El documento describe varios aspectos de la arquitectura y escultura góticas. Explica que las catedrales góticas se caracterizaban por su mayor verticalidad y luminosidad logradas mediante el uso del arco apuntado y la bóveda de crucería. También describe elementos decorativos como los contrafuertes, pináculos, gárgolas y tracería. Explica que la escultura gótica se caracterizaba por su naturalismo, temática religiosa humanizada y simbolismo que presentaba al ser humano como creación divina. Finalmente
La catedral de Santiago de Compostela es una de las mayores construcciones del estilo románico. Data del siglo XI y fue construida para albergar los restos del apóstol Santiago el Mayor. Tiene planta de cruz latina con tres naves, cabecera con girola y cinco capillas radiales. Es el destino final del Camino de Santiago y muestra influencias de iglesias francesas como Santa Fe de Conques.
El documento describe el arte románico en 3 oraciones:
1) El arte románico se desarrolló entre los siglos XI y XIII en Europa y estuvo dominado por la iglesia, con influencias de las culturas romana, bizantina, germánica y árabe. 2) La arquitectura románica incluyó iglesias con plantas de cruz latina, bóvedas de cañón, y monasterios organizados en torno a claustros. 3) Los principales ejemplos de arte románico se encuentran en países como Francia, donde
El documento describe la arquitectura románica en Europa, con un enfoque en las iglesias de peregrinación como Santiago de Compostela y las características de planta de cruz latina. También describe monasterios importantes como Cluny, y ejemplos de arquitectura románica en países como Francia, Italia, España y sus regiones. La escultura románica incluye portadas y tímpanos, capiteles y otros elementos asociados con la arquitectura.
El documento describe el arte románico en Europa Occidental entre los siglos XI y XIII. Tuvo características como ser profundamente religioso, sincrético al combinar estilos anteriores y feudal. La arquitectura románica se caracterizó por el uso de la piedra, plantas de cruz latina o basilicales, y elementos como bóvedas, pilares y arcos. También tenía un significado simbólico donde la iglesia representaba el cuerpo humano y Dios. Se describen obras maestras como las catedrales de Santiago de Comp
La arquitectura románica es el resultado de la integración de estilos constructivos y estéticos de diversas culturas entre los siglos X y XII. Se caracteriza por el uso de pilares, arcos de medio punto, bóvedas y cúpulas, contrafuertes, capiteles decorados y escultura monumental. Incluye tipologías como basílicas, iglesias de cruz latina y plantas circulares, que reflejan la evolución tecnológica romana en el uso de materiales como la piedra y el cemento para permitir
El documento describe la arquitectura románica en Europa entre los siglos XI y XIII. Se caracteriza por tener plantas de cruz latina con naves longitudinales y transepto, y ábsides semicirculares. Los edificios se construyen con sillares de piedra y bóvedas de cañón, y representan el arte del periodo feudal dominado por la Iglesia.
Este documento describe las características arquitectónicas del arte románico, incluyendo plantas típicas como la cruz latina y ejemplos de iglesias románicas en Europa como la abadía de Cluny, la iglesia de Santa Fe de Conques y la basílica de San Sernín en Toulouse. También analiza elementos arquitectónicos como bóvedas, portadas y decoración, así como el significado simbólico de los espacios en las iglesias románicas.
El documento resume la arquitectura y escultura románicas. En cuanto a la arquitectura, destaca la iglesia de peregrinación y el monasterio como principales tipologías. La escultura románica tiene una función didáctica y se inspira en temas bíblicos, representados de forma antinaturalista. El claustro del monasterio de Silos y la portada de la iglesia de Moissac se analizan como ejemplos representativos de la arquitectura y escultura románicas respectivamente.
La catedral de Santiago de Compostela es una de las mayores construcciones del estilo románico. Data del siglo XI y fue construida para albergar los restos del apóstol Santiago el Mayor. Tiene planta de cruz latina con tres naves, cabecera con girola y cinco capillas radiales. Es el destino final del Camino de Santiago y muestra influencias de iglesias francesas como Santa Fe de Conques.
El documento describe el arte románico en 3 oraciones:
1) El arte románico se desarrolló entre los siglos XI y XIII en Europa y estuvo dominado por la iglesia, con influencias de las culturas romana, bizantina, germánica y árabe. 2) La arquitectura románica incluyó iglesias con plantas de cruz latina, bóvedas de cañón, y monasterios organizados en torno a claustros. 3) Los principales ejemplos de arte románico se encuentran en países como Francia, donde
El documento describe la arquitectura románica en Europa, con un enfoque en las iglesias de peregrinación como Santiago de Compostela y las características de planta de cruz latina. También describe monasterios importantes como Cluny, y ejemplos de arquitectura románica en países como Francia, Italia, España y sus regiones. La escultura románica incluye portadas y tímpanos, capiteles y otros elementos asociados con la arquitectura.
El documento describe el arte románico en Europa Occidental entre los siglos XI y XIII. Tuvo características como ser profundamente religioso, sincrético al combinar estilos anteriores y feudal. La arquitectura románica se caracterizó por el uso de la piedra, plantas de cruz latina o basilicales, y elementos como bóvedas, pilares y arcos. También tenía un significado simbólico donde la iglesia representaba el cuerpo humano y Dios. Se describen obras maestras como las catedrales de Santiago de Comp
La arquitectura románica es el resultado de la integración de estilos constructivos y estéticos de diversas culturas entre los siglos X y XII. Se caracteriza por el uso de pilares, arcos de medio punto, bóvedas y cúpulas, contrafuertes, capiteles decorados y escultura monumental. Incluye tipologías como basílicas, iglesias de cruz latina y plantas circulares, que reflejan la evolución tecnológica romana en el uso de materiales como la piedra y el cemento para permitir
El documento describe la arquitectura románica en Europa entre los siglos XI y XIII. Se caracteriza por tener plantas de cruz latina con naves longitudinales y transepto, y ábsides semicirculares. Los edificios se construyen con sillares de piedra y bóvedas de cañón, y representan el arte del periodo feudal dominado por la Iglesia.
Este documento describe las características arquitectónicas del arte románico, incluyendo plantas típicas como la cruz latina y ejemplos de iglesias románicas en Europa como la abadía de Cluny, la iglesia de Santa Fe de Conques y la basílica de San Sernín en Toulouse. También analiza elementos arquitectónicos como bóvedas, portadas y decoración, así como el significado simbólico de los espacios en las iglesias románicas.
El documento resume la arquitectura y escultura románicas. En cuanto a la arquitectura, destaca la iglesia de peregrinación y el monasterio como principales tipologías. La escultura románica tiene una función didáctica y se inspira en temas bíblicos, representados de forma antinaturalista. El claustro del monasterio de Silos y la portada de la iglesia de Moissac se analizan como ejemplos representativos de la arquitectura y escultura románicas respectivamente.
Este documento resume las características principales del arte románico en Europa entre los siglos XI y XIII. Se desarrolló durante la consolidación de los reinos cristianos feudales y se caracteriza por la austeridad, solidez y uso del arco de medio punto. La arquitectura románica incluye iglesias de piedra con gruesos muros, bóvedas de cañón y contrafuertes para soportar el peso. También se describe el arte mudéjar realizado por arquitectos musulmanes en España.
El arte románico se desarrolló entre los siglos XI y XIII en Europa. Se caracterizó por la construcción de iglesias y monasterios con gruesos muros de piedra y bóvedas, así como por la escultura en portadas y capiteles con relieves que ilustraban pasajes bíblicos de forma hierática. La obra más destacada fue el Pórtico de la Gloria en la catedral de Santiago de Compostela. El románico sentó las bases de un primer estilo artístico internacional en el continente.
El documento presenta información sobre cuatro obras arquitectónicas hispanomusulmanas: 1) La Mezquita de Córdoba, construida entre los siglos VIII y X e incrementada por varios emires y califas cordobeses. 2) El mihrab de la Mezquita de Córdoba mandado construir por el califa Al-Hakam II en el siglo X. 3) El Patio de los Arrayanes en la Alhambra de Granada del siglo XIV construido por Yusuf I. 4) El Patio de los Leones en la
Este documento resume la arquitectura románica fuera de España en los siglos XI y XII. Destaca obras representativas en Francia como las abadías de Cluny y Caen, las iglesias de peregrinación de Santa Fe de Conques y Vézelay, y catedrales como San Sernin en Toulouse. También se mencionan ejemplos notables en Italia, Inglaterra y Alemania, como las catedrales de Pisa, Durham, Spira y Worms. El documento proporciona información sobre las características ar
El documento describe el arte prerrománico en la región de Asturias durante los siglos VIII al X. Se desarrolló tras la invasión musulmana de la península ibérica y se basó en las tradiciones visigodas y carolingias. Los edificios más representativos fueron la iglesia de San Julián de los Prados, el palacio de Santa María del Naranco y la iglesia de San Miguel de Lillo, construidos durante los periodos pre-ramirense y ramirense bajo influencia carolingia.
Este documento resume la historia del arte hispanomusulmán en la península ibérica desde el siglo VIII hasta el siglo XV. Explica que tras la invasión musulmana en el 711, se estableció el emirato de Al-Andalus con capital en Córdoba, donde se construyó la gran mezquita que serviría de modelo arquitectónico. Asimismo, destaca las características del arte islámico como su énfasis en la arquitectura y la decoración geométrica y caligráfica,
La Catedral de Burgos es uno de los monumentos más destacados del arte gótico y fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1984. Comenzó su construcción en 1221 y fue consagrada en 1260, ampliándose y embelleciéndose con el paso de los siglos. Destacan su fachada sur con la Puerta del Sarmental, sus tres naves, el crucero, el cimborrio, la sacristía mayor y capillas como la de los Condestables. Alberga obras de arte como el retablo mayor, la sillería del coro y el cofre del
El documento describe el arte románico en Europa entre los siglos XI y XIII. Se desarrolló en la Edad Media bajo la influencia de la Iglesia católica y el feudalismo. La arquitectura románica se caracteriza por su monumentalidad, perdurabilidad y uso de elementos estructurales pesados como bóvedas, pilares y contrafuertes para soportar grandes edificios religiosos como catedrales, iglesias y monasterios.
La catedral de Santa María de Burgos fue iniciada en 1221 y consagrada en 1260. Es un impresionante ejemplo de la arquitectura gótica y contiene numerosas obras de arte, como la Puerta del Sarmental del siglo XIII, la Capilla de los Condestables del siglo XV, y el Retablo Mayor. La catedral alberga importantes reliquias como el cofre y la tumba del héroe medieval El Cid.
Este documento presenta un resumen del arte románico en Europa y España entre los siglos XI y XIII. Explica el contexto histórico y artístico del románico, caracterizando su arquitectura, escultura y pintura. Describe las características generales de la arquitectura románica como su solidez, monumentalidad y plantas basílica y de cruz latina. También resume las principales escuelas arquitectónicas románicas en países europeos como Francia, Italia, Alemania e Inglaterra y sus influ
La catedral de Santiago de Compostela fue construida entre 1075 y 1128 en estilo románico. Tiene planta de cruz latina con tres naves, transepto y cabecera amplia con girola y capillas radiales. Destaca su gran triforio que recorre todo el templo y el Pórtico de la Gloria de Mateo. Se construyó principalmente en granito y presenta bóvedas de cañón y arista, así como pilares con columnas adosadas.
Los romanos construyeron varios tipos de edificios notables, incluyendo obras públicas de ingeniería como acueductos, puentes y calzadas; monumentos públicos como basílicas y termas; y edificios religiosos y para viviendas. Sus construcciones reflejaban un alto nivel de planificación, uso de materiales avanzados y dominio de técnicas complejas.
San Martín de Frómista era una iglesia románica construida en el siglo XI en Palencia, España. Se caracteriza por su planta basilical de tres naves, tres ábsides y crucero con cimborrio octogonal, así como por el uso del sillar de piedra caliza y elementos decorativos como capiteles y canecillos escultóricos. Fue un ejemplo temprano de la arquitectura románica que se difundió a lo largo del Camino de Santiago.
+ La difusión del Románico estuvo influenciada por las peregrinaciones a lugares sagrados, transmitiendo el estilo artístico a través de Europa. Los monasterios como Cluny jugaron un papel importante como centros culturales y difusores del arte. La arquitectura románica se caracteriza por la monumentalidad y perdurabilidad, construyéndose iglesias de planta de cruz latina para el culto religioso.
El documento describe la arquitectura románica en Europa, con un enfoque en Francia e Italia. Destaca la influencia de la abadía de Cluny en Borgoña y cómo los monjes promovieron el Camino de Santiago, difundiendo el estilo románico a lo largo de la ruta. También analiza la basílica de San Sernin en Toulouse como ejemplo del modelo de iglesia de peregrinación, con su planta de cruz latina y coro para los peregrinos.
El documento presenta información sobre el arte románico en Europa. Explica que el románico surgió en Italia y la Isla de Borgoña en los siglos X-XI y luego se desarrolló en Francia y España entre los siglos XI-XIII, caracterizándose por nuevas formas arquitectónicas. Describe elementos arquitectónicos clave como bóvedas, arcos, portales y más, e incluye ejemplos de importantes monasterios románicos como Cluny, Ripoll y Silos. También cubre temas como escultura
El documento describe los principales aspectos de la arquitectura románica, incluyendo su origen a partir de la combinación de elementos de diferentes culturas, su ubicación geográfica principal en Europa Occidental, y sus características arquitectónicas como el uso de gruesos muros de piedra, bóvedas de cañón, plantas de cruz latina y decoración escultórica. La arquitectura románica se centró principalmente en la construcción de iglesias, monasterios y catedrales.
Este documento describe la arquitectura románica en España, con un enfoque en los edificios religiosos asociados con el Camino de Santiago. Presenta varios de los primeros ejemplos del románico español como San Pedro de Roda, San Vicente de Cardona y Santa María de Ripoll. Luego describe ejemplos del románico pleno como San Clemente de Tahull, la catedral de Jaca y San Martín de Frómista. Finalmente, detalla la catedral de Santiago de Compostela, el destino final del Camino de Santiago.
El documento describe la arquitectura medieval, en particular el estilo románico. Explica que el románico se desarrolló entre los siglos XI y XII como una combinación de elementos constructivos y ornamentales de diferentes orígenes. Se caracteriza por la monumentalidad, la perdurabilidad y el uso de la piedra. Utiliza elementos como el arco de medio punto, pilares compuestos, bóvedas de cañón y cúpulas poligonales. La planta más común es la de cruz latina con naves, transepto y cabecera semicircular
El documento proporciona información sobre el arte romano. Brevemente describe la arquitectura, escultura y pintura etruscas, así como las características generales del arte romano y sus principales tipologías arquitectónicas como villas, templos, basílicas y termas. También resalta edificios notables como el Panteón, el Mausoleo de Adriano y las Termas de Caracalla.
El documento describe la arquitectura gótica en España, con especial atención a sus características y evolución. Se divide en cuatro secciones: 1) Panorama histórico y cultural, 2) Características de la arquitectura gótica, 3) Etapas y evolución de la arquitectura gótica en España, 4) Ejemplos góticos en España con breve comentario. Explica cómo el estilo gótico se introdujo en España en el siglo XII y evolucionó a través de distintas etapas como el g
Este documento describe la arquitectura gótica en Europa. Explica que el estilo gótico surgió en Francia y se extendió por el resto de Europa entre los siglos XII y XVI. Detalla las características principales de la arquitectura gótica, incluyendo la estructura de pilares, bóvedas, arbotantes y contrafuertes que permitieron construir edificios más altos y con ventanales más grandes. También describe los diferentes elementos de las catedrales góticas, como la planta basilical, la fachada y las vid
Este documento resume las características principales del arte románico en Europa entre los siglos XI y XIII. Se desarrolló durante la consolidación de los reinos cristianos feudales y se caracteriza por la austeridad, solidez y uso del arco de medio punto. La arquitectura románica incluye iglesias de piedra con gruesos muros, bóvedas de cañón y contrafuertes para soportar el peso. También se describe el arte mudéjar realizado por arquitectos musulmanes en España.
El arte románico se desarrolló entre los siglos XI y XIII en Europa. Se caracterizó por la construcción de iglesias y monasterios con gruesos muros de piedra y bóvedas, así como por la escultura en portadas y capiteles con relieves que ilustraban pasajes bíblicos de forma hierática. La obra más destacada fue el Pórtico de la Gloria en la catedral de Santiago de Compostela. El románico sentó las bases de un primer estilo artístico internacional en el continente.
El documento presenta información sobre cuatro obras arquitectónicas hispanomusulmanas: 1) La Mezquita de Córdoba, construida entre los siglos VIII y X e incrementada por varios emires y califas cordobeses. 2) El mihrab de la Mezquita de Córdoba mandado construir por el califa Al-Hakam II en el siglo X. 3) El Patio de los Arrayanes en la Alhambra de Granada del siglo XIV construido por Yusuf I. 4) El Patio de los Leones en la
Este documento resume la arquitectura románica fuera de España en los siglos XI y XII. Destaca obras representativas en Francia como las abadías de Cluny y Caen, las iglesias de peregrinación de Santa Fe de Conques y Vézelay, y catedrales como San Sernin en Toulouse. También se mencionan ejemplos notables en Italia, Inglaterra y Alemania, como las catedrales de Pisa, Durham, Spira y Worms. El documento proporciona información sobre las características ar
El documento describe el arte prerrománico en la región de Asturias durante los siglos VIII al X. Se desarrolló tras la invasión musulmana de la península ibérica y se basó en las tradiciones visigodas y carolingias. Los edificios más representativos fueron la iglesia de San Julián de los Prados, el palacio de Santa María del Naranco y la iglesia de San Miguel de Lillo, construidos durante los periodos pre-ramirense y ramirense bajo influencia carolingia.
Este documento resume la historia del arte hispanomusulmán en la península ibérica desde el siglo VIII hasta el siglo XV. Explica que tras la invasión musulmana en el 711, se estableció el emirato de Al-Andalus con capital en Córdoba, donde se construyó la gran mezquita que serviría de modelo arquitectónico. Asimismo, destaca las características del arte islámico como su énfasis en la arquitectura y la decoración geométrica y caligráfica,
La Catedral de Burgos es uno de los monumentos más destacados del arte gótico y fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1984. Comenzó su construcción en 1221 y fue consagrada en 1260, ampliándose y embelleciéndose con el paso de los siglos. Destacan su fachada sur con la Puerta del Sarmental, sus tres naves, el crucero, el cimborrio, la sacristía mayor y capillas como la de los Condestables. Alberga obras de arte como el retablo mayor, la sillería del coro y el cofre del
El documento describe el arte románico en Europa entre los siglos XI y XIII. Se desarrolló en la Edad Media bajo la influencia de la Iglesia católica y el feudalismo. La arquitectura románica se caracteriza por su monumentalidad, perdurabilidad y uso de elementos estructurales pesados como bóvedas, pilares y contrafuertes para soportar grandes edificios religiosos como catedrales, iglesias y monasterios.
La catedral de Santa María de Burgos fue iniciada en 1221 y consagrada en 1260. Es un impresionante ejemplo de la arquitectura gótica y contiene numerosas obras de arte, como la Puerta del Sarmental del siglo XIII, la Capilla de los Condestables del siglo XV, y el Retablo Mayor. La catedral alberga importantes reliquias como el cofre y la tumba del héroe medieval El Cid.
Este documento presenta un resumen del arte románico en Europa y España entre los siglos XI y XIII. Explica el contexto histórico y artístico del románico, caracterizando su arquitectura, escultura y pintura. Describe las características generales de la arquitectura románica como su solidez, monumentalidad y plantas basílica y de cruz latina. También resume las principales escuelas arquitectónicas románicas en países europeos como Francia, Italia, Alemania e Inglaterra y sus influ
La catedral de Santiago de Compostela fue construida entre 1075 y 1128 en estilo románico. Tiene planta de cruz latina con tres naves, transepto y cabecera amplia con girola y capillas radiales. Destaca su gran triforio que recorre todo el templo y el Pórtico de la Gloria de Mateo. Se construyó principalmente en granito y presenta bóvedas de cañón y arista, así como pilares con columnas adosadas.
Los romanos construyeron varios tipos de edificios notables, incluyendo obras públicas de ingeniería como acueductos, puentes y calzadas; monumentos públicos como basílicas y termas; y edificios religiosos y para viviendas. Sus construcciones reflejaban un alto nivel de planificación, uso de materiales avanzados y dominio de técnicas complejas.
San Martín de Frómista era una iglesia románica construida en el siglo XI en Palencia, España. Se caracteriza por su planta basilical de tres naves, tres ábsides y crucero con cimborrio octogonal, así como por el uso del sillar de piedra caliza y elementos decorativos como capiteles y canecillos escultóricos. Fue un ejemplo temprano de la arquitectura románica que se difundió a lo largo del Camino de Santiago.
+ La difusión del Románico estuvo influenciada por las peregrinaciones a lugares sagrados, transmitiendo el estilo artístico a través de Europa. Los monasterios como Cluny jugaron un papel importante como centros culturales y difusores del arte. La arquitectura románica se caracteriza por la monumentalidad y perdurabilidad, construyéndose iglesias de planta de cruz latina para el culto religioso.
El documento describe la arquitectura románica en Europa, con un enfoque en Francia e Italia. Destaca la influencia de la abadía de Cluny en Borgoña y cómo los monjes promovieron el Camino de Santiago, difundiendo el estilo románico a lo largo de la ruta. También analiza la basílica de San Sernin en Toulouse como ejemplo del modelo de iglesia de peregrinación, con su planta de cruz latina y coro para los peregrinos.
El documento presenta información sobre el arte románico en Europa. Explica que el románico surgió en Italia y la Isla de Borgoña en los siglos X-XI y luego se desarrolló en Francia y España entre los siglos XI-XIII, caracterizándose por nuevas formas arquitectónicas. Describe elementos arquitectónicos clave como bóvedas, arcos, portales y más, e incluye ejemplos de importantes monasterios románicos como Cluny, Ripoll y Silos. También cubre temas como escultura
El documento describe los principales aspectos de la arquitectura románica, incluyendo su origen a partir de la combinación de elementos de diferentes culturas, su ubicación geográfica principal en Europa Occidental, y sus características arquitectónicas como el uso de gruesos muros de piedra, bóvedas de cañón, plantas de cruz latina y decoración escultórica. La arquitectura románica se centró principalmente en la construcción de iglesias, monasterios y catedrales.
Este documento describe la arquitectura románica en España, con un enfoque en los edificios religiosos asociados con el Camino de Santiago. Presenta varios de los primeros ejemplos del románico español como San Pedro de Roda, San Vicente de Cardona y Santa María de Ripoll. Luego describe ejemplos del románico pleno como San Clemente de Tahull, la catedral de Jaca y San Martín de Frómista. Finalmente, detalla la catedral de Santiago de Compostela, el destino final del Camino de Santiago.
El documento describe la arquitectura medieval, en particular el estilo románico. Explica que el románico se desarrolló entre los siglos XI y XII como una combinación de elementos constructivos y ornamentales de diferentes orígenes. Se caracteriza por la monumentalidad, la perdurabilidad y el uso de la piedra. Utiliza elementos como el arco de medio punto, pilares compuestos, bóvedas de cañón y cúpulas poligonales. La planta más común es la de cruz latina con naves, transepto y cabecera semicircular
El documento proporciona información sobre el arte romano. Brevemente describe la arquitectura, escultura y pintura etruscas, así como las características generales del arte romano y sus principales tipologías arquitectónicas como villas, templos, basílicas y termas. También resalta edificios notables como el Panteón, el Mausoleo de Adriano y las Termas de Caracalla.
El documento describe la arquitectura gótica en España, con especial atención a sus características y evolución. Se divide en cuatro secciones: 1) Panorama histórico y cultural, 2) Características de la arquitectura gótica, 3) Etapas y evolución de la arquitectura gótica en España, 4) Ejemplos góticos en España con breve comentario. Explica cómo el estilo gótico se introdujo en España en el siglo XII y evolucionó a través de distintas etapas como el g
Este documento describe la arquitectura gótica en Europa. Explica que el estilo gótico surgió en Francia y se extendió por el resto de Europa entre los siglos XII y XVI. Detalla las características principales de la arquitectura gótica, incluyendo la estructura de pilares, bóvedas, arbotantes y contrafuertes que permitieron construir edificios más altos y con ventanales más grandes. También describe los diferentes elementos de las catedrales góticas, como la planta basilical, la fachada y las vid
Este documento presenta resúmenes de cinco obras arquitectónicas góticas: 1) La Catedral de Notre Dame de Chartres del siglo XIII en Francia, notable por su decoración mariana y gran altura. 2) La Santa Capilla de París del siglo XIII, encargada por Luis IX para albergar reliquias y conocida por sus grandes vidrieras. 3) La Catedral de Burgos del siglo XIII en España, influenciada por el estilo gótico francés. 4) La Catedral de Toledo también del siglo XIII,
El documento describe el arte gótico en Europa Occidental entre los siglos XII y XVI. Explica las características del estilo gótico, incluyendo su arquitectura (catedrales con arcos ojivales y bóvedas de crucería), escultura y pintura. También analiza las condiciones sociales y culturales que dieron lugar al arte gótico, así como ejemplos importantes como las catedrales de León, Toledo y Burgos.
El documento describe el Renacimiento en España. Señala que no hubo un verdadero Renacimiento hasta el siglo XVI debido a la influencia de la tradición medieval. El estilo plateresco, que predominó entre 1500-1530, se caracterizó por estructuras arquitectónicas góticas pero con abundante decoración renacentista como pilastras, grutescos y medallones. Algunos ejemplos prominentes fueron la fachada de la Universidad de Salamanca, la Iglesia de San Esteban en Salamanca y la Escalera Dorada de
Este documento resume la arquitectura del Renacimiento en España. Explica que el Renacimiento no se desarrolló plenamente hasta el siglo XVI, permaneciendo influencias góticas y mudéjares. Se divide la arquitectura renacentista española en tres etapas: Plateresco (1500-1530), caracterizado por la decoración; Purismo (1530-1560), con formas más austeras; y Herreriano (1560-1600), definido por la simplicidad geométrica y monumentalidad, representado por el Monasterio de El Escorial
Este documento presenta seis ejemplos representativos de la arquitectura románica en Europa, con información sobre cada obra como su estilo, ubicación, cronología e influencias. Incluye la iglesia de Santa María Magdalena en Vézelay, Francia; el conjunto de edificios en Pisa, Italia incluyendo la catedral, el baptisterio y el campanario; la iglesia de San Clemente de Tahull en Cataluña; la iglesia de San Isidoro en León y la catedral de Santiago de Compostela en España; y
El documento resume las características principales del arte románico en Europa Occidental entre los siglos X y XIII. Se destaca la arquitectura de iglesias y catedrales con plantas de cruz latina y bóvedas de cañón, así como conjuntos monásticos con claustros. La escultura se centra en portadas y capiteles con temas religiosos. La pintura incluye frescos murales y pintura sobre tabla con énfasis en Cristo y la Virgen. El estilo se extendió por toda Europa con variaciones regionales.
Arte Gótico - Arquitectura, escultura, pintura y otrosLaura V. Orozco
El Gótico se desarrolla entre mediados del siglo XII y principios del siglo XV y comprende manifestaciones como la arquitectura, la escultura, la pintura y las miniaturas.
El documento resume las características principales del arte románico en Europa entre los siglos XI y XIII. El románico se desarrolló bajo el feudalismo y el monacato, destacándose la arquitectura de iglesias de peregrinación como Santiago de Compostela y monasterios cistercienses. La escultura románica tenía una función docente a través de escenas bíblicas en capiteles y portadas. El documento también describe las particularidades regionales del románico en países como Francia, Italia, Alemania, Inglaterra y España.
Este documento resume el arte gótico en Europa, con un enfoque en las iglesias y vitrales góticos. Explica que el estilo gótico surgió en el siglo XII y se aplicó principalmente a la arquitectura religiosa, utilizando bóvedas de crucería que permitieron ventanales más grandes y vitrales. Luego describe algunas de las características de las catedrales góticas más prominentes en Francia e incluye detalles sobre la catedral de León en España.
Este documento resume el arte gótico en Europa, con un enfoque en las iglesias y vitrales góticos. Explica que el estilo gótico surgió en el siglo XII y se aplicó principalmente a la arquitectura religiosa, utilizando bóvedas de crucería que permitieron ventanales más grandes y vitrales. Luego describe algunas de las características de las catedrales góticas más importantes de Francia como Notre Dame de Paris e incluye detalles sobre la catedral gótica de León en España.
El documento resume la cronología y características principales del arte gótico, desde su surgimiento en Francia en el siglo XII hasta su desarrollo en diferentes países y estilos a lo largo de los siglos siguientes. Destaca la arquitectura gótica, con elementos como el arco apuntado, la bóveda de crucería y el uso de contrafuertes, que permitieron construir edificios más altos y luminosos. Se describen catedrales góticas representativas de Francia, España y otros lugares de Europa.
El documento resume las características principales del arte románico, incluyendo su origen en el siglo XI, su extensión geográfica y cronología. Describe la arquitectura románica, con énfasis en las plantas de cruz latina, los pilares, bóvedas y fachadas. También resume la iglesia de peregrinación, con ejemplos como la catedral de Santiago, y el monasterio cisterciense típico, con énfasis en el claustro y sus funciones. Finalmente, resume la escultura y pint
La catedral de León fue construida entre 1255-1300 en estilo gótico. Ubicada en León, España, fue diseñada por Enrique de Burgos y Juan Pérez utilizando piedra, hormigón y vidrio. Presenta características góticas como bóvedas de crucería, arcos apuntados y grandes ventanales con vidrieras que iluminan escenas bíblicas. Ha sufrido varias restauraciones a lo largo de los siglos debido a daños.
La catedral de León fue construida entre 1255-1300 en estilo gótico. Ubicada en León, España, fue diseñada por Enrique de Burgos y Juan Pérez utilizando piedra, hormigón y vidrio. Presenta características góticas como bóvedas de crucería, arcos apuntados y grandes ventanales con vidrieras que iluminan escenas bíblicas. Ha sufrido varias restauraciones a lo largo de los siglos debido a daños.
El documento describe la arquitectura carolingia promovida por Carlomagno para fomentar la cultura cristiana. Reunió arquitectos y sabios para diseñar iglesias monumentales con plantas centralizadas y de cruz latina, inspiradas en modelos romanos y bizantinos. El ejemplo más destacado es la Capilla Palatina de Aquisgrán, con planta central poligonal y cúpula.
El documento resume la arquitectura románica española entre los siglos X y XII. Comienza en Cataluña con influencias lombardas y carolingias, luego se extiende por el Camino de Santiago, con ejemplos notables como San Juan de la Peña y la catedral de Jaca en Aragón, y las catedrales de Santiago de Compostela, León y Zamora. El románico castellano-leonés se caracteriza por ser más sobrio y austero, reflejando el espíritu de la Reconquista.
El documento resume la arquitectura gótica en España desde el siglo XII hasta principios del siglo XV. Introduce el estilo gótico a través de la Orden del Císter. Describe algunos de los primeros edificios góticos en España como las catedrales de Tarragona, Lérida y Cuenca. Explica el periodo de transición y destaca ejemplos como el refectorio de Santes Creus. Finalmente, analiza el gótico clásico en Castilla con catedrales como Burgos, Toledo y León.
El documento resume la arquitectura gótica en España desde el siglo XII hasta el siglo XV. Introduce el estilo gótico a través de la Orden del Císter. Describe ejemplos tempranos como las catedrales de Tarragona, Lérida y Cuenca que muestran la transición desde el románico. Luego habla sobre el gótico clásico en Castilla, con catedrales como Burgos, Toledo y León. Finalmente, presenta el gótico mediterráneo en la Corona de Aragón, con características
Este documento describe el proceso de investigación de un grupo de estudiantes de 4o de la ESO sobre magnicidios históricos importantes. El grupo investigó los asesinatos de Francisco Fernando, Emiliano Zapata y Jean-Paul Marat, buscando información en libros e internet y creando fichas de cada caso. Presentaron sus hallazgos en formato de informe policial y luego los publicaron en un blog para un concurso. El proceso requirió trabajo en equipo, tiempo fuera de clase y creatividad para hacer la investigación histórica interesante.
Este documento describe el proceso de investigación llevado a cabo por un grupo de estudiantes de 4o de la ESO sobre los asesinatos de cuatro figuras históricas en la Península Ibérica durante guerras: Wladislaw Sikorski, Federico García Lorca, José Antonio Primo de Rivera y Buenaventura Durruti. El grupo recopiló información sobre sus vidas e ideas para determinar posibles motivos para los asesinatos. Organizaron la información en fichas y expedientes policiales, y publicaron sus conclusiones en
El documento presenta una serie de artículos de una revista escolar. Incluye un artículo sobre una presentación sobre la India, otro sobre el Día de la Paz, y uno más sobre una visita de la cantante Ana Manzana a la escuela. Los artículos cubren eventos, experiencias y temas culturales de interés para los estudiantes.
Comentario del nuevo edificio del ies segundo de chomónHistoriaMJ
El nuevo edificio del IES Segundo de Chomón fue diseñado por el arquitecto José Antonio Gómez Muñoz y construido entre 2008-2010. Tiene una planta en forma de H con alas laterales que albergan aulas y un ala central con servicios principales como la biblioteca. El edificio sigue los principios de la arquitectura moderna con volúmenes cúbicos, uso del hormigón y vidrio, y forma simples y funcionales, mostrando influencias de arquitectos como Le Corbusier, la Bauhaus y Mies
Este documento describe un proyecto de investigación integrado sobre la Vía Verde de Ojos Negros en las provincias de Teruel y Castellón. El proyecto utiliza un enfoque multidisciplinario y contexto real para explorar este corredor de 162 km a través de visitas, entrevistas, documentales, exposiciones y una monografía final. El proyecto se centra en la historia, el patrimonio natural y cultural a lo largo de la ruta, y cómo promover el turismo sostenible en esta zona.
Este cuadro marcó el inicio del movimiento cubista. Representa cinco figuras femeninas de forma
geométrica y antinatural, rompiendo con la perspectiva, luz y anatomía tradicionales. Se pintó en
1907 pero no se expuso hasta 1916, influyendo en artistas posteriores. Su autor, Pablo Picasso,
introdujo esta nueva forma de representación que marcó el inicio de las vanguardias artísticas.
Este documento presenta las lecturas y el programa de literatura castellana para el curso 2010-2011. Incluye obras de autores como Mario Vargas Llosa, Antonio Muñoz Molina, Valle-Inclán, Buero Vallejo y Antonio Machado. El programa abarca temas como la literatura del fin de siglo, las vanguardias, la generación del 27, el teatro y la novela en el siglo XX, así como autores hispanoamericanos como García Márquez.
Mario Vargas Llosa nació en 1936 en Perú. Estudió en varias escuelas en Perú y Bolivia. Obtuvo un doctorado en Filosofía y Letras en España y vivió varios años en París trabajando como profesor y periodista. Es uno de los escritores latinoamericanos más importantes y ha publicado numerosas novelas, ensayos, obras de teatro y artículos periodísticos. En 2010 recibió el Premio Nobel de Literatura.
La obra "Saturno devorando a su hijo" pertenece a las Pinturas Negras de Francisco Goya. Representa el mito de Saturno desgarrando el cuerpo de su hijo para mantener su poder. Goya pintó esta obra directamente sobre la pared de su casa utilizando un estilo expresionista con pinceladas rabiosas y colores dominantes sobre la línea. La obra refleja el estado de ánimo oscuro de Goya en sus últimos años de vida.
El documento proporciona definiciones breves de varios términos arquitectónicos y artísticos. Cada entrada define el término como "el espacio que queda entre el dintel y el arco", conocido como albanega. El documento incluye más de 100 términos que van desde la A hasta la K.
El documento proporciona una guía detallada para realizar comentarios sobre obras de arte de arquitectura, escultura y pintura. Explica los elementos que deben analizarse en cada obra como la tipología, materiales, técnicas, composición, perspectiva, luz, color, entre otros. También indica que se debe incluir información sobre el contexto histórico, el autor y la clasificación estilística de la obra.
La fachada de la Universidad de Salamanca fue construida en el siglo XVI con el propósito de renovar los edificios de la Universidad y recuperar el apoyo real para volver a ser el principal centro educativo del reino. La fachada presenta un estilo plateresco italianizante con decoración que enfatiza los vínculos con la monarquía y representa temas religiosos, mitológicos y alegóricos de forma polémica.
El documento contiene 20 oraciones cortas sobre diferentes temas como la familia, la escuela, el clima y eventos pasados. Algunas oraciones describen planes para el futuro o expresan opiniones personales sobre libros, programas de televisión y lugares.
Mi hermano sigue siendo estudiante en esta universidadHistoriaMJ
El documento contiene 20 oraciones cortas sobre varios temas como la familia, la escuela, el tiempo, la lectura y más. Algunas oraciones describen planes futuros o actividades pasadas de diferentes personas.
Soluciones a hay que comenzar el análisis sintáctico con una frase más fácilHistoriaMJ
1. Se analiza una frase sencilla para comenzar el análisis sintáctico. 2. Quizás le confesarían la verdad al profesor con los demás alumnos. 3. Hemos terminado cansados la excursión al lago Ness.
Este documento analiza la escultura de Alonso Berruguete "San Sebastián de Alonso Berruguete" y proporciona información sobre el artista, la obra, su estilo y significado. En tres oraciones:
La escultura representa a San Sebastián atado a un poste, influenciada por Miguel Ángel y Leonardo, y muestra el estilo manierista de Berruguete con líneas serpentinas y dramatismo. Data de 1527 y pertenece al Renacimiento español, mostrando la asimilación de Berruguete de las influencias ital
Este documento analiza dos obras pictóricas del Renacimiento italiano: La Tempestad de Giorgione y Las Puertas del Paraíso de Ghiberti. En La Tempestad, Giorgione utiliza la técnica del sfumato y colores fríos y saturados para crear una atmósfera naturalista en la que se anuncia una tormenta. Ghiberti creó Las Puertas del Paraíso cubriendo diez paneles con escenas del Antiguo Testamento que mostraban gran realismo y perspectiva renacentista a través de figuras de diferentes
Este documento resume la evolución del teatro español en el siglo XX. Antes de la guerra civil, destacan el teatro comercial burgués de Jacinto Benavente, el teatro poético modernista y el humorístico de Carlos Arniches y los Álvarez Quintero. Figuras del 98 como Valle-Inclán y García Lorca renovaron el género. Tras la guerra, resurge el teatro burgués y aparecen el cómico de Jardiel Poncela y Mihura y el existencial de Buero Vallejo y Sastre en
1. CATEDRAL GÓTICA, Francisco José Alcalde
Las catedrales góticas, con respecto a las catedrales del románico, tienen una mayor
verticalidad y luminosidad, y esto se debe a la utilización del arco apuntado, que consiste en dos
segmentos de círculo que coinciden y se apoyan el uno contra el otro, y de esta manera se
distribuye el peso. El otro elemento es la bóveda de crucería que se forma con el cruce de dos
arcos apuntados, y hacia posible una mejor distribución del peso.
En su construcción se utilizaban diferentes elementos: las bóvedas de crucería
transmitían el peso a los arcos arbotantes que trasladaban el peso de las cubiertas a los
contrafuertes, y estos lo trasladaban al suelo. En la parte superior de los contrafuertes se
colocaban unos pináculos que tenían la función de decorar y asegurar. En el interior de las
catedrales, el peso de las bóvedas se trasladaba a los pilares. Este al contrario que en el
románico que el peso lo sostenían los muros, permitía la apertura de ventanas.
Los canalillos situados encima de los arbotantes se utilizaban a modo de canalones,
para expulsar el agua de los tejados, estos canalillos eran adornados de diferentes formas, y la
más conocida son las gárgolas. Otro elemento
decorativo se aplicaba en los vanos era la tracería en
los gabletes, además de añadir vistosas vidrieras
para dar color al interior.
La nave central estaba cubierta por una
bóveda crucería, la cual, al igual que las naves
laterales trasmitían su peso a los pilares, que estos
eran tradicionalmente cruciformes o circulares, esta
forma se conseguía adornándolos con pequeñas
columnas adosadas alrededor de la columna, los
capiteles van perdiendo importancia, aunque se
siguen decorando, se solían decorar con motivos
vegetales.
El tejado de la catedral se solía decorar con una aguja en la parte central.
El pórtico solía ser de arco apuntado, con un parteluz en la entrada y un tímpano,
decorado con escenas bíblicas, con una adaptación a la ley del marco con un personaje
principal en el centro y con un mayor tamaño. Las arquivoltas normalmente estaban decoradas
por personajes bíblicos, adaptados a la inclinación del arco y que iban disminuyendo de tamaño
según se acercaban a la parte central del arco, y en la parte inferior de estas arquivoltas, se
colocaban unas delgadas columnillas adosadas.
1
2. En la planta en las catedrales góticas se impuso
la planta de salón, que estaban formadas por una forma
rectangular dividida en 3 o 5 naves, la cabecera era
semicircular, que esta estaba dividida en absidiolos, y un
crucero que separaba la nave central de la cabecera.
La altura de estos edificios simbolizaba el triunfo
de la vida, la luz producida por las vidrieras simbolizaba
la inteligencia, y la utilidad del edificio simbolizaba al
hombre como centro del universo.
Hay varias etapas de la arquitectura gótica, el protogótico que aparece que
aparece a mediados del siglo XII, que convivió con el románico y coincide
con el periodo cisterciense y con la aparición de las primeras catedrales
francesas. También en XII comenzó la etapa clásica, pero esta se
desarrolló durante el siglo XIII, y en esta etapa fue la de la construcción de
las grandes catedrales europeas. La etapa del siglo XIV, en la que se
buscaba una mayor verticalidad que en las etapas anteriores. Y la última
etapa se conoce con el nombre del gótico flamígero que se desarrollo
durante el siglo XV, este nombre se debe a la forma que adquirían las
catedrales en su parte superior, y que dicha forma era similar a las adquieren las llamas de
fuego.
LA LONJA DE PALMA DE MALLORCA, Carlos Villanueva Juan
Identificación:
Se trata de un edificio gótico que se conoce como la lonja
de mercaderes de Palma de Mallorca.
Ubicación:
Es una de las obras maestras de la arquitectura gótica en
las islas Baleares. Está separado por un jardín de otro
edificio histórico de la ciudad, el llamado Consulado del
Mar, donde está situada la sede del gobierno autonómico.
Cronología:
2
3. Fue construida en el siglo XV durante el periodo 1426-1446, siendo el arquitecto Guillén Sagrera,
autor que construyó otras obras importantes como la iglesia de Santiago de Villena y la base de
las torres de San Giorgio del Castel Nuovo, de Nápoles (Italia).
La lonja de Palma responde al esquema característico de la arquitectura gótica con grandes
ventanales, delgados pilares, arcos apuntados y contrafuertes para sujetar la elevada estructura
del edificio.
Características
Descripción
El interior de la lonja es de planta rectangular dividida en tres naves de cuatro tramos cada una,
con seis columnas helicoilades con estrías que despliegan
las nervaduras de la cubierta.
Las llaves de la bóveda ostentan escudos de la Corona de
Aragón en la nave central y el escudo de la ciudad de
Mallorca en los laterales, todos con la policromía y oro
originales.
En cada rincón, hay una pequeña puerta con un arco decorado con la imagen de un evangelista
(San Juan Bautista).
De las puertas que se encuentran mirando al mar, sale una escalera de caracol para subir a la
terraza de la Lonja.
En el exterior está formada por cuatro torretas octogonales y un total de diez torres menores.
Destacan las gárgolas y las estatuas situadas en lo alto de las torres.
El portal principal es de arco ojival y esta presidido por una representación del Ángel Defensor de
la Mercadería.
A cada lado del portal mayor y de la fachada contraria hay dos ventanales con bóveda de
crucería. La parte superior del edificio tiene una galería de ventanas rematada con una crestería
de almenas.
Técnicas constructivas
La piedra es el principal material constructivo labrado de manera maestra. También se utiliza la
madera, sobre todo en la cubierta apareciendo así mismo en numerosos detalles estructurales
exquisitamente modelados y labrados.
Temática y simbolismo
La utilidad principal de la Lonja de Palma de Mallorca fue dar cobijo a las actividades
comerciales desarrolladas por los mercaderes en un periodo boyante de la economía de la
3
4. corona de Aragón, que se extendió hacia las islas Baleares así como hacia Italia. Allí se
desarrollaban los tratos y comercios de mercaderes y comerciantes.
A pesar de que el edificio es de carácter civil en su construcción se reflejan algunos elementos
de carácter religioso propios de las iglesias góticas como son las esculturas del evangelista san
Juan Bautista y el Ángel de los mercaderes.
Un símbolo que define este edificio como arquitectura gótica es la presencia de gárgolas
situadas en lo alto de sus torres al igual que se colocaban en las iglesias y castillos góticos. La
utilidad de las gárgolas era de desagüe de los tejados y decorativas, estando esculpidas
generalmente con formas de figuras humanas o de animales.
Bibliografía
Gran diccionario enciclopédico universal. Editorial Club internacional del libro 1989
Autores varios
Diccionario Larousse ilustrado. Editorial planeta 1996.
http://www.mallorcaquality.com/palma-de-mallorca/la-lonja-de-los-mercaderes/
http://es.wikipedia.org/wiki/Lonja_de_Palma_de_Mallorca
http://www.portalsolidario.net/ocio/visu/fichas.php?rowid=10573&titulo=Lonja%20de%20
Palma%20de%20Mallorca.%20(Islas%20Baleares).&epocan=Monumentos%20con%20
Historia
http://www.viajes.net/europa/espa%C3%B1a/palmademallorca/monumentos/lonjademall
orca
http://www.teleweb-mallorca.com/es/paginas/088_lonja_es.html
LA ESCULTURA GÓTICA, Cristina Azuara
Fueron los humanistas del renacimiento italiano del s. XVI, y en especial, Giorgio Vasari,
quienes, con la intención de menospreciar el arte medieval que los precedía en el tiempo,
utilizaron despectivamente la palabra gótico para designarlo. Interpretaron que los pueblos
europeos del norte –a su entender, ignorantes, violentos y de escasa sensibilidad– habían sido
los autores originarios de un estilo desproporcionado, relegando al olvido a los edificios
grecorromanos, auténticos modelos de la verdadera elegancia y belleza.
No obstante, a lo largo del s. XIX se empezó a admirar y a valorar de manera positiva el
arte de la edad media y, en particular, el tan denostado gótico. Así pues, el término acabó por
designar el estilo artístico que brilló en Europa occidental desde mediados del s. XII hasta finales
del s. XV.
4
5. El mundo gótico estuvo caracterizado por cambios políticos en la debilidad del poder
(Sacro Imperio) y la consolidación de la monarquía; por cambios económicos y tecnológicos, al
aumentar la población por la estimulación de cultivos y por crear un comercio (moneda,
transportes, innovaciones), el poder crecía en las ciudades y aparecían los llamados burgueses;
y por último, la crisis final de la Baja Edad Media, cuyas catástrofes climatológicas, hambrunas y
decrecida demográfica, guerras y revueltas, a la par de múltiples epidemias, marcaron el siglo XII
hasta mediados del siglo XV.
La escultura del arte gótico presenta una estética naturalista y humanitaria, una temática
religiosa pero más humana que en el arte románico (Cristo hombre, vida de la Virgen y vidas de
Santos), y un simbolismo que presenta al ser humano como creación divina mediante la
búsqueda de la belleza física y la captación de los sentimientos.
Las etapas que la caracterizan están marcadas por el estilo pregótico (búsqueda del
humanismo, la belleza y la serenidad de la temática románica) y el gótico clásico (captación del
idealismo y la solemnidad) en el siglo XIV (más expresivo y realista) y en el siglo XV (marcado
por la melancolía y el patetismo).
Las características generales de la escultura gótica son:
a) En el caso francés. En el pregótico, las estatuas columnas buscan el naturalismo y la
belleza (por ejemplo: pórtico real de la catedral de Chartres, a finales del siglo XII; o en
la portada occidental de la catedral se
Senlis, 1185-1190). En el Gótico clásico
mediante las jambas de la catedral de Reims
(S. XIII) que, manifiesta una gran influencia
del mundo clásico, como sucede en la
sonrisa de la Anunciación, que recuerda a la
sonrisa arcaica griega, y la Visitación, en la que los ropajes de ambos personajes
recuerda al tratamiento de los mismos en la escultura clásica griega. Durante la etapa
del siglo XIV se busca la expresión y por ello, los temas de la Pasión son los más
frecuentes. Debido a la Guerra de los Cien Años (1337 y 1453), se esculpieron pocas
obras de importancia. Y por último la producción escultórica francesa en el siglo XV por
Claus Sluter: el gótico flamígero.
b) En el caso italiano. La escultura del gótico italiano de los siglos XIII y XIV, al igual que
su arquitectura, se caracterizó por la influencia de la Antigüedad Clásica. En Italia fueron
los púlpitos (utilizados para leer “la Palabra de Dios” y predicar, y ubicados en
5
6. baptisterios o catedrales) las principales manifestaciones escultóricas. La familia de los
Pisano (ciudad de Pisa, en la Toscana) destacaron especialmente: Nicola Pisano, autor
del Púlpito del baptisterio de Pisa (1260), con unas estética clasicista; y su hijo Giovanni
Pisano, artífice del Púlpito de la catedral de Pisa, donde añadió la gracia y la belleza de
la escultura gótica francesa.
c) En el caso alemán. A lo largo del siglo XIII la escultura gótica
centroeuropea se vio influida por el clasicismo francés, pero aplicado
a una temática señorial (por ejemplo: las esculturas del Magrave
Ekkehard y su esposa Uta, en la catedral de Naumburgo). En el siglo
XIV la corriente expresiva francesa se extendió por toda Alemania. Y
en el siglo XV, la escultura alemana, aportó una nueva fuerza realista
y emotiva de gran potencia visual.
d) En el caso inglés. La producción fundamental se centró en
monumentos funerarios (por ejemplo: la tumba de Enrique IV, en Canterbury; o la
sepultura de Ricardo II, en Westminser). También fue muy importante la producción de
relieves en alabastro.
e) En el caso de Países Bajos. La escultura gótica siguió los
modelos franceses. Por esta razón, el siglo XII estuvo marcado por
un clasicismo, el siglo XIV por la expresividad y en el siglo XV por
el estilo de Claus Sluter (aplicando la misma fuerza y patetismo que
este escultor).
f) En el caso portugués. Las piezas escultóricas más destacables
fueron los sepulcros (mejor ejemplo en el sepulcro del Rey Pedro I,
en Alcobaza); pero también fueron importantes las esculturas exentas, principalmente,
de vírgenes, de crucificados y de santos.
LA VIRGEN DE LAS ROCAS. Daniel Ros Morraja
1. Tipo de representación.
Esta obra tiene como personaje central a un ser divino, la Virgen; por
eso se pude decir que se trata de una representación religiosa en la
que aparecen figuras religiosas como el arcángel, el niño Jesús y San
Juan Bautista. Leonardo Da Vinci, suele utilizar paisajes toscanos pero
no en esta obra lo cual es novedoso, para reemplazar esto ha utilizado
6
7. una imagen de un paisaje ocupado en casi toda su totalidad por una montaña rocosa que le sirve
de fondo, adaptando a él los personajes.
2. Técnica. La técnica es el óleo pues se usan aceites para combinar con otras sustancias
(pigmentos) y obtener así un producto idóneo para la pintura. Esta pintura obtenida con la
mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su obra
lentamente y sin prisas de acabado, cosa que era imposible con la pintura al temple; el óleo
permitía retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, aumentar la profundidad y la
intensidad del color.
3. Elementos pictóricos.
- Línea: En esta obra no se podría hablar de la línea, ya que para Leonardo Da Vinci; la luz se
concibe como una lenta fusión del negro y el blanco, dando lugar al claroscuro. Así el sfumato,
logra crear una superficie aterciopelada, que funde figura y ambiente un halo de misterio, sin
transiciones bruscas de luz, con lo que las sombras se funden gradualmente y desaparecen los
perfiles.
- Color: Contrasta el uso de colores fríos (azul, verde) y cálidos (naranja, marrones) que dan
vitalidad a las personas y acercan los objetos. Estos se hacen notables en los paños que visten a
los personajes.
- Luz: La obra está enmarcada en un espacio natural, lo cual hace que la luz esté suministrada
de forma natural por esa especie de óculo que forma la roca que se encuentra detrás de los
personajes. La niebla que se ve a través de ese óculo impide la entrada de luz lo cual produce
claroscuros en el resto del cuadro.
- Perspectiva: La perspectiva utilizada en esta obra, es la perspectiva aérea, esta intenta
representar la atmósfera que envuelve a las figuras, dibujando a los elementos del fondo más
desdibujados y con colores más uniformes y translúcidos, para producir una impresión real de la
distancia.
- Volumen y composición: Las figuras y demás elementos de este cuadro, no son figuras planas;
sino que están dotadas de un volumen a través de los paños, los pliegues del la piel y los
cabellos; lo cual le da realismo. Usa una composición clásica de pirámide. El vértice de arriba
sería la cabeza de la Virgen y los lados caerían hasta el cuerpo de los niños para unirlos con una
línea imaginaria que formaría la base. Es utilizada esta técnica ya que es propia de las obras
religiosas al usar el triángulo, el cual tiene simbología: tres vértices como la Santa Trinidad.
Transmite sensación de armonía y estabilidad.
4. Análisis formal.
7
8. El grado de realismo en esta obra se podría dividir en dos: por un lado, las figuras religiosas y los
detalles de las plantas en la parte inferior presentan un alto grado de realismo; sin embargo, el
paisaje de la parte posterior está bastante difuminado con esa niebla visible a través del óculo,
hacen que tenga esta obra un toque misterioso. Los paños están muy bien trabajados ya que
son visibles todos los pliegues de la prenda, lo que hace que a pesar de no tratarse de
desnudos, podamos apreciar el movimiento de la figura.
5. Iconografía.
Esta representación religiosa tiene otra copia similar o versión, que en realidad debían haber
sido tres; ya que fue encargada para formar un retablo en la capilla de la Confraternidad en la
Iglesia de San Francesco Grande. En ella, se representa a la Virgen María que es el núcleo del
cuadro, la cual apoya su mano derecha sobre su hijo; y mira a San Juan Bautista, el cual a sus
espaldas tiene a un arcángel.
Respecto a la iconología se puede decir que la imagen quiere mostrar al Niño Jesús, el cual es la
salvación y la bendición del mundo al que incluso los seres divinos como el arcángel en la obra
representado, deben venerar.
LA PINTURA VENECIANA, Daniel Traver
Vamos a comenzar encuadrando temporalmente e intentando sintetizar con una
definición; llamamos “pintura veneciana” a la acontecida en dicha ciudad (próspera comercial,
política y económicamente ante la decadencia italiana generalizada, y por tanto, proclive para el
arte) durante el siglo XV y XVI, apreciamos una evolución y un cambio durante el paso de dichos
siglos, comenzó siendo Renacentista para acabar acercándose al Manierismo. Concretando
más, se desenvuelve entre el Cuattrocento y Cinquecento italianos, siendo sus autores más
destacables pintores como Giorgione, Tiziano, Veronés o Tinttoretto, los cuales se basaron en
quienes a menudo fueron sus maestros y, por tanto, “creadores” de esta pintura veneciana, que
fueron Giovanni Bellini y Vittore Carpaccio. Aquí hay que apuntar una cuestión, que es la de la
dificultad para encuadrar a los autores que pintaron en
este foco artístico, debido a la cantidad de autores que
explotaron la pintura en dicho momento y ciudad, por
lo que se atiende a los considerados más “relevantes”.
Si nos fijamos ahora en las características comunes,
vamos a intentar enumerar las más definitorias,
teniendo en cuenta esa transición nombrada anteriormente. La primera a destacar puede ser el
soporte empleado, que pasó de ser la tabla para ser el lienzo el lugar donde se plasmara al óleo
8
9. (técnica cada vez más extendida) las obras artísticas. Estas obras, pasaron de emplear la
perspectiva lineal para usar la aérea, plasmando los elementos de una forma alegre y con
escenarios lujosos, junto con técnicas como la pincelada suelta, el sfumato o la pincelada
gruesa, para así intentar plasmar el ambiente veneciano combinado con el lujo, típico para ellos,
de Oriente. Otras características son la sensualidad, la representación por primera vez del
desnudo femenino, el lirismo y la pasión por el paisaje. Pero de todas las características, la más
relevante es el color, un color al que se le concede gran importancia y que intenta transmitir
luminosidad mediante el empleo de colores, en su mayoría, cálidos.
Pasamos a pormenorizar los autores más representativos, así como también sus obras, hay
que comenzar por Giorgione, discípulo de Bellini, y que instaura muchas de las características de
la pintura veneciana nombradas anteriormente (sfumato, perspectiva aérea, figuras desnudas sin
temática concreta…) y del que podemos destacar su espontaneidad a la hora de pintar, ahora
plasmándose directamente sobre el lienzo. Son obras donde se aprecia todo ello La tempestad o
Concierto campestre.
Otro hombre destacado, Tiziano, coetáneo del anterior, toma un estilo un poco más personal
(pincelada tremendamente suelta) y cuya producción es muy extensa dividida por su temática:
religiosa (Coronación de espinas), retratos (Carlos V en la batalla de Mühlberg) y obras
mitológicas (Dánae recibiendo la lluvia de oro o Venus y Adonis). Un Tiziano que es de los
pintores más representativos de este movimiento
pictórico. Paolo Caliari es otro autor importante, el
cual se caracterizó por un afán de representación de
fondos arquitectónicos donde se reflejaba con
fidelidad la luz, escenas religiosas en las que aparecen multitud de personajes que refleja la
ciudad veneciana junto con su lujo y esplendor, por no hablar del ya consabido rico colorido
(predominando en el los fríos y claros). Una obra suya donde se plasma todo lo anterior es Las
bodas de Caná. Por último y para concluir este recorrido por esta etapa pictórica, nos centramos
en Jacopo Robusti, más conocido por Tintoretto, un seudónimo adoptado por la profesión que
desempeñaba su padre. Su obra es un ejemplo de ese manierismo de última época del XVI, que
casi deja entrever los albores del Barroco y que se traduce en escorzos forzados y continuos,
una fuerte expresividad (marcada por ese forzamiento de las posturas) así como fuertes
contrastes de luz y color junto con las composiciones diagonales presididas por un gran fondo (El
lavatorio). Un hombre influido por Miguel Ángel y del que también hay que destacar la
decoración de los muros y techos de la Scuola di San Rocco.
9
10. Con este pintor concluimos el repaso de la pintura veneciana, habiendo intentado plasmar tanto
sus características generales, como también sus autores más representativos para así dar una
visión conjunta y evolutiva de dicho periodo pictórico.
LA CATEDRAL DE FLORENCIA: CÚPULA DE SANTA MARÍA DE LA FLOR (1419 y 1434).
FILIPPO BRUNELLESCHI, Daniel Traver
Estamos ante una obra arquitectónica que es
una cúpula octogonal (105.5 x 51.70 metros), la cual
viene a completar la Catedral situada en Florencia de
Santa María de la flor y la cubre abarcando todo el
transepto. Una cúpula que data de entre 1419 y 1434,
ideada y diseñada por Filippo Brunelleschi tras ganar en
1418 un concurso dónde se eligió a la mano encargada
de dicha obra. La época de la misma es una época de
transición; cambio del treccento al quatroccento apuntando incluso ciertas influencias Góticas
(esa forma abombada) pero que lo encuadran, ante todo, en el Renacimiento (nuevas soluciones
innovadoras). En este ambiente de la época, era típico convocar concursos para la realización de
obras puntuales, y eran expuestos al público a través de maquetas para que éste dirimiese y
opinase acerca de las mismas. En éste aspecto hay que destacar que Brunelleschi se presentó
en 1401 para la realización de unas segundas puertas para el mismo duomo , concurso que
perdió y que supuso para él un gran disgusto. Pero no por ello desfalleció, y se presentó a un
segundo concurso (ya nombrado anteriormente) para erigir esa gran cúpula que no pudo
terminarse por parte de gente como Di Cambio o Talenti debido a una cuestión que paralizó la
obra en 1370, y era que su finalización se consideraba imposible, ya que el espacio a cubrir era
de 45 metros (imposible de abarcar con las técnicas constructivas conocidas) y su altura de más
de 100 metros significaba un imposible puesto que serían necesarias grandes estructuras de
madera para ello, coste añadido imposible de cubrir.
Pasando a comentar cuestiones constructivas y de materiales, hay que destacar que se
trata de una doble cúpula, para así poder ser sustentada (reducía a la mitad el peso a soportar) y
que estaba construida por materiales como pueden ser mármol, bloques areniscos, ladrillo,
plomo, hierro… La primera de esas dos cúpulas, la exterior, gozaba de un perfil ojival, era más
delgada y su función era de impermeabilización. La segunda, interior, era semiesférica, más
10
11. gruesa y, por tanto, más estructural. Están construidas sobre un tambor, con linterna, cuya
función es la de iluminar (siendo blanca a diferencia del gótico) y dar mayor ascensionalidad y
monumentalidad a la catedral, la cual se sobrepone sobre el barrio Florentino en el que se
enclava. Su proceso de construcción era complejo, y se consiguió por medio de nervios que
dividían la cúpula en ocho partes, que convergían en la clave y estaban hechos en materiales
como hierro recubierto de estaño y también vigas de roble. El
vano octogonal recuerda al del Panteón de Roma e ilumina el
crucero. El lenguaje que habla la linterna es clásico, asi como las
soluciones que adopta mediante arcos de medio punto que está
sobre columnas junto a las que aparecen pilastras corintias,
habiendo seguido también e decoración cánones clásicos. Esa
linterna fue finalizada por sus discípulos, como Michelezzo,
quien debido a la muerte de Brunelleschi sigue los planos del
mismo.
En lo referente al aspecto iconográfico y significativo de la obra, hay que comenzar
diciendo que marcó el paso del treccento al quatroccento, pero también hay voces que le
atribuyen anticipos del cinqueccento debido a su grandiosidad y monumentalidad dentro del
urbanismo de la ciudad. En cuanto al trato de la luz, se le sigue atribuyendo una gran
importancia (como en el gótico pero sin luz coloreada) pero esta vez es una luz blanca, clara,
pura, significado de la divinidad y de la presencia de Dios en el cielo que se refleja en la Tierra.
También goza de una gran importancia en lo que a ejemplificación se refiere, como puede ser
con la cúpula de San Pedro del Vaticano, la cual parte de ésta como base. Características
comunes típicas del Renacimiento, como puede ser la recuperación de elementos clásicos que
sirven de soluciones en algunos aspectos, conjugado ello con la innovación técnica y
constructiva que le permitió erigir esta obra de arte que es la Cúpula de Santa María de la Flor.
GATTAMELATA DE DONATTELO (1453), Álvaro Vicente
Se trata de una escultura monumental de bulto redondo, ecuestre y exenta. Realizada en
bronce en 1453 para la plaza de la basílica de San Antonio de Padua (Italia), fue concebida para
servir de un monumento fúnebre. Con toda esta información podemos afirmar que se trata de
Gattamelata, obra de Donattelo.
11
12. Pertenece al Renacimiento del Quattrocento y fue encargado por los herederos del Condottiero
Erasmo de Narni, dictador de Padua
El monumento fue construido en bronce y no está policromado. Se trata de un
monumento donde se observa una unión entre animal y
hombre, ambos están fundidos en una misma figura y
se levanta sobre una planta de bloques horizontales.
También se observa la superioridad del
caballero ante el caballo, al cual monta a horcajadas, con
rigidez y fuerza, pero sin mostrar un ápice de violencia,
dicha superioridad también se ve cuando observamos el
cetro que sostiene con la mano derecha. En la parte
superior del monumento se representa al general en el momento de pasar revista a las tropas,
conteniendo en su mano las riendas del monumental caballo, con un detallismo y realismo igual
al del jinete. La cabeza ligeramente ladeada o las crines de la cola recogidas, dotan a la
escultura de un efecto pausado, sereno y más o menos hermético, como es de esperar en el
Renacimiento, que intenta reproducir los principios del mundo clásico. A pesar de ello se ve
movimiento en la figura, la pata del caballo, rematada con una bola debajo, indica el trote del
animal.
El porte y las vestimentas del jinete nos trasladan a la Roma antigua, su expresión facial
muestra la seriedad, desafío y dignidad de los rostros romanos.
La composición tiene un cierto grado de inspiración en la estatua ecuestre de Marco
Aurelio, la cual sobrevivió gracias a una confusión con la estatua del emperador Constantino,
pues su autor, junto a su amigo Brunelleschi viajaron hasta Roma para estudiar los monumentos
y estatuas romanos.
La estatua tuvo una función no solo estética sino ensalzadora de los valores del general
representado, alguien que supo manejar las riendas en las diferentes situaciones de manera
firme. Se debe tener en cuenta que la escultura fue colocada en un lugar público desde su
inauguración, algo que conecta de nuevo con la antigüedad clásica donde los elementos
culturales y artísticos tenían gran importancia dentro de la sociedad y eran concebidos para el
disfrute de la población.
12
13. LA ESCULTURA RENACENTISTA, Sergio Alcón
INTRODUCCIÓN
Este movimiento artístico comenzó en Italia durante los siglos XV y XVI se considera una época
de transición entre la edad Media y la edad Moderna. En esta etapa suceden una serie de
cambios políticos, sociales y económicos. Por lo que el mundo artístico se ve influido por todos
estos cambios. Pero todo ello no basta para justificar la gran revolución cultural que afectó
primero a Italia y después a Europa y que recibió el nombre de Renacimiento.
Las características generales de la escultura renacentista son:
-Los artistas se inspiran en obras antiguas clásicas, esto se debe a que aun quedan muchos
restos arqueológicos de épocas antiguas, y las reinterpretan siguiendo los valores de la sociedad
renacentista. También los artistas son muy naturalistas como influencia del gótico vigente aun en
Europa. En el Cinquecento, la escultura se vuelve más grandiosa y el naturalismo se vuelve
idealizado.
- Se busca la belleza formal, capaz de producir que la escultura se vea como un placer estético.
-Los materiales utilizados en esta época son el mármol y el bronce, igual que en la Antigüedad,
pero también utilizaron el barro cocido, recubierto con esmalte vidriado y policromado, y la
madera.
- En cuanto a los temas. Los temas predominantes en esta época son temas religiosos
representados en relieves, pero se desarrollan también los profanos (mitológicos, históricos y
alegóricos). Adquiere una gran importancia el cuerpo humano desnudo y la búsqueda de la
belleza siguiendo las ideas antropocéntricas, y representándose de una manera realista, con
estudio de la anatomía, el movimiento y la proporción, según el canon clásico.
Adquiere una gran importancia el retrato en esta época, de gran realismo, expresión de la
importancia del individuo en la sociedad, los retratos se hacen tanto de cuerpo entero como de
busto-retrato. Otra escultura que se hace en esta época es la estatua ecuestre nace como retrato
de personajes importantes. En los monumentos funerarios se retrata al difunto como manera de
recordar su fama y virtudes, mediante símbolos.
Los artistas renacentistas muestran inquietud en sus relieves por las composiciones, sencillas,
armoniosas, claras y serenas, así como por captar el espacio y la profundidad mediante el nuevo
sistema de representación de la perspectiva.
Uno de los escultores más representativos del renacimiento y con más influencia en sus
posteriores es Miguel Ángel. En él se muestra y llega a la conclusión toda la experiencia de la
escultura renacentista. Sus obras se caracterizan por una anatomía fuerte, incluso exuberante y
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14. exagerada; por una monumentalidad y por una prodigiosa capacidad técnica; por un amor
sincero y declarado por el cuerpo humano.
EL MATRIMONIO ARNOLFINI DE JAN VAN EYCK, Francisco José Felipe
Información general:
El matrimonio Arnolfini es un cuadro del pintor
flamenco Jan van Eyck lo que explica los minuciosos
detalles que representa el pintor. Está fechado en 1434,
representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su
esposa Giovanna Cenami en el momento de contraer
matrimonio. Junto a ellos se observa un perro a los pies de
la pareja y entre medio de ambos.
Análisis de los elementos del cuadro:
En él podemos encontrar la pareja y el perro, que
se encuentran en una habitación o estancia ampliamente
decorada, se puede observar que justo detrás de la pareja hay una lámpara que cuelga del techo
y al fondo un espejo en el que se refleja el contenido de la habitación y a la izquierda de este
espejo unos rosarios. También se pueden ver unos zapatos en la parte inferior izquierda que
parecen ser de mujer y que aluden a que la Giovanna está descalza. Giovanni Arnolfini aparece
con un sombrero y una capa como indumentaria, y en actitud seria. Se le ilumina el rostro en el
lado izquierdo por situarse al lado una ventana que proporciona la luz y en el lado derecho la
cara se muestra en un tono más oscuro. Aparece agarrando con la mano derecha a su esposa y
levantando la mano izquierda como si quisiera bendecir. La esposa Giovanna posee un vestido
de color verde y un velo blanco en la cabeza. Con su mano derecha agarra a Giovanni mientras
que con la izquierda se toca el abultado vientre que parece manifestar que se encuentra
embarazada (sic). La línea es muy fina y detallista, la luz es naturalista.
En cuanto a la técnica, la imagen está hecha con pintura al óleo y está directamente
aplicado a la tabla. La composición es simétrica y un poco geométrica (forman dos óvalos), ya
que si dividimos la imagen en dos partes podemos apreciar las mismas proporciones.
Análisis simbólico:
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15. Este cuadro incluye una gran cantidad de símbolos y elementos que dan motivos a discusión y
que muchos historiadores del arte han enfocado desde un punto de vista diferente. Algunos
elementos simbólicos son los siguientes:
-El cuadro está ambientado en un lugar que da a pensar la riqueza que poseen al igual que sus
vestidos y que muchos de los objetos que aparecen retratados.
-Los colores predominantes son el verde, símbolo de la fertilidad y el rojo, símbolo de la pasión.
-El perro se puede interpretar como una idea de fidelidad al matrimonio por lo que representa
este animal.
-Los rosarios que están al lado del espejo simbolizan lo religioso y la necesidad de la oración.
-En el marco del espejo se muestran diez de las catorce estaciones del Vía crucis. El mismo
espejo refleja la parte trasera de la pareja así como parte de la habitación en la que se
encuentran.
-También aparece sobre las manos de la pareja una gárgola con actitud sonriente que ha sido
interpretada de diferentes formas, una de ellas, por ejemplo, como un exorcismo que sería la
falta de descendencia.
Bibliografía:
http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_Giovanni_Arnolfini_y_su_esposa
http://aprendersociales.blogspot.com/2007/01/el-matrimonio-arnolfini.html
http://sdelbiombo.blogia.com/2010/031201-analisis-del-matrimonio-arnolfini.-van-eyck.php
LEONARDO DA VINCI, Tamara Mor
Leonardo da Vinci fue un pintor florentino y a la vez artista, científico,
ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico,
músico, poeta, filósofo y escritor. Nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y
murió en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años. Símbolo del
hombre del Renacimiento, genio universal, es considerado como uno de
los más grandes pintores de todos los tiempos. Se crió en Florencia,
estudió y aprendió en el taller de Andrea de Verrocchio, también ofrece sus servicios a Ludovico
Sforza (Duque de Milán), volvió a Florencia y posteriormente a Milán y trabajo en otros lugares
como Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del
rey Francisco I.
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16. Al conocer el talento de su hijo, su padre le dio permiso para trabajar como aprendiz en
el taller de Andrea Verrochio, donde aprendió pintura, escultura y técnicas para la creación
artística. El primer trabajo suyo fue la construcción de la esfera de cobre proyectada por
Brunelleschi para la iglesia de Santa María de Fiori. Junto al taller de Verrocchio, además, se
encontraba el de Antonio Pollaiuollo donde Leonardo hizo sus primeros estudios de anatomía y
también en el conocimiento del latín y el griego.
Leonardo tenía una gran preocupación por la calidad e interés en expresar el movimiento
de la figura humana. Estas preocupaciones se convirtieron en el objetivo de su formación
artística realizando diversas actividades, desde la pintura de retablos y tablas, hasta la
elaboración de grandes proyectos escultóricos en mármol y bronce.
En 1506, Leonardo tomó como alumno a Francesco Melzi, su obra se considera menos
valiosa que la de otros alumnos de Leonardo, como Marco d'Oggiono
o Giovanni Antonio Boltraffio, aunque también se supo de la existencia
de numerosos alumnos.
Su dominio del color y la atmósfera le hace también el primero
en ser capaz de pintar el aire. La perspectiva aérea o atmosférica, es
una característica inconfundible de su obra, en especial de los
paisajes. Leonardo fue el primero en considerar que la distancia se
llenaba con aire y que éste hacía que los objetos lejanos perdiesen
nitidez y se viesen azulados, uso la técnica del la técnica del sfumato y
un interés por el claroscuro con la que difumina contornos como
podemos ver en la Gioconda.
Se opuso al concepto de "belleza", imitando la naturaleza tal cual era sin modificarla de
esta forma contempla lo feo y lo grotesco, realizando dibujos de personajes deformes y cómicos
que se consideraron las primeras caricaturas de historia del arte. Tuvo una gran obsesión por la
medida y lo vemos reflejado en varios instrumentos que intento mejorar un higrómetro, un
podómetro e incluso realizo un diseño de un reloj despertador.
Podemos encontrar entre sus inventos: la bomba centrífuga, el
submarino, el compás, la lanzadera, el paracaídas (…) también
afirmaba que podía construir puentes portátiles, que conocía las
técnicas para realizar bombardeos, construir barcos y vehículos
acorazados, cañones, catapultas y otras máquinas de guerra.
Normalmente en la historia es asociado con la pintura siendo sus obras más celebres La
Gioconda y La última cena histórica más famosa es la pintura, copiadas y parodiadas en varias
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17. ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitrubio. Sólo se conocen quince de sus obras,
debido a sus experimentos con nuevas técnicas y al no ser una persona constante en su trabajo
aunque se conoce que pudo llegar a pintar unas 105 obras aproximadamente.
LA ESCUELA DE ATENAS de Rafael, Victoria Barrado
Clasificación y contexto
La escuela de Atenas es una pintura de Rafael,
corresponde al Renacimiento y concretamente a la
etapa del Cinquecento ya que fue pintada en 1510
por encargo del Papa Julio II para decorar con
frescos las habitaciones que hoy en día son
conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas
en el Vaticano. Esta pintura es un ejemplo de la
labor pictórica de Rafael Sanzio (1483-1520) que
fue uno de los más ilustres artistas del Renacimiento; primeramente fue discípulo de su padre y
luego de Perugino, sobrepasando pronto a sus maestros, aunque Perugino fue quien le influyó
decisivamente con modelos humanos de delicadeza extrema y ordenación simétrica. Rafael
tenía una asombrosa capacidad de síntesis, a la vez que de rápida asimilación de otros estilos
(como la composición triangular y equilibrada de Leonardo da Vinci). No solo se dedicó a la
pintura, sino que también se dedicó a la arquitectura, a los dibujos y a los grabados. A pesar de
su relativamente corta existencia (murió a los 37 años) llevó a cabo una obra extensa y quizás es
el artista de su época que mejor representó la perfección del clasicismo.
Posteriormente, en 1900, Beck hizo una reproducción de esta obra para
remplazar otra hecha anteriormente que fue destruida por un incendio;
puede ser vista en la Universidad de Virginia. También, el grupo Guns N’
Roses utilizó la pintura en 1991 para sus discos Use Your Illusion I y II.
Análisis de la obra
El fresco está situado en la Stanza Della signatura, Rafael la organizó centrándose en dos
frescos enfrentados: La Disputa del Sacramento y La Escuela de Atenas; en los huecos que
quedan en los ventanales introdujo otras obras como son El Parnaso y Las Virtudes Cardinales.
El fresco resume las intenciones del pensamiento renacentista en cuanto a la conciliación de la
razón y de la fe. Por eso, la representación de tantos filósofos y científicos de la antigüedad
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18. simboliza la idea de la época de que a la verdad se llega por el conocimiento racional, en
oposición a otros frescos en los que quedaba reflejada la fe como medio de conocimiento.
Es una pintura al fresco y su base es de 7,70 m y su altura de 5,00 m; en ella las figuras están
ordenadas de izquierda a derecha y los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, que
puede estar inspirada en San Pietro de Bramante o en la Basílica de Magencio aunque se ve el
claro sello de Rafael en los pilares que sostienen las pechinas. En unos nichos se ven figuras
gigantescas de los dioses Apolo y Atenea.
En este cuadro hay simetría perfecta: en el centro hay una calle. Todo el cuadro nos
lleva al mismo punto de fuga. Hay perspectiva atmosférica: los edificios de fondo quedan
esfumados. Las figuras y elementos arquitectónicos son claros y están aislados (lineal). Los
grupos de figuras, y sobre todo la estructura arquitectónica, con sus cuatro escalones claramente
marcados, y la secuencia de arcos uno detrás de otro, son planos superficiales.
Tanto el fondo arquitectónico como la rígida disposición de la perspectiva central
determinan la profunda sensación estática de toda la composición. El punto de fuga de la
perspectiva está en la mano de Platón.
Platón y Aristóteles, que durante toda la Edad Media estuvieron considerados como los
principales representantes de la filosofía antigua, se
encuentran en el centro de la composición. Platón está
sosteniendo el Timeo y Aristóteles sostiene una copia de
su Ética a Nicómaco. Ambos debaten sobre la búsqueda
de la Verdad y hacen gestos que se corresponden a sus
intereses en la filosofía: Platón está señalando el cielo
mientras que Aristóteles la tierra.
En otros personajes se ha identificado a distintos
filósofos de la Antigüedad, puestos sobre dos niveles, separados de una escalinata, esas figuras
representan el “Trivium” y el “Quadrivium”.
A la izquierda, se encuentra un gran bloque de piedra, cuyo significado puede estar
conectado con la Primera epístola de Pedro, que simboliza a Cristo, la "piedra angular". El
hombre ubicado sobre el bloque es Heráclito, con los rasgos de Miguel Ángel ligeramente
mejorados, y también con las características stivali que calza: eran unas botas de montar que el
pintor florentino no solía quitarse; que está escribiendo uno de sus sonetos. En 1510, Rafael vio
el trabajo de Miguel Ángel en la bóveda de la Capilla Sixtina, tras esto lo agregó en su pintura
como señal de respeto hacia el artista. El autorretrato de Rafael está ubicado a la derecha del
cuadro, el joven de cabello marrón que observa al espectador, tocado con un sombrero redondo
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19. de color azul; a su lado, Perugino con idéntico sombrero pero en blanco.
A la izquierda de la pintura se encuentra Francesco Della Rovere, y
observando al espectador.
Además de los filósofos nombrados, también aparecen otros
como Zenón de Citio, Protógenes, Alejandro Magno, Claudio Ptolomeo,
etc.
Esta obra al estar situada enfrentada con otra plantea la idea de complementariedad
entre la ciencia, el pensamiento de la antigüedad y la doctrina de la iglesia como símbolo de
nuevos tiempos y de la legitimación del papel del papado en los asuntos terrenales; puesto que
La Escuela de Atenas simboliza la verdad racional de la especulación filosófica y La Disputa del
Sacramento simboliza la verdad revelada por la religión cristiana.
EL RETRATO ECUESTRE DE CARLOS V de Tiziano, Cristina Azuara
El retrato ecuestre de Carlos V, ejecutado por
Tiziano en 1548, por encargo de la Reina María de Hungría,
hermana del emperador, es uno de los más célebres de la
historia y el único retrato a caballo pintado por el artista. El
emperador escogió a su pintor favorito para que perpetuara
con su arte el gran triunfo conseguido sobre los
protestantes.
El autor de esta obra, Tiziano Vecellio, es el
maestro más importante de la gran escuela pictórica
veneciana y uno de los genios más importantes de la
pintura universal. Todavía niño, fue llevado a Venecia y
trabajó en el taller de Giovanni Bellini y posteriormente en el
del joven Giorgione, que influiría poderosamente en su obra, especialmente en la etapa inicial.
La desaparición de Giorgione y de Giovanni Bellini y la marcha a Roma de Sebastiano del
Piombo, dejaron a Tiziano como maestro indiscutible de la pintura veneciana (en 1516 fue
nombrado pintor oficial de la República de Venecia).
El pintor veneciano lo retrata momentos antes de la victoria, cuando Carlos V (en
defensa de la cristiandad) detiene su caballo frente al río Elba, tras el cual los protestantes se
han hecho fuertes.
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20. Este tipo de representaciones venía de una larga tradición dentro de la iconografía
imperial clásica. Tiziano presentó al emperador en un magnífico retrato ecuestre imitando a los
grandes emperadores romanos. Cabe mencionar la estatua ecuestre de Marco Aurelio y, más
reciente en el tiempo, la del condottiero Colleoni de Andrea Verrochio.
El artista veneciano consiguió una de las mejores realizaciones y uno de los espléndidos
retratos a caballo de la Historia del Arte. Él fue el responsable de fundar una iconografía dentro
del género pictórico del retrato que alcanzaría su plenitud en el Barroco, con artistas como
Rubens y Velázquez.
La obra a analizar es una representación política de género retratista ecuestre (a lomos
de un caballo) del rey Carlos V de España. Se trata de una pintura sobre lienzo realizada al óleo
es, por tanto, una obra independiente. En este cuadro predomina el color sobre la línea, estando
ésta supeditada al color; se identifican dos planos fundamentalmente: el rey ecuestre a caballo y
el paisaje de fondo. Los colores cálidos como el rojo (representando el poder y la fuerza del rey)
o el amarillo (representando la gloria en la armadura y la esperanza en el paisaje) confluyen con
los fríos, como el azul oscuro (dando la sensación de una tormenta que se avecina contra el
mismo rey) sugestionando el volumen de la figura principal. La perspectiva lineal y la
composición oblicua aumentan el grado de realismo en la pintura (observándose en el estudio de
la armadura, la anatomía del caballo o la flora representada). La iconografía del caballo (como
instrumento de guerra), la armadura (que nos proporciona información acerca de las antiguas
vestimentas, en este caso de combate), la lanza (de doble significado: alusión al arma de San
Jorge, caballero cristiano por excelencia; y símbolo de poder del emperador como general
victorioso), el paisaje (vasto y desolador) o los colores empleados hace que nos descubramos
ante este retrato como un cuadro propagandístico del monarca (nunca antes hecho con tanto
ímpetu).
EL GRECO, Rodrigo Villarroya
Doménikos Theotokópoulos era conocido como el Greco era un pintor del final del
renacimiento. Estudió el estilo posbizantino, el Renacimiento en Roma y el manierismo de Miguel
Ángel. El manierismo se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma.
Su obra la componen grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción
para instituciones religiosas y un grupo de retratos.
Desarrolló un estilo propio en el que las figuras eran alargadas, delgadas, con una nueva
iluminación, figuras muy expresivas situadas en lugares indefinidos y con colores contrastados.
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21. Es uno de los autores más famosos de la historia del arte.
El Greco logró la unión de los manieristas y el arte veneciano por la unión de la pintura definida
por las líneas y la pintura con predominio del color.
Sus pinturas presentaban multitud de pinceladas difuminadas que fueron definidas por Pacheco
como crueles borrones, a la vez que utilizaba colores chillones.
El tiempo que vivió en Toledo hizo que cambiara su forma de pintar: cabezas pequeñas
descansando en cuerpos cada vez más largos; la luz cada
vez más fuerte y estridente, blanqueando los colores de
los ropajes, y un espacio poco profundo con
superpoblación de figuras, que dan la sensación de una
superficie plana. Sus últimas obras tienen una intensidad
extraordinaria, hasta el punto que algunos estudiosos
buscaron razones religiosas, asignándole el papel de
visionario y místico. Consiguió imprimir a sus obras un
fuerte impacto espiritual alcanzando el objetivo de la
pintura religiosa: inspirar emoción y también reflexión.
El tratamiento que El Greco hace de las figuras es
manierista, por ello las pintaba cada vez más alargadas y
con formas más sinuosas. Pintaba así porque se creía que
las formas onduladas eran más bellas y él mismo
consideraba que las proporciones alargadas eran más
bellas que las de tamaño natural.
Las figuras de sus cuadros se encontraban cercanas, apiñadas y superpuestas, y el
fondo estaba como tras una cortina de humo.
El tratamiento que da a la luz es muy
diferente del habitual. En sus cuadros nunca
brilla el sol, cada personaje parece tener dentro
su propia luz o refleja la luz de una fuente no
visible. En sus últimos cuadros la luz se hace
más fuerte y brillante, hasta el punto de
blanquear el fondo de los colores.
El Greco también destacó como
retratista, siendo capaz de representar los
21
22. rasgos del modelo y de transmitir su carácter. En sus pinturas solía pintar los pliegues de los
tejidos de los personajes de sus cuadros sobre todo en el ámbito religioso.
Existe una canción de los gandules que comienza así: Doménikos Theotokópoulos era
conocido como El Greco, pintaba a la peña con cabeza de pepino, se conoce que tenía
astigmatismo.
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