Walt Disney fue un pionero en la animación que convirtió los dibujos animados en un medio artístico sofisticado y un producto de consumo masivo. Introdujo innovaciones técnicas como la sincronización de imagen y sonido y el uso del Technicolor. A lo largo de su carrera recibió 26 premios Oscar, aunque nunca ganó el premio a mejor película. Su obra tuvo una gran influencia en la historia del cine de animación.

1. CINE EBAU
Fundamentos del Arte II
Mara Mira

2. TEMAS EBAU CINE
MARA MIRA TEMAS EBAU 2
La importancia para el cine de la obra creativa de Walt Disney.
Walt Elias Disney (1901-1966)
La importancia de Walt Disney en la historia del cine de animación difícilmente puede
pasar desapercibida. Fue pionero en la utilización de numerosas innovaciones
técnicas en el cine de animación:
1. La sincronización de imagen y sonido,
2. La utilización de Sonido estereofónico
3. El uso del Tecnicolor.
4. La cámara multiplano y la innovación en el uso de xerografía.
Además, en el plazo de unos doce años (entre 1928 y 1940), logró convertir los antes
menospreciados dibujos animados en un sofisticado medio de expresión artística.
Contó con un equipo de animadores de primera fila cuyos méritos, sin embargo,
quedaron siempre difuminados, pues de la publicidad de la compañía parecía
deducirse que era el propio Disney el autor material de todas las películas. El caso
de su socio y dibujante Ub Iwerks es paradigmático: a pesar de su importancia en los
primeros cortometrajes de la compañía, y en la creación de Mickey Mouse, apenas es
conocido en la actualidad.
Walt Disney convirtió los dibujos animados en un producto de consumo de masas. En
varias ocasiones aceptó, con total franqueza, que su objetivo era llegar al mayor
número posible de espectadores, por encima de cualquier consideración de tipo
artístico. Aunque muchas de sus películas son obras maestras del cine de dibujos
animados, con el tiempo el interés por halagar los gustos del público acentuó una
cierta tendencia al kitsch y al excesivo sentimentalismo.
A lo largo de su carrera como productor cinematográfico obtuvo 26 premios Óscar, de
los cuales 4 fueron honoríficos. Doce de esos premios fueron otorgados a
cortometrajes de animación, categoría que las producciones Disney prácticamente
coparon durante la década de 1930. También recibió 10 estatuillas por la producción
de películas de imagen real.
No recibió nunca el Óscar al mejor largometraje, aunque Mary Poppins fue una de las
nominadas en 1965. No existía la categoría de mejor largometraje de animación (no se
creó hasta 2001) por lo cual ninguno de los largos clásicos de Disney obtuvo la
estatuilla, con dos excepciones: los Óscar honoríficos concedidos a Blancanieves, en
1939, y a Fantasía, en 1942.

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Analiza las claves narrativas del género del 'Suspense', especialmente
referenciado a la filmografía de Alfred Hitchcock.
Hitchcock definía el suspense como la sensación que tiene el espectador de que está
en posesión de una información que el actor desconoce, de que algo va a pasar y está
esperando que pase. Decía que el público era un gigantesco instrumento que el
cineasta podía tocar a su antojo. Este director inglés se expresa a través de una serie
de efectos visuales o auditivos, trucos destinados a hacer que el público quede
sobrecogido o se ría nerviosamente. Empleó medios no utilizados hasta su tiempo de
manera en extremo creativa, sino fueran por los guiones pensaríamos que es cine
experimental.
En muchas de ellas se mantienen los principios:
1. El cine es un espectáculo y el público es el destinatario.
2. Los argumentos son simples y los diálogos son generalmente inútiles.
El espectador debe tener más respuestas que preguntas. Odiaba el efecto
«susto» que dura apenas unos segundos.
3. El peligro sucede en lugares insospechados y el villano puede parecer
perfectamente bueno. No existen los héroes por naturaleza. Los
protagonistas son individuos normales que intentan salir de una situación peligrosa
donde se han visto metidos sin saber cómo ni por qué.
4. Los encuadres tienen un significado emocional. Los momentos de clímax
se caracterizan por encuadres inusuales (verticales, oblicuos, deformados, etc.)
planeados para causar la desazón visual del espectador.
5. El color también es un lenguaje, el sonido es tan importante como la
imagen y el montaje es el principal arma del director.
6. Los objetos son como los actores. Ambos son material de idéntico valor
narrativo para la cámara. De ahí que todas sus actrices siempre rubias y guapas
fueran tratadas casi como objetos. Era un sádico con ellas tanto dentro como fuera del
plató.
Ejemplos en algunos films:
Utilizó la relación tiempo real-tiempo fílmico en una única secuencia en La soga y
usó un único espacio para todo Náufragos. La fotografía trucada en escenas
memorables de Con la muerte en los talones, Atrapa a un ladrón, El hombre que sabía
demasiado. Los decorados extraños en películas como Recuerda en la que
Salvador Dalí le diseñó la secuencia del sueño.
También utilizó los montajes sorprendentes de imagen y sonido como la
famosa escena de la ducha de Psicosis. Mientras en otra secuencia vemos las imagen
del asesino sobreimpresa a la clavera de su madre muerta. También utiliza las
fantasías cromáticas elaboradas a partir de trucos ópticos en Vértigo, de entre los
muertos o Marni La ladrona.

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Con frecuencia el truco marcaba toda la película, integrándose en el
argumento, como ocurre con La ventana indiscreta en la que el protagonista,
temporalmente inválido, está presente desde una ventana como observador en todo lo
que ocurre en el film. El estrangulamiento en el parque de atracciones de Extraños en
un tren es visto, únicamente, como un reflejo en las gafas de la víctima caídas en la
hierba o la utilización del zoom como recurso visual para que sintamos el trauma del
inspector de policía protagonista de Vértigo.

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Describe las claves de la comedia ácida o amarga, comentando, entre otras posibles,
las películas: "To be or not to be” Ernst Lubitsch. "El gran dictador" Charlie Chaplin.
Las comedias ácidas o amargas son películas que satirizan aspectos sociales o
culturales desde un punto de vista mordaz e irónico y siempre crítico. La sátira
conlleva una ridiculización o burla del tema que aborda. Se diferencia de la "parodia"
en que su finalidad principal no es cómica si no crítica y mordaz.
Pasamos a analizar las película propuestas:
To be or not to be de Ernst Lubitsch, Ser o no ser (1942) es una de las
parodias más divertidas e inspiradas que se ha hecho sobre Hitler y el nazismo. El
comienzo de la película es magistral: nos encontramos en Varsovia, capital de Polonia
en Agosto de 1939. Una compañía teatral que representa el clásico de Shakespeare
Hamlet, también preparan una obra sobre el nazismo llamada Gestapo y uno de sus
actores se pasea disfrazado de Hitler por las calles de Varsovia, sembrando el
desconcierto en la población.
Lubitsch utiliza la comedia no como un género ligero sino como un arma magistral y
afilada contra el apogeo nazi. A través de la caricaturización del opresor, consigue
desautorizar sus actos, su ideología. A pesar de las innumerables críticas que recibió
por este enfoque, su atrevimiento es indudable y sólo el paso del tiempo le dio el lugar
que merecía. En España se estrenó en1971, casi treinta años después de ser filmada.
La película se caracteriza por su modo irónico especial, el llamado «toque Lubitsch»,
que el director usaba para saltarse la censura, complicar la trama, y divertirse al hacer
ambiguas las situaciones.

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Por otro lado, El gran dictador es una película estadounidense de 1940 escrita,
dirigida y protagonizada por el británico Charles Chaplin. Este osado proyecto artístico-
político, logra un balance casi imposible: una sátira cómica de Hitler, al tiempo que una
contundente denuncia pública sobre el Holocausto de los judíos, erigiéndose como el
primer largometraje anti-Nazi de la historia. Chaplin, quien fuera la leyenda del cine
mudo realiza uno de los discursos más memorables de la historia del cine, un
manifiesto humanista en su máxima expresión.
En el momento de su estreno, Estados Unidos todavía estaba en paz con la Alemania
nazi, pero la película ya era una feroz y controvertida condena contra el nazismo, el
fascismo, el antisemitismo y las dictaduras en general. En la película, Chaplin define a
los nazis como "hombres-máquinas, con cerebros y corazones de máquinas".
Chaplin interpreta dos papeles, el del dictador (clara parodia de Adolf Hitler) y el del
barbero judío. Este último guarda muchas similitudes con el personaje más famoso de
Chaplin, el vagabundo Charlot. Aunque no se especifica si se trata de él o no,
generalmente se considera que en esta película se produce la última aparición de
Charlot. El largometraje recibió cinco nominaciones en la 13.ª edición de los Premios
Óscar, sin embargo no ganó ninguno.
Esta película no se estrenó en España hasta 1975 cuando Franco murió.

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Comenta el resurgimiento del gran cine norteamericano con la
obra cinematográfica de Francis Ford Coppola.
RESURGIMIENTO DEL CINE AMERICANO
Nuevo Hollywood es un término utilizado para describir la aparición de una nueva
generación de directores educados en escuelas de cine y que han absorbido las
técnicas creadas en Europa en la década de los 60. Directores como Francis Ford
Coppola, George Lucas, Brian de Palma, Martin Scorsese y Steven Spielberg llegaron
para crear productos que rindiesen homenaje a la historia del cine e innovar sobre los
géneros y técnicas ya existentes. Al principio de la década de los 70, sus películas
fueron a la vez alabadas por la crítica y exitosas comercialmente.
Mientras las primeras películas del «nuevo Hollywood» como Bonnie y Clyde (Arthur
Penn) y Easy Rider ( Dennis Hopper) habían sido relativos éxito de bajo presupuesto
con héroes amorales y una sexualidad y violencia incrementadas, el enorme éxito
cosechado por El padrino (Francis Ford Coppola), Tiburón (Steven Spielberg) y Star
Wars (George Lucas) ayudaron a establecer el concepto moderno de "cine comercial"
o mainstream, y llevaron a los estudios a enfocar más seriamente sus esfuerzos en
intentar producir grandes éxitos.
Francis Ford Copola inició carrera inició en 1963 con la dirección y el guión de
Dementia 13 pero su gran punto de inflexión surgió con el encargo de la Paramount
de adaptar el best-seller del escritor Mario Puzo, El padrino (The Godfather, 1972), un
análisis íntimo y épico del mundo de la Mafia en Estados Unidos. En esta película
Coppola logró aunar, con extraordinaria perfección, todas las disciplinas propias de un
filme y además dar un enfoque completamente nuevo. Hay que destacar las soberbias
interpretaciones de los actores Marlon Brando, Al Pacino, Diane Keaton, Robert
Duvall… a las que hay que sumar un guión prodigioso (coescrito con Puzo), la música
melancólica compuesta por Nino Rota y la oscura y celebrada fotografía de Gordon
Willis. La conjunción de todo logró que Coppola creara un film de gran ritmo narrativo a
caballo entre la acción y la reflexión. Hallamos en esta película una profundidad de
ecos shakesperianos en la tragedia que envuelve a los personajes. Dos años después
superó el listón con El padrino II y en 1991 rueda la tercera parte. La primera parte es
uno de los filmes más reconocidos y elogiados de todos los tiempos y le hizo ganar
dos premios Oscar, de la Academia por Mejor película y Mejor guion adaptado (que
compartió con Puzo por coescribirlo). La segunda parte es la secuela más apreciada
en la cinematografía estadounidense), con ella recibió el Oscar a Mejor director.
Coppola ha dirigido más de una veintena de películas, algunas de ellas aclamadas por
la crítica cinematográfica. Destacan producciones como la bélica Apocalypse Now
(1979) o la adaptación al cine de la novela de Bram Stoker Drácula (1992). Es
considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno
de los más grandes de todos los tiempos.

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