
práctica del ballet. Se hacen de cuero, lona, o satén suave y tienen color negro,
gris o blanco. Tradicionalmente, las mujeres los llevan rosados y los hombres
blancos, mientras que los colores carne o marrones que dan la apariencia de
bailar descalzo son llevados tanto por hombres como por mujeres.
 Los bailarines de ballet principiantes y los bailarines de ballet menores de
aproximadamente doce años llevan zapatillas exclusivamente mientras entrenan y
actúan, mientras que las bailarinas de sexo femenino más avanzadas pueden
llevar zapatillas de ballet o zapatillas en punta cuando las circunstancias lo
requieren. A los bailarines jóvenes les está restringido el uso de zapatillas
de ballet hasta que se osifiquen sus huesos y sus músculos sean suficientemente
fuertes para poder bailar en punta. Los bailarines de sexo masculino llevan casi
siempre zapatillas de ballet suaves.
 Las escuelas de ballet imparten típicamente clases de técnica, en las cuales los
bailarines llevan solamente zapatos de ballet llamados media punta (1/2), y de
punta, en que los estudiantes llevan primero los zapatos de ballet para calentar en
la barra, y después cambian a zapatillas de punta para los ejercicios de centro.
Muchas escuelas de ballet exigen por lo menos cinco años de entrenamiento antes
de permitir que sus bailarines vayan en punta.

15.  Cómo se entiende la influencia en la formación
del ballet clásico. Primero el creador fue Luis XIV
de Francia, que en la cédula de creación dice
claramente que es rey de Francia y Navarra.
 Segundo por ser nieto de vasco era aficionado al
baile y fue un gran bailarín de joven cuando creó
la Academia.
 Se dice que a la academia asistieron 16 bailarines
vascos que habían participado de las
exhibiciones de baile frente a Luis XIV en San
Juan de Luz en ocasión de su boda en 1660.
 Hay varios estudios de pasos de bailes vascos y
pasos de ballet clásico que muestran
semejanzas.

16.  Las zapatillas de puntas son un tipo de calzado de ballet similar a las
zapatillas anteriormente descritas pero con refuerzo en la parte anterior
de las mismas. Su objeto es que las bailarinas de ballet se eleven sobre
ellas apoyando el peso de todo su cuerpo sobre la punta. El objetivo de
las zapatillas de puntas es proporcionar una apariencia ligera y
estilizada de la bailarina durante la representación, que parezca levitar
sobre el suelo o que no haga ruido al caer tras un salto.
 Su origen se remonta al nacimiento de los ballets románticos en el siglo
XIX. Se considera que una de las primeras bailarinas en emplear este
tipo de zapatillas fue Marie Taglioni en el ballet La sílfide en 1832
utilizando la técnica de puntas. En un principio, las bailarinas
introducían algodón para reforzar la punta mientras que en la actualidad
la zapatilla cuenta con una estructura rígida en la que se apoyan los
dedos. Las zapatillas de puntas no se utilizan hasta el segundo o tercer
año de enseñanza. En los ensayos, se emplean al final de los ejercicios
de barra y su uso es progresivo para reforzar los músculos del pie y
adquirir el equilibrio necesario para posarse sobre ellas. Existen
zapatillas con diferente nivel de rigidez en su suela. La elección de una u
otra dependerá de la bailarina en función del grado de fortaleza de su
pie. Para ello tiene que practicar todo un año con las 1/2 puntas (las
zapatillas nombradas anteriormente).

17.  Varios teatros del mundo tienen un programa de ballet anual en
la que se representan las composiciones clásicas. En líneas
generales se representan actualmente las obras creadas en el
siglo XIX y primera mitad del XX.
 La música de Tchaikovsky todavía domina el género. El
Cascanueces sigue siendo la obra más representada con 446
funciones. El lago de los cisnes está en segundo lugar y La bella
durmiente en quinto. Romeo y Julietade Prokofiev se ha colocado
en el tercer puesto con 140 representaciones durante las
celebraciones de Shakespeare 400.
 Tras Petipa, son las obras de George Balanchine las más
representadas en 2016. Además, el New York City Ballet –hogar
del coreógrafo– ha sido la compañía más ocupada este año (con
174 representaciones). Con una base de datos más amplia que
nunca, hemos registrado 525 funciones de las obras de
Balanchine, lo que sugiere un incremento en la popularidad y un
mayor interés en su legado por parte tanto de directores como
de público.

18.  En la década de 1680, Pierre Beauchamp inventó un
sistema de notación de danza para la danza barroca. Su
sistema denominado notación Beauchamp-Feuillet, fue
publicado en 1700 por Raoul-Auger Feuillet y se lo utilizó
para guardar registros de las danzas durante el siglo XVIII.
 Una importante colección de registros de danzas es
la colección Sergeyev, que utiliza el sistema de notación
de Vladimir Ivanovich Stepanov. Esta colección incluye los
registros del repertorio del Ballet Imperial (en la actualidad
ballet Kirov/Mariinsky) de comienzos del siglo XX,
incluidas los diseños de las coreografías originales
de Marius Petipa de La Bella Durmiente, Giselle, Le
Corsaire, y El Lago de los Cisnes, además de la coreografía
de Coppélia y la versión original de El cascanueces. Fue
utilizando esta colección que las obras antes mencionadas
fueron presentadas por primera vez fuera de Rusia.

25.  Haciendo una revista de los bailarines
destacados podemos mencionar a:
 Urtzi Aramburu
 Iker Murillo
 Lucia Lacarra
 Asier Uriagereka
 Igor Yebra
 Jone Sanmartin
 Luis de Borbón
 Iñaki Urlezaga

26.  Destacado intérprete, ha bailado en el Nederlands Dans Theater durante
más de diez años. San Sebastián, 1972
 Afamado bailarín de reputada trayectoria, se presenta Urtzi Aranburu
como una de nuestras estrellas más internacionales. Su carrera
profesional la ha desarrollado fuera, y la compañía Nederlands Dans
Theater (NDT) con sede en La Haya, figura como su casa artística. Hasta
ella llegó en 1991, y en la prestigiosa formación que dirigió Jirí
Kylián durante 25 años, ha bailado durante más de diez años. Primero,
en la NDT II, hermana pequeña del Nederlands destinada a bailarines
jóvenes. Después, en la NDT I, donde destacó desde 1993 como
brillante intérprete, y en la temporada 2003/4 como asistente del
coreógrafo Jorma Elo también. Sus interpretaciones en aquellos
escenarios donde se ha presentado la compañía holandesa, colman la
trayectoria de Aranburu de grandes elogios e interesantes invitaciones.
Una de ellas se produjo en 2001 cuando Saburo Teshigawara reclamó al
bailarín donostiarra, para formar parte de una creación de Karas,
compañía que dirige el creador japonés. Formado en ballet clásico en la
Academia de Danza de Mentxu Medel y en danza contemporánea en la
de Iñaki Landa, las dos en San Sebastián, Urtzi Aranburu, que empezó en
la danza estudiando bailes vascos con Lorenzo Gorrotxategi, es profesor
en el Conservatorio de La Haya desde 2005.

28.  Bailarín y Director Artístico de la Compañía de Danza Uniqart.
 Iker Murillo nació en San Sebastián, España y a los quince años se trasladó a
Madrid en busca de una formación competitiva en danza ansioso de evolucionar y
crecer en su repertorio neoclásico, se unió al "Richard Wherlock's Basel Ballet" en
2011.
 Ingresó en la distinguida "John Cranko Ballet School" en Stuttgart, Alemania, de la
que se graduó más tarde.
 Su carrera profesional de danza se inició en 1997 como solista con el
"Saarländischen Staatstheater", y en un intento de ampliar su repertorio se une
más tarde al "Heinz Spöerli's Zürich Ballet" en 2001, donde interpretó varios
papeles impresionantes junto a coreógrafos de renombre mundial.
 Su viaje le llevó al "Richard Wherlock's Basel Ballet de Basilea" hasta 2012. Desde
entonces, ha realizado giras y actuaciones en escenarios de renombre mundial con
"El Ballet Béjart Lausana".
 La trayectoria única de Iker Murillo durante 17 años le ha merecido varias
menciones en la aclamada "Ballettanz Magazine": 2002 "Young Dancer to watch",
2008 "Outstanding Dancer", y "Dancer of the Year" en 2010.
 Recibió el premio "Revelación de la Danza" en 2008 por la Asociación Profesional
de Danza de Gipuzkoa.
 En 2012 actuó para el presidente del País Vasco.

30.  Primera Bailarina del Ballet de la Ópera de Munich
 Zumaia, Guipúzcoa, 1975
 Considerada una de las principales figuras del ballet clásico actual, la bailarina
Lucía Lacarra presenta una trayectoria artística de gran relevancia. Su interés por
la danza lo mostró desde una edad muy temprana y a los 9 años comenzó a tomar
clases en su Zumaia natal. A los 13, Lucía Lacarra ya se encontraba en la ciudad de
San Sebastián en la Academia Thalia de Mentxu Medel, y un año después llegaría
hasta la capital madrileña para ingresar en la Escuela de Víctor Ullate. Fue en esta
prestigiosa escuela, de donde han salido otras estrellas de su generación como
Tamara Rojo, Igor Yebra o María Giménez, en la que Lucía Lacarra comenzó a
perfilarse como futura promesa de la danza, hoy consagrada.
 El Ballet Nacional de Roland Petit, donde pudo interpretar todo el repertorio del
prestigioso creador, el Ballet de San Francisco y el Ballet de la Ópera de Munich,
del que ha sido solista desde que ingresara en 2002, conforman la carrera
artística de esta bailarina galardonada con el Premio Nacional de Danza en la
modalidad de Interpretación en 2005. Un premio que se suma a otros en su haber
como el Premio Nijinsky 2002 y el Benois de la Danza 2003.
 A partir de la temporada 2018/2019 asume la dirección artística del Víctor Ullate
Ballet – Comunidad de Madrid.

32.  Nació en Mungia en 1980, ingresó a las filas del Ballet de Monte Carlo en 2001 y
en tan sólo tres años fue nombrado primer bailarín de la compañía. Empezó a
bailar a los nueve años en su pueblo. «A esa edad el cuerpo ya me pedía bailar.
Era algo completamente necesario, como comer o dormir». Unos años más tarde
su profesora le llevó al estudio de Ion Beitia; ese fue el momento en el que tuvo
claro cuál sería su destino. «Ocurrió cuando vi a la gente. A los chicos y chicas que
estaban allí. Aunque yo tenía un nivel mucho más bajo me sentí parte de ellos.
Tenía catorce años y decidí tomar el baile como una carrera profesional. Era algo
evidente y no tenía ninguna duda».
 Cuatro años más tarde ganó el Prix de Laussane. Este reconocimiento le llevó
estudiar en la Royal Ballet School de Londres, una experiencia que él mismo define
como «increíble». «Fue pasar de un bajo de Las Arenas compartiendo el estudio
con gente de los alrededores a estar en un vestuario en Inglaterra y cruzarte con
rusos, japoneses, ingleses, grandes coreógrafos y estrellas de la danza».
 Uriagereka, que pasó además por el Birmingham Royal Ballet antes de ingresar en
el Ballet de Monte Carlo, lamenta que los bailarines «deban» salir del país para
formarse. «En España no hay suficientes compañías. Por eso muchos nos hemos
tenido que ir de casa, no había elección. Aunque también es cierto que un bailarín
tiene tendencia a moverse, a conocer mundo». Se confiesa emocionado por el
galardón de condecorarlo como caballero por parte del principado de Mónaco.
«Me produce un gran orgullo y muchísimo agradecimiento. Dan ganas de seguir
bailando y disfrutando e inspirando a más personas. Es toda una
responsabilidad».

34.  Nacido en Bilbao, Igor Yebra recibió su formación en la Escuela de Víctor
Ullate en Madrid de la mano de Karemia Moreno, ampliada
posteriormente con Ángela Santos y Pino Alosa, entre otros. Debutó
como profesional en el Ballet de Víctor Ullate (1988-1996), siendo el
único bailarín aún en activo del estreno de la compañía en el Teatro
Arriaga, fechado el 28 de abril de 1988. Cuando emprendió su carrera
en solitario, entró a formar parte del Australian Ballet (1997-1999),
primera de las muchas compañías internacionales de los cinco
continentes con las que ha colaborado a lo largo de su trayectoria.
 Su carrera internacional como intérprete freelance ha pivotado
principalmente sobre tres ejes: su relación con la escuela francesa a
través de Charles Jude y su larga colaboración con el Ballet de la Ópera
de Burdeos (2002-2016), donde ostentó la categoría de étoile (estrella)
durante una década; su relación con la escuela italiana mediante Carla
Fracci y su colaboración como primer bailarín invitado con el Ballet de la
Ópera de Roma (2002-2012); y su reconocida admiración por la escuela
rusa y su trato cercano con Yuri Grigorovich, gracias al que protagonizó
uno de los mayores hitos de su carrera al convertirse en primer bailarín
no ruso en bailar en rol protagonista de Iván el Terrible en el Palacio
Estatal del Kremlin, en 2004, y cuya capacidad es de 6000 espectadores.

35.  Además, ha bailado como invitado en numerosos
espectáculos y giras con multitud de compañías
internacionales de los cinco continentes como
el Ballet Nacional de Cuba, La Scala de Milán, el
Scottish Ballet, Ballet Nacional de Lituania, Ballet del
Kremlin, Ballet Argentino de Julio Bocca, Teatro San
Carlos de Nápoles, Ballet de la Arena de Verona,
Atterballetto, el Ballet del Teatro de Ekaterimburgo,
Ballet Estatal de Georgia, Ballet del Teatro Estatal de
Bashkiria, Ballet del Teatro de Kazán, Ballet Nacional
de Hungría, Ballet Nacional del Teatro de la Ópera de
Sofía, Ballet Nacional Sodre de Uruguay, Ballet
Nacional de Venezuela, Ballet de la Ópera de Leipzig,
Ballet Nice Méditerranée, Ballet de la Ópera de
Limoges y Ballet de la Ópera de El Cairo.

36.  Consciente de la importancia de una enseñanza de calidad, Igor Yebra
fundó su propia escuela de danza en Bilbao en 2006, y dos años
después recibió el encargo de poner en funcionamiento la Escuela
Municipal de Amurrio, dejando la dirección un lustro después de su
inauguración. Otra faceta a destacar de Igor Yebra es la creación de sus
propias coreografías. Debutó como coreógrafo con la ópera Il signore
Bruscchino y ha realizado creaciones para las óperas La
Traviata, Carmen, Aída, el musical El padre Arrupe, y de suites sobre los
ballets clásicos El Cascanueces Suite, Carmen Suite Ballet, además del
ballet infantil Pipi Bailarina. También colaboró creando la parte
coreográfica de la obra Memorias de Adriano del director escénico
italiano Maurizio Scaparro y debutó como actor teatral en Esto no es la
casa de Bernarda Alba, versión dirigida por Carlota Ferrer. Finalmente,
remarcar que fue el creador de la coreografía El Cisne XXI, versión
masculina de La muerte del cisne, que ha interpretado a nivel nacional e
internacional en multitud de galas, en las que ha cosechado un gran
éxito. En enero de 2018, toma el testigo de Julio Bocca y asume la
dirección artística del Ballet Nacional Sodre de Uruguay.

38.  Alicia Amatriain tuvo su primer contacto con la danza a la edad de 4 años. Recibió
la mayor parte de su formación en el Conservatorio de Donostia (1985-1994),
bajo la supervisión de Peter Brown y Águeda Sarasua. A los 14 años, accedió a la
Escuela de John Cranko en Stuttgart.
 En 1998, ingresó en el Stuttgart Ballet como meritoria, ascendiendo por los
diferentes rangos hasta ser promovida como bailarina principal en 2002. Para su
debut en la máxima categoría, Alicia Amatriain bailó el rol de Tatiana del ballet
«Onegin» de John Cranko. Gracias a la protagonista de «Lulu», papel creado para
ella por Christian Spuck, fue aclamada por la crítica especializada como la
bailarina excepcional de la temporada 2003/04. Dos años después, se alzó con
los premios Futuro, en Alemania, y Revelación de Gipuzkoa 2006. Obtuvo en Italia
los galardones Danza & Danza y el ApuliArte, en 2008 y 2009 respectivamente.
 Nombrada Bailarina de Cámara del estado de Baden-Wüttemberg –máximo
reconocimiento alemán para una bailarina- en septiembre de 2015, la temporada
2015/16 fue inolvidable para Amatriain, ya que amplió su palmarés con el premio
Der Faust, convirtiéndose en la primera artista española en recibirlo, la distinción
al mejor dúo del Festival Dance Open de San Petersburgo, el prestigioso Benois de
la Danse -otorgado en el Teatro Bolshoi de Moscú y considerado el “óscar” del
ballet-, y el Positano, el galardón más antiguo del mundo del ballet. En 2017 es
reconocida con el Premio ‘El Ojo Crítico’ de RNE de Danza.
 Como bailarina invitada, ha bailado con prestigiosas compañías como el Bolshoi,
la Ópera de París, la Compañía Nacional de Danza, el Ballet Nacional de Cuba y el
Teatro Colón de Buenos Aires.

41.  Los Ballets Olaeta, cuyo nombre lleva este
trayecto de casi 500 metros, se originaron en el
grupo de danzas Elai-Alai, que fue el primer
grupo coreográfico del País Vasco, creado en
Gernika en 1926 por Segundo Olaeta Mugartegi.
 Representa la presencia de la familia Olaeta en la
música clásica y la danza; en 1964 se estrenó en
el Teatro Arriaga el ballet vasco Aiko Maiko, con
música de Jesús Arambarri.
 Con la Guerra Civil la compañía se dirigió a París,
y en 1939, escapando de la ocupación nazi, se
radicaron en Iparralde donde crearon otras
academias de danza y música vasca.

45.  Luis III de Navarra, si bien nacido fuera de Navarra y
residente en Versalles. Era un vasco de la diáspora. Buen
bailarín de su època, totalmente aficionado y desarrollador
del arte de la danza.
 Se realizó una película en Bélgica Le roi danse que
describe su actividad de bailarín y su intención política
inserto e n ciertos bailes. Emplea el sometimiento de los
nobles díscolos a través de la danza.
 Sus papeles principalmente se centran en aparecer como
centro del baile como sol, de ahí su denominación El rey
sol.
 Se postula que medía 1,84 m más que su padre Luis XIII de
1,6 m y su abuelo Enrique IV 1,65 m que era el promedio
de la época. A pesar de ello Luis se ponía tacos de 11 cm
para aparentar una estatura de 1,95 m. Él bailaba con
tacos, cosa que se dejó de hacer en el siglo XVIII.

49. Recreación de la danza de Luis XIV en la película belga

50.  Se formó en su ciudad natal de La Plata. Estudió en el Instituto Superior de Arte del Teatro
Colón de Buenos Aires, donde recibió una beca para perfeccionarse en el American Ballet,
donde permanece un año completo.
 Integró el ballet del Teatro Argentino de La Plata bajo la dirección de Esmeralda Agoglia y en
1993 ingresó al Ballet Estable del Teatro Colón donde fue primera figura.
 En 1995 se incorporó al Royal Ballet de Londres por invitación de Sir Anthony Dowell, en donde
bailó hasta el 2005 en todas sus temporadas del Covent Garden. En 1999 recibió el Premio
Konex en reconocimiento como uno de los mejores bailarines de la década en la Argentina.
 En el año 2005 se une como bailarín invitado en el Het National Ballet, invitado por el director
artístico Ted Brandsen. Debuta oficialmente en 2006 con el Lago de los Cisnes en el Het
Muziektheater Opera House. En el año 2006, fue la figura elegida para cerrar la temporada de
danza en el Teatro Colón de Buenos Aires hasta su reapertura en el bicentenario.
 Formó su propia compañía, Ballet Concierto, y se desempeñó como coreógrafo. Ha realizado
varias coreografías, como Sylvia con música de Delibes, Floralis con música de
Prokofiev; Danzaria con música de Vivaldi; Constanza con música de Chopin, Cascanueces ; La
Traviata con música de Verdi.; "Cuentos de Chopin, Dios se lo pague y El lago de los cisnes.
 En el año 2009 estrenó La Traviata en la provincia de Salta e inmediatamente en Buenos Aires.
En el año 2010 fue invitado como embajador cultural argentino a la Expo Shanghai; por
el Ministerio de Cultura de Argentina. En el año 2010 estrena Cascanueces con coreografía
propia.
 En el año 2013 comienza el proyecto “Con más danza, más desarrollo social”; una propuesta
del Ministerio de Desarrollo Social para formar el cuerpo de Ballet Nacional del cual fue primer
bailarin, coreógrafo y director artistico. En 2018 el estado argentino cierra el Ballet Nacional.

52.  Willkommen/Ongi Etorri. Un popurrí de alemán y euskera se mezcla este fin de semana en un
refugio mítico de la resistencia germana, Tacheles, en la calle Oranienburger. La música y los
pasos de baile que se escuchan en la sala Goldener alejan al visitante los fantasmas del pasado
y le sumergen en una iniciativa que traspasa fronteras y aúna culturas, el primer Festival de
Coreógrafos vascos de Berlín. Un festival que reúne hasta mañana a los bailarines Asier
Zabaleta, Mikel Aristegui y a los componentes de Kukai Tanttaka, acompañados por las lecturas
de Harkaitz Cano, Karmele Jaio y Michael Kasper. Al frente de esta expedición cultural, Mikel
Aristegui, director del festival y bailarín guipuzcoano residente en Berlín, quien ha contado con
la ayuda de la asociación Gernika.
 "Es complicado organizar aquí un festival de coreógrafos vascos. Planificar el montaje de las
compañías, los discursos de bienvenida, cuidar que todo el engranaje esté bien engrasado y
sobre todo asegurarme que no haya problemas de comunicación entre los técnicos, el director
del teatro... no hay que olvidar que la lengua madre es el alemán, que no habla cualquiera",
dice Arístegui, algo sobrepasado. Este creador de la compañía T.L.F. Danza y docente de baile
en diversos países mantiene que "incluso hoy en día es muy difícil que un bailarín pueda
quedarse en Euskadi y dedicarse profesionalmente sólo a ello".
 El festival se ha planteado como un armonioso cóctel entre danza y literatura. En la partitura
escrita, ayer el turno fue para Harkaitz Cano que leyó Passaia Blues con traducción de Petra
Elser. Hoy toma el testigo Karmele Jaio que leerá Amaren eskua con traducción de Gabriele
Schwab. Mientras que el domingo, la parte literaria corre a cargo de Michael Kasper, un autor
alemán profundo conocedor de la cultura vasca.
 que requiere todavía de información directa. Así puedes llegar a gente que no tiene que
comprar una entrada para un espectáculo en el que no sabe qué va a ver".

53.  Cada coreógrafo presenta una pieza con reminiscencias euskaldunes. Asier Zabaleta representó ayer viernes, El
agujero del Avestruz con la compañía Ertza. "A Asier le conozco hace mil años y aunque no he visto sus últimos
trabajos, confío ciegamente en él", declara Aristegui que ha elegido casi personalmente el elenco. Por eso, el
domingo Berlín baila al ritmo de Kukai Tanttaka y su Hnuy Illa con textos de Joseba Sarrionandia. " Cuando
ví Hnuy Illa me pareció que poseía una combinación inteligente entre los bailes vascos y la danza
contemporánea», declara un Aristegui que ha reservado para su actuación la tarde de hoy.
 Aristegui bailará Unerwartet/Ezustekoa, una pieza que acaba de estrenar en Donostia, y que revive los
fusilamientos de Hernani en 1936 a través de la historia de su aitona. El bailarín guipuzcoano conjuga distintos
tipos de danza, entre ellas la contemporánea, con elementos del teatro, y traslada al espectador a los meses de
octubre y noviembre de 1936, en los albores de la Guerra Civil, período en el que unas 200 personas fueron
sentenciadas a muerte y asesinadas a manos de los sublevados por acusaciones infundadas.
 en familia El aitite del bailarín, Julián Arístegui, fue una de las víctimas de este oscuro pasaje. El padre de Mikel,
José Mari, que tenía seis años cuando tuvieron lugar los fusilamientos, participa como actor en esta
representación. El bailarín es un apasionado a la hora de remontarse a sus orígenes culturales y en noviembre
de 2008 ya presentó en la capital vizcaina el espectáculo Euskalherria. Ahora gira con Ezustekoa, una pieza que
comenzó a pergeñar hace tres años tras la inauguración de un monumento en el cementerio de Hernani para
honrar a los fusilados.
 También la cesta punta ha jugado un papel determinante en sus coreografías. "Yo creo que uno tiene
determinadas inquietudes que se van materializando con un proyecto o con otro y que son casi casualidades del
destino", explica. "Por eso me encantó crear la coreografía de este espectáculo de cesta punta en el frontón de
Hondarribia. Fue algo que me interesó mucho. Además para mí suponía la oportunidad de estar dos meses de
creación en San Sebastián", matiza.
 Absolutamente partidario de los festivales de danza de calle, el coreógrafo e intérprete donostiarra cree que es
una forma de sensibilizar al público. «Ya he participado en otros festivales de calle y la gente está encantada de
poder disfrutar de este tipo de propuestas y ver danza sin tener que comprar una entrada. El hecho de romper
con la distancia entre el escenario y la butaca hace que la gente se anime a preguntar a los intérpretes o a
comentar el espectáculo", subraya. Especializado en proyectos de performance asegura que "la danza fuera del
teatro es necesaria en una sociedad como la vasca

55.  Joseph Maurice Ravel (Ciboure, Labort, 7 de
marzo de 1875-París, 28 de diciembre de 1937) fue
un compositor francés del siglo XX. Su obra,
frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra
además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos
del expresionismo, y es el fruto de una compleja
herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron
la música para piano y para orquesta. Reconocido
como maestro de la orquestación y por ser un
meticuloso artesano, cultivando la
perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo
profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió
por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y
las efusiones más ocultas del corazón»

57.  De regreso en su país, Ravel comenzó a trabajar en la que se
convertiría en su obra más famosa e interpretada. La
célebre bailarina y coreógrafa Ida Rubinsteinle había encargado
en 1927 un «ballet de carácter español» para el cual el músico
adoptó una antigua danza andaluza: el bolero. La obra, que
apuesta por durar alrededor de un cuarto de hora con sólo
dos temas y una cantinela incansablemente repetida, fue
estrenada el 22 de noviembre de 1928 frente a un público un
tanto asombrado. Su difusión fue inmediatamente inmensa.
Ravel había firmado una auténtica obra maestra a partir de un
material casi insignificante, pero él mismo rápidamente quedó
exasperado por el éxito de esta partitura que consideraba sobre
todo como una experiencia, y «llena de música». Cuando una
dama gritó: «Au fou, au fou!» (¡Al loco, al loco!) después de
haber oído la obra, el compositor confió a su hermano: «Celle-là,
elle a compris!» (He ahí, ella lo ha comprendido.)

58.  1909-12 — Dafnis y Cloe
1919-20 — La Valse
1922-24 — Tzigane
1928 — Boléro
Yuri Balanchine Ida Rubinstein Maurice Bejart