Goya

2Goya
FORMACIÓN Y PRIMERA ETAPA
 Nace en Fuendetodos (Zaragoza) el 30-III-1746. Su padre
era dorador y él entró en el taller de José Luzán, artista local
de Zaragoza. Su formación es clasicista.
 Primera etapa 1763-1775
Viaja a Madrid donde coincide con Francisco Bayeu.
Intenta entrar por dos veces (1763 y 1766) en la Academia
de San Fernando.
1770 Viaja por Italia un año y vuelve a Zaragoza donde le
encargan su primer trabajo: un fresco para la basílica de El
Pilar. Durante el viaje a Italia conoce los grandes maestros
a los que estudia.
1773 se casa con Josefa Bayeu y vuelve a Madrid donde
trabaja como pintor de cartones de la Real Fábrica de
Tapices de Madrid en 1775. Le influye la obra de Velázquez.

3Goya
SEGUNDA ETAPA 1775-1792
Cartones para tapices. Temas: diversiones populares, vida
cotidiana, representados con tono alegre, idílico, colorista.

Se da a conocer en la Corte y le encargan retratos que le darán
fama e ingresos. En 1786 realiza el retrato de Carlos III cazador.
Es nombrado pintor del rey y es admitido en la academia de San
Fernando.
1777-1789 sufre su primera enfermedad grave y sus temas
cambian. Obras: El Cacharrero. Ciego de la guitarra. Las cuatro
estaciones. Albañil herido, la Gallina Ciega o La Pradera de San
Isidro. Retratos: Floridablanca, Duquesa de Osuna, Marquesa de
Pontejos. Carlos IV y Mª Luisa.

4Goya
Carlos III. Museo del
Prado
El monarca se presenta al aire
libre, en un paisaje muy similar
al de los cartones para tapiz
aunque existan ciertos ecos
velazqueños. Las bandas de las
Ordenes de Carlos III y del
Toisón de Oro cruzan su regio
pecho. El curtido rostro es el
centro de atención de la figura,
ofreciéndonos una expresión de
bondad e inteligencia que le
sitúan muy cerca del
espectador, como si no fuera el
monarca. La enorme afición a la
caza del rey motiva que sea
ésta la actitud elegida para
presentarse ante nosotros.
Precisión para representar
bordados y las calidades de las
telas.

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El quitasol museo del Prado

6Goya
Quitasol
Canto a la juventud, centrando su atención en la sonrisa
de la muchacha y en su gesto seductor, mirando
abiertamente al espectador para hacernos partícipes del
galanteo; tras ella, un joven le quita el sol con una
sombrilla de color verde, en el mandil blanco de la joven se
acurruca un perrillo negro con una cinta roja. Interés por la
luz : la sombrilla sirve para sombrear diferentes zonas,
haciendo la luz solar que se resalten los colores en los que
incide. Los tonos cálidos empleados (amarillos) otorgan
una enorme alegría a la composición, alegría reforzada por
las expresiones de las dos figuras. La pincelada utilizada
es bastante suelta, como se aprecia en el perrillo. El
Quitasol formaba parte de los cartones destinados a servir
como modelos para los tapices que decorarían el comedor
de los Príncipes de Asturias (el futuro Carlos IV y su
esposa María Luisa) en el Palacio de El Pardo.

7Goya
El cacharrero
Museo del
Prado

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La gallina ciega Museo del Prado

9Goya
La Gallina Ciega
Las escenas debían servir como modelo para los tapices
destinados al dormitorio de las infantas en el Palacio de El
Pardo, pero el encargo se paralizó por el fallecimiento de Carlos
III. Goya describe la escena como figuras jugando al cucharón,
pero ha pasado a la historia con el título de la Gallina ciega. Lo
más significativo de la estampa es la perfección con la que han
sido captados el movimiento y el ritmo de las figuras, algunas
en unos preciosos escorzos. La alegría y la vitalidad envuelven
la escena, que se sugiere puede representar al amor ciego. De
hecho, las dos figuras de la izquierda están más pendientes de
flirtear que del juego en sí. Respecto al color, quizá sea ésta
una de las imágenes más colorista del maestro, al utilizar el
blanco puro, amarillo y gris. Las pinceladas sueltas vuelven a
triunfar, aparentando una minuciosidad en los detalles
inexistente.

10Goya
El invierno Museo del Prado

11Goya
El otoño Museo del Prado

12Goya
Las estaciones
Goya realizó una serie de cartones para tapiz
destinados al comedor del Príncipe en el Palacio de El
Pardo, serie dedicada a las cuatro estaciones en la
que la Vendimia representaría el otoño, utilizando las
uvas como símbolo. En la escena vemos un
aristócrata sentado ofreciendo a una dama un racimo
de uvas, mientras un pequeño de espaldas eleva las
manos para cogerlo. Tras ellos, aparece una
vendimiadora con un cesto en la cabeza y dos
hombres vendimiando. Al fondo, vemos la sierra
madrileña. La luz otoñal se convierte en la
protagonista, aclarando los tonos de los vestidos para
otorgar mayor gracia a la composición. Recurre al
esquema piramidal, tan apreciado en el
Neoclasicismo. Las pinceladas sueltas se adueñan de

13Goya
Albañil herido
Estaba destinado a decorar, como tapiz,
el comedor del Príncipe en el Palacio de
El Pardo, acompañando a las
estaciones. Dos albañiles portan en
brazos a un compañero que se ha caído
de los andamios que aparecen al fondo
de la escena, el gesto triste de los
porteadores sugiere el dolor por la
caída. Goya hace un análisis de la
sociedad criticando la indefensión de los
albañiles; y se preocupa por el espacio
pictórico desarrollado gracias a la
sucesión de planos. El punto de vista
bajo que emplea ayuda a dignificar la
escena. El colorido es oscuro, utilizando
una pincelada empastada en algunas
zonas y más diluida en el fondo.

14Goya
Pradera San Isidro
Boceto que representa Madrid desde la ermita de San Isidro el día de su
romería. Presenta una gran sensación de espacio, pues en él aparece una
gran masa de gente que se acentúa por la gama de tonos blancos, rosados,
verdes y azules, salpicado aquí y allá por alguna pincelada roja para dar
variedad en los vestidos de algunas de las pequeñas figuras. El paisaje es
realista y la composición carece de unidad. Pincelada suelta

15Goya
Crucificado 1780
Cuadro de acceso a la Real
Academia de San Fernando. Cristo
de cuatro clavos con los pies
encima de una peana y con una
tablilla sobre la cruz que contiene la
inscripción en tres lenguas.
Influencia de Velázquez all recortar
la figura sobre un fondo neutro muy
oscuro, dando un fogonazo de luz
que sugiere que la luminosidad
parte de la propia figura. Desnudo
de Jesús es un estudio académico
muy idealizada; en el rostro la
factura se hace más suelta,
trabajando con pinceladas rápidas
y vibrantes que otorgan una
excelente expresión de humanidad
a la imagen.

16Goya
Duques de
Osuna.
Museo del
Prado

17Goya
Duques de Osuna
La relación entre Goya y los Duques de Osuna fue de amistad .
Para los Osuna pintará una gran cantidad de obras, desde
retratos hasta escenas de brujas. Lo más destacable de la
escena será la manera de retratar a los pequeños,
concretamente sus miradas en las que se aprecia la dulzura e
inocencia de los niños. Y, sobre todo, el cariño que Goya les
profesaba. No representa el espacio. Las figuras se recortan
sobre un fondo neutros, obteniendo diferentes tonalidades
gracias a la luz. Todos los personajes se enmarcan en una
diagonal de sombra a excepción del Duque que se encuentra
en una zona más iluminada. Los colores empleados son muy
uniformes: grises, verdes y rosa, de nuevo a excepción de Don
Pedro, que lleva casaca oscura con tonos rojos. La pincelada
es cada vez más suelta. Las transparencias de los encajes en
cuellos y puños y el perrito que se esconde entre el Duque y los
dos niños son detalles que demuestran la calidad del pintor.

18Goya
Tercera etapa 1792-1808
1792 cae enfermo en Cádiz y vuelve a Madrid sordo.
Entrega a la Academia 11 cuadros de gabinete con escenas de
toros y diversiones populares. Le interesa la multitud donde
desaparece la individualidad: hosca, violenta, cruel.
Crisis en España. Aislamiento de sus amigos. Satiriza los
vicios de la corte, de las clases acomodadas, el papel de la
iglesia, la superstición. Ataca a la sociedad en su ignorancia y
chabacanería.
1795 director de la academia. RETRATOS: Jovellanos,
Meléndez Valdés, Duque de Alba.
1798 pinta los frescos de San Antonio de la Florida y la familia
de Carlos IV, la condesa de Chinchón, Godoy, las majas.
1803 regala al rey LOS CAPRICHOS por miedo ala
Inquisición. Sátiras sociales en 84 grabados (prostitución,
brujería, superstición, ignorancia, anticlericalismo).
El Coloso como premonición de la guerra. Precursora de las

20Goya
Jovellanos M. Prado
Hombre de la Ilustración
española. En el momento en
que Goya le hizo este retrato,
había sido nombrado Ministro
de Gracia y Justicia. La
responsabilidad a la que tenía
que enfrentarse Jovellanos
desde su Ministerio provoca que
aparezca con carácter
melancólico y pensativo,
apoyándose en la mesa que
sostiene la estatua de Minerva,
diosa de la sabiduría y
protectora de las artes.
Captación psicológica,
pincelada suelta y estudio de la
luz capaz de darnos la calidad
de las telas (terciopelo en los
pantalones, seda en las
medias)

21Goya
Meléndez Valdés
Jurista ilustrado catedrático
de humanidades de la
universidad de Salamanca .
Fue desterrado en 1798,
regresando a Madrid en 1808
para ser nombrado consejero
de José I, exiliándose en
1814 en Francia.
Retrato de medio cuerpo en
el que destaca la captación
psicológica. La luz impacta
en la cabeza, resaltando los
ojos y el gesto de
preocupación ante el cariz
que toma la política española
del siglo XVIII. Su pincelada
rápida la apreciamos en el
corbatín y el chaleco.

22Goya
San Antonio de la Florida

23Goya
Frescos San Antonio de la Florida

24Goya
San Antonio de la Florida
El rey Carlos IV financió y mandó a Goya pintar la cúpula. El
tema es un milagro de San Antonio quien estando en Padua,
recibió la noticia de que su padre había sido acusado de
asesinato en Lisboa, un ángel le trasladó milagrosamente a la
capital portuguesa y solicitó al gobernador que el fallecido fuese
desenterrado para ser interrogado. San Antonio, en nombre de
Jesucristo, pidió al asesinado que declarase si su padre había
participado en su muerte, incorporándose el cadáver y
proclamando la inocencia del acusado. Este es el momento que
Goya ha elegido, situando el milagro en Madrid, al que asisten
majas, chisperos, embozados y chulapas. Tras una barandilla,
al estilo de las balconadas madrileñas, se sitúan los diferentes
personajes y destaca la naturalidad de los personajes,
cuchicheando, observando atentamente, mirando a otro lado.
La expresividad de las figuras supone el punto más álgido de la
pintura religiosa de Goya, quien ha sabido acercar el milagro al
pueblo, haciendo que éste sea el verdadero protagonista.

25Goya
Escenas de Gabinete 1815-1819
Serie de cuadros de costumbres españolas, si bien
estas están muy alejadas de los temas y la estética
rococó y neoclásica de los cartones para tapices. El
conjunto incluiría Corrida de toros en un pueblo,
Procesión de los disciplinantes, auto de fe de la
Inquisición y Casa de Locos.Todos ellos son óleos
sobre tabla de pequeñas dimensiones El entierro de la
sardina refleja una tradición carnavalesca que celebra
el último día de estas fiestas. Es el final del periodo de
mundo al revés que supone el carnaval, con su
trasgresión de los valores vigentes, su interés por los
instintos primarios, el protagonismo del pueblo llano
frente a las instituciones y el predominio del caos
frente al orden.

26Goya
Estampas de
gabinete. Celda
de los locos
Real Academia
de Bellas Artes
de San fernando

27Goya
Escenas de Gabinete. Flagelantes.

28Goya
Entierro de la sardina
Grotesca máscara sonriente y
grupo de personajes bailando y
con máscaras. Composición,
en óvalo iluminado, alrededor
del cual se sitúa el público
espectador. Predomina la luz
sobre la sombra y la alegría
frente al drama. Esta obra
manifiesta la alegría de vivir del
pueblo, así como se aleja de los
autos de fe, las muestras
sangrientas de las disciplinas de
los flagelantes o el mundo
absurdo y marginado de la casa
de locos, los cuadros con los
que se ha visto que se relaciona
en el tiempo y asuntos.

29Goya
Aquelarre
Museo
Lázaro
Galdiano

30Goya
Coloso
Goya está crisis cuando
realiza este cuadro. Sus
ideales de ilustrado, se
volvían contra él. Las
tropas de Napoleón
habían invadido España y
estaban cometiendo todo
tipo de tropelías. Este
coloso que se mueve de
espaldas, entre nubes de
humo, llenas de reflejos
sanguinolentos, provoca la
huida de una multitud en
desbandada
¿17 o Asensio Juliá?

31Goya
Caprichos
La fantasía abandonada
de la razón produce
monstruos imposibles:
unida con ella es madre
de las artes y origen de
las maravillas El búho
le alcanza los útiles de
dibujar

32Goya
Caprichos En el Capricho 42, dos campesinos
llevan a cuestas como bestias de
carga a la nobleza y a los frailes
ociosos, que son representados
como dos burros contentos. Los
campesinos sufren por cargar con el
extremado peso. El título Tu que no
puedes es la primera parte de un
refrán popular que concluye llévame
a cuestas, y resalta lo que ya
empezaban a pensar los ilustrados
de finales del siglo XVIII sobre la
incapacidad e impotencia del pueblo.
Además añade la metáfora habitual
del pueblo cargando con las clases
ociosas. Pero representa a las
clases ociosas como burros mientras
que a los campesinos los representa

33Goya
Marquesa de Santa Cruz Museo del Prado

34Goya
Marquesa de Santa Cruz
El conocimiento de la joven y el cariño que sentía el pintor
por ella se ven reflejados en la imagen. La lira y la corona de
hojas de parra serían una alusión a la poesía, una de las
artes que más amaba Doña Joaquina. Goya gustaba de
jugar con los contrastes cromáticos, eligiendo en este caso
el rojo para el diván en el que se tumba la modelo y el
blanco para su vestido. Factura rápida y pincelada suelta
que se aprecia de cerca, mientras que desde la distancia
parece estar realizado con minuciosidad. La belleza del
rostro de la mujer transmite inteligencia y ternura.
La técnica pictórica combina pinceladas pastosas en la zona
del muslo derecho, que avivan la intensidad lumínica del
blanco y otras más diluidas con las que se da forma a las
telas granates, púrpuras y violáceas del canapé y a las
cortinas. En estas zonas hay un sutil tratamiento de la
veladura que produce en todo el cuadro una sensación de
textura de gasas delicadas.

35Goya
Godoy Real Academia de San Fernando

36Goya
Godoy
Goya retrató a Godoy en 1801, después de la Guerra
de las Naranjas. Las banderas que contemplamos a la
izquierda fueron capturadas al enemigo. Godoy viste
uniforme de Capitán General y aparece levemente
recostado, portando en su mano derecha un pliego de
papel. Gracias a este triunfo obtendrá meses después
el cargo de Generalísimo de los Ejércitos; tras él,
aparece su ayudante de campo. El fondo está
ocupado por los oficiales de caballería con sus
respectivas monturas. La luz crepuscular otorga mayor
fuerza a la composición, en la que destaca el gesto y
la pose del protagonista, sabedor de su control
absoluto sobre el destino de los españoles. Goya se
detiene en los detalles y en las calidades de las telas,
pero con pinceladas sueltas de color.

39Goya
Maja desnuda
La Maja desnuda es la primera figura femenina de la
historia de la pintura que es una mujer de carne y
hueso. Parece que ambas Majas fueron encargadas
por Godoy para decorar su despacho junto a la Venus
del espejo de Velázquez. Pictóricamente, es una obra
en la que destacan los tonos verdes, en contraste con
los blancos y los rosas. La pincelada no es tan larga
como acostumbra el artista, a excepción de los
volantes de los almohadones, mientras que la figura,
situada en primer plano, estaría realizada con mayor
minuciosidad, en un enorme deseo de satisfacer al
cliente que encargó las obras.

40Goya
Familia de Carlos IV Museo del Prado

41Goya
Goya
Fernando VII
Carlos Mª Isidro
Mª Josefa
Mª Isabel
Reina Mª Luisa
Francisco de Paula
Carlos IV
Antonio Pascual
Luis de Parma
Mª Luisa
Carlota Josefina

42Goya
Familia de Carlos IV
La obra fue realizada en Aranjuez desde abril de
1800.. El artista recoge a los personajes como si de un
friso se tratara, en tres grupos para dar mayor
movimiento a la obra; así, en el centro se sitúan los
monarcas con sus dos hijos menores; en la derecha,
el grupo presidido por el príncipe heredero realizado
en una gama fría, mientras que en la izquierda los
Príncipes de Parma, en una gama caliente. Todas las
figuras están envueltas en una especie de niebla
dorada que pone en relación la obra con Las Meninas.
Lo que más interesa al pintor es captar la personalidad
de los retratados, fundamentalmente de la reina,
verdadera protagonista de la composición, y la del rey,
con su carácter abúlico y ausente. Estilísticamente
destaca la pincelada tan suelta empleada por Goya.

43Goya
Cuarta etapa 1808-1819
Guerra de la Independencia y Restauración
borbónica.
Producción amarga, pesimista, tenebrosa y
alucinante.
Carga de los Mamelucos. Fusilamientos del 3
de mayo (1814 tras la vuelta al absolutismo)
Desastres de la Guerra: pasa revista a la
crueldad humana.

45Goya
Carga de los mamelucos 1814
Recoge la violencia popular contra el invasor. Fuerza
expresiva de color y la luz es precursora de las grandes
pinturas europeas de pintura histórica. Movimiento
desbordante gracias a los caballos y los personajes,
rostros desencajados. Técnica muy suelta y rico
cromatismo. Refleja la escena con gran realismo y
expresividad, como puede verse la representación de los
cuerpos caídos y los ríos de sangre.
En el centro de la composición, un mameluco, soldado
egipcio bajo órdenes francesas, cae muerto del caballo
mientras un madrileño continúa apuñalándole y otro hiere
mortalmente al caballo, recogiéndose así la destrucción
por sistema, lo ilógico de la guerra. Al fondo, las figuras de
los madrileños, con los ojos desorbitados por la rabia, la
ira y la indignación acuchillan con sus armas blancas a
jinetes y caballos mientras los franceses rechazan el
ataque e intentan huir. La ejecución es totalmente violenta,
con rápidas pinceladas y grandes manchas.

46Goya
Fusilamientos del Tres de Mayo

47Goya
Fusilamientos del 3 de mayo de 1808
El protagonista es el pueblo, héroe colectivo. Éste es un
concepto romántico.
 Composición: dos grupos por un lado los ejecutados,
ofreciendo su cara al espectador con rostros desesperados.
Cada uno se recoge en una postura ante la muerte. El que abre
sus brazos en cruz ofreciendo su pecho a las balas es
terriblemente dramático, pues mira directamente a los soldados,
y su camisa blanca atrae el foco de luz como una llamada de
atención a la muerte que se acerca. El otro grupo, paralelo al
anterior, lo conforman los soldados franceses que están de
espaldas al espectador, son verdugos anónimos, ejecutando
una orden. Todos ellos se encuentran en un exterior nocturno,
indefinido, pero que históricamente se sabe fue la montaña de
Príncipe Pío. La pincelada es suelta, independiente del dibujo,
lo que facilita la creación de una atmósfera tétrica a través de
las luces, los colores y los humos.

50Goya
QUINTA ETAPA 1819-1823 QUINTA DEL SORDO
1819 compró la casa junto al Manzanares. Muerta su mujer y
casi todos sus hijos (tuvo 8 y vivió solo el último) vivió
acompañado por Leocadia Zorrila y Rosarito su hija.
Pintó las paredes de las habitaciones con las llamadas
PINTURAS NEGRAS tanto por el color que va del blanco al
negro y castaños, dorados verdosos y alguna nota roja, como
por la tenebrosa significación pesimista, sombría y tétrica de su
visión desesperanzada.Tienen presente la muerte, el dolor, la
estupidez, la maldad y la amargura. Las imágenes se
simplifican al máximo y se ejecutan con gran libertad aplicando
manchas de color puro.
1819-23 TAUROMAQUIA y DISPARATES, muy conectados
con las pinturas negras donde representa escenas
costumbristas pero con una visión pesimista y patética. En la
composición acumula multitudes en lugares reducidos mientras
que el resto del espacio queda vacío. Figuras en constante
agitación. Utilización de figuras gigantes que producen terror

52Goya
Estilo de las Pinturas Negras
Óleo sobre muro pasadas a lienzo.
Composición novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas. Tal
desequilibrio es una muestra de la mayor modernidad compositiva.
Muchas de las escenas son nocturnas, muestran la ausencia de la luz, el
día que muere. y se destaca el negro como fondo en relación con esta
muerte de la luz. Todo ello genera una sensación de pesimismo, de visión
tremenda, de enigma y espacio irreal.
Las facciones de los personajes presentan actitudes reflexivas o extáticas.
A este segundo estado responden las figuras con los ojos muy abiertos, con
la pupila rodeada de blanco, y las fauces abiertas en rostros caricaturizados,
animales, grotescos. Se muestra lo feo, lo terrible; ya no es la belleza el
objeto del arte, sino el pathos y una cierta consciencia de mostrar todos los
aspectos de la vida humana sin descartar los más desagradables.
La gama cromática se reduce a ocres, dorados, tierras, grises y negros;
con sólo algún blanco restallante en ropas para dar contraste y azul en los
cielos y en algunas pinceladas sueltas de paisaje, donde concurre también
algún verde.
Todos estos rasgos son un exponente de las características que el siglo XX
ha considerado como precursoras del expresionismo y el surrealismo.

53Goya
Duelo a garrotazos Museo del Prado

54Goya
Duelo a garrotazos Museo del Prado
En la escena vemos a dos hombres, enterrados hasta las
rodillas, que luchan a bastonazos como símbolo de la violencia
innata que tanto criticaba la Ilustración. Es una imagen real y
cruel donde se elimina todo elemento fantástico.
Los personajes aparecen muy en primer plano, destacándose
de un lejano paisaje yermo e iluminados a contraluz del alba, lo
que era contrario a las convenciones del retrato de figuras
humanas.. Solo aparece colorido en el paisaje y el cielo.
La composición está descentrada, los duelistas aparecen a la
izquierda del cuadro, dejando un amplio paisaje de suaves
lomas ocres y rojizas a la derecha. Este desequilibrio en la
composición contraviene los cánones academicistas y
neoclásicos.
La obra está ejecutada con una rápida pincelada suelta, con
poca carga de pintura y con gran libertad en cuanto a color y
dibujo.

55Goya
Pinturas negras. Aquelarre
Reunión de brujas con Satanás para presentarle a una neófita. Elimina
todos los elementos ambientales para recortar la masa de personajes sobre
un fondo pardo. Todas las figuras tienen aspecto grotesco y sus rostros
están caricaturizados, de rasgo animales. La violenta pincelada aplicada, a
base de manchas de color, refuerza la sensación de terror que inspira la
composición. La paleta es muy oscura, con abundante uso del negro.
Algunas manchas de blanco muy veladas traslucen sombras también
oscuras, y el resto de la gama va desde los amarillos y ocres hasta las
tierras rojas con alguna pincelada a manchas azules.
La aplicación de la pintura es muy suelta, gruesa y rápida, buscando una
contemplación lejana. Sin embargo aparecen líneas más finas que
contornean las siluetas. Todos estos rasgos dotan al conjunto de una
atmósfera de pesadilla, de ritual o ceremonia satánica, como corresponde al

57Goya
Pinturas negras: viejos comiendo sopas

58Goya
Pinturas
negras:
Saturno
devorando a
sus hijos

59Goya
Saturno
Ha elegido el momento en que el dios del tiempo desgarra el
cuerpo de su hijo para que ninguno pudiera destronarle. Un
espacio totalmente oscuro rodea la figura del dios, en la que
destaca su deformidad y su rostro monstruoso. Es una
representación de como el tiempo lo devora todo, una de las
obsesiones del pintor. La restauración que sufrió la obra al ser
pasada del muro al lienzo fue bastante libre y ya había perdido
grandes zonas de pintura, sobre todo en los ojos. La mayor
parte de los expertos coinciden en plantear que la avanzada
edad de Goya motivaría una decoración en la que primaba la
melancolía y la tristeza por el tiempo pasado, aunque también
se hagan referencias al presente. Incluso se ha llegado a ver en
esta escena una imagen de Fernando VII devorando a su
pueblo.

61Goya
Perro
Esta cabeza hundida en la
arena, con la mirada
lastimera hacia arriba, tiene
el aire lúgubre. Esta escena,
se halla completamente vacía
en más de sus dos terceras
partes. El tema está
restringido por una diagonal,
un modo poco habitual de
resolver un horizonte. La
separación entre el cielo y la
tierra es arbitraria, puesto
que ambos tienen un tono
amarillento desvaído.

62Goya
Última etapa 1823-1828
Cae de nuevo enfermo y a ello se une el final del Trienio
Liberal. Temiendo por su propia seguridad se exilia en Burdeos
donde le acompañan Leocadia y Rosarito.
Vuelve dos veces a Madrid a ver a su nieto a quien donó La
Quinta del Sordo, que abandonada fue adquirida en 1873 por el
barón Emile d´Erlanger quien hizo pasar las pinturas negras a
lienzo y las donó al Museo del Prado.
En Burdeos hace cuatro grabados de toros y LA LECHERA DE
BURDEOS que será precursora del impresionismo en la que la
pincelada es corta y aparecen yuxtaposiciones de toques de
color. Algunos piensan que es un retrato de Rosarito y otros que
la realizó la propia joven.
Muere el 16 de abril de 1828. En 1899 sus restos fueron
traslados a San Antonio de la Florida

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