Se ha denunciado esta presentación.
Se está descargando tu SlideShare. ×

Arte Gótico: Escultura y Pintura

Anuncio
Anuncio
Anuncio
Anuncio
Anuncio
Anuncio
Anuncio
Anuncio
Anuncio
Anuncio
Anuncio
Anuncio
Cargando en…3
×

Eche un vistazo a continuación

1 de 103 Anuncio

Más Contenido Relacionado

Presentaciones para usted (20)

A los espectadores también les gustó (20)

Anuncio

Similares a Arte Gótico: Escultura y Pintura (20)

Anuncio

Más reciente (20)

Arte Gótico: Escultura y Pintura

  1. 1. ARTE GÓTICO ESCULTURA Y PINTURA
  2. 2. ESCULTURA
  3. 3. 1. Características generales + Creciente naturalismo de las figuras, que se llenan de vida, pareciendo más humanas, con actitudes y gestos cada vez más realistas y expresivos, dejando traslucir sus emociones. Al final las figuras aparecen con rasgos individualizados. + En las composiciones con varias figuras éstas se comunican entre sí. + Ahora es un arte narrativo, no simbolista. + La temática sigue siendo fundamentalmente religiosa. + La arquitectura no condiciona el valor plástico de la escultura.
  4. 4. 2. Evolución estilística En el Gótico la escultura será un arte muy fecundo y en constante evolución desde el punto de vista estilístico: + A finales del siglo XII hay una fase de transición durante la que se aleja del hieratismo y la frontalidad del Románico. +En el siglo XIII se pone de moda un tipo alargado, de pliegues y ornamentos muy sencillos, rostro triangular, sonrisa estereotipada y de cierto amaneramiento. + En la segunda mitad del XIV las figuras se alargan (canon esbelto), y se curvan finamente (ligera sinuosidad en el sentido flamígero comentado en la arquitectura) y ropajes se pliegan en innumerables pliegues: es el denominado “estilo internacional”. + Por último, en el siglo XV, se experimenta una reacción frente a este arte amanerado y triunfan tipos macizos y pesados, de un mayor realismo.
  5. 5. 3. La escultura exenta: temática y características a) Cristo Crucificado • No impasible como los románicos, los góticos se muestran atormentados por el dolor y el sufrimiento de la Pasión. El artista gótico hace de la Crucifixión un instante patético, que pretende emocionar. • Otra diferencia con los románicos es que ahora aparecen con los pies superpuestos y atravesados por un único clavo, lo que provoca en la composición un ligero movimiento de la cadera que atraviesa todo el cuerpo.
  6. 6. Cristo gótico
  7. 7. b) La Virgen con el Niño • La Virgen no aparece impasible, inmóvil y frontal, como Trono de Dios; ni el Niño también frontal, inexpresivo y autoritario, como en el Románico. • Ahora esta composición se humaniza extraordinariamente, la Virgen se siente maternal, se gira, sonríe, juega o habla con el Niño, como cualquier madre. c) La Piedad • También empieza a ser frecuente la representación de la Virgen con el Hijo Muerto entre sus brazos, composición iconográfica que se conoce por “Piedad” y que tendrá un gran porvenir durante el Renacimiento. d) Otros conjuntos exentos • Igualmente son representados otros conjuntos exentos, de variada temática, desde escenas de la vida de Cristo o la Virgen, como El Calvario, El Descendimiento o La Coronación, hasta imágenes de Santos y Mártires.
  8. 8. Virgen Blanca de Toledo Piedad
  9. 9. 4. Los relieves de las portadas de los templos En el relieve gótico también podemos apreciar las características generales de la escultura gótica y su evolución, destacando en este caso su carácter narrativo. • El tímpano aparece dividido en franjas o frisos horizontales con decoración narrativa; además, se distingue de los románicos, por ser apuntado. Sigue albergando el tema principal: Cristo, la Virgen, el Juicio Final, la Crucifixión u otras escenas evangélicas o de las Sagradas Escrituras. • Las arquivoltas también son ahora apuntadas; asimismo se distinguen de las del Románico en que la decoración escultórica que las adorna se sitúa ahora longitudinalmente a ellas, en lugar de hacerlo verticalmente, de forma radial al semicírculo del tímpano. • Las jambas también tienen adosadas esculturas-columna de profetas, santos o apóstoles, pero ahora sobre repisas y bajo unos doseletes decorados con tracería gótica. • El parteluz o mainel, con esculturas de la Virgen, Cristo o el Santo titular, también bajo dosel de tracería gótica.
  10. 10. Portada gótica
  11. 11. 5. Nuevos géneros escultóricos a) Los retablos • La obra más original de la escultura gótica europea son los retablos, que primero son muy pequeños, para ir creciendo a medida que avanza la Baja Edad Media. • El retablo es un armazón de madera o alabastro que se divide en franjas verticales o “calles” y franjas horizontales o “cuerpos”, formando recuadros donde se alojan estatuas exentas, relieves o pinturas con escenas referentes al santo titular del templo, la Virgen, Cristo o los Evangelios. La parte inferior o pedestal se denomina “banco”. • Los retablos son interesantes por ser una nueva forma de narrar propia del Gótico, que representa plásticamente cada una de las escenas que componen el hecho narrado y las va hilvanando una tras otra hasta formar un relato, a diferencia del artista románico, que aislaba algunos elementos y los componía en una única escena simbólica.
  12. 12. Retablo
  13. 13. b) Las sillerías de los coros • Otro espacio típico de la Baja Edad Media, donde el artista gótico concentra su esfuerzo escultórico, es la sillería, en cuyos respaldos se realizan algunas de las más bellas obras góticas, tanto de temática religiosa como profana. c) Los sepulcros • Los sepulcros en esta época cobran gran importancia como reflejo de un hombre que evoluciona hacia el individualismo y se preocupa cada vez más por perpetuar su nombre sobre su lecho mortuorio. • De tipología muy variada, destacan: + Exentos, con la figura yacente. + Adosados a un muro, bajo arco y con la figura yacente, orante, etc.
  14. 14. Sepulcro de Carlos III el Noble de Navarra y su esposa doña Leonor de Castilla en la Catedral de Pamplona
  15. 15. Sillería de la Catedral de Burgos
  16. 16. La escultura gótica en Francia Francia, como cuna de este estilo, será la que marque las pautas a seguir también en escultura. Luego cada país le irá infundiendo su propia personalidad. 1) Las portadas del siglo XIII La escultura francesa durante el siglo XIII se centrará en las grandes portadas de las catedrales:
  17. 17. • La Portada de la Catedral de Chartres En el Pórtico Real de la fachada occidental encontramos la transición entre el Románico y el Gótico, por la mezcla de las características de ambos estilos. En una de las portadas del crucero se representa el Juicio Final, con las jambas decoradas con altorrelieves de santos y apóstoles, de gran belleza. • Las Portadas de la Catedral de Notre-Dame de París La temática se repite en la portada principal, mediante escenas en franjas paralelas superpuestas de carácter narrativo: el Juicio Final en la central y en las laterales escenas de la vida de la Virgen y Santa Ana, con una imagen de María en el parteluz.
  18. 18. Pórtico Real de la Catedral de Chartres
  19. 19. Portada de la Catedral de Notre-Dame de París
  20. 20. • Las Portadas de la Catedral de Amiens La fachada principal de la Catedral de Amiens es de extraordinaria belleza gracias a sus tres grandes portadas de arquivoltas abocinadas, en la central se representa el Juicio Final, y en la que destaca el llamado “Beau Dieu” o Bello Dios del parteluz. La Puerta Dorada del transepto sur es algo posterior, de finales de siglo o principios del XIV, es una de las más típicas portadas góticas francesas, con una estilizada y naturalista estatua de la Virgen con el Niño en el parteluz. •
  21. 21. Portadas Catedral de Amiens “Beau Dieu” “Virgen Dorada”
  22. 22. Portada Catedral de Amiens
  23. 23. • Portada de la Catedral de Reims La fachada occidental de la catedral de Reims fue construida entre 1210 y 1290 con triple portada, como es habitual en el gótico clásico. Destaca por la profusión de esculturas que invaden todos los espacios disponibles (arquivoltas, columnas, contrafuertes, gabletes etc.). Sin embargo, los tímpanos han sido sustituidos por rosetones con vidrieras, por lo que los temas principales se colocan en las columnas y gabletes. En su decoración escultórica intervienen varios talleres con estilos muy diferentes aunque sus obras aparecen frecuentemente mezcladas, incluso en un mismo portal. De entre ella hay que destacar las esculturas de las jambas del portal central.
  24. 24. Portada de la Catedral de Reims
  25. 25. Portada de la Catedral de Reims Anunciación y Visitación La imagen nos muestra cuatro esculturas adheridas a las jambas derechas de la portada oeste de la catedral de Reims. A pesar de las diferencias existentes entre las cuatro esculturas, obra de tres autores diferentes, muestran en conjunto las características del estilo gótico: el avance hacia el naturalismo, la expresividad, la comunicación entre las esculturas y la independencia del marco arquitectónico.
  26. 26. Grupo de La Anunciación •Maestro de la Virgen de la Anunciación. La Virgen muestra rasgos típicos del gótico inicial: inexpresividad en el rostro, porte severo y ropaje de pliegues escasos y verticales. •Maestro de la sonrisa, autor del ángel de la Anunciación. El arcángel Gabriel es una figura grácil, con un rostro muy fino que queda enmarcado por los rizos del cabello, y que se muestra sonriente, con una sonrisa estereotipada. El estilo de esta escultura avanza las características del siglo XIV: amaneramiento de las figura, con el predominio de los trazos curvilíneos y el alargamiento de los cuerpos y ropajes con plegados sinuosos que aportan movimiento.
  27. 27. Grupo de la Visitación •Maestro de las figuras antiguas En la Visitación se da el encuentro de María e Isabel, ambas embarazadas. Ambas comparten la postura del contrapposto; sus cabezas se inclinan y sus manos gesticulan; los rostros son serenos y diferenciados (naturalismo en la edad que reflejan los rostros) ; los ropajes, modelados y de pliegues profundos, finos y delicados, envuelven los cuerpos (técnica de los paños mojados). Todo nos hace indicar que este escultor conoce el arte clásico griego.
  28. 28. 2) La escultura del siglo XIV Se repiten las fórmulas usadas, acentuando el decorativismo, el refinamiento y la exquisitez de los modelos estilizados del “estilo internacional”. 3) La escultura del gótico final francés, entre finales del siglo XIV y siglo XV, se desarrolló en Borgoña, en la corte de Felipe el Atrevido en Dijon, donde destacó la figura de Claus Sluter, que introdujo el fuerte naturalismo característico de los Países Bajos en Francia. • En los dolientes que acompañan el Sepulcro de Felipe el Atrevido, Sluter ofrece un amplio repertorio de expresiones que contribuyen a enfatizar la evocación de tristeza y dolor. • En las estatuas de los profetas del Pozo de Moisés de la Cartuja de Champmol transformó a los personajes del Antiguo Testamento en patriarcas flamencos, cuya representación naturalista se funde con un sentimiento de grandeza espiritual.
  29. 29. Claus Sluter Sepulcro de Felipe el Atrevido Pozo de Moisés de la Cartuja de Champmol
  30. 30. La escultura gótica en España Aunque la escultura románica de la segunda mitad del siglo XII y comienzos del XIII muestra un creciente naturalismo, no se pude hablar todavía de escultura gótica propiamente dicha. Sólo el Maestro Mateo, en el Pórtico de la Gloria, muestra apuntes de un mayor goticismo en sus apóstoles levemente sonrientes y "conversadores”.La introducción del gótico puro francés en España es un hecho ligado a la llegada de de maestros franceses contratados por la monarquía para acometer tres grandes catedrales. 1) Las portadas del siglo XIII La mejor escultura gótica en la España del siglo XIII hay que buscarla especialmente en los programas iconográficos de las fachadas y portadas de: – Las catedrales de Burgos y León durante el siglo XIII. – Las de Toledo desde finales de dicho siglo y durante el XIV.
  31. 31. A) Las Portadas del Crucero de la Catedral de Burgos • La Puerta del Sarmental o del Obispo, en el brazo derecho o sur del transepto, es una portada típica gótica, aunque no termina de desprenderse completamente del hieratismo románico. En el tímpano se esculpe a Cristo-Doctor dictando su palabra a los cuatro Evangelistas, acompañados por el Tetramorfos simbólico, más naturalista. En el dintel aparece el Apostolado y en las arquivoltas ángeles y ancianos músicos. En el parteluz, aparece el Obispo Don Mauricio. Puede tratarse de la primera portada gótica en España, por ello encontramos aún cierta severidad pero unida a un naturalismo idealizado. Las figuras se humanizan, se relacionan entre sí y son prácticamente exentas; estas características son plenamente góticas.
  32. 32. Puerta Sarmental de la Catedral de Burgos
  33. 33. • La Puerta de la Coronería o de los Apóstoles, al lado norte del transepto, muestra en sus jambas a los Apóstoles, muy naturalistas, ángeles en las arquivoltas y en el tímpano el Juicio Final. En la parte superior del tímpano figuran las insignias de la Pasión sostenidas por ángeles y Cristo Juez, acompañado de la Virgen y San Juan.
  34. 34. Puerta de la Coronería
  35. 35. B) La Portada Principal de la Catedral de León • La Puerta del Juicio Final o de la Virgen Blanca es la central de la fachada occidental: en la parte superior del tímpano aparece Cristo mostrando las llagas y un ángel portando los instrumentos de la pasión; y en el dintel, la parte más hermosa, figura la separación de los bienaventurados y los condenados después que San Miguel pese las almas. Nuestra Señora la Blanca, del mainel central de la fachada occidental, es una típica Virgen gótica plena de belleza, alegría, armonía, humanización y naturalismo.
  36. 36. La Puerta del Juicio Final o de la Virgen Blanca del la Catedral de León
  37. 37. Virgen Blanca
  38. 38. 2) La escultura del siglo XIV La escultura del siglo XIV ofrece, como en Francia, síntomas de decadencia, degenerando en amaneramiento y cierta monotonía. De esta etapa destaca la mayor parte de la decoración escultórica de las Portadas de la Catedral de Toledo: • La Puerta del Perdón o de los Reyes, la central de la fachada principal, tiene como tema principal del tímpano la Imposición de la Casulla a San Ildefonso y muestra influencias de Reims en la expresión sonriente de los rostros.
  39. 39. Puerta del Perdón o de los Reyes de la Catedral de Toledo
  40. 40. La Virgen Blanca de Toledo, en alabastro policromado, es una de las más perfectas representaciones marianas de nuestro arte medieval debido a su prodigiosa esbeltez y simplicidad, sobre todo por el carácter familiar y naturalista del detalle del Niño acariciando la barbilla de María.
  41. 41. 3) La escultura del siglo XV El siglo XV es uno de los más gloriosos para la escultura española, tanto en calidad como en abundancia de obras. Las influencias ahora son de Borgoña, primero, y Flandes después, en concreto de Claus Sluter, con sus paños ondulados y fuertemente agitados y el penetrante realismo de sus rostros. Toda la elegancia y claridad de la escultura gótica anterior se cambian ahora en opulencia decorativa. Se tiende a ocultar las líneas arquitectónicas y a borrar, incluso, las formas humanas entre complicados ropajes. Es una época de auténtico barroquismo, de recargamiento decorativo. A) Pere Johan Pere Johan fue el principal escultor catalán de la primera mitad del siglo XV. • En el San Jorge de la Generalitat de Barcelona la búsqueda de lo dinámico y la representación de lo suntuoso y espectacular son las notas dominantes de su estilo.
  42. 42. San Jorge de la Generalitat de Barcelona
  43. 43. B) Gil de Siloé • El escultor más grande de finales del siglo XV es Gil de Siloé, una de las máximas figuras de la escultura hispánica y europea, siendo el principal representante del estilo Gótico Isabelino. Desarrolló su actividad en Castilla, en Burgos y sus alrededores, entre los años 1486 y 1501. • El Conjunto Escultórico de la Cartuja de Miraflores de Burgos: – El Sepulcro de Juan II y su Esposa Isabel de Portugal, de planta estrellada, decorado con finos y calados elementos arquitectónicos y las figuras yacentes tratadas con gran virtuosismo técnico y calidades de insuperable belleza. – El Sepulcro del Infante Don Alfonso, en la modalidad de arcosolio, con la figura orante embutida en el muro bajo arco de estilo flamígero, destacando la gran minuciosidad con que está tratado el vestido. – El Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores, obra en la que los efectos de riqueza y barroquismo alcanzan límites insospechados y en la que Gil de Siloé sustituye el típico retablo dividido en cuerpos y calles por una original organización a base de círculos presidida por el Calvario y cuatro escenas de la Pasión de Cristo.
  44. 44. Sepulcro de Juan II y su Esposa Isabel de Portugal
  45. 45. Sepulcro del Infante Don Alfonso
  46. 46. Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores Gil de Siloé
  47. 47. La escultura gótica en Italia • En Italia podemos casi hablar de una completa carencia de ejemplares escultóricos plenamente góticos, ya que desde el principio aparecen las formas clásicas que nos permiten hablar de un protorrenacimiento desde el siglo XIII. • Como ejemplos de esto destacar, sobre todo, a Nicola Pisano, con el Púlpito del Baptisterio de la Catedral de Pisa y el Púlpito de la Catedral de Siena, realizado éste junto a su hijo Giovanni. • Ya del siglo XIV señalar a Andrea Pisano con las Primeras Puertas del Baptisterio de Florencia (las otras dos pertenecen ya al Renacimiento y son obra de Ghiberti).
  48. 48. Puertas del Baptisterio de Florencia de Andrea Pisano
  49. 49. Puertas del Baptisterio de Florencia de Ghiberti (Renacimiento)
  50. 50. PINTURA
  51. 51. Características de la pintura gótica Precedentes • Los precedentes de la pintura gótica hay que buscarlos en la pintura románica occidental, frescos, frontales de altar e iluminación de libros sobre todo, y principalmente en la pintura y mosaicos bizantinos, muy especialmente sus iconos. Soportes y técnicas • La pintura gótica implica grandes cambios respecto a la pintura románica debido a la sustitución de los muros por vidrieras, lo que supone la búsqueda de otros soportes y técnicas. La pintura mural al fresco decae, excepto en Italia. • Al principio el protagonismo será casi exclusivamente de las vidrieras y de la iluminación de libros con miniaturas. • Se desarrolla en una fase más avanzada la pintura sobre tabla y el retablo. • Las técnicas empleadas en pintura son variadas, según los soportes: – El temple en pintura sobre tabla, con aglutinante de huevo o colas, permite su aplicación con finos pinceles, lográndose un gran detallismo y colores más intensos y brillantes. – El fresco en las pinturas murales allí donde siguen siendo importantes. – A partir del siglo XV, también el óleo, con aceites como aglutinante del color, lo que permite el repinte.
  52. 52. Elementos plásticos • El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos compositivos. • Importancia del modelado, pasando con el tiempo desde los tonos planos al juego de contraluces. • La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido simbólico. • El color es un elemento clave, pero con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico. • El interés por la perspectiva también evoluciona, apareciendo la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional, pero serán sus primeros grandes maestros, en el XV, los primitivos flamencos. • Pero siguen siendo muy abundantes los típicos fondos neutros dorados a base de pan de oro. • La composición se basa en el eje de simetría. • Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado, individual y expresivo, individualizándose los rostros.
  53. 53. Temática e iconografía • La temática es fundamentalmente religiosa. Los temas se inspiran en la vida de Jesús, de la Virgen y de los Santos destacando entre estos los apóstoles y los santos titulares. • En menor escala también encontramos ejemplos de pintura profana, desarrollándose ahora el retrato. • La pintura gótica tiene un carácter narrativo y una finalidad didáctica y devocional. Evolución estilística: las principales escuelas de la pintura gótica En la evolución de la pintura gótica se distinguen cuatro estilos, cuya cronología es difícil de concretar por la simultaneidad de algunos de ellos: • Estilo gótico lineal o franco-gótico (s. XIII) • Estilo italo-gótico o trecentista (s. XIV) • Estilo internacional (s. XIV) • Estilo flamenco (s. XV)
  54. 54. 1) Estilo Franco-Gótico o Gótico Lineal • En el siglo XIII comienza este primer estilo gótico. Se inspira en la vidriera y tiene su origen en París. Es una pintura que ilustra libros, principalmente, y tiene como características la importancia de la línea, el sentido narrativo, el uso del pan de oro para representar la luz, el protagonismo de la figura humana, su expresionismo, el canon estilizado y el colorido plano, sin volumen. La composición se divide en campos geométricos (medallones, arquerías, rectángulos). Pertenecen a este estilo las vidrieras de las catedrales de Chartres. En España destacan las miniaturas de las Cantigas de Alfonso X el Sabio.
  55. 55. +Miniaturas de las Cantigas de Alfonso X
  56. 56. 2) El estilo italo-gótico: Los Primitivos Italianos Dos escuelas de pintores italianos marcarán las pautas a seguir por la pintura gótica desde finales del siglo XIII hasta mediados del XIV, la Escuela de Florencia y la Escuela de Siena. Características generales del estilo: + En Italia se mantiene el protagonismo de las pinturas murales al fresco. + Riqueza cromática, azules intensos, rojos profundos, amarillos, rosas que no son naturales y se adaptan a la psicología de los personajes. Modera el uso de los tonos dorados características del Gótico. + El desarrollo de un marco real con paisajes urbanos o rurales donde superponen las figuras. + Naturalismo en la expresión del sentimiento, de los estados anímicos por medio del gesto. + Esta preocupación por el hombre y su entorno está relacionada con la religiosidad franciscana que abría el cristianismo a la naturaleza. + La monumentalidad de las figuras será característica principal de la Escuela de Florencia. La característica principal de la Escuela de Siena es su dulzura y elegancia y la búsqueda de la belleza pura concentrada.
  57. 57. A) Escuela de Florencia • Cimabue Cimabue suele ser considerado como uno de los fundadores del arte moderno y se cree que fue maestro de Giotto. Se le considera el iniciador del movimiento que partiendo de la “maniera greca” (bizantina) tendría que llevar al naturalismo que culminaría en el Renacimiento. Obras: + Maestá o Virgen de los Ángeles: obra básica para comprender el cambio estilístico que se produjo en la pintura florentina de finales del siglo XIII, conserva los elementos compositivos simétricos y la iconografía de los modelos bizantinos, pero busca a la vez una tercera dimensión, que obtiene con la perspectiva que da al trono y el contrate de luces y sombras que dan volumen a las figuras; también intenta romper con el hieratismo dando un carácter más humano a las figuras, que se manifiesta en la expresividad de los rostros. + Crucifixión: en la que destaca la expresión dramática, de dolor, del Crucificado.
  58. 58. • Giotto Su obra supuso su nueva concepción artística, que rompe con la tradición bizantina y se orienta hacia el dominio de la luz, la tridimensionalidad y la perspectiva (primeros pasos). Da prioridad a la figura humana, individualizada, expresiva, y presenta el espacio arquitectónico y paisajístico, aunque aún ingenuamente. Obras: + La huida a Egipto: Esta realizada en torno al año 1305. La escena recoge el pasaje del evangelio de Mateo en el que la sagrada familia, después de la visita de los Magos llegados de Oriente, tienen que marchar a Egipto ante el temor de que Herodes mate al niño. No aparece el fondo dorado, sino un paisaje montañoso y agreste, más realista. La gama cromática se enriquece. Las figuras ya no son hieráticas, sino que adquieren mayor viveza y expresividad; la comunicación entre ellas es evidente. La perspectiva oblicua empieza a hacerse notar, y desaparecen las líneas horizontales o verticales. El naturalismo del gótico se aprecia en los vestidos, ligeros, naturales, en los que desaparecen las líneas doradas. La sensación de movimiento está conseguida gracias a pequeños detalles.
  59. 59. +La huida a Egipto
  60. 60. +Frescos sobre la vida de San Francisco
  61. 61. + Virgen en el Trono: la composición y el fondo dorado hacen pensar en una concepción gótica de origen bizantino, pero el naturalismo y la monumentalidad de la Virgen nos muestran el personalísimo sello de Giotto.
  62. 62. + Frescos de la Capilla de los Scrovegni de Padua: dedicados a Jesucristo, la Virgen y San Joaquín y Santa Ana; son considerados como el máximo exponente de la madurez artística de Giotto, que ya ha encontrado su auténtico estilo.
  63. 63. + Frescos de la Basílica de Santa Croce de Florencia: representan el estadio más avanzado de su estilo, en el que las figuras humanas aparecen agrupadas en posturas dinámicas, que reflejan movimiento.
  64. 64. B) Escuela de Siena Ofrece un compromiso entre la tradición bizantina y la gótica. Es una pintura muy decorativa, con belleza idealizada, formas estilizadas, artificiosas y amaneradas, con profusión de rostros ovalados y ojos rasgados. Destacan Duccio y Simone Martini. • Duccio Duccio fue el fundador de la escuela pictórica de Siena. Sus trabajos, de carácter religioso, se caracterizan por la sensibilidad del dibujo, la habilidad de la composición, la calidad decorativa y una intensidad emocional mayor que la del modelo bizantino que seguía. + Gran Maestà: gran retablo pintado por ambas caras, la parte frontal muestra a la Virgen entronizada y rodeada de un gran número de ángeles, santos y apóstoles, levemente naturalistas.
  65. 65. +Gran Maestá
  66. 66. +Madonna Rucellai Se trata de un retablo que muestra a la Virgen sentada en el trono con el Niño Jesús, con un fondo de oro de tradición bizantina y flanqueada por ángeles de rodillas.
  67. 67. • Simone Martini Simone Martini fue el otro gran maestro de la escuela sienesa. Debió de formarse en el círculo de Duccio, pero desarrolló de manera muy personal el estilo de su maestro y le añadió un gran interés por los efectos de perspectiva. Fue un creador genial de composiciones delicadas, elegantes y amables, llenas de armonía y refinamiento. + Condotiero Guidoriccio de Fogliano del Palacio Comunal de Siena: extraordinario retrato ecuestre en el que destaca la figura grandiosa y solitaria del condotiero sobre un fondo de paisaje. + La Anunciación: considerada como una de las mejores realizaciones de la escuela de Siena, esta obra es un testimonio de la persistencia entre los pintores de Siena de una tendencia hacia el color brillante, los fondos dorados y el valor de la línea, que, a pesar de que está muy lejos de la fórmula bizantina, participa del espíritu medieval de idealización de las formas y poetización del tema sagrado.
  68. 68. +Condotiero Guidoriccio de Fogliano
  69. 69. +La Anunciación
  70. 70. C) La Pintura del siglo XIV en España Características: sigue la elegante línea marcada por Siena. • Ferrer Bassa + Murales del Monasterio de Pedralbes: Ferrer Bassa viaja por Italia y conoce a florentinos y sieneses, siendo el introductor del estilo de estos últimos en España, claro al observar el alargamiento y la delicadeza de sus figuras. • Hermanos Serra + Retablo de la Virgen de Sijena: de Jaume Serra, presidido por una Virgen con el Niño de gran delicadeza. + Retablo del Santo Espíritu de la Catedral de Manresa: de Pere Serra, también presidido por la Virgen, pero en este caso junto al encanto decorativo sienes podemos apreciar también la monumentalidad florentina, aunque está mucho más cerca de la obra de Simone Martini que de la de Giotto.
  71. 71. Ferrer Bassa
  72. 72. Hermanos Serra
  73. 73. 3) Estilo Gótico Internacional En la segunda mitad del siglo XIV la influencia de la manera italiana condujo a la creación del denominado “estilo internacional” que va a desarrollarse por toda Europa con unas características muy semejantes. • Características: + Riqueza cromática con colores brillantes a veces irreales. + Las figuras, de una elegancia amanerada, se hacen alargadas y espirituales. + Predominio de la línea curva que se manifiesta en el movimiento y en los ropajes que dibujan plegados abundantes y sinuosos. + Paisaje convencional en el fondo de las representaciones. + La técnica minuciosa y el detalle realista junto con el estudio de la perspectiva son notas que distinguen también este estilo. + Se acentúa el carácter narrativo, apareciendo incluso elementos pintorescos sacados de la vida diaria. + El retrato se desarrolla en las pequeñas figuras de los donantes. Destacan las miniaturas de Borgoña: El libro de las muy ricas horas del Duque de Berry , obra de los hermanos Limbourg.
  74. 74. +El libro de las muy ricas horas del Duque de Berry
  75. 75. 4) Escuela de los Primitivos Flamencos En la segunda mitad del siglo XV se produce un prodigioso florecimiento artístico en las ciudades de Flandes. Se debe a la prosperidad económica de la floreciente burguesía que permite la demanda de un nuevo tipo de obras, de pequeño formato y sobre tabla: el retrato. • Características: + Introducción del óleo y de la técnica de las “veladuras” . + Gran realismo y detallismo: es una pintura para ser vista de cerca, el artista se recrea lo mismo en las personas que en los objetos. Las telas se reproducen también minuciosamente, pero las dota de unos pliegues duros. + El paisaje: los pintores flamencos fueron los creadores de amplios y luminosos paisajes, así como los primeros en representar interiores llenos de intimidad. + Introducción del retrato a través de la imagen del donante (junto a las figuras de Cristo, la Virgen o los santos), hasta que acabó por tener una autonomía en sí mismo.
  76. 76. Hermanos Van Eyck Los hermanos Van Eyck, Hubert y Jan, iniciadores de la escuela flamenca, son conocidos en particular por el uso extenso que hacen del óleo. En la obra de Jan van Eyck, el más destacado de los dos hermanos, confluyen elementos de una tradición en muchos aspectos aún medieval junto a arriesgadas novedades formales e iconográficas de una sorprendente modernidad, que introduce paulatinamente en su obra.
  77. 77. + Políptico de la Adoración del Cordero Místico: obra de Jan y Hubert Van Eyck Consta de 12 tablas en su posición abierta y ocho en el reverso. La tabla central representa la adoración del cordero místico, cordero que simboliza a Dios y que es adorado encima de un altar, que simboliza la Eucaristía; dos semicírculos de personajes rodean la fuente, arrodillados en actitud de adoración, los profetas, junto con los patriarcas a la izquierda, los apóstoles a la derecha junto con Papas y obispos. Destacables también son las tablas extremas de la parte superior, que presentan a Adán y Eva, desnudos pero tapándose sus intimidades tras el pecado original; son dos bellos y exquisitamente proporcionados desnudos, iluminados en contraste con un fondo oscuro. Todas las escenas tienen como fondo un bellísimo y delicado paisaje con árboles de variadas especies, flores, prados y ciudades, todo ello extremadamente pormenorizado. Por último mencionar las tablas intermedias, que contienen los ángeles cantores y los ángeles músicos, en los que resulta impresionante el tratamiento de los detalles en los ropajes, cabellos y rostros.
  78. 78. +Políptico de la Adoración del Cordero Místico
  79. 79. + La Virgen del Canciller Rollín. Jan van Eyck introduce una nueva iconografía: la Virgen en lugar de estar entronizada en el centro aparece en una posición lateral, compartiendo a partes iguales con el donante la totalidad del campo compositivo del cuadro. Toda la composición, desde la distribución y el realismo de las figuras y los objetos cotidianos que las rodean, la aparición del paisaje de la ciudad en el fondo, la igualdad en el tratamiento de la figura del donante y de la Virgen muestra una gran originalidad.
  80. 80. + El Matrimonio Arnolfini. Van Eyck retrata a un acomodado matrimonio burgués del Flandes de la época. La escena aparentemente simple esconde algunas claves necesitadas de interpretación puesto que objetos vulgares son alegorías de virtudes: el perrito significa la fidelidad, estar descalzos la intimidad, la cama la vida conyugal, los frutos en la ventana los alimentos compartidos. la luz entra por la ventana de la izquierda e ilumina a los dos esposos, la lámpara es extraordinaria y el espejo, en el que aparecen los testigos del enlace, nos da la visión completa de la estancia.
  81. 81. + El Hombre del Turbante. Se considera un autorretrato del artista, de impresionante verismo.
  82. 82. Roger Van der Weyden Como buen pintor flamenco va a dedicar especial atención a los detalles, el vivo colorido y el realismo de las figuras, pero a esto se debe añadir el dramatismo que caracteriza sus escenas, como elemento esencial de su pintura. + La Piedad o el Descendimiento: llama la atención el cuidadoso estudio de la composición de un numeroso grupo de figuras alojadas en un reducido y corto espacio; el conjunto parece cerrada por dos paréntesis, a la izquierda San Juan y a la derecha María Magdalena, sirviendo de eje la cruz y de centro de la composición las dos figuras paralelas, dispuestas en diagonal, de Cristo y María; el sentimiento de drama, y de contenida tristeza en el rostro de los personajes consagra a Weyden como uno de los pintores más trágicos de la escuela flamenca.
  83. 83. + La Crucifixión
  84. 84. El Bosco • Como características técnicas, subrayamos la minuciosidad en el detalle, el gusto por la variedad y riqueza del color además del cuidado por la perspectiva. • Pero en su obra destaca sobre todo la originalidad en el tratamiento del tema, al dar a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y convertir las escenas en momentos delirantes, llenos de simbolismos, con imágenes inquietantes, absurdas y fantásticas; todos sus cuadros están impregnados de un humor burlesco.
  85. 85. + El Jardín de las Delicias: esta es la pintura más famosa, la más estudiada, y también la más enigmática y difícil de interpretar de las que pintó El Bosco; en la tabla de la izquierda se presenta la creación del hombre; en la central los placeres y pecados del mundo; y el castigo infernal a todos esos pecados en la de la derecha; se considera una sátira moralizante sobre el destino de la naturaleza humana.
  86. 86. El Jardín de las Delicias
  87. 87. + El Carro del Heno. Tríptico muy sugerente en cuya tabla central aparece un enorme carro repleto de heno y un sinfín de personajes: en la cima del carro se desarrolla una escena cortesana, unos amantes, la música, y un ángel y un diablo. Según los expertos, el tema alude a un versículo de Isaías: “Toda carne es como el heno y todo esplendor como la flor de los campos, el heno se seca, la flor se cae”, por tanto estamos ante una alegoría de lo efímero de los bienes y placeres materiales; a la felicidad terrenal y material, representada por el carro, quieren subirse todas las clases sociales, reyes y obispos, pueblo llano; a los pies del carro vemos los pecados capitales. En las tablas laterales aparecen la creación del hombre, el paraíso y la expulsión (izquierda) y el infierno (derecha) en un tratamiento algo distinto al de El Jardín de las Delicias.
  88. 88. +El carro de heno

×