Este documento describe el Partenón, un templo griego construido en Atenas en el siglo V a.C. Siguiendo el orden dórico, tiene columnas que sostienen un entablamento triangular. Dentro albergaba una gran estatua de Atenea y un tesoro. Es el ejemplo perfecto de la arquitectura clásica griega por sus proporciones armónicas y correcciones ópticas.

1. ARTE GRIEGO

2. CONTEXTO GEOGRÁFICO
Al hablar de la civilización griega no nos estamos refiriendo al reducido
ámbito geográfico de la actual Grecia, sino al amplio, diverso y rico mundo
de la “civilización griega”, que extendió su lengua, sus mitos, sus dioses….su
modo de vida, en definitiva, a lejanas tierras, convirtiendo a la cuenca
mediterránea en el verdadero crisol de la civilización clásica.
Los griegos nunca constituyeron una nación o estado unitario en el sentido
moderno del término. Se trataba más bien de un conjunto de tribus que
tenían en común la lengua, la creencia en unos mismos dioses, así como
unos mismos antepasados. Es decir, compartían una misma cultura. Nunca
llegaron a constituir un estado homogéneo y siempre estuvieron
organizados políticamente en “Polis” o “Ciudades-Estado” independientes
entre sí y, a menudo, rivalizando entre ellas en continuas guerras.

4. CONTEXTO TEMPORAL
En cuanto a la localización temporal podemos situar los inicios de la cultura griega en
el siglo VII a.C. y finalizando en el I a.C. Durante esos siglos podemos apreciar varias
fases:
1. Época Arcaica (VII-VI a. C.) Fase de formación de la polis griega. En el siglo VI se
produce la expansión griega con la colonización mediterránea. Es esta fase se
configura el lenguaje plástico griego.
2. Época Clásica (V-IV a. C.): Las polis griegas se convierten en ciudades ricas y
prósperas. Es la fase de plena hegemonía helena y su cenit cultural. Al siglo V a. C.
también se le llama el siglo de Pericles.
3. Época helenística (323-31 a. C.): Las diferencias surgidas entre las Polis, va a ser
aprovechada por el reino de Macedonia (al norte de Grecia), para unificar y
dominar toda la Hélade. Su rey, Alejandro Magno conquistará uno de los Imperios
más importantes y extensos de la antigüedad, llegando sus fronteras hasta la India.
La cultura helena se extiende por el mundo recibiendo influencias orientales. Eso
es lo que se conoce por cultura helenística, la mezcla de la cultura griega con la
oriental. Tras la muerte de Alejandro en el 323 a.C., el imperio se divide en
distintos reinos. Todo ello lleva a un empobrecimiento económico y cultural, así
como a un cambio en los valores humanísticos anteriores.

5. ARQUITECTURA
• Materiales: piedra caliza y mármol, cortado en sillares isódomos, dispuestos a soga
y tizón, unidos a juntas vivas, a veces con grapas de bronce en la parte interna.
• Sistema constructivo adintelado o arquitrabado.
• Soportes:
•El muro está muy cuidado, tiene escasos vanos y acaba en “antae” o pilastras.
•Las columnas son un elemento fundamental y se combinan con basamento y
entablamento de acuerdo a unas normas, los órdenes arquitectónicos, que son
un gran sistema de articulación.
•Cubiertas adinteladas: exteriormente presentan tejado a dos vertientes (con tejas y
acróteras), lo que origina en las fachadas un remate en frontón; interiormente se
usaron cielorrasos horizontales con vigas o casetones.
• Elementos decorativos: relieves y pintura, con temas figurativos o geométricos-
vegetales.

6. • Valores plásticos:
•Proporción: fundamentada en el módulo (basado en el diámetro de la
columna); la altura de la columna dórica equivale a seis veces el diámetro
del fuste; la jónica, a nueve veces; y la corintia a diez.
•Armonía: se deriva de la proporción y para conseguirla se acude a
correcciones ópticas que compensan los errores visuales del espectador.
•Simetría: existe de forma general, aunque a veces se incumple a fin de
respetar aspectos pintorescos del emplazamiento.
•Espacio interno: no se le presta demasiado interés, es un espacio
utilitario de organización ortogonal y planta axial.
•Volúmenes exteriores: tiene mucha importancia, tanto en sí mismos (la
obra se concibe como una gran escultura, para ser disfrutada
externamente) como parte de un conjunto y en relación al medio en que
se encuentra. Son conjuntos concebidos desde una dimensión humana
(por y para el hombre) aunque sirvan para honrar a los dioses (antítesis
del colosalismo egipcio).
•Color: algunos elementos de las obras arquitectónicas eran
policromados (rojo, azul, dorado), para darles mayor resalte.
•Funciones: religiosa y civil.
•Arquitectura religiosa: el edificio más representativo es el templo.
•Arquitectura civil: teatros, stoas, estadios…

7. EL TEMPLO GRIEGO
• El templo griego procede del megarón de los palacios micénicos, que era
una sala rectangular precedida por un pórtico con columnas.
• Los templos no se edificaban aislados, sino que formaban parte de un
conjunto sagrado llamado témenos, compuesto por propileos ( entrada),
altar, templo, tesoros, stoas (columnatas), estatuas…
• No estaban concebidos para que entrara el pueblo, sino solo los
sacerdotes; las ceremonias públicas se desarrollaban en el exterior. Los
templos se construían para albergar las estatuas de los dioses.
• Constaba de las siguientes partes:
– Naos o cella, sala rectangular que alberga la estatua de la divinidad.
– Pronaos o pórtico, conduce a la naos y normalmente tenía dos
columnas.
– Opistodomo o pórtico situado en la parte posterior del templo y
simétrico al pronaos, donde se albergaba el tesoro de la divinidad.

8. Planta de un templo

9. TIPO DE PLANTAS DE TEMPLOS

10. LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS
• Una de las aportaciones más importantes del arte griego ha sido el
concepto de orden arquitectónico, según el cual las partes verticales del
templo, es decir, el estilobato, la columna y el entablamento deben tener
una organización concreta.
• Se distinguen tres órdenes:
– DÓRICO: tiene su origen en el Peloponeso, fue el primer estilo y tuvo
su auge en los siglos VI y V a. C. Es un estilo sobrio, robusto y el más
característico de la arquitectura griega
– JÓNICO: procede de las islas del Egeo y de Asia Menor, su mayor auge
se produjo a mediados del siglo V a. C. y difiere del dórico por su
esbeltez y la ornamentación.
– CORINTIO: es una variante tardía del jónico, se utiliza especialmente
en la arquitectura helenística y romana.

11. LOS ÓRDENES CLÁSICOS
DÓRICO
• El pedestal o krepis está formado
generalmente por tres escalones,
denominándose al superior estilóbato.
•La columna dórica es la única que no tiene
basa, se apoya directamente sobre el
estilóbato. El fuste es estriado (en arista viva)
y presenta un éntasis (engrosamiento central)
acusado. El capitel está formado por por un
elemento curvo, el equino, rematado por un
ábaco cuadrangular. Bajo el equino suele
aparecer una fina moldura llamada collarino.
• El entablamento se sitúa encima del capitel y
está compuesto de arquitrabe, friso y cornisa.
El arquitrabe es liso. El friso se decora con
triglifos (rectángulos con acanaladuras
verticales) y metopas, pequeñas losas
cuadradas, lisas o decoradas. Sobre el friso
descansa una cornisa sobresaliente que hace
de base del frontón triangular, decorado con
esculturas en su interior. Los vértices del
frontón se decoran con gárgolas y acróteras.

12. JÓNICO
• La columna se apoya sobre una basa
circular formada por varias molduras,
cóncavas (escocia) y convexas (toro). El
fuste es más esbelto, presenta una ligera
disminución desde la basa al capitel y
carece de éntasis; por lo general aparece
acanalado por medio de 24 estrías
separadas entre sí por finos listeles lisos. El
capitel está formado por un collarino
decorado, un pequeño equino ornado con
ovas y una especie de almohadilla circular
con los extremos enroscados en espiral
formando dos volutas y se remata con un
estrecho ábaco rectangular decorado con
ovas y dardos .
•El entablamento presenta un arquitrabe
de tres bandas, un friso corrido,
generalmente decorado con relieves, y la
cornisa.

13. CORINTIO
Es similar al jónico y sólo se
diferencia de este por su capitel,
de forma tronco-cónica invertida
y decorado con hojas de acanto y
pequeñas volutas en los ángulos,
denominadas caulículos. El ábaco
es fino.

14. LA ACRÓPOLIS DE ATENAS

16. PARTENÓN

18. Planta del Partenón Detalle del entablamento

19. Análisis
Se trata de un edificio construido siguiendo los cánones del orden dórico. El material es
mármol, con sillares uniformes, del tipo isódomo. Todo el sistema arquitectónico es adintelado.
Los soportes son columnas que sostienen dinteles y la cubierta que ya ha desaparecido.
Se trata de un templo griego que, por el número de columnas que aparecen en su fachada
principal, es octástilo, y como éstas rodean todo el templo, se le denomina períptero. En total
aparecen ocho columnas en sus lados menores y diecisiete en los mayores, siendo, por este
motivo, el doble de largo que de ancho. En una de las fachadas se adivina un segundo pórtico
de columnas en la pronaos que da paso a la naos o cella del templo y, por su largura, parece
que tiene opistódomos. Las columnas descansan directamente sobre un estilóbato y dos
estereóbatos (Krepis).
En el orden dórico las columnas no tienen basa y su fuste tiene un canon de 6 veces el
diámetro. El fuste está recorrido por 20 estrías longitudinales, unidas en arista viva, y presenta
en su parte central un ligero ensanchamiento o éntasis que acentúa su solidez y fortaleza. El
paso del fuste al capitel se realiza por medio de una moldura cóncava, casi imperceptible,
llamada collarino. Dicho capitel está compuesto por dos elementos: el equino, que es una
especie de plato y el ábaco o paralelepípedo de base cuadrada y planos rectos.
Sobre la serie de capiteles descansa el entablamento, dividido a su vez en tres partes. La
primera constituida por un arquitrabe liso, desprovisto de ornamentación. La segunda,
denominada friso, está formada, a su vez, por la sucesión de triglifos y metopas. Los primeros
son rectángulos divididos en tres listeles verticales por dos surcos y dos medio surcos. Las
metopas son losas cuadradas decorados con relieves. Sobre el friso se halla la cornisa que
sobresale del plano del entablamento.
El edificio tiene una cubierta inclinada a dos aguas, presentando en sus fachadas más
estrechas dos frontones, cuyo fondo o tímpano incluye aún restos de algunas estatuas.

20. Comentario
Este edificio es el Partenón, templo griego de la época clásica. Su construcción
empezó en el año 447 a. C. y se terminó en el 432 a. C. Las obras se iniciaron tras ser el
antiguo templo totalmente arrasado por los ejércitos persas de Jerjes en las Guerras
Médicas (500-479 a. C.). Fue Pericles quien decidió la construcción de un templo
dedicado a Atenea en el mismo emplazamiento, pero con un nuevo proyecto realizado
por Fidias y Calícrates que, junto con Ictinos, serían los encargados de diseñar y dirigir
la reconstrucción de toda la Acrópolis, lugar sagrado de la Polis, enclavado en la zona
más alta de la ciudad y donde se hallaban otros edificios como los Propileos o pórticos
de acceso, el templo de la Atenea Niké, el templo del Erecteion o la estatua de Atenea
Prómachos, obra también de Fidias.
Como todos los templos griegos, el Partenón está concebido no como lugar de
reunión de fieles, sino como morada del Dios (en este caso diosa, Atenea) al que está
dedicado y almacén de sus tesoros. De ahí que las ceremonias no se hacen en el
interior (aquí sólo acceden los sacerdotes del Dios), sino en el exterior. Ello explica que
los griegos se centraran en la arquitectura exterior, en la armonía visual del conjunto
exterior, más que en la comodidad interior.

21. Es un templo que muestra todos los elementos que caracterizan la arquitectura griega
en su época clásica: uso de sillares regulares de mármol blanco, sistema constructivo
arquitrabado, proporciones rectangulares regulares, rodeado de columnas y sujeto a
un orden arquitectónico, el orden dórico en este caso. La estructura clásica del templo
griego muestra aquí una peculiaridad: la cella que se encontraba dividida en tres
naves con columnas superpuestas para ganar la altura necesaria para alojar la estatua
de 12 metros de altura de la diosa y ,en su parte posterior, se hallaba otra cámara que
recibía el nombre de cámara de vestales o vírgenes (partenón) que estaba
compartimentada con cuatro columnas jónicas y que habría de servir para alojar el
tesoro de la diosa.
Esta obra es un fiel reflejo no sólo del Orden Dórico, el más austero y clásico de los
ordenes griegos, sino de las proporciones armónicas que debía de perseguir el templo
griego. Así cabe destacar no sólo las proporciones de sus elementos, sujetos a la
sección áurea* , sino las correcciones ópticas* que realizaron los arquitectos para
lograr esa visión perfecta del conjunto (desigual distancia de los intercolumbios,
abombamiento del estilobato y del entablamento para evitar la sensación de
hundimiento en el centro, ligera inclinación de los fustes, etc...).

22. Proporción áurea

23. Correcciones ópticas

24. La decoración del templo estaba formada por varios elementos:
• Las esculturas de sus frontones representaban dos acontecimientos importantes de
la historia de la diosa: su nacimiento de la cabeza de Zeus, inserto en el frontón
oriental; y su disputa con Poseidón para conseguir el dominio del Ática, en el
occidental, todas ellas obras de Fidias.
•En los noventa y dos cuadros de las metopas aparecía la lucha de los atenienses con
los centauros en la fachada meridional; con las amazonas en la occidental; con los
gigantes o titanes en la oriental y contra los habitantes de Troya en el lado norte.
•En el friso interno, rodeando los muros de la cella, aparecía una escena muy
conocida por los atenienses, ya que ésta se repetía cada cuatro años. Era la
procesión de las grandes fiestas Panateneas, cuyo tema central era la entrega a la
diosa de un rico peplo tejido y bordado por las doncellas que lo portaban y que, a su
vez, iban acompañadas por toda la ciudad que se convertía así en protagonista de la
iconografía del Partenón.
Este conjunto escultórico fue dirigido por Fideas, que intervino directamente en
algunas piezas siendo el resto realizado por un equipo bajo su supervisión. Los
relieves estuvieron policromados en colores vivos: azul, amarillo, rojo o verde.

27. En cuanto a su estado de conservación tenemos que señalar el aspecto ruinoso que
presenta en la actualidad fruto de distintos acontecimientos producidos a lo largo
del tiempo: fue trasformado primero en iglesia bizantina y luego iglesia cristiana,
añadiéndose un campanario, que pasó a ser alminar cuando los turcos lo utilizaron
como mezquita; en 1687, una bomba veneciana hizo estallar el polvorín que los
turcos habían instalado en su interior, destruyéndose totalmente la cella y algunas
de sus columnas; otra importante pérdida fue ocasionada por Lord Elgin que, entre
1801 y 1803, despojó al templo de buena parte de sus esculturas, guardadas desde
entonces en el Museo Británico. Durante el pasado siglo se llevó a cabo una
reconstrucción sistemática. Hoy el edificio se enfrenta a un nuevo enemigo, la
contaminación atmosférica.
Respecto a la trascendencia de la obra hay que señalar que ha sido fuente de
inspiración para el arte griego posterior, para el arte romano y para otras etapas
históricas como el Renacimiento (Brunelleschi, Palladio…), el Barroco y
especialmente el Neoclasicismo.

28. Trascendencia
Renacimiento: Palladio
Neoclasicismo: Congreso de los
Diputados

29. Contexto histórico
Obra perteneciente a la época más floreciente de Grecia, el siglo V a. C., la etapa
verdaderamente clásica, donde se persigue el ideal de belleza y el idealismo más
extremo, ya que el hombre es el centro de todas las cosas. La arquitectura griega y, en
general, todo el arte griego es un arte hecho para el hombre, con proporciones
humanas, a diferencia del arte de las civilizaciones fluviales. La herencia cultural de
Grecia en la sociedad occidental es inmensa, y hoy se sigue buscando el mismo ideal
de belleza, de perfección, de equilibrio y de armonía.
Esta obra se realiza en el gran siglo de Pericles, hombre fuerte de la Polis de Atenas. La
construcción fue un enorme proyecto de propaganda política y religiosa, encabezado
por Pericles para realzar el papel dominante de Atenas en la Grecia clásica. Sirvió para
demostrar a todos los griegos el poder político y económico, la devoción religiosa a su
diosa protectora así como el alto nivel cultural de la ciudad. En Atenas impera la
democracia y el respaldo a las artes y las ciencias (desarrollo de la filosofía, de la
medicina, de la arquitectura...). Sin embargo, frente a Atenas, se alzará otra Polis igual
de fuerte, Esparta, con un ideal de vida mucho más oligárquico, militar y disciplinario,
que convocará una alianza de Polis contra Atenas, a la cual derrotará en las Guerras
del Peloponeso (431-404 a. C.), lo que supondrá la crisis del ideal griego y la llegada
del imperio con Alejandro Magno.

31. TEMPLO DE ATENEA NIKE
Templo jónico en
miniatura. Tetrástilo y
anfipróstilo y con
columnas de fuste
monolítico, sin
tambores. Es famoso
por su friso decorado.

33. ERECTEION
Pórtico este

34. El Erecteion constituye una obra maestra del
orden jónico. Fue construido entre los años 421 y
406 a. C. para reemplazar al antiguo templo de
Atenea Polias, destruido por los persas el 480 a. C.
durante las guerras médicas.
Albergaba los cultos más antiguos de la ciudad y
estaba consagrado a los dioses Atenea Polias
(advocación de Atenea como protectora de la
ciudad), Poseidón, Hefesto y a Erecteo, mítico rey
de Atenas, que había sido fulminado por Poseidón
y estaba enterrado en ese lugar. La accidentada
topografía y el temor a destruir los antiguos
santuarios que configuraban la esencia religiosa de
la ciudad condicionó la configuración final del
edificio.
El arquitecto, posiblemente Mnesicles o Filocles,
se vio obligado a idear un templo de complicada
planta asimétrica, integrando varios cuerpos en
distintos planos, con un desnivel de tres metros.
Pórtico norte

35. La naos o cella principal del templo,
cuyo pórtico se abre al este, está
precedida por un pronaos hexástilo.
Tiene forma rectangular y estaba
dedicada a Atenea Polías. Albergaba el
«xoanon» o antigua estatua de madera
de Atenea. Esta estatua de Atenea era
la principal imagen de culto en Atenas.
A las otras tres naos se accede por la
fachada norte a través de un gran
pórtico tetrástilo, con cuatro columnas
jónicas en la fachada y dos en los
laterales. Este pórtico, dedicado al dios
Poseidón, se encontraba
aproximadamente tres metros por
debajo del pórtico de la fachada este.
Desde el pórtico se accedía a la cella
más grande dedicada a Poseidón y al
legendario rey Erecteo, donde se
encontraba la tumba de Erecteo y el
"mar de sal" de Poseidón.
Esta cella se comunicaba con la famosa
tribuna de Cariátides, desde donde se
podía contemplar el Partenón.

36. Fachada sur: Pórtico de las Cariátides
El Erecteión se completa con un pórtico en el lado
sur que resulta una de las partes más conocidas
del templo: el Pórtico de las Cariátides. Se trata
de un pórtico a modo de balconada que presenta
seis estatuas-columna, de figuras femeninas
drapeadas, de 2,3 metros de altura, realizadas
por el escultor Alcamenes, fiel seguidor de Fidias,
y capaz por ello de dotar a sus piezas de un
virtuosismo técnico, no exento de la gracia y la
elegancia heredada de su maestro.
Representan a las muchachas procedentes de
Caria, la ciudad traidora que había colaborado con
el invasor persa durante las Guerras Médicas, y
que por ello fueron vendidas como esclavas y
condenadas a llevar las más pesadas cargas, como
ocurre en este caso con el entablamento del
pórtico. Su imagen en aquel lugar sagrado venía a
ser un recordatorio de la suerte que les espera a
los traidores.
De su importancia escultórica se deriva el propio
término de cariátide como sinónimo de estatua-
columna femenina.
Las cariátides que se encuentran in situ son
réplicas. Cinco de las originales se encuentran en
el Museo de la Acrópolis, protegidas de la
corrosión y de la polución, y la otra en el Museo
Británico de Londres.

37. PROPILEOS

38. Altar de Zeus
De época helenística
destaca el Altar de Zeus en
Pérgamo. Es la muestra más
significativa de los templos
abiertos de este periodo. Se
construyó sobre un alto
zócalo decorado con
relieves y que lleva a un
pórtico jónico al que se
accede por una escalinata.
Ya no es un templo de
proporciones humanas y en
él se observa la ostentación
propia de los imperios
orientales.

39. TEATRO DE EPIDAURO

40. En la arquitectura civil, los griegos utilizaron los mismos órdenes y sistemas
constructivos que en la arquitectura religiosa. Además de crear el teatro como
género literario, los griegos edificaron los primeros teatros de la historia. Constaba
de tres elementos fundamentales:
La orchestra (orquesta). Es circular y se utilizaba para los movimientos del coro y las
danzas en honor de Dionisos. En su centro se elevaba un altar dedicado a este dios.
El Théatron (cávea para los romanos). Es el graderío. Está dividido en dos sectores
por una galería, y en secciones triangulares por las escaleras de acceso. Es
ultrasemicircular.
La Skené (escena). Edificación tangente a la orchestra que sirve de telón de fondo y
se decoraba con columnatas e incluso en ocasiones con artilugios giratorios. No
existía en los primeros ejemplos. Dentro de ella, se situaba el proscenio, plataforma
de 3 ó 4 m. de altura que ocupaba la parte anterior de la escena. En ella actuaban
los actores cuando empiezan a independizarse del coro.
El teatro griego aprovecha la pendiente natural de una colina para la construcción
del graderío, mientras que entre los romanos éste será exento.
Uno de los mejor conservados es el teatro de Epidauro (siglo IV a.C.), atribuido a
Policleto “el joven”.

41. Las principales características de la escultura griega son:
• El hombre será el centro de la escultura griega: antropocentrismo.
• Existe gran interés por la belleza formal, basada en la armonía y la proporción.
• Los esquemas compositivos evolucionan, pasando de una escultura estática y
reposada, de esquemas cerrados, a una escultura con movimientos (contrapposto,
composiciones en diagonal, etc), pasando de la simplicidad arcaica al barroquismo
helenístico, ganando en expresividad y dinamismo sólo con el tiempo.
• Naturalismo idealizado más que realismo, se trata de crear tipos ideales, no de
reproducir rasgos individuales.
• Consiguen dominar el volumen y la tridimensionalidad, aunque a veces está
sometida a la arquitectura (frontones, metopas, frisos).
• Materiales: Al principio en madera, luego sustituida por la piedra (mármol
principalmente). También es muy utilizado el bronce (a la cera perdida) y,
excepcionalmente, se realizan estatuas crisoelefantinas (de marfil, oro y plata).
• Las esculturas generalmente estaban policromadas, salvo las obras realizadas en
bronce.
ESCULTURA

42. Evolución
• Durante la etapa arcaica nace la escultura griega, ajustada a la ley de la frontalidad. Las
obras presentan una estructura sólida y compacta, con rasgos anatómicos reducidos a
esquemas: anchas espaldas, pliegue inguinal muy marcado, pómulos muy salientes,
grandes ojos almendrados, sonrisa arcaica, cabellos largos y rizados. Se adoptan unos
tipos concretos denominados “kuros” (atleta) y “koré” (doncella). Siglos VIII al VI a.C.
• Durante la etapa clásica se produce un avance hacia el naturalismo: se abandona la
frontalidad, consiguiéndose un movimiento más natural; los rostros presentan una
expresión más serena y los cabellos y ropajes reciben un tratamiento más naturalista; la
anatomía humana se conoce mejor, llegándose a la máxima perfección, es decir, a la
belleza ideal. La etapa Clásica se desarrolla entre los siglos V y IV a.C. Se pueden
diferenciar tres fases:
– Clásico Severo: la escultura se va liberando de la rigidez arcaica y desarrolla una serie de pautas en el
concepto de movimiento y composición.
– Clásico Pleno: coincide con el apogeo de Atenas a mediados del siglo V a. C. Aparecen entonces las figuras
más sobresalientes de la escultura griega: Fidias, Mirón o Policleto. Sus obras fijan los ideales de belleza y
perfección técnica que define el arte clásico.
– Clásico Tardío: el final del siglo V a. C. será una etapa marcada por el declive de Atenas y la escultura tiende
a un canon más estilizado, acentúa el movimiento e incluso se busca sensación de desequilibrio, rompiendo
la armonía. Praxíteles, Skopas o Lisipo son los artistas más destacados de este periodo.
• Durante el helenismo se llega a un naturalismo pleno: se representa la realidad en su
estado más puro, con escenas que recogen todos los aspectos de la vida (pasión, dolor,
violencia, fealdad, etc.). El período Helenístico se desarrolla a partir del reinado de
Alejandro Magno (336-323 a. C.), hasta la conquista de Grecia por Roma, a mediados
del II a.C.

43. Escultura arcaica
Cleobis y Bitón En este periodo las esculturas son muy toscas,
poco movimiento se puede apreciar en ellas.
Falta de expresividad y gran hieratismo, como
sucede con las esculturas egipcias. Las
características principales de las esculturas
arcaicas:
• Los esquemas de composición muy rígidos y
compactos, como por ejemplo, brazos pegados al
cuerpo y cabeza de cuello grueso.
• Los ojos, la boca y la nariz, sobresalen de
manera poco natural, y la boca tiene una sonrisa
estática, fija, se la denomina sonrisa arcaica.
• La composición es totalmente frontal y
perfectamente recta.
Esta etapa duraría desde finales del siglo VII hasta
las guerras persas, es decir hacia el 480 a.C. Los
ciento cincuenta años indicados son un largo
periodo de estudio, de tanteos, para entender y
explotar los límites del material, para crear
formas realistas partiendo de un bloque de
piedra.

44. Dama de Auxerre Kore del Peplo

45. Kuros de Anavysos
Autor: Desconocido
Cronología: 525 a.C.
Estilo: Griego Arcaico
Dimensiones: 1,94 metros.
Localización: Museo Nacional de Atenas.
El Kouros de Anavyssos es una obra escultórica exenta, realizada en mármol. La escultura
muestra un hombre de pie, desnudo y frontal, con los puños cerrados y prietos contra los
muslos, y con la pierna izquierda adelantada como si quisiera avanzar, ojos almendrados y
abultados, largos cabellos en forma de zig-zag que caen sobre los hombros y con labios
arqueados con una expresión que se conoce como "sonrisa arcaica". Predominan los
elementos geométricos en el tratamiento de la anatomía corporal, que se manifiesta en zonas
como el cabello o la musculatura y definen partes simétricas: brazos y piernas cilíndricos,
tórax excesivamente abombado y abdomen muy reducido, por lo que parece
desproporcionado.
Es importante también destacar los convencionalismos a los que se somete la figura
humana. Además de la geometrización anatómica, es importante el hieratismo, solo roto por
la pierna adelantada, la simetría y la frontalidad, ya que es una obra pensada para ser vista de
frente. Es una obra completamente estática, ya que no se consigue representar el
movimiento, ni crear espacio alrededor de la estatua, que es un bloque de mármol. El
tratamiento de la superficie es aún bastante rudo, aunque más avanzado que en obras
anteriores, de manera que se va evolucionando no solo en el tratamiento de la anatomía
masculina, sino también en el logro de las diferentes texturas: los cabellos, la piel...
El término “kuros” se puede traducir como “atleta”, de modo que representaría a algún
ganador de los Juegos Olímpicos de la antigua Grecia, aunque algunos especialistas han
considerado durante mucho tiempo que se trataba de representaciones del dios Apolo. En
cualquier caso, tiene función honorífica o conmemorativa, pues se trata de homenajear a los
ganadores de los juegos.
El “Kuros de Anavyssos” pertenece ya a la última etapa de la época arcaica griega, de tal
modo que tiene como antecedentes las “xoanas”, figuras votivas de la época oscura, y los
primeros “kuroi”, como los hermanos “Cleobis y Britón”, en los que se aprecia un menor
control de la técnica escultórica y menos capacidad en la representación de la figura humana.
Trascendencia: el gusto por la representación del desnudo masculino continúa
desarrollándose en la civilización griega mediante las esculturas de dioses y atletas, de manera
que los principales escultores de la época clásica trabajarán la anatomía masculina, como
Mirón (Discóbolo), Policleto (Doríforo), Praxíteles (Hermes de Olimpia), Lisipo (Apoxiomeno),
etc.
Por otra parte, en el periodo arcaico se desarrollaron también esculturas femeninas, las
“korai”, que serían el equivalente femenino a los “kuroi”; representan jóvenes doncellas,
vestidas con peplo, con expresión y composición similar a las figuras masculinas, y con función
votiva.

46. Escultura clásica: estilo severo
Las esculturas del primer tercio del siglo V a. C. representan la
transición que desemboca en el periodo clásico pleno. Es
conocida como la etapa del Estilo Severo que durará hasta la
época de Fidias.
Poco a poco van desapareciendo algunas de las características
propias del arcaísmo: la escultura fue haciéndose cada vez más
naturalista, idealización de la figura humana, ruptura del rígido
frontalismo anterior, de modo que las figuras adquieren
posturas y movimientos hasta entonces desconocidos; se
observa un avance en el conocimiento anatómico, perdiendo
la sonrisa arcaica y acentuando la severidad de los rostros.
Pitágoras de Samos es, con toda probabilidad, el escultor del
Auriga de Delfos, realizada hacia el 474 a.C. Es una de las
esculturas más importantes de la plástica griega. Se trata de
uno de los pocos originales que conservamos de la escultura
en metal, que en Grecia fue incluso más importante que la
elaborada sobre piedra o mármol. Formaba parte de una
cuadriga de bronce que ofreció a Delfos un príncipe de Sicilia
con motivo de la victoria obtenida por uno de sus carros.
La figura erguida, con la larga túnica y la actitud impasible,
recuerda mucho las esculturas arcaicas. Sin embargo,
elementos como la marcada frontalidad desaparece gracias a
la introducción de matices que dotan a la figura de una mayor
tridimensionalidad: el cuerpo acentúa levemente la torsión
lateral, de acuerdo con los brazos y cabeza; el juego de los
pliegues de la túnica, ceñidos en la cintura y sueltos en el
torso, crean un volumen que rompe con el hieratismo propio
de épocas pasadas. El rostro mantiene un gesto sereno en el
que ha desaparecido la sonrisa arcaica, para dar paso a una
expresión centrada.

47. Escultura clásica: clasicismo pleno
Mirón: el Discóbolo
Mirón fue un extraordinario broncista. A
pesar de que sus obras revelan todavía
ciertos aires arcaizantes, como el modo de
esculpir los cabellos y la carencia de
expresión en los rostros, supo captar con
maestría el movimiento. Realizó casi con
total seguridad dos de las obras más
importantes de la escultura griega:
• El Discóbolo, que representa a un
lanzador de disco en el mismo instante
de lanzarlo al aire. Todos los músculos
del atleta se encuentran en tensión y en
movimiento mientras la cara se
encuentra totalmente relajada, no
responde a la violencia del esfuerzo y
permanece inalterable, pues está
impregnado de la Sofrosiné (la calma
inmutable de los dioses, expresión
anímica del equilibrio y armonía
estética).
• El Grupo de Palas Atenea y Marsias,
grupo escultórico que realizó para la
acrópolis de Atenas.

48. Policleto: Dorífero
Policleto se interesó en conseguir la imagen del hombre
ideal. Por eso buscó un canon o prototipo ideal
investigando las proporciones más armónicas eligiendo el
canon de las siete cabezas.
Entre sus obras destaca el Doríforo, representación
de un atleta que porta una lanza, caminando
relajadamente. Su postura se convertirá en una tendencia
general: el contraposto. Consiste en separar las piernas y
apoyar todo el peso en una de ellas mientras que la otra
queda liberada y en semiflexión y ligeramente atrás, a la
vez que se arquea todo el cuerpo, el eje del torso e incluso
el eje de la cabeza. Es una postura tranquila, relajada,
elegante pero no estática y supone el abandono del
frontalismo.
En el Diadumedos, o atleta que ciñe la diadema del
triunfo, presenta el mismo esquema, aunque con formas
más sueltas. El contrapposto es más acusado y tiene una
mayor curvatura en el eje del torso. Su expresión es
también de concentración y serenidad.
El canon de la mujer lo plasma en su obra Amazona
herida realizando esta obra en una competición en la que
ganó a Fradmon, Crésilas y Fidias.

49. Diadumedos

50. Fidias
Atenas impone su liderazgo cultural en
escultura a través de la figura de Fidias,
cuya influencia marcará el arte griego
durante todo el siglo V.
Lo que más destaca en Fidias es el
tratamiento de los ropajes. Los abundantes
y sinuosos pliegues de las telas que se
pegan al cuerpo como si fueran “paños
mojados” no impiden hacer un buen
estudio anatómico.
Fidias es, sobre todo, el gran escultor de
Palas, la diosa ateniense, de la que hizo
varias obras (Atenea Lemnia, Promacos...),
pero, sin duda, su gran obra fue la Atenea
Partenos, realizada para ser expuesta en el
Partenón. La esculpió en oro y marfil
(crisoelefantina) y con los ojos de
esmeralda, medía más de 10 metros. No ha
llegado hasta hoy en día y se conoce su
existencia gracia a las copias en mármol.

51. Pericles le encargó varios trabajos en la Acrópolis de
Atenas: los frontones del Partenón, las metopas del
friso exterior y el friso interior.
• En su frontón oriental, narra el nacimiento de Palas
Atenea de la cabeza de Zeus.
• El frontón occidental lo ocupa la lucha entre
Atenea y Poseidón por el dominio de la ciudad de
Atenas con gran estudio del movimiento.
• El friso corrido, situado en el muro exterior de la
cella, representa, con viva policromía, la procesión
de las Panateneas. Tiene 160 m. de extensión y
104 cm. de altura; en él aparecían los dioses,
jóvenes sobre briosos corceles, doncellas, animales
para el sacrificio, etc., hasta un total de 400
personajes.
• En las metopas, que suman un total de 92 figuras,
en ellas se relata la centauromaquia, la
gigantomaquia, la amazonomaquia y la guerra de
Troya. Son figuras de relieve bastante abultado
sobre fondo liso, por lo que puede observarse con
gran nitidez la calidad del dinamismo, el
movimiento, que adquiere efectos dramáticos y
una variada gama de expresiones, escorzos y
disposiciones escénicas.

52. FIDIAS: Friso de las Panateneas

53. Fidias: frontones del Partenón

55. Escultura clásica: clasicismo tardío
Praxiteles
Apolo Sauróctono
• Figura que cabalga entre el
clasicismo del siglo V y el realismo
expresivo del siglo IV.
• Intentó dar un aire psicológico a sus
figuras, una expresión sutilmente
melancólica. Prefirió los cuerpos
adolescentes modelados con suma
delicadeza. La pose es siempre la
misma: arquea el torso para
apoyarse en un objeto lateral
formando un contrapposto
exagerado, con una curva muy
pronunciada entre la pierna, la
cadera y el torso. Esta “curva
praxiteliana” será copiada por
artistas posteriores.

56. Praxiteles
Afrodita de Cnido Hermes de Olimpia

57. Lisipo
Apoxiómeno
Lisipo representa la transición entre lo
clásico y el helenismo.
• Impuso un nuevo canon de belleza,
en el que la cabeza suponía la octava
parte de la altura total del cuerpo, lo
que proporcionaba una mayor
esbeltez.
• Deja atrás el frontalismo, de manera
que sus esculturas pueden verse
desde distintos puntos de vista.
Su obra más conocida es el Apoxiomeno,
escultura que representa a un atleta, de
rostro cansado por el esfuerzo, en el
momento de limpiarse, con el estrígilo,
el polvo mezclado con el sudor y el
aceite tras la competición.

58. Lisipo
Fue un maestro en el retrato
regio. Cultivó el llamado retrato
de personalidad, ya que sus obras
reflejaban más el carácter del
individuo que la función que
ostentaban. Este tipo de retrato
se impuso plenamente en el
helenismo.
• En el Ares Ludovisi, dios de la
guerra, la postura sentada
pero no relajada, puesto que
está en tensión, y su mirada
fija y concentrada en un punto
demuestra nuevas
inquietudes.
Ares Ludovisi

59. Escultura helenística
A finales del siglo IV la escultura abandona definitivamente el equilibrio
clásico y adopta otras características:
• Tendencia hacia la orientalización (favorecida por las conquistas de
Alejandro Magno).
• Acentuación del movimiento, del patetismo y de la tensión.
• Predilección por nuevos temas (fantásticos, de la vida cotidiana,
anecdóticos).
• Desarrollo de los retratos más naturalistas, sin idealización y que se
recrean en los defectos físicos, en lo feo, en la vejez, etc.
• Surgen escuelas y hay una expansión hacia Asia Menor y el área
oriental del Mediterráneo. Las escuelas más importantes son la de
Pérgamo, Rodas y Alejandría.

60. La escultura helenística
El Espinario Retrato de Séneca

61. Escuela de Rodas
En la Escuela de Rodas se sabe de la
existencia de Cares de Lindos, un gran
escultor que hizo una escultura de un gran
coloso que franqueaba el puerto de Rodas,
los barcos pasaban entre sus piernas. Parece
que fue discípulo de Lisipo. Otras obras de
esta escuela son:
La Victoria de Samotracia
Es del s. II a. C. y su autor no se conoce. Es
una victoria que acaba de posarse en la proa
de un barco, de ahí el estudio del cuerpo y
de las telas. Hay un gran movimiento en
distintas direcciones. La tela es muy fina y
está pegada al cuerpo, permite observar la
anatomía perfectamente, pero también hay
zonas en las que se arremolina con
numerosos pliegues y líneas en diagonal. Las
plumas de las alas también son muy reales.
Victoria de Samotracia

62. Escuela de Rodas
Laocoonte y sus hijosEste mármol fue hallado en 1506, y cuando fue
descubierto tuvo un grandísimo impacto en el arte, ya
que el movimiento que implica la composición de estas
figuras fueron todo un modelo para los escultores y
pintores de ese siglo y los posteriores, de hecho fue clave
para sentar las bases de lo que sería el Barroco.
A pesar de las diferentes hipótesis que se han barajado,
lo más probable es que fuera realizado en el siglo I d. C.
para un mecenas romano, por los artistas Agesandro,
Polidoro y Atanadoro, de la Escuela de Rodas.
El personaje representado es Laocoonte, un sacerdote de
Troya que intentó avisar a sus conciudadanos del peligro
que conllevaba recibir el famoso regalo del caballo de
Troya. Sin embargo, la mitología clásica y el relato de la
Iliada de Homero cuenta que los dioses estaban del lado
de los griegos que querían conquistar la ciudad y por eso
enviaron dos crueles serpientes para que mataran al
sacerdote y a sus dos hijos. Es precisamente ese
momento el que se representan en esta escultura.
Capta el dolor físico pero, sobre todo, el dolor interno y
moral al ver morir a sus hijos. Son cuerpos en tensión
intentando librarse de las serpientes.
La composición es triangular, la anatomía está marcada
por la tensión. Las extremidades están enfrentadas para
formar composiciones en asta y hay un continuo estudio
de entrantes y salientes. Los ojos están hundidos y la
boca entreabierta por influencia de Escopas.
Actualmente se encuentra en el Vaticano.

63. Escuela de Pérgamo
Galo suicida Galo moribundo

64. Altar de Zeus en Pérgamo
La escultura se encuentra en el friso
corrido y está en altorrelieve. El tema
es el de la gigantomaquia, la lucha
de los dioses contra los gigantes.
Mide algo más de 100 metros y hay
figuras de hasta dos metros de
altura. Hay una gran riqueza de
actitudes y posturas. A los dioses se
les da un tratamiento clasicista,
mientras que los gigantes se les trata
de una manera más humana, por lo
que se refleja la fealdad, etc. Hay una
influencia clara de Escopas ya que se
deja ver claramente el pathos con los
ojos hundidos y las bocas abiertas.
Estaba bastante deteriorado pero se
reconstruyó.