colectivo de artes plasticas, colectivo no inscripto. Chascomús, Bs As. Argentina.

1. Un relevamiento metodológico de investigación en artes. Año 2013
COLECTIVO NO INSCRIPTO
Arte Argentino Contemporáneo.
La reactivación colectiva en diferentes disciplinas del arte se puede casi fechar
si nos remitimos a la historia presente.
Los procesos sociales, culturales y políticos acaecidos en nuestro país a partir
de la última dictadura militar, la vuelta a la democracia, las recetas
económicas neoliberales, su fracaso y luego la caída y renuncias de sucesivos
presidentes en el año 2001, formó parte del corolario del pueblo argentino y
de sus expresiones culturales en los últimos tiempos.
Parece ser que el surgimiento de colectivos sociales de toda índole, para
hacer frente a la crisis (que aún hoy es agenda de la coyuntura política y
económica nacional e internacional), no deja de lado a los productores o
creadores artísticos (no vamos a definir las diferencias) que también forman
parte del conglomerado social que se resiste a la desintegración.
El legendario enunciado “que se vayan todos” en relación a la política y sus
representantes y en repudio y descreimiento a las instituciones, conjugaría
sustantivamente otra manera de organizarse y de repensar los relatos y las
prácticas, en este caso particular, la creación artística.1
Andrea Giunta considera que: “La figura del artista creando aislado en su
taller perdió, por un tiempo, legitimidad; para inscribir su nombre este tenía
que actuar desde un colectivo”.2
1
La mayor parte de los participantes de dichas protestas fueron autoconvocados, que no
respondían a partidos políticos o movimientos sociales concretos. Su lema popular fue:
"¡Que se vayan todos!". En los hechos murieron 39 personas por las fuerzas policiales y de
seguridad, entre ellos 9 menores.
2
Giunta, Andrea. Arte de Poscrisis. Pag.26. editorial siglo veintiuno. 2009.

2. Teniendo en cuenta que la obra visual que analizaremos posee en principio
dos etapas como colectivo, creemos importante periodizar las mismas para un
mejor seguimiento. Si bien el colectivo en un primer período fue conformado
multidisciplinarmente con músicos y artistas plásticos de la ciudad de
Chascomús (Prov. de Bs. As) nuestra investigación será abordar sólo las
imágenes visuales.
Si existe análisis de las obras estos serán globales, sin ánimo de interpretar la
iconografía o el mensaje exhaustivamente, ya que el mismo es una
construcción constante, y los autores y artistas que forman parte de esta
publicación no quieren dar por concluida ninguna interpretación que interfiera
en la libertad subjetiva de cada uno de los espectadores o lectores a quien le
pueda llegar este texto. Al decir de Susan Sontag suele suceder en la
interpretación que se domestique la obra y pierda la esencia mas allá de la
cuestión iconográfica.
Es cierto que la figuración se presta para una lectura, a veces, más lineal de
interpretación y análisis, cabe decir, las representaciones del colectivo no son
mimesis de la realidad. En las manifestaciones en general subyacen cuestiones
que serian imposible de encasillar como un hecho o una verdad. Con lo cual
este trabajo, atento al espíritu que lo mueve, no tiene ánimo de encorsetar
subjetividades ni formar, ni dirigir una opinión cerrada.
Cada una de las etapas del sistema capitalista tuvo una representación estética,
pasó en la modernidad con todos los estilos que forjaron de alguna manera la
estética de hoy y la manera en que la historia y la filosofía las abordó.
En esta época posmoderna no se desecha en bloque los antecedentes (se los
utiliza) pero tampoco se los idolatra, sino que se los resignifica
contextualmente, al menos en las artes cuyo soporte bidimensional contiene.
Hoy desde las disciplinas clásicas no podemos hablar de revoluciones o
rupturas, creemos que se pueden dar en otros planos donde lo relacional y
situacional no logocéntrico es más directo, pero así y todo, en ello se podría
hallar antecedentes genéricos en las vanguardias del S.XX ., salvando las
distancias y los compromisos sociales de los artistas de cada época.

3. Freud considera que: “… (En) la vida psíquica nada de lo que una vez
formado puede desaparecer jamás; todo se conserva de alguna manera y
puede volver a surgir en circunstancias favorables, como por ejemplo
mediante una regresión de suficiente profundidad” 3
. Este concepto puede
ser extendido a las artes plásticas como una especie de evocación o
reminiscencia que existió y existe en nosotros pero aparece de una manera
diferente. En ocasiones, también sostenido por apreciaciones psicoanalíticas,
se considera al arte como una distracción que mantiene la vida anímica
anclando en la belleza tradicional y no como una válvula crítica que pueda
generar a su vez conocimiento, más allá del dato psicológico individual. Los
designios nos dicen que hoy casi todo se puede relativizar, salvo la
LIBERTAD y su búsqueda constante. Las dualidades de la modernidad en el
cual se apoya este sistema son palpables, pero está en nosotros en mantener o
no las utopías que ésta época posmoderna soslaya.
EL COLECTIVO NO INSCRIPTO O EL DISPLACER PLÁSTICO
La imagen como proceso permanente . Lo relativo en cuestión: Otra vez
la belleza.
Hans Belting sostiene que toda imagen se construye a través de una evocación
del pasado reconfigurada y re significada acorde a un nuevo entorno o
contexto que le da nacimiento a una nueva imagen.4
La estandarización platónica /aristotélica / tomista del arte, en este caso de la
forma humana y su poiesis irrumpe en el imaginario colectivo y en las
estructuras occidentales que educaron una manera de percibir e idealizar la
forma. De esta manera existe en el imaginario colectivo, también
estandarizado, una idealización de la representación pura (“realista”) unida,
en este caso, una pintura pura (matérica).
Si bien desde la modernidad estas posturas figurativas ideales comenzaron a
deformarse en analogía a la conciencia social y contextual, la mirada sobre la
belleza en las artes sigue siendo en un punto platónica. El contenido queda
supeditado a la técnica vaciando de sentido epistemológico la obra.
3
Freud, Sigmund. El malestar en la cultura. Pag 14. ED. Folio 2007
4
Beltin, Hans. Antropología de la imagen. blog estética. UBA.

4. Las imágenes internas (las sentidas, subjetivas) y externas (las impuestas por
el medio) confrontan dialécticamente entre lo que el sujeto /productor vive
como ser social y político y lo que le es impuesto por el medio como una
producción tecnológica mecánica estandarizada de propaganda (la imagen real
intenta emular la imagen ficcional creada o modificada por ordenadores, o
programas), que también muta dentro de sus propias leyes históricas,
culturales, políticas y comerciales. La figura es tomada como rehén.
La figuración y la imagen subjetiva a representar puede de esta manera
cuestionar y marcar terrenos antagónicos entre una imagen ficcional, tomando
a esta, como producto exterior impuesto por el medio y por otro lado la
imaginación subjetiva que siendo parte de medio la apropia y la re significa
dando carácter o lugar a otra estética o contra estética.
Desde el sistema de explotación social imperante, y como paradigma cultural,
la imagen del cuerpo ficcional es totalitario, subyuga al cuerpo real, le
informa, lo forma, le impone, lo tecnologiza, lo modifica, lo agrede, lo
patologiza, lo enferma, lo institucionaliza, lo mata pero la imagen siempre esta
y se instala socialmente, dispuesta a reproducirse.

5. Tinta sobre papel. 4 x 2m. S/titulo
Lo bello y lo feo sigue instalado. Hay un cuerpo y una imagen del mismo,
conforme y ordenado y otro cuerpo que no entra en esos cánones (Schafeer)5
.
Desde esta visión el cuerpo bello es dios y se le debe imagen y semejanza.
La confrontación al modelo ficcional en este sentido forma parte de la
realidad y de la imaginación. En el campo imaginativo la imagen creada
confronta y dialoga con la realidad (y la falsa conciencia en cuestión
impuesta), la indaga, la analiza creando una nueva imagen decodificada de la
ficción y la realidad. La deformación surge como resistencia metafórica y
como alternativa a la teoría especulativa del arte y de la imagen cuyo
formalismo se encorseto en la clásica historia del arte.
La imagen plasmada, deformada o no conforme interpela el yo del artista que
será confrontado y expuesto a las subjetividades de los espectadores q
5
Schaffer J.M. Cuatro ensayos sobre estética. ED Biblos.2012

6. completan el sentido de la obra, más allá de un juicio estético que convoque al
gusto.
La imagen no conforme como acto creativo posiciona al contenido por sobre
la técnica. En términos de Schaffer no sacraliza el arte, lo cognitiviza.6
Umberto Eco en Historia de la Fealdad concluye que:“Decir que belleza y
fealdad son conceptos relacionados con las épocas y con las culturas (o
incluso con los planetas) no significa que no se haya intentado siempre
definirlos en relación con un modelo estable. Se podría incluso sugerir, como
hizo Nietzsche en el Crepúsculo de los ídolos , que "en lo bello el hombre se
pone a sí mismo como medida de la perfección" y "se adora en ello El hombre
en el fondo se mira en el espejo de las cosas, considera bello todo aquello que
le devuelve su imagen Lo feo se entiende como señal y síntoma de
degeneración Todo indicio de agotamiento, de pesadez, de senilidad, de
fatiga, toda especie de falta de libertad, en forma de convulsión o parálisis,
sobre todo el olor, el color, la forma de la disolución, de la descomposición
todo esto provoca una reacción idéntica, el juicio de valor ´feo ¿A quién odia
aquí el hombre? No hay duda: odia la decadencia de su tipo”.7
El método como fundamento del CNI
El anonimato colectivo de los artistas, la temática, la economía de los
materiales como comunicador, son pautas, aunque queda de manifiesto que las
personas quienes conforman el CNI poseen, además, afinidades técnicas,
metodológicas, estéticas e ideológicas que le dan forma a la imagen a la hora
de plasmar un contenido. Por otro lado la figura humana (fragmentada)
trabajada de manera directa sin bocetar es la protagonista.
Lo caótico de la realidad presente, signada por la ambivalencia de pertenecer
o salir, donde teóricos y filósofos sostienen la existencia del apocalipsis en
todos los órdenes (culturales, ideológicos, históricos, estéticos, de clase, etc.)
donde la imagen y la aparición de estas manifestaciones visuales en forma de
6
Schaffer J.M. . Cuatro ensayos sobre estética. ED Biblos.2012
7
Eco umberto. Historia de la fealdad.

7. colectivo plástico reafirmarían estas postulados teóricos posmodernos.
Citando a Jameson quien sostiene que“…la incapacidad de organizar el
pasado y el futuro coherentemente lleva a pensar en las producciones
culturales de un sujeto en “montones de fragmentos” y una práctica de lo
heterogéneo y lo fragmentario al azar así como de lo aleatorio.”8
Tinta sobre tela. 4 x 1,50m. S/t
El CNI no niega el pasado, cuestiona sus tradiciones y considera que el
presente es lo importante. Desde este posicionamiento también puede
articularse la imagen con la estética Street y premisas del punk como uno de
los movimientos contraculturales surgidos en esta posmodernidad, la cual
también es cuestionada.
Las producciones bidimensionales iníciales (2011) del colectivo, realizadas
sobre papel de envolver de grandes dimensiones en blanco y negro tienen la
característica (posmoderna?) de la desaparición de un estilo
personal/individual de autor por uno nuevo. Surge lo colectivo sublimando
las individualidades y la autoría, se privilegia el contenido en libertad
perdiendo el egocentrismo del creador artista. Las obras producidas no son
mercancías y por ese motivo los nombres personales de los artistas que
componen el colectivo es lo menos importante. No hay propiedad individual
de autoría.
La cuestión social de las obras y la construcción de las imágenes poseen aun
cierta oscilación entre lo moderno/posmoderno al plantearse temáticas (por lo
8
Jameson. La estética posmoderna.

8. general críticas sociales al sistema de explotación y consumo, a la violencia y
a la estética misma) partiendo de imágenes populares reconocibles como
metáfora.
En el primer período del CNI, la utilización de imágenes recortadas de revistas
o artículos de diarios que luego van a ser re significadas era una
característica. Existe la pauta de la temática, los materiales y una técnica libre
a utilizar que por lo general se va a mantener hasta las obras más actuales.
“…en apariencia se suprimen las dualidades, las obras vacilan entre pinturas
dibujadas o dibujos pintados disipándose el carácter académico por la
utilización de los materiales o por mantener esas disciplinas puras. Los
dibujos de un artista eran intervenidos por el otro y así se creaba y se perdía
la individualidad, que a la vez está presente, pero prima otra identidad
colectiva horizontal sin jerarquías”.(CNI)9
Loredana Niculet en su texto posestructuralismo y estética al analizar métodos
creativos se remite a Barthes quien “desmitifica, de este modo, el acto creativo
único, original e irrepetible, al señalar que un texto (una obra de arte, una
pintura) es constituido de un tejido polisémico de signos donde lo más
importante no es el momento de la inspiración, sino las acciones menos
grandilocuentes de seleccionar, escoger y combinar. La consideración, por
parte de Barthes, de la polisemia como percepción diferenciada de los
significados de la obra es un avance en relación a la postura estructuralista
clásica, que pretendía una explicación unívoca de la obra.”10
La utilización de imágenes recortadas de revistas o artículos de diarios que
luego van a ser re significadas (a modo de la nave de Argos de Barthes), sin
caer en el pastiche o collage, servían como método de registro.
9
Colectivo No Inscripto (CNI)
10
Niculet Loredana. Posestructuralismo y estética.

9. Tinta s/tela . 4x 1,50m. s/t
Las obras en su mayoría de gran formato tanto en papel como en tela sin
preparar, en blanco y negro limitándose a lo básico como comunicador,
pintando las veces con gruesos pinceles o con las manos y dedos directamente,
son expuestas en la vía pública o en recitales independientes de música
alternativa, acompañando las imágenes con fanzines de poesía y
reproducciones de pinturas y grabados repartidos al público, orientando al
mismo a realizar sus propias producciones caseras (literarias, pictóricas,
musicales, etc) sin intermediarios institucionales o académicos. El viejo
slogan setentista contracultural de “hágalo usted mismo” rememora el quiebre
de la modernidad con la posmodernidad, por otro lado los artistas convocan a
los espectadores a formar parte del colectivo o a realizar otras acciones
colectivas independientes, “otra manera de hacer las cosas”:
“…Crear un mundo donde quepan otros mundos…No solo estéticos… en esta
deformación creativa (que corre el riesgo de ser tachada de mala praxis
plástica, mediocre o no) les abrimos las puertas a todos… Todo el que ingresa
al ámbito de creación del colectivo tiene la posibilidad de intervenir la obra
sin necesidad de saber pintar, o dibujar, les decimos q pueden hacerlo sin
pensar en la reprimenda retiniana. Dejando de lado lo correcto y lo
incorrecto en las artes.”(CNI)11
Volviendo a Niculet en su relación posdernismo y estética nos dice que:
“precisamente en esta polisemia residiría la posibilidad de la resistencia de
11
Colectivo no inscripto

10. la obra de arte frente a la industria cultural y a la institucionalidad oficial,
cuestionaron el principio de representación (sustentado en las ideas de autor,
originalidad y plena autonomía), siendo ejemplos inmediatos de obras
inorgánicas, antiestéticas o anti modernas, en las que se sobreponen una
multitud de escrituras”.12
La obra actual o segundo período del colectivo(2012 hasta la actualidad)
Posee rasgos que seguirían vinculándolo a ciertas características estéticas
posmodernas, ya que la fragmentación subjetiva en cuanto a las
individualidades está más presente que en primer período y se ve plasmado en
la metodología de creación plástica. Si en la primera etapa del colectivo la
utilización de imágenes o artículos ya existente ancla como referencia
objetiva en algún punto, el valerse de elementos exteriores, y pautarse una
temática aunque se resignifique como explicamos más arriba, aseguraba una
producción no tan compleja de leer, si bien se utilizaban técnicas
expresionistas e imágenes caracterizadas como lo que podría emparentarse
con el neoexpresionismo13
.
En este segundo período se llega a los temas casi por accidente aunque a
menudo son recurrentes, la crítica a la institución arte, al sistema de
explotación, la sociedad política, el consumo, el humor y la burla a la
imposición de una imagen estandarizada, el cuestionamiento de identidades
12
Niculet, Loredana. Posestructuralismo y estética.
13
“La consecuencia en el tiempo de la nueva figuración, es la aparición a fines de la década del setenta de
una nueva imagen. Esta nueva imagen llamada transvanguardia en Italia, pintura salvaje en Alemania o
expresionismo en EEUU, es un fenómeno universal…” Usubiaga, Viviana. Imágenes inestables.pag 260. ed
Edhasa. 2012.
Por otro lado, la estética neoexpresionista en los relatos teóricos posmodernos es criticada, puesto que se
descontextualiza tomando la crítica una postura europeizada, sobre todo en Alemania, extendiéndola a todo
el globo. Donde se cree que el neoexpresionismo resurge como memoria del expresionismo alemán dando
carácter a este de arte nacional como reivindicación histórica en contraposición al nazismo que lo tachaba
de arte degenerado. Hoy, teóricos como Benjamin Buchloh, para categorizar y posicionar otro tipo de arte
relacional no logocentrico, performativo, etc. da por tierra el surgimiento de la “nueva imagen”
expresionista internacionalmente, considerando a esta conservadora en sus formas, arraigada a lo nacional
y al gusto conservador burgués. Esta discusión en argentina se toma( a partir de los años 80) pero se discute
descontextualizadamente, perdiendo de vista qué dice la obra, qué hace, qué provoca. La cuestión de si el
arte neoexpresionista fue un espaldarazo de la burguesía como manera de acumular obra volviendo al
cuadro es una discusión que puede estar ajena a los artistas que están afuera de ese sistema de producción
de bienes de consumo, neoexpresionistas o no. En este sentido la estética neoexpresionista forma parte de
mucho del arte callejero que nada tiene que ver con el consumo de obra en el sentido económico. (nota de
autor).

11. impuestas forma parte de la iconografía dominante como así también, citando
a Danto, hay cierta inclinación por esta “Kallifobia” 14
o aversión a una
belleza exterior q esconde lo que esencialmente se es o se siente como
explicamos mas arriba en el apartado “La imagen como proceso
permanente”.
Theowald D´Arago Fiol “En adiós a la estética” considera que lejos de ser un
ocaso de ésta, es plantearla como renacimiento, ya que lo que se quiere es
interpretarla fuera de su doctrina, en la medida de lo posible. Es de analizar la
estética y la imagen desde un punto de vista holístico, no solo teniendo en
cuenta los conceptos o preconceptos de los clásicos teóricos sino también,
pudiendo convocar las subjetividades desde una percepción sensible, más allá
de los relatos de los relatos metafísicos. Es un llamamiento a desobedecer, de
alguna manera los prototipos mentales incorporados durante todo nuestra
existencia en este sistema cultural, conducido por una industria de la misma,
que nos indica entre otras cosas: como mirar, como escuchar, como leer, como
hablar y nos dirige el gusto mas allá de lo que pueda trasmitir la obra, la
persona, el cuerpo.
El displacer en la obra del CNI subyace. Mas allá del goce estético, del
intercambio, de sus propuestas caóticas a la hora crear. Existe en la
producción un placer negativo comunicativo que de alguna manera es elegido.
La creación in situ es catártica mutando humores (otro rasgo posmoderno?), se
derrama.
Las influencias son urbanas, lindando con el grafiti callejero aunque tenemos
en cuenta la historia social y la historia del arte, en este sentido utilizamos
todo lo que nos haga falta para expresarnos y comunicar algo, entendiendo
ese algo no como un panfleto. (CNI)15
14
Danto Arthur. Que es el arte?ed.Paidos.2012.
15
Colectivo no inscripto

12. Tinta s/tela. 4 x 1,50m. (Duda)
Puede existir un discurso en el sentido en que éste forma parte de una
estructura histórica y un contexto determinado y por un lenguaje propio de las
artes . El significado está compuesto de alguna manera por contrastes
explícitos e implícitos, por la hibridación en la construcción de las figuras y
los fondos que en situaciones juegan con la reversibilidad al tener (en
ocasiones) la misma importancia q las figuras (el concepto de horizontalidad,
que nada sobre salga sobre nada está latente).
La idea de cultura polimorfa al igual que una estética polimorfa cómo definiría
Sontang16
al arte visual o literario posmoderno, da la pauta, que no existiría en
sí ninguna jerarquía. También señalaba que en la obra de arte es más
importante lo que ésta hace que lo dice. El generar incomodidad estética
luego el mensaje. Dando lugar a la sensibilidad y a la corrosión a la
utilización de los materiales no de manera conservadora sino subvirtiendo ese
orden que limita con lo revulsivo.
“El no saber a simple vista si la obra es un boceto o está terminada o
inacabada forma parte del proceso creativo, de la misma manera que la
incorporación inconsciente del “error”, de la mancha, de la
desproporción.”(CNI).
16
Sontang susan. Contra la interpretación.pag 42. Alfaguara 1996

13. La tela forma parte de la psicología y del estado de ánimo de los artistas a la
hora de crear determinando la manera de realizar las imágenes. Se humaniza
la obra, donde se sublima y conviven las dualidades que se presumen
cuestionar.
“…. El soporte, tela o papel, está ahí colgado esperando que en determinado
momento alguno rompa el blanco y como un derrame comienza a suceder la
obra…Por lo general no se pauta el tema, pero esta implícito que va a salir de
algo que conversamos azarosamente en el transcurso de las reuniones... en
este segundo momento del colectivo, no tenemos imágenes previas de nada…
es otro orden teniendo en cuenta la primer etapa y se refleja en las
obras”.(CNI)
Existe en definitiva un nihilismo estético un acto que linda con lo grotesco
poniendo en ridículo justamente al arte mismo y a la figura del artista como
genio creador. Cuestionando inclusive su propia función social.
Nietzsche,sentenciaba, pareciendo anticiparse a la época posmoderna y a su
manera de crear : Zaratustra no quiere perder nada del pasado de la
humanidad, desea arrojar cada cosa en el crisol” . Esta noción es análoga a la
caja de herramientas de Foucault, donde el sujeto puede valerse de todo para
crear y fundamentarse, y a la vez generar una respuesta propia que puede ser
reformulada constantemente.
La iconografía preponderante son cabezas (con mensajes o signos dentro de
las mismas), rostros de frente, antrozoomorfos o cuerpos humanos ambiguos
que puede poseer los dos sexos, negando la diferencia ( la binaridad) pero a la
vez reconociendo esta diferenciación de desigualdad social, de clase, de
géneros o elección de los mismos, cuyo tratamiento despojado de realismo y
más cercano a una pintura gestual, palimpséstica, rápida y expresiva,
espontánea sin bocetar, puede ser analizada como una analogía a la noción de
texto esquizofrénico o eufórico propio de las creaciones literarias o pictóricas
que señalarían el fin del modernismo estético. Esquizofrenia que también es
rasgo que identifica la sociedad capitalista.

14. Por otro lado las obras están atravesadas por palabras o textos que pueden
acentuar la temática o el mensaje y en otros casos despistan dando lugar a
múltiples interpretaciones.
Ya las producciones no se pautan a la manera del primer período, el ataque a
la tela o al soporte escogido es instantáneo, las imágenes son intervenidas
simultáneamente y el mensaje, si lo hay, es un diálogo silencioso entre los
signos icónicos.
“A veces la música es un disparador no pautado ni reglado, sino que ésta
actúa en la emotividad y sensibilidad que le sugiera a cada uno de los
artistas. Forma parte de la atmósfera creativa… el pospunk surge en
ocasiones como soundtrack de las imágenes y de la estética. Como dice
Humberto Eco, la música ritmiza la creación ”. (CNI)
Si bien la fragmentación individual y subjetiva es un rasgo característico de la
sociedad posmoderna, la obra del colectivo como tantas otras, expresan el
síntoma social de la disgregación siendo ellos sujetos y objetos del mundo que
transitan.
Lo cuestión de la producción colectiva estaría signada o podría representarse
de esta manera:
Aunque desde las vanguardias los límites de los paradigmas de belleza se
fueron ampliando aun hoy parecería que existe en común cierto
Contenido:
En ocasiones no
pautado. Aunque
prevalece la
critica social y a la
estética misma.
Técnica:
Determinada por la
economia de los
materiales como medio
expresivo.
Contexto:
Diacrónico
(Histórico)
y
Sincronico
(social)

15. embellecimiento en las artes donde la ruptura formal fue un símbolo de
apertura.
Aun si vamos atrás en el tiempo y nos paramos (genéricamente) en las obras
de los cristos crucificados pintados en el período bizantino comparado con el
arte cristiano italiano del renacimiento, la belleza está cuestionada. En el
primer caso el Cristo yaciente demuestra el dolor de la carne, el martirio el
castigo no hay belleza en ese dolor, románticamente en el renacimiento ese
dolor se vuelve redentor y la representación del martirio, un alivio que nos
invita a pensar en “otra vida mejor”, un paraíso. Decimos esto ya que el
problema de la belleza estética y el arte desde siglos sigue siendo un tema de
discusión aun en el siglo que transitamos.
El colectivo que investigamos más que la belleza de una imagen a representar
busca la experimentación lúdica de las formas cuyo centro sigue siendo la
figura humana y conocer a partir de los mismos rasgos etnocéntricos de una
sociedad determinada económica y políticamente. Ahora bien Como
conclusión dejamos algunos interrogantes que se contestarán con el tiempo
mientras el Colectivo siga circulando. Esta “deformación plástica”, como la
llaman sus propios integrantes, podrá tocar fín? se volverá a de alguna manera
a producir atisbos donde la seguridad del arte lo dé la belleza o un retorno al
embellecimiento?
En este mundo posmoderno donde se juzga socialmente por el tener, por el
pertenecer, por la institucionalidad, el esnobismo plástico rebelde en sus
formas y conservador en contenidos, donde se busca el reconocimiento y su
excelencia, el arte que disgusta, que es displaciente con sentido ¿tiene lugar?
Danto, considera que lo que “molesta” no es cierta “fealdad” estética sino el
tema, lo que inquieta es lo representado, lo que no se quiere ver.
Será como dicen los integrantes del colectivo que habrá que crear un mundo
donde quepan otros mundos?
El No pertenecer, el ser un No inscripto puede ser una posibilidad que nos
invita a crear. Corriendo el riesgo de alejarse y negar conceptos filosóficos
que inducen y dirigen la mirada, donde lo bello es el gusto universal, quizás la

16. belleza resida en detenernos y pensar el arte cognitivamente mas allá de lo
sensible, más allá de lo percibido por los sentidos, más allá de superficialidad.

17. Bibliografía:
Beltin, Hans. Antropología de la imagen. blog estética. UBA.
Borgdorff H. (2010) El debate sobre la investigación en artes. Amsterdam
School of the Arts.
Danto Arthur. (2012) Que es el arte? ed.Paidos.
Freud, Sigmund (2007). El malestar en la cultura. Pag 14. ED. Folio
Garcia S. y Belén P. (2013) Aportes epistemológico y metodológicos de la
investigación artística. Fundamentos, conceptos y diseños de proyectos.
Editorial Académica Española, Alemania
Giunta, Andrea (2009). Arte de Poscrisis. Pag.26. editorial siglo veintiuno.
Hernández Hernández F. La investigación basada en las artes. Propuestas para
repensar la investigación en educación. Universidad de Barcelona
Schaffer J.M. (2012) Cuatro ensayos sobre estética. ED Biblos.
Sontang susan. Contra la interpretación.pag 42. Alfaguara 1996