La obra Fuenteovejuna de Lope de Vega trata sobre el levantamiento del pueblo de Fuenteovejuna contra el abuso de poder del Comendador. El pueblo se rebela y ejerce justicia por mano propia al matar al Comendador, pero bajo tortura ningún vecino delata al autor, respondiendo que fue "Todo el pueblo, a una". Los reyes reconocen la justicia del pueblo. La obra plantea el conflicto entre el poder feudal y los vasallos.

1. Fuenteovejuna es una obra teatral en tres actos escrita por Lope de Vega, una de las más
importantes de su prolífica carrera creativa. Fue publicada en Madrid en 1618 dentro del
volumen Docena Parte de las Comedias de Lope de Vega Carpio.
Fuente Ovejuna es una obra de contenido social y reivindicativo. Presenta la rebelión del
pueblo, unido ante la tiranía y la injusticia expuestas crudamente a finales del siglo XV y
principios del XVI; se cree que la obra fue escrita entre 1612 y 1614 y se puede considerar
de una gran valentía y de carácter pedagógico. Los hechos se desarrollan en el pueblo
cordobés de Fuente Ovejuna en época del reinado de los Reyes Católicos, 1474 - 1535.
Hay constancia de que la obra de teatro se ha representado en Fuente Ovejuna (son
correctas las cuatro formas de escribir el topónimo: con -b- o con -v-, junto o separado)
desde 1935 varias veces por grupos de teatro profesionales de prestigio en la plaza
El tema principal es el levantamiento del pueblo contra el abuso de poder del Comendador.
Se plantea un conflicto social entre el señor feudal y sus vasallos. Ya en el primer acto
queda esbozado el tema al querer el Comendador abusar de Laurencia y quedar reflejado el
derecho de pernada.
El pueblo no se propone cambiar el sistema social, busca, simplemente, justicia y para ello
toma su mano y luego le pide a los reyes que avalen su acción.
La unidad de todo el pueblo es la base del triunfo. No hay ningún vecino que, aun bajo
tortura, señale al autor directo de las muertes, es el pueblo el que se rebela y ejerce la
justicia. Como se puede ver a las preguntas del juez se responde...
La respuesta a la pregunta del juez se mantiene «¿Quién mató al Comendador? /
Fuenteovejuna, Señor / ¿Quién es Fuenteovejuna? / Todo el pueblo, a una». Llegan los
reyes y restablecen el orden al reconocer la justicia del proceder del pueblo de Fuente
Ovejuna. Se contrapone el amor cristiano de Frondoso por Laurencia y el deseo lascivo del
Comendador.
El triunfo ante la rebelión de la vida y el respaldo del poder a la misma finalizan canticos a
los reyes y gritos contra la tiranía
Los temas que tejen el resto de obra son el amor y la ambición. Los amantes, Laurencia y
Frondoso luchan por su amor contra las interferencias del Comendador. El abuso de poder
mostrado por el Comendador tiene como contrapunto la actitud del pueblo, que no ansía
poder sino justicia. Otro rasgo muy importante de la obra de Lope De Vega, es la feminidad
y masculinidad que resaltan los personajes. Fernán Gómez tiene una característica muy
importante de virilidad, debido a su carácter megalomano y dominante. Es justamente, esta
forma de ser la que lo lleva a aborrecer a las mujeres, y violarlas si ellas no aceptan tener
relaciones sexuales. En relación a la feminidad de los personajes, Laurencia es la más
significativa. Tiene una actitud de mucha fuerza ante los hombres, y no teme de nadie ni de
nada. Esto finaliza, cuando llega el casamiento con Frondoso, debido a la actitud protectora
y contenedora que tiene él. A pesar de que sea considerada como el personaje más
femenino de la obra, Laurencia también actúa con masculinidad a lo largo de la obra, como
consecuencia de su fuerza y superación, por ser campesina y estar en un estatus más bajo
que el resto, manifiesta mucho amor propio al defenderse.

2. El burlador de Sevilla piedra es una obra de teatro que por primera vez recoge el mito de
Don Juan, sin duda, el personaje más universal del teatro español. De autoría discutida, se
atribuye tradicionalmente a Tirso de Molina y se conserva en una publicación de 1630,
aunque tiene como precedente la versión conocida como Tan largo me lo fiais representada
en Córdoba en 1617 por la compañía de Jerónimo Sánchez. Alfredo Rodríguez López-
Vázquez señala al dramaturgo Andrés de Claramonte como autor de la obra en función de
pruebas de carácter métrico, estilístico e histórico.1 2 Sin embargo, tanto Luis Vázquez
como José María Ruano de la Haza la dan sin dudar como obra de Tirso y otros críticos
concluyen que tanto El burlador como el Tan largo me lo fiais descienden de un arquetipo
común del Burlador de Sevilla escrito por Tirso entre 1612 y 1625.
Don Juan personifica una leyenda sevillana que inspiró a Molière, Lorenzo da Ponte (autor
del libreto de Don Giovanni de Mozart), Lord Byron, Espronceda, Pushkin, Zorrilla,
Azorín, Marañón y a muchos otros autores. Es un libertino que cree en la justicia divina
(«no hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague») pero que confía en que podrá
arrepentirse y ser perdonado antes de comparecer ante Dios («¡Qué largo me lo fiais!»). Si
además recordamos que El burlador de Sevilla fue publicada en 1630 podemos concluir que
es una obra cuya vocación es moralizante, y podría haber sido concebida como respuesta a
la teoría de la predestinación de Juan Calvino, según la cual la salvación y la entrada al
reino de los cielos ya ha sido determinada por Dios desde el nacimiento de uno, dado por
gracia a través de Cristo y recibido solamente por fe, por lo que los actos no son
determinantes para la salvación de las almas.
Se ha especulado mucho sobre la posible inspiración en un personaje real, señalándose a
Miguel de Mañara como principal candidato. Sin embargo, si aceptamos la opinión
mayoritaria respecto la autoría y la fecha no podrá considerarse el personaje de Don Juan
inspirado en la vida de Don Miguel ya que éste nació en 1627 y la obra fue editada solo tres
años después. Si bien, una versión precedente del Burlador, el Tan largo me lo fiais, podría
datar de 1617. Se dice que la obra de Tirso fue un guiño dedicado a los caballeros de la
época, cuya profanación de la honra de las mujeres era mundialmente elogiada.
Protagonista de la obra, El burlador de Sevilla, y personaje en torno al cual gira la obra
entera, que durante toda la obra se dedica a burlar a todas aquellas damas que encuentra en
estado de gracia para así él poseerlas, haciendo uso de trucos, engaños y burlas y
deshonrando de esta forma a la mujer y perdiendo el honor del hombre con el que ella
realmente deseaba gozar.
Los orígenes de Don Juan son difíciles de determinar. Según Youssef Saad, el Don Juan de
España es una figura auténticamente española, pero tiene muchas semejanzas con una
figura árabe, Imru al-Qays, quien vivió en Arabia durante el quinto siglo: Como Don Juan,
era un burlador y un seductor famoso de mujeres; como el don Juan de Zorrilla, fue
rechazado por su padre por sus burlas y también desafió abiertamente a la ira divina. Según
Víctor Said Armesto, las raíces literarias de Don Juan se pueden encontrar en los romances
gallegos y leoneses medievales. Su precursor típicamente llevaba el nombre de “Don
Galán” y este hombre también trata de engañar y seducir a las mujeres, pero tiene una
actitud más piadosa hacia Dios.

3. La vida es sueño es una obra de teatro de Pedro Calderón de la Barca estrenada en 1635
y perteneciente al movimiento literario del barroco. El tema central es la libertad frente al
destino.
La concepción de la vida como un sueño es muy antigua, existiendo referencias en el
pensamiento hindú, la mística persa, la moral budista, la tradición judeo-cristiana y la
filosofía griega.
Según Platón, el hombre vive en un mundo de sueños, de tinieblas, cautivo en una cueva de
la que sólo podrá liberarse tendiendo hacia el Bien; únicamente entonces el hombre
desistirá de la materia y llegará a la luz.
El influjo de esta concepción platónica en la obra es evidente: Segismundo vive en un
principio dentro de una cárcel, de una caverna, donde permanece en la más completa
oscuridad por el desconocimiento de sí mismo; sólo cuando es capaz de saber quién es,
consigue el triunfo, la luz.
Historia
La vida es sueño se estrenó en 1635. Al año siguiente fue publicada en la Primera parte de
las comedias de don Pedro Calderón de la Barca.
Estructura
Consta de tres actos o jornadas. La primera jornada, que tiene ocho escenas, se desempeña
como contextualizador (es decir que en ella se presentan a los personajes y la ubicación
espacio-temporal de la historia). En la segunda jornada, que tiene diecinueve escenas,
aparece el conflicto, nudo o problema. Y en la tercera jornada, de catorce escenas, tiene
lugar el desenlace o resolución.
Género
La obra tiene un tono dramático pero no llega a ser tragedia, perteneciendo al género teatral
propio del Barroco, la tragicomedia. En ella se mezcla lo trágico con lo cómico para
obtener un público amplio, tanto popular como noble. A la muerte de Lope de Vega,
Calderón continúa con la evolución del teatro que había dejado planteado; así en La Vida es
Sueño pueden verse algunas de las características de esta nueva forma de comedia
instituida por Lope de Vega.

4. La verdad sospechosa es la obra capital de Juan Ruiz de Alarcón. Fue escrita entre 1618
y 1621, antes de la muerte del rey Felipe III, a quien la dedicatoria supone vivo.Willard F.
King da una fecha más exacta para la obra, escrita según ella entre 1619 y 1620.Según el
estudio de Pedro Henríquez Ureña, fue representada en 1624 y su texto definitivo apareció
en la Segunda parte de las comedias alarconianas, en 1634.
Es la obra más afamada del autor, considerada una fábula de intención moralista, aunque la
mayoría de los estudiosos plantean otra visión. La crítica a la mentira es la intención
dominante, pero no puede catalogarse como un texto didáctico ni moralizante.
La obra tiene como escenario principal Madrid, donde el mentiroso don García conoce a
Jacinta y a Lucrecia. El personaje principal está realmente enamorado de doña Jacinta y, a
fin de ganársela, inventa toda una red de mentiras que dan sentido a la historia. Al final,
don García reconoce sus errores y recibe castigo por sus embustes.
Es la comedia moralista más famosa de Alarcón, donde cada personaje posee una
determinada importancia que lo hace diferente del resto. La verdad sospechosa, a la que
algunas interpretaciones definen como «ironía de los procedimientos teatrales en boga, es
también una obra donde triunfa la comedia de caracteres sobre la comedia de enredos, pues
la trama gira en torno a ridiculizar la figura del mentiroso don García, centro de todos los
vicios. Hay otros estudiosos que analizan a don Garcia como figura ambivalente. Es al
mismo tiempo un gallardo galán enamorado que idealiza a su dama y debe ser premiado
con el matrimonio; pero es también una figura mentirosa que debe de ser castigada. Hay
quienes piensan que el comportamiento de don García refleja la teoría de los humores de la
época, mostrándo un desequilibrio. Este desequilibrio se ha interpretado de varias maneras.
Para algunos el protagonista sufre de melancolía, causada por su amor idealizante;1mientras
que otros lo analizan como figura que muestra un exceso de cólera, que lo llevan a tener un
exceso de imaginación, deseando el amor y la fama como en el caso de Heróstrato quien
quemó el templo de Diana en Éfeso para ser conocido.
Todos los personajes, especialmente don Beltrán, poseen un elevadísimo sentido de la
moral, como era obligatorio en la época. Ello no significa, de ninguna manera, que Alarcón
haya intentado construir un drama didáctico en consonancia con los preceptos de la
tragedia; al contrario, los enredos de la comedia se basan en la tolerancia que muchos
personajes otorgan a las mentiras de don García.Las múltiples interpretaciones de la obra
hasta han llevado al estudio de las imágenes astrológicas para llegar a comprender mejor el
texto.
Es habitual considerar a La verdad sospechosa como el punto de madurez literaria de
Alarcón. Para King, «Nunca creó Alarcon un personaje más memorable que don García ni
una comedia más punzante que La verdad sospechosa, alimentada sin duda por su propia
experiencia de los engaños de la corte. Según la propuesta de Castro Leal, con esta obra
arranca el segundo periodo del dramaturgo, que tiene lugar entre 1613 y 1618 y que se
caracteriza por comedias de carácter.19 El planteamiento y la nitidez de la historia no
difieren en mucha de las comedias urbanas del Siglo de Oro, pues el conflicto se teje
exclusivamente en torno a un tema y a un personaje central.

5. El divino Narciso es el más conocido, original y perfecto de los autos sacramentales de
Sor Juana Inés de la Cruz. Fue publicado en 1689. A ella antecede una loa.
En la época que fue compuesto El divino Narciso, el auto sacramental estaba muy mal
valorado en el ambiente literario de Hispanoamérica, aunque los autos de Pedro Calderón
de la Barca fueron muy bien acogidos. De acuerdo a la gran mayoría de la crítica, Sor Juana
es quien perfecciona el auto sacramental y crea los mejores exponentes del género.En El
divino Narciso Sor Juana usa un conjunto lírico-dramático para dar vida a los personajes
creados. El divino Narciso, personificación de Jesucristo, vive enamorado de Su Imagen, y
a partir de ese planteamiento se narra toda la historia. Marcelino Menéndez y Pelayo, Julio
Jiménez Rueda y Amado Nervo han coincidido en que El divino Narciso es el más logrado
de los autos sorjuanescos.
Alude al tema de la conquista de América y a las tradiciones de los pueblos nativos del
continente, aunque este tema no era popular en la literatura de su tiempo. Sor Juana se
aprovecha de un rito azteca, representado por un tocotín, en honor a Huitzilopochtli para
introducir la veneración a la Eucaristía y ligar las creencias precolombinas con el
catolicismo hispánico. Es una de las obras pioneras en representar la conversión colectiva al
cristianismo, pues el teatro europeo estaba acostumbrado a representar solo la conversión
individual.
La obra cuenta con la participación de personajes mitológicos, alegóricos y en menor
medida bíblicos. Naturaleza Humana, la protagonista, dialoga con Sinagoga y Gentilidad, y
se enfrenta a Eco y Soberbia. Al mismo tiempo Narciso, el divino pastor hijo de la ninfa
Liríope y del río Cefiso, personifica la belleza de la juventud.
En El divino Narciso se presenta al mundo precortesiano como enigmático y misterioso,
lleno de tradiciones en principio incomprensibles para los novohispanos de la época. Sor
Juana siente simpatía e incluso aprecio por ellos, pues, contrario a la costumbre de la
literatura colonial, no representa a los indígenas como seres irracionales y salvajes.
La redención de la humanidad es el móvil más importante de la obra. El divino Narciso es
Dios mismo, que busca a a la ovejuela descarriada a fin de llevarla a su rebaño y en el
camino encuentra a cada una de las naturalezas humanas. Ello entraña un intento por
mostrar la esencia del catolicismo de una manera simple, lo que consigue de una manera
magistral.
El pensamiento político del auto corresponde a un proyecto de integración política, más que
a un intento de evangelización. En algunas partes Sor Juana denuncia el maltrato que los
indígenas sufren a manos de los españoles, por lo que de cierta forma señala que los
fundadores de Nueva España fueron los frailes y no los conquistadores. Esta representación
de América es única en la literatura colonial hispanoamericana.
Muchos pasajes de El divino Narciso, sobre todo las intervenciones del pastor, recuerdan la
obra de San Juan de la Cruz y de Fray Luis de León, dos de los más importantes escritores
místicos de la literatura española del siglo XVI.
El título de este auto sacramental alude a El divino Orfeo, de Pedro Calderón de la Barca,
quien es, muy probablemente, el escritor que más influenció la obra dramática de Sor Juana
Inés de la Cruz.