Breve síntesis sobre las corrientes y movimientos vanguardistas musicales, sus autores y obras representativas.

1. VANGUARDIAS
Entre fines del siglo XIX y principios del XX, los países europeos más desarrollados vivieron una época nueva
y diferente que puso de manifiesto un deseo de romper con los estilos artísticos del pasado. En este momento
agitado y complejo, la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia del pasado y al mismo tiempo
aparecían nuevas tecnologías que anticipaban el futuro. En el ámbito social el anarquismo desafiaba los
valores burgueses y en el terreno artístico surgían las llamadas vanguardias, que alteraron ciertos valores
establecidos desde hacía siglos.
El término “vanguardia” es de origen medieval y francés (avant gardee: guardia adelantada), supone la idea
de lucha y combate de pequeños grupos que se destacan del resto, van al frente y avanzan. Las vanguardias
artísticas se manifestaron en grupos reducidos que se oponían a situaciones aceptadas por la mayoría, esas
tendencias se enfrentaron al orden establecido y a los criterios de las clases altas, en círculos intelectuales
que proponían una ruptura.
Los artistas inmersos en estos cambios, se paran en una nueva dimensión innovando en todos los campos
del arte, provocando la aparición de corrientes superpuestas, algunas de efímera duración. El término
vanguardia se utiliza entonces para definir el desarrollo del arte en el siglo XX: arquitectura de vanguardia,
cine de vanguardia, música de vanguardia, etc.

2. La música del siglo XX comenzó como continuación de los movimientos de fines del siglo anterior (romántico
tardío, impresionismo, nacionalismo), pero hacia 1920 adoptó un enfoque más moderno que desafía la
tonalidad, cambia las escalas, recurre a lo aleatorio y apela al exotismo. Comienza un período de búsqueda
constante de la originalidad y de permanente ruptura con las premisas de las tradiciones musicales.
Las vanguardias niegan el concepto de obra de arte acabada y autosuficiente para sustituirlo por el concepto
de “obra abierta” como investigación experimental que nos invita a ser parte integrante de la composición.
La música no ha de ser necesariamente bella sino auténtica y su finalidad no es gustar sino conmover. Lo
nuevo es lo válido, la música de vanguardia no se ata a ninguna regla y refleja la actualidad. La vanguardia
musical enfrenta la rigidez y propone atrevidas innovaciones. Surgen así una gran diversidad de géneros y
movimientos que van a desembocar en la llamada “música académica contemporánea” hacia finales del siglo
XX.

3. EXPRESIONISMO
Arnold Schonberg (1874-1951) afirmaba que el arte era un “grito de socorro de quienes experimentan en sí
mismos el destino de la humanidad”. Según él, los artistas “contienen el movimiento del mundo y abren paso
a su eco, que es la obra de arte”.
El Expresionismo asume la postura radical que contrasta con la sociedad burguesa superficial, enferma de
doble moral aunque de apariencia agradable. A partir de los años 20 rompe con la jerarquía tonal y desarrolla
su innovación: el dodecafonismo. Estaba prohibido usar una nota más que otra y se establecía una relación
serial de los 12 sonidos existentes.
Schonberg, Pieza para piano, 1923 - https://youtu.be/2lFZf69B2gQ
SERIALISMO
Del dodecafonismo surge el serialismo, aplicando una “anarquía organizada” a otros elementos como el
ritmo, la dinámica y el timbre. Una vez establecida la serie original, se aplican retrogradaciones e inversiones
de intervalos. El compositor puede trasponer estas series en cada uno de los 12 sonidos, abriendo una gran
posibilidad de combinaciones.
Ejercicio serialista - https://youtu.be/TNbkRoCnmxc

4. ATONALISMO
Schonberg rompió con las referencias jerárquicas tonales y aunque no se consideraba un vanguardista,
afirmaba haber arribado a ese atonalismo como consecuencia inevitable del desarrollo histórico de la música.
El estadounidense Charles Ivés (1874-1954) fue un pianista y compositor que no tuvo demasiado éxito en
vida, aunque hoy se le reconoce internacionalmente. Luego de pasar por varios estilos, compuso Unanswered
question, una obra que le llevó décadas y que plantea misteriosamente lo que él describió como “la eterna
pregunta de la existencia”.
Ivés, Pregunta sin respuesta, 1940 - https://youtu.be/ZcWHl4i6Jm4
MÚSICA EXPERIMENTAL
Esta tendencia pretendía revisar todos los postulados musicales conocidos, experimentando con sonidos de
la naturaleza y también por las nuevas máquinas eléctricas. Charles Ivés, fascinado por la música al aire libre,
imaginó una marcha en la que dos bandas tocaban músicas distintas y se juntaban en el centro de un pueblo,
desde diferentes lugares.
Las ideas de multiplicidad, simultaneidad, ruidos, silencios y creación de atmósferas, alimentaron a otro
norteamericano llamado John Cage (1912-1992), quien basó luego su “piano preparado” y la música
aleatoria, así como con la acción musical conocida como happenings.
Cage interpreta en TV su obra Water walk en 1960 - https://youtu.be/gXOIkT1-QWY

5. FUTURISMO
Los italianos Francesco Balilla Pratella (1880-1955) y Luigi Russolo (1885-1947) experimentan con sonidos y
ruidos de máquinas industriales y en 1911 proclaman el atonalismo, la enarmonía, la polifonía absoluta y el
ritmo libre en su manifiesto futurista.
El suizo Arthur Honegger (1892-1955) compuso en 1923 la obra “Pacific 231” recreando orquestalmente el
sonido de una locomotora en movimiento. En 1926 el norteamericano George Antheil (1900-1959) compuso
su “Ballet Mecánico” a partir de una orquesta con ocho pianos, ocho xilófonos, una pianola, dos timbres
eléctricos y una hélice de avión.
Russolo, Risveglio di una Città, 1913 - https://youtu.be/IC3KMbSkYNI

6. PRIMITIVISMO
Recurriendo al folclore arcaico que se había preservado de la influencia occidental, el húngaro Bela Bartok
(1881-1945) se dedica al rescate del patrimonio tradicional de la Europa Oriental y sienta las bases de la
etnomusicología enfatizando la dimensión social y cultural de la música. Combina esas danzas y canciones
populares con la música culta occidental con un estilo propio, virtuoso y poderoso.
Las novedades más importantes se verifican en el uso de la bitonalidad superpuesta, nuevas disonancias y
una gran complejidad rítmica.
Bartok, Sonata para 2 pianos y percusión, 1937 (fragmento) - https://youtu.be/9MyCOF1IvxQ
Igor Stravinsky (1882-1971) tomó el folclore ruso y creó obras provocadoras y atrevidas que reinventaron el
ballet. Su obra abarca toda la variedad estilística de su época: óperas, sinfonías, ballet, pequeñas piezas para
piano e incluso se acercó al jazz. Fue uno de los compositores más importantes e influyentes del siglo XX.
Stravinsky, Pájaro de fuego, 1910 (dirigida por el autor en 1965) - https://youtu.be/-nqOlIvTAbI

7. MÚSICA ELECTRÓNICA
Luego de la segunda guerra mundial se desarrolla y populariza la tecnología electrónica. A partir de la
manipulación distorsionada de sonidos electrónicos, el uso de grabadores, micrófonos y mezclas, el francés
Edgar Varese (1883-1965) desarrolla un catálogo de música nueva que utiliza sonidos electrónicos.
Varese decía que todo aquello que resultaba nuevo en la música era denominado ruido, planteando la
pregunta: ¿qué es la música sino una sucesión de ruidos organizados? Su obra Ecuatorial combina
novedosamente un coro de bajos, trompetas, trombones, piano, órgano, theremines y percusión.
Varese, Ecuatorial, 1934 - https://youtu.be/qM4ALq9-Y1g
MÚSICA CONCRETA
El también francés Pierre Schaeffer (1910-1995) es considerado el creador de la música concreta, que utiliza
principalmente grabaciones en cintas. La creación de una obra nueva supone manipular, cortar, pegar,
superponer y combinar esas grabaciones.
Schaeffer enfatizaba la importancia del juego en la creación musical, así como en inglés “play”, en francés
“jouer”, puede tener el sentido de jugar como de tocar un instrumento musical. Esta noción es básica para
la comprensión de la música concreta. En 1948 compone Cinq études de bruits, su segunda parte está
compuesta por grabaciones de sonidos de trenes.
Sxhaeffer, 1948, Étude aux chemins de fer - https://youtu.be/N9pOq8u6-bA

8. MÚSICA ALEATORIA
John Cage es considerado entre los compositores más influyentes del siglo XX, fundamentalmente por su
espíritu experimentador. Su obra pasa por la electrónica, el uso de instrumentos musicales no convencionales
o su uso en formas poco ortodoxas y es pionero en la música aleatoria, en la cual la improvisación adquiere
un carácter fundamental.
El grado de aleatoriedad pasa a ser una variable más de la música, permitiendo una manipulación del azar
como elemento compositivo. El llamado “work in progress” constituye el máximo grado de azar en la
ejecución de las piezas y en ellas aparecen instrumentos clásicos como el piano, junto a otros objetos, medios
electrónicos como sintetizadores, distorsionadores y cintas grabadas.
Se llama “piano preparado” a un piano cuyo sonido se altera colocando objetos entre sus cuerdas. La idea es
alterar el timbre del instrumento y fue Cage quien acuñó el término, siendo el compositor que hizo esta
técnica famosa.
Piano preparado - https://youtu.be/2CDKwtnsLGU
Cage, Sonata V, 1946 - https://youtu.be/jRHoKZRYBlY
Roberto García, 2021