Este documento resume la temporada de espectáculos de los teatros de la Junta de Andalucía. Ofrecerán una amplia variedad de actuaciones de danza, teatro y música de creadores andaluces, nacionales e internacionales con el objetivo de enriquecer la vida cultural de la región y atraer nuevos públicos. Algunas de las actuaciones destacadas son la banda pop catalana Manel y la puesta en escena de ¿Quién teme a Virginia Woolf? dirigida por Daniel Veronese e interpretada por Carmen Machi y Pere Ar

1. 1

2. Imagen temporada: Ildefonso Troya · Diseño y maquetación: CRITERIA DC
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3. Los teatros de la Consejería de Educación,
Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía:
espacios para el desarrollo individual
y colectivo de nuestros ciudadanos
Lugares privilegiados para el encuentro de creadores, productores y programadores, los teatros de la Consejería
de Educación, Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía ofrecen al público la posibilidad de descubrir las
múltiples tendencias de la creación contemporánea en lo que se refiere a la danza, el teatro y la música.
Cada mes de octubre los numerosos seguidores de nuestras temporadas esperan inquietos y exigentes la
oferta artística que les hemos preparado, oferta que llenará de contenido nuestros escenarios durante nueve
meses. Los espectadores de nuestra Comunidad Autónoma analizan detenidamente nuestra oferta el día
de su desvelamiento pero no son solo ellos quienes esperan febrilmente nuestra propuesta escénica, sino
que profesionales y programadores de todo el Estado español así como de toda Europa navegan a través de
nuestra temporada a la búsqueda de posibles descubrimientos artísticos que susciten su interés.
Acogiendo a los más destacados creadores escénicos del panorama andaluz, nacional e internacional
nuestros teatros, sus programaciones se han proyectado más allá de las fronteras de nuestra Comunidad
Autónoma y se han situado junto a los coliseos y festivales más avanzados en la primera división de la
programación escénica a nivel nacional e internacional.
Nuestro empeño temporada tras temporada es ambicioso y no es otro que el del enriquecimiento de nuestra
vida cultural, la dinamización de prácticas artísticas innovadoras y el desarrollo de nuevos públicos. Todo ello
desde el convencimiento de que las artes renuevan nuestro entorno físico y social, estimulan nuestro espíritu
y despiertan nuestras emociones. Nuestros teatros se convierten así en espacios que celebran la audacia, la
libertad y la innovación, así como en lugares para el encuentro entre todos los apasionados del diálogo cultural.
La programación de espectáculos producidos por nuestras industrias culturales y presentados a nivel de
igualdad –no podía ser de otra forma- junto a propuestas escénicas provenientes de otras comunidades
autónomas así como de todo el mundo convierten a nuestros espacios en cajas de resonancia para el teatro,
la danza y la música realizadas por nuestros creadores y creadoras. Uno de nuestros objetivos irrenunciables.
Nuestros teatros, por consiguiente, visualizan el compromiso que adquirimos en nuestro Pacto por la Cultura
como valor identitario de Andalucía, como pueblo orgulloso de sus raíces y vanguardista en su talento,
conviviendo con los recursos creativos procedentes de diversas culturas, tal y como requiere una sociedad
abierta al mundo.
Con la oferta artística que proponemos esta temporada esperamos seguir contribuyendo al desarrollo de la
cultura escénica en nuestra Comunidad. Es nuestro deseo.
Luciano Alonso
Consejero de Educación, Cultura y Deporte
Junta de Andalucía
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4. La originalidad artística nunca podrá
copiarse más que a sí misma
Enrique Vila-Matas
Aire de Dylan
- ¿De qué trata su libro?
- Trata de todo lo que está escrito en él
De una entrevista con Antonio Lobo Antunes
En el teatro, el aburrimiento, como el diablo, puede surgir
a cada momento. No hace falta casi nada para que salte
sobre nosotros. ¡Nos acecha, es voraz!. Busca el momento
para deslizarse de forma invisible en el interior de una
acción, de un gesto, de una frase. En el teatro, en cuanto
surge en mí el aburrimiento, una luz roja parpadea.
Peter Brook
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5. Abrirse a la creación contemporánea y abrirse al mayor número de espectadores. La una sin el otro es un
sin sentido. Ésta es la ecuación mágica que guió toda la trayectoria profesional de Jean Vilar fundador del
Festival d’Avignon y esta misma ecuación es la que año tras año tratamos de resolver a la hora de dibujar
ese cuadro lleno de puntos de fuga que deben converger en el marco de nuestro espacio para, a través de
su contemplación activa, proyectarnos hacia ese paisaje lleno de posibilidades infinitas y en construcción
permanente que es el signo diferenciador del espectáculo vivo.
De la misma manera que la recepción de un espectáculo requiere del espectador una reposada y generosa
disposición de conciencia, nuestro delicado trabajo debe realizarse con una dedicación extrema y una
cuidadosa atención al detalle que conjure la tentación de búsqueda de la modernidad “à tout prix”, ya que
dicha modernidad no puede construirse más que a partir de la memoria.
Temporada tras temporada intentamos que los “sueños” (los vuestros y los nuestros) se conviertan en
palabras y que nuestras palabras se conviertan en actos. Así pues, cuando alcanzamos dicho objetivo es
porque hemos logrado superar una etapa más en el camino que desde hace años nos hemos trazado: el de
compartir esas palabras y movimientos que comprometen tanto a aquellos que las pronuncian o los ejecutan
como a los que los reciben y leen.
En definitiva, el arte, tanto para aquel que lo practica como para el que lo degusta, nos devuelve
nuestra identidad como sujetos autorizados a imaginar un destino construido por y para nosotros.
Nuestra próxima temporada, por consiguiente, se sitúa nuevamente a contracorriente del tiempo en que se
instala. A contracorriente de ese presente en el que una cosa no existe más que a partir del momento en el
que queda demostrada su contribución inmediata al crecimiento económico. Un presente en el que también
la cultura se esfuerza febrilmente en subirse al tren del beneficio “a corto plazo”.
Nada mejor, para ilustrar la anterior afirmación, que recuperar una cita del economista John Maynard Keynes
citada por Guy Gypens, director del Kaaitheater (Bruselas): La misma regla autodestructiva, de cálculo financiero,
rige cada momento de la vida. Destruimos la belleza del campo porque los esplendores de una naturaleza que
no pertenece a nadie no tienen ningún valor económico. Somos capaces de apagar el sol y las estrellas porque no
producen ningún dividendo.
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6. MEMORIA Y AVENTURA: LA UTOPÍA NECESARIA
De la mano de artistas bien conocidos, cuya trayectoria seguimos desde hace años, y de otros que vienen a
proponernos la aventura de su descubrimiento, hemos construido la oferta escénica de nuestra próxima temporada
desde el convencimiento de que, junto a todos los que los seguís, alcanzaremos la utopía necesaria del arte sin
fronteras y de consolidar nuestra apuesta por el sostenimiento de la Europa de los artistas.
Unos creadores a los que estamos felices de acompañar y poner a su servicio nuestros medios y nuestros equipos,
ya que para nosotros es un privilegio atender a sus exigencias, a su diversidad y, en definitiva, a su arte.
Pero nuestra programación, su elaboración también ha tenido en cuenta que la curiosidad del público es
incansable, se renueva, se diversifica y da testimonio de una fidelidad infatigable. Muchos venís más de diez
veces y algunos os convertís casi en fanáticos (alguien decía que el único campo en el que el fanatismo se
convierte en virtud es en el de las artes), decidís viajar del teatro a la danza y de ésta a la música y viceversa, para
así comprobar por vosotros mismos el comportamiento de las artes hermanas, aportando vuestra mirada crítica
a ese signo diferenciador de la última historia del espectáculo vivo que es la de la hibridación de lenguajes.
Tampoco hemos querido olvidarnos de otro de nuestros objetivos: el de la diversificación de los espectadores.
Es nuestra preocupación permanente: la de ampliar nuestro público pero sin que este objetivo se convierta
en una ambición comercial, sino en una exigencia para afianzar el futuro. Se trata de un deseo artístico.
En definitiva lo que pretendemos es compartir y dialogar desde la libertad entre espectadores entre sí, entre
artistas y entre unos y otros.
Así pues, creadores andaluces, nacionales e internacionales con equipajes a la vez diferenciados y
coincidentes, junto a los espectadores y nuestros equipos escribirán una página más de la historia del
compromiso activo con las artes escénicas contemporáneas. Un compromiso que siempre tiene presente que
la vida, la creatividad, existen porque siempre hubo concepciones diversas.
Decía Unamuno que el lector lee lo que espera leer y repele, borra o enmudece lo que no se conjuga con su
melodía particular. Algo parecido ocurre con el espectador de un espectáculo y, sin embargo, parafraseando a
Javier Marías, si los creadores renuncian a ser los amos de los mundos que inventan; si se pliegan de antemano
a las preferencias de sus clientes y ya no los pueden sobresaltar no debe cabernos duda de que las propuestas
artísticas que nos interesan y nos deslumbran, a los individuos como a las masas, tendrán los días contados.
Celebremos pues los felices sobresaltos a los que nos expondremos a lo largo de esta temporada.
Agencia Andaluza de Instituciones Culturales
Manuel Llanes
Director Artístico de Espacios Escénicos
Consejería de Educación, Cultura y Deporte. Junta de Andalucía
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7. POP-ROCK MANEL
OCTUBREa
18
21 : 00 h
Presentan su disco: Atletes, baixin de l’escenari
LA PRIMERA BANDA QUE, TRAS SERRAT Y LLUÍS LLACH, LOGRA EL NÚMERO UNO EN ESPAÑA Y QUE
LLEGA PARA INAUGURAR NUESTRA TEMPORADA A RITMO DE POP. UN CUARTETO QUE OBTUVO
TODA CLASE DE PREMIOS CON SU SEGUNDO DISCO EN 2011.
El grupo pop Manel presenta Atletes, baixin de l’escenari (WarnerDiscmedi, 2013). El tercer trabajo del cuarteto barcelonés, el disco
de oro más fulgurante de la historia del pop cantado en catalán, no
echa de menos los arreglos de viento y cuerda de sus predecesores
y pivota del folk al pop, e incluso el rock, sin abdicar de sus rasgos
diferenciales: canciones narrativas que detrás de su aparente
cotidianidad esconden un universo perfectamente identificable.
Unas veces irónicos (Un directiu em va acomiadar), otros inquietantes
(Imagina’t un nen) y siempre emocionantes, Guillem Gisbert, Roger
Padilla, Martí Maymó y Arnau Vallvé, presentan un repertorio
tremendamente generoso en emoción que, más crudo, dinámico y
eléctrico, revela su romanticismo.
Tras sorprender con Els millors professors europeus (2008), hicieron
historia con 10 milles per veure una bona armadura (2011), el duodécimo
álbum más vendido en España en 2011 con 60.000 copias y un
carrusel de premios que, entre otros, incluye el Premio Ojo Crítico
de Música Moderna (RNE) y más de 105 conciertos en menos de
un año, Manel regresan con Atletes, baixin de l’escenari y suben a los
escenarios para presentarlo en directo. Una gira que les ha llevado a
citas imprescindibles del circuito estatal de festivales como Pirineos
Sur, Veranos de la Villa, Santander Music, Cap Roig Festival, Festival de
Peralada, Festival Internacional de Música de Cambrils y muchos otros...
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8. TEATRO TEATRE ROMEA
OCTUBRE
24 25
21 : 00 h
¿Quién teme a Virginia Woolf?
De EDWARD ALBEE Dirección: DANIEL VERONESE Con CARMEN MACHI y PERE ARQUILLUÉ
NI DANIEL VERONESE, DIRECTOR DEL ESPECTÁCULO, NI CARMEN MACHI Y PERE ARQUILLUÉ, LOS DOS
PROTAGONISTAS, TEMEN A VIRGINIA WOOLF. UN ESPECTÁCULO DE ALTA TENSIÓN. UNA FIESTA TEATRAL.
Pero en el caso de esta Virginia
Woolf, no es solo ella quien nos
dará una auténtica lección de
interpretación, sino que todos los
que la acompañan, empezando
por Pere Arquillué, un actor
superlativo de quien ya disfrutamos
en las producciones del Teatre
Lliure a las órdenes de Àlex Rigola
-recordemos su interpretación
de Ricardo III o su colaboración
en 2666, aquel desmesurado
espectáculo sobre la novela de
Roberto Bolaño- y siguiendo por
Mireia Aixalà y Ernest Villegas que
consiguen que lo que veamos
sobre el escenario sea un auténtico
póker de ases. Si a todo esto le
añadimos que han contado con
la respetuosa dirección de Daniel
Veronese -el argentino llevaba
años deseando afrontar el reto de
poner en escena la obra maestra
de Albee- poco arriesgamos al
afirmar que asistir a una de las
representaciones de esta función,
sea disfrutar de un auténtico
banquete escénico.
¿Quién teme a Virginia Woolf?,
la obra maestra de E. Albee,
es el retrato de la sociedad
americana del momento y el
análisis de un mal nacional:
el engaño a la pareja. Como
dice Veronese “se trata de una
compleja maquinaria sobre
8
la vida humana en pareja, en
compañía. Una máquina de
coser hombres y mujeres.”
Marcos Ordóñez afirmaba en
El País: “Machi y Arquillué
parece que lleven toda la
vida haciendo este texto.
Estos dos se quieren, se siguen
queriendo, a su salvaje manera.
George y Marta, quiero decir.
Tal vez porque Machi y Arquillué
juegan en la misma liga,
entienden, creo, el teatro del
mismo modo. Son dos enormes
bestias teatrales, que salen a
comérselo todo, a manchar
los manteles, y contagian su
entrega y su entusiasmo… con
una vitalidad alimentada de
alcohol, de resentimiento, de
violencia apasionada…
¡Qué pobre gente, qué dolor, qué
infierno vivir ahí, vivir así!
Al final de la obra brota también
una pregunta capital: ¿lo suyo
tiene arreglo después de esa
amputación, de ese exorcismo?”
Fotografía: © Enrique Cidoncha
El merecido reconocimiento de
Carmen Machi como “la gran
dama” de la escena española y
el que, una temporada tras otra,
decida ofrecernos el regalo de su
presencia sobre nuestro escenario,
es un privilegio para Granada.

9. MÚSICA ENRIQUE MORATALLA en concierto
OCTUBREa 26
21 : 00 h
Presentando su nuevo disco: La flor del frío
Fotografía: © María José Faus
ENRIQUE MORATALLA PRESENTA SU QUINTO DISCO, TRAS CORAZÓN TRANSEÚNTE (2000),
FABIOLA 11 (2004), EL DIVÁN DEL TAMARIT (2007) Y SUITE PIAZZOLA, CON HORACIO FERRER Y
VERSUS ENSEMBLE (2007). LA NUEVA OBRA DE MORATALLA, LLENA DE PRESENTE, ES AL MISMO
TIEMPO UN ENTRAÑABLE HOMENAJE A ENRIQUE MORENTE, EL POETA PABLO DEL ÁGUILA Y
SUS COMPAÑEROS DE VIAJE EN MANIFIESTO CANCIÓN DEL SUR, CARLOS CANO, ANTONIO MATA,
ESTEBAN VALDIVIESO Y CARMELO SÁNCHEZ MUROS.
A su manera, a la manera de Enrique Moratalla, está pensado, cuidado
y depurado este disco hasta el último detalle. La producción general es
suya, así como, salvo alguna excepción, los temas que lo componen. Los
arreglos y la dirección musical son de Michael Thomas. Y el resultado es
un álbum de sonido limpio y elegante, a veces sugerente, otras lujoso
y hasta espectacular, alternando ritmos más vivos, con momentos más
suaves, arropada siempre la plasticidad de la voz de Enrique -cada
día más pletórica, modulada y llena de matices- por unos músicos de
primerísimo orden.
La base del disco es un cuarteto de cuerda con la presencia
permanente de la guitarra. Los solos instrumentales (saxo, cello y los
dúos trombón/trompeta y piano/flauta) juegan aquí con la voz en un
diálogo emocionante. También, en momentos puntuales, le acompañan
voces que subrayan la expresión y la potencian.
Sus canciones son un homenaje a la amistad y al recuerdo, pero
además se alza en este álbum la canción del presente, de un presente
vivo y también ensimismado, del que nos quiere hacer partícipes su
autor de la mejor manera que sabe un artista, creando belleza.
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10. TEATRO EL ESPEJO NEGRO/ÁNGEL CALVENTE
OCTUBRE
31
11 : 00 h
(funciones didácticas para centros docentes)
31
La venganza de don Mendo
NOVIEMBRE
1
21 : 00 h
2
21 : 00 h
De PEDRO MUÑOZ SECA Adaptación y dirección: ÁNGEL CALVENTE
EL DIRECTOR MALAGUEÑO ÁNGEL CALVENTE
NOS HARÁ REIR A CARCAJADAS CON SU
BRILLANTE VERSIÓN PARA MARIONETAS DE LA
FRESCA Y ATREVIDA OBRA HISTÓRICA DE PEDRO
MUÑOZ SECA.
Esta adaptación ha supuesto
todo un reto para el director
andaluz, quien ha conseguido
darle a la obra un toque muy
personal gracias a la alta calidad
técnica y artística de todo su
equipo. Sobre el escenario actúan
cinco actores manipuladores
de carne y hueso compartiendo
espacio escénico con sus
antagonistas de goma-espuma.
10
Con esta obra, nos deja claro que
“las marionetas son el vehículo
perfecto para contar y representar
todo tipo de historias.”
A esta peculiar historia de amor y
traición repleta de personajes, el
director ha añadido uno nuevo:
un perro que habla en verso
y narra a los espectadores las
escenas que han sido cortadas.
Otras escenas se han convertido
en números musicales a cargo
de Raphalindo que no tienen
desperdicio y participan del
buen humor que destila la obra.
Las alusiones a la actualidad
están perfectamente integradas
y las rimas insólitas, los juegos
de palabras, los arcaísmos y
los anacronismos, hábilmente
combinados, provocan en el
espectador una carcajada casi
continua. Un espectáculo de
marionetas cargado de magia,
humor y frescura.
Fotografía: © Salvador Blanco
Tras el éxito que obtuvo con su
espectáculo La vida de un piojo
llamado Matías, que recibió el
Premio MAX al mejor espectáculo
infantil en 2009, el creador de la
compañía El Espejo Negro repite
la experiencia con una nueva
adaptación del texto de otro
autor. Esta vez se ha enfrentado
a la obra más emblemática de
Pedro Muñoz Seca, una comedia
de ambientación histórica
basada en los amoríos de Don
Mendo el marqués de Cabra,
quien, traicionado por su amada
Magdalena del Jarama, irá en
busca de venganza.

11. DANZA DA.TE DANZA
NOVIEMBRE
7
8
10 : 00 y 12 : 00 h
(funciones didácticas para centros docentes)
9
18 : 00 h
10
12 : 00 h
Jardín en el aire
Dirección: OMAR MEZA
Espectáculo para 3 bailarines · Público familiar, a partir de 5 años
“EL VIENTO Y EL AGUA ME TRAJERON AQUÍ. LOS
ÁRBOLES VIERON COMO SE ACERCABA EL MAR
DESDE SU ORILLA PERO NO HICIERON NADA,
SOLO RUIDO”.
El nuevo proyecto de Da.Te
Danza es una apuesta por el
trabajo en equipo con grandes
artistas que sumen al espectáculo
su huella personal. Todos los
colaboradores de Jardín en el
aire, tienen una larga trayectoria
en cada una de sus disciplinas
y mantienen un esencial rasgo
común: su decidido trabajo con la
infancia y la danza.
Fotografía: © Juan Antonio Cardenas Martín
Este espectáculo no sería igual sin
las magistrales aportaciones de
Margarita Sánchez (dramaturga),
Eulalia Ayguade (coreógrafa), Yutaka
Takei (creación de imagen), David
Campodarve (músico) y Farah
Hasanat (vestuario).
Existe una etapa en la vida de
cada niño/a que está llena de
inseguridades y dudas generadas
por las distintas situaciones o
condiciones en las que le toca
vivir: la familia, el entorno, los
factores económicos, la sociedad,
la educación…. Cada niño afronta
sus retos o problemas con las
armas que ha podido desarrollar
a lo largo de su corta vida y esto le
condicionará para siempre. Cuáles
son las tinieblas que nos impiden
ver más allá, cómo podríamos
sufrir menos y ser como esa
naturaleza de la que formamos
parte que se adapta y reinventa
sin crear traumas.
El desarrollo de esa etapa de la
infancia con sus trabas y logros y
la evolución ligada a la naturaleza
como espejo en el que deberíamos
mirarnos, es el punto de partida
de este espectáculo. Crecer como
crece el agua que sobrepasa sin
dificultad los obstáculos del paisaje
sería muy sencillo…
Tres personajes con rasgos
muy identificativos y distintos se
encuentran inmersos en un gran
cambio en su forma de vida y
su entorno. Hoy ya nada será
como ayer, todo ha cambiado,
la naturaleza se ha pronunciado
y lo que era tu modo de vida ha
desaparecido, ahora hay que
sobrevivir, mejor será hacerlo
juntos. Este será su nuevo Jardín y
está en el aire.
Su rigor en el trabajo y la
sensibilidad de sus puestas
en escena, han convertido a
Da.Te Danza en una referencia
indiscutible de calidad dentro
y fuera de nuestras fronteras.
Desde 1999 hasta la actualidad
han realizado más de 1.500
funciones. Sus espectáculos
han sido vistos en toda España
y, además, en Rumanía, Italia,
México, Francia, Portugal, Bélgica,
Finlandia, Austria, Andorra,
Serbia, Alemania, Rusia, Finlandia,
Uruguay, Grecia y Turquía.
11

12. TEATRO ATALAYA
NOVIEMBRE
15
11 : 00 h
(funciones didácticas para centros docentes)
15 16
21 : 00 h
Madre Coraje
De BERTOLT BRECHT Dirección: RICARDO INIESTA
CON MÁS DE TREINTA PREMIOS A SUS ESPALDAS,
ENTRE ELLOS EL NACIONAL DE TEATRO, RICARDO
INIESTA Y SU EQUIPO ESTABLE AFRONTAN UNO
DE SUS SUEÑOS: LA PRODUCCIÓN DEL MÍTICO
TEXTO DE BRECHT MADRE CORAJE.
Hacía años que el director andaluz venía acariciando el proyecto
de montar Madre Coraje, la obra más importante de Brecht, el
dramaturgo alemán que tanto influenció la puesta en escena
durante el siglo XX y uno de los textos teatrales más emblemáticos
de la dramaturgia contemporánea.
No es la primera vez que ese equipo de investigación teatral que
es Atalaya desde que se creara en 1983, se acerca al dramaturgo
alemán, ya lo hizo cuando subió al escenario La ópera de tres
centavos, un musical con el que recorrió la práctica totalidad de la
geografía española y con el que obtuvo el Premio Canal Sur a mejor
espectáculo andaluz de 2007. Ahora Ricardo Iniesta hace realidad su
sueño. A buen seguro que será una excelente conmemoración para
los 30 años de Atalaya.
12
Fotografía: © Félix Vázquez
Como bien dice Iniesta, Madre Coraje representa una metáfora de la
sociedad en la que vivimos, embarcada en una desaforada carrera
hacia el éxito, hacia el culto al mercado y a la propiedad; hacia el
engaño y el sometimiento de los más débiles. Se trata de un texto
que toma como referencia la guerra, pero no solo se pronuncia
contra ella, sino contra la actitud del ser humano de apostar por un
sistema de vida donde prime la ganancia, aún a costa de sacrificar
la propia existencia y la de los seres más queridos. En la obra se
pregunta al espectador por las opciones que tomaría en una
situación de extrema crisis, como la que vivimos. Resulta, por
tanto, de una tremenda actualidad, más aplicable a nuestro
tiempo incluso, que a los días en que fue escrita. La pieza es la
demostración palpable de la visión de futuro de la que hacía
gala Bertolt Brecht.

13. FLAMENCO PATRICIA GUERRERO
NOVIEMBRE
22 23
21 : 00 h
Latidos del agua
Coreografía y baile: PATRICIA GUERRERO
Dirección escenica: RUBÉN OLMO Decano del pulso y
púa español: TRIO ALBÉNIZ Artista invitado: ARCÁNGEL
LA BAILAORA GRANADINA PATRICIA
GUERRERO, FIGURA EMERGENTE DEL
BAILE FLAMENCO, NOS PRESENTA
LATIDOS DEL AGUA.
La joven artista (Granada, 1990) atesora ya una sólida
trayectoria en el baile con premios como el Desplante
2007, del Festival del Cante de las Minas de La Unión,
y El Giraldillo a la Artista Revelación, en la Bienal de
Flamenco de Sevilla 2012, entre otros.
Latidos del agua es un compromiso. Es el reconocimiento
de una deuda de gratitud contraída con Ángel Barrios,
con Ángela Barrios, porque quizás, sin saberlo, hemos
heredado un hermoso legado aún por descubrir.
Latidos del agua es también arrebatar al olvido los ecos
del Polinario, un lugar de leyenda en la Alhambra, bañado
por el agua de los reyes árabes y por el palpitar de sus
fuentes siempre vivas que fluyen como una oración.
Una isla oculta en aquella taberna anclada en el corazón
del milagro nazarí, donde arribaban, venidos de todos
los rincones del mundo, náufragos enfermos de arte:
pintores, poetas, músicos, danzarinas, flamencos antiguos
y nuevos... y el agua, como diapasón de su guitarra.
Fotografía: © Javier Caró
El Polinario fue también cuna para Ángel Barrios. Allí
fraguó, en su crisol de pentagramas, mundos árabes,
gitanos, goyescos, de zambras y lágrimas…, sutiles y
frescos, como el agua.
El agua, siempre el agua.
Dijo allí la gran Karsavina: “Quiero tener entre mis
manos el corazón de esta fuente para transportar sus
latidos a mis danzas”.
Sea.
Ismael Ramos
13

14. TEATRO CÍA. SLATSCAT
NOVIEMBRE
Entrez et sonnez (Entrad y llamad)
26
21 : 00 h
Dirección: FACUNDO DIAB
Un proyecto de Artsène en colaboración con La Cita Cultural Francesa en Granada - La Maison de France y los servicios culturales de la Embajada de Francia
SLAT: ESTILO DE IMPROVISACIÓN TEATRAL. SCAT: ESTILO DE IMPROVISACIÓN MUSICAL.
En Entrez et sonnez, la compañía
Slatscat nos presenta un
espectáculo a la manera
del “cabaret berlinés”. Una
brillante mezcla de teatro
gestual, música, circo y baile
sirve para dar vida a un cuento
moderno donde se mezclan
fantasía y realidad.
Un tenor excéntrico y caprichoso
viene a presentar su ópera
prima acompañado de sus
fieles músicos, sus compañeros
en todas sus locuras, pero la
inesperada aparición de un
lejano primo del conejo de Alicia,
cambiará el previsible rumbo de
los acontecimientos. El concierto
se transforma en una hermosa
fábula donde amor, envidias,
hambre y poder se mezclan para
desembocar en lo que todos
deseamos: un final feliz.
La compañía Slatscat nace en
España en 2012, de la unión
de cuatro músicos y un clown
provenientes de Italia y Francia.
14
Afincada en Aix-en-Provence,
desarrolla su personalísimo
lenguaje en la comunicación entre
la música y lo gestual. Utilizando
el circo y la danza como preciados
materiales con que matizar y
colorear sus creaciones.
En sus espectáculos el público
se convierte en parte integrante
del proceso creativo. Hacen
nacer sus creaciones y a sus
personajes improvisando en la
calle. Luego vendrá el trabajo de
dramaturgia y ensayos para pulir
ese material.
Saxofón, clarinete, piano,
acordeón, contrabajo, tuba,
guitarra son los instrumentos
que construyen la brillante banda
sonora sobre la que podremos
disfrutar de un excelente trabajo
de manipulación de objetos,
baile y clown.

15. TEATRO TEATRO DE LA ABADÍA
PRODUCTOR
NOVIEMBRE
29 30
21 : 00 h
Maridos y mujeres
De WOODY ALLEN Dirección: ÀLEX RIGOLA Una producción del TEATRO DE LA ABADÍA
ÀLEX RIGOLA LLEVA A LAS TABLAS LA PRIMERA ADAPTACIÓN DEL BRILLANTE GUIÓN DE WOODY ALLEN.
EL PRESTIGIOSO DIRECTOR CATALÁN, QUE VENIMOS SIGUIENDO DESDE EL PRINCIPIO DE SU CARRERA,
NOS OFRECE ESTA VEZ UNA COMEDIA EN TORNO A LA COMPLEJIDAD DE LAS RELACIONES DE PAREJA.
Fotografía: © Ros Ribas
La trama comienza cuando Àlex y su mujer Carlota se enteran de
que sus mejores amigos, Alicia y José Luis, aparentemente una pareja
perfecta, han decidido separarse. No dan crédito a lo que oyen y les
cuesta aceptar tal noticia. A partir de ese momento la pareja comenzará
a cuestionar la solidez de su matrimonio.
Trasladar un guión cinematográfico a la escena no es tarea fácil, y
en esta ocasión el Teatro de La Abadía ha convocado a Àlex Rigola
para realizarla. Este director, que realizó parte de su importante
trayectoria allí, y que también fue director artístico del Teatre
Lliure de Barcelona durante ocho años, es actualmente director
de la sección de artes escénicas de la Bienal de Venecia. Este año
podremos ver cómo pasa de la tragedia -su último montaje fue un
Shakespeare- a la comedia con total desenvoltura.
Siempre ha acertado con sus puestas en escena y esta vez no
será una excepción. Rigola ha ideado un sencillo pero ingenioso
dispositivo de sofás que concentra las escenas del filme en una
sala de estar, sin cambios de espacio o transiciones, invitando a los
espectadores a sentarse a su lado. Y es que el sofá es el lugar más
propicio a las conversaciones de pareja y el espacio por excelencia
para exponer este tipo de historia sobre las relaciones humanas.
Como dice el propio Rigola, “la mayoría de los cuentos terminan con
que fueron felices y comieron perdices. Pero muy pocas historias te
cuentan qué pasa cuando llevas más de diez años comiendo perdices.”
Y esto es exactamente lo que nos propone esta extraordinaria
comedia humana, en la que probablemente distingamos en algunos
momentos nuestro propio reflejo.
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16. PERFORMANCE ARTSÈNE.
DICIEMBRE
3
4
21 : 00 h
Laboratoire Artistique Itinerant
Le poète en action (El poeta en acción)
Con la colaboración de El Niño de las Pinturas Dirección: ROSA DÍAZ En colaboración con La Cita Cultural Francesa en Granada - La Maison de France y
los servicios culturales de la Embajada de Francia · ESTRENO ABSOLUTO
EL POETA EN ACCIÓN ES EL REVERENCIAL HOMENAJE DE UNA ESCRITORA, UN PINTOR, DOS CLOWNS,
DOS MÚSICOS, UN ACTOR-MÚSICO, UNA DIRECTORA DE ESCENA, UNA DISEÑADORA DE LUCES Y UN
PERRO ADIESTRADO A LA FIGURA DEL CLOWN.
En 1948 Henry Miller publicaba
La sonrisa al pie de la escala.
La obra, con encargo al pintor
Fernand Leger para ilustrarla con
dibujos de tema circense, incluía
la sentencia lírica “el clown es un
poeta en acción”. La misma frase
volvió a aparecer en el texto del
clown y cineasta francés Pierre
Etaix Il faut appeler un clown, un
clown. En él describía, con mucha
precisión y aún más amor, el oficio
de clown. El texto se ha convertido
en un clásico para la profesión.
16
Carta blanca, eje central del
proyecto Artsène, es una
performance multidisciplinar
en torno a ese tema: “le poète
en action”.
Los objetivos de la interesante
propuesta son, ante todo,
artísticos pero también
informativos y pedagógicos.
Fusiona literatura, música,
pintura, artes escénicas y nuevas
tecnologías. Homenajea la figura
del clown dando a conocer
su historia, enseñando sus
procesos creativos y haciéndonos
partícipes de la sistemática de
sus ensayos; convirtiéndose
en una fórmula perfecta de
divulgación de un oficio bastante
desconocido para el gran público.
El proyecto pretende, además,
una materialización de los logros
surgidos de la unión de esta
pequeña fuerza multinacional
creativa en forma de nuevas
partituras, pinturas y textos.
La propuesta de la Cita
Cultural Francesa en Granada
ha conseguido reunir para
este proyecto a creadores
tan conocidos en nuestra
ciudad como Rosa Díaz y
El Niño de las Pinturas con
artistas procedentes de Francia
e Italia: el dramaturgo y clown
Anthony Mathieu; la escritora
Simonetta Greggio; el clown
Vincent Moliens; el actor, bailarín
y contrabajo Simone Venditti; los
músicos Cristina Santini y Anne
Marie Tilliery y la diseñadora de
iluminación Katia Moretti.
¡Disfrútenlo!

17. TEATRO TAL Y CUAL/SALA CERO TEATRO
DICIEMBRE
6
21 : 00 h
7
19 : 00 y 21 : 30 h
Oddi
Autor: SERGI POMPERMAYER Director: PACO MONTES
Coproduce: Agencia Andaluza de Instituciones Culturales.
Consejería de Educación, Cultura y Deporte. Junta de Andalucía
ODDI ES UNA COMEDIA NEGRA SOBRE LA
NEGRA ACTUALIDAD (DEL TEATRO ESPAÑOL).
EL CEREBRO LE HIZO UN CLIC Y SE VOLVIÓ
GRIS, SIN ILUSIÓN.
Sergi Pompermayer, autor de
Oddi (Top Model, Canguelis,
Refugiats, Zowie…) cuenta
con una dilatada carrera
como guionista televisivo,
especialmente para las
producciones de El Terrat.
También es profesor de guión
en la Universidad Autónoma
de Barcelona.
Fotografía: © Sergio Parra
Paco Montes, el director, ha
trabajado, entre otras muchas
producciones, como ayudante de
dirección de Magüi Mira en El perro
del hortelano, de Lope de Vega,
con Esteve Riambau en Su seguro
servidor, Orson Welles; y con José
María Pou en La Cabra o ¿Quién es
Sylvia?, de Edward Albee.
El montaje cuenta con actores tan
reconocidos como Víctor Clavijo,
Manolo Solo y Olga Rodríguez.
Oddi es un autor de teatro en
horas bajas. Muy bajas. De hecho,
hace mucho que no estrena
nada. Harto de intentarlo y no
conseguirlo, decide dar un vuelco
radical a su vida y renunciar
a la escritura, regentando un
ultramarinos a medias con un
pakistaní.
Oddi recibe la visita de Garfil,
un asesino a sueldo que ha
contratado para que haga lo
que él no se atreve a hacer:
suicidarse. Y de paso, castigar al
mundo con la desaparición de un
talento tan grande como el suyo.
Oddi y Garfil se encuentran
en pleno proceso de decidir
la mejor forma de acabar con
su vida cuando de repente
aparece Ginebra, actriz y ex de
Oddi. Su presencia va a provocar
un cambio de ciento ochenta
grados en la estrategia de Oddi.
17

18. TEATRO FUNDICIÓN PRODUCCIONES & FOCUS
DICIEMBRE
13 14
21 : 00 h
Taking sides/Tomar partido
De RONALD HARWOOD Dirección: PEDRO ÁLVAREZ-OSSORIO
¿ES POSIBLE AISLAR AL ARTE DE LA POLÍTICA? ¿EL ARTISTA ESTÁ POR ENCIMA DE LOS ACONTECERES
POLÍTICOS? ¿SE PUEDE HACER UN ARTE APOLÍTICO? SOBRE LOS HUMEANTES RESCOLDOS DE UNA
CIUDAD DESTRUIDA SE VUELVE A PLANTEAR EL DEBATE.
Finalizada la Segunda Guerra
Mundial fue acusado de
colaboracionismo con el régimen
hitleriano y sometido a un
proceso de desnazificación
durante el cual fueron prohibidas
sus actuaciones.
En 1995 Ronald Harwood (Ciudad
del Cabo, 1934) estrena, bajo la
dirección de Harold Pinter, Taking
sides. Harwood es mundialmente
conocido por, entre otros, el
magnífico guión de la película El
pianista, de Roman Polanski.
Dirigido por Pedro ÁlvarezOssorio, un excelente equipo
de actores, encabezado por
Antonio Dechent y Roberto
Quintana, pone cuerpo a
la poderosa escritura del
autor sudafricano para
sumergirnos en la tensión
de los prolegómenos y
averiguaciones preparatorias
del juicio que va a llevar a
cabo la Comisión Antinazi
para los Artistas. El espectador,
situado en la misma posición que
los personajes de este drama
histórico, se ve sumido en un
juicio donde es parte y testigo:
¿qué debería haber hecho
Fürtwangler? ¿Debió quedarse
en Alemania, como hizo, o
simplemente debió huir para no
colaborar con aquel régimen?
“… ¿Acaso Thomas Mann realmente
cree que en la Alemania de
Himmler a uno no le debería ser
permitido tocar a Beethoven?
Quizás no lo haya notado, pero la
gente lo necesitaba más que nunca;
jamás antes nadie había anhelado
tanto escuchar a Beethoven y
su mensaje de libertad y amor
humano como (precisamente)
estos alemanes, que vivieron bajo
el terror de Himmler. No me pesa
haberme quedado con ellos”.
Wilhelm Furtwängler
18
Fotografía: © Luis Castilla
Wilhelm Furtwängler (Berlín,
1886 - Baden Baden, 1954) fue
un gran director de orquesta
y compositor alemán. Sus
versiones de Beethoven, Wagner,
Bruckner o Richard Strauss son
más que interpretaciones, son
verdaderas creaciones. La historia
de la música le ha concedido un
lugar privilegiado como maestro
indiscutible del repertorio
romántico germano.

19. TEATRO CON TÍTERES
TITIRITRÁN
PARA PÚBLICO INFANTIL
DICIEMBRE
16
12 : 00 h
17 18
10 : 00 y 12 : 00 h
(funciones didácticas para centros docentes)
21
18 : 00 h
22
12 : 00 y 18 : 00 h
26 a 28
18 : 00 h
Circo
Dirección: MARUJA GUTIÉRREZ y PEDRO LÓPEZ
EL TEATRO ALHAMBRA TRAE,
DENTRO DE SU PROGRAMACIÓN DE
NAVIDAD, LA ÚLTIMA CREACIÓN DE LA
COMPAÑÍA TITIRITRÁN.
¿Cabe un circo dentro de un armario? ¡Pues igual que
cabe la alegría o el miedo en el corazón de cada persona!
¿Son las cadenas tan fuertes como para atrapar un montón
de miradas? ¡Nunca si miran en la misma dirección!
¡Estimado público! ¡Grandes y pequeños! ¡Gallinas
y patos! ¡Mirad todo lo que sale de este armario!
¡El elefante encadenado, el cabaret de las gallinas
ponedoras, la sirena enamorada…!
Todos juntos contra la tiranía de Baldo, el director.
¡Este pequeño circo abre sus puertas para mostrar la
fragilidad, el humor, la exclusión, lo diferente…!
¡Abre tu corazón, sal de tu armario, suelta tu risa y
tus lágrimas!
19

20. TEATRO T de TEATRE
ENERO
10 11
21 : 00 h
Aventura!
Autor y Director: ALFREDO SANZOL
CON SANZOL DISFRUTAMOS, NOS DIVERTIMOS Y NOS HACE REFLEXIONAR. LO CONFIRMAN SUS
OBRAS EN LA LUNA Y DELICADAS. AHORA ALFREDO SANZOL NOS DEMUESTRA QUE SU RELECTURA DE
LA COMEDIA NO TIENE LÍMITES.
Como dice Andrés Trapiello “(…) en el arte la realidad es siempre realidad
más otra cosa, sueños, alma, deseos, emoción, en fin, alguna cosa que le
da una profundidad de campo que la realidad por si misma no tiene”. Estos
son los ingredientes del montaje, que se presenta en el Teatro Alhambra.
Fotografía: © Javier Ruano
Alfredo Sanzol y T de Teatre, el tándem que hizo posible el gran éxito
Delicadas, vuelve a unirse para presentarnos Aventura!, la historia de seis
socios que reciben una oferta de compra por una empresa china y que,
en lugar de vender su empresa, acaban vendiendo a uno de sus socios.
20

21. TEATRO CÍA. MALAJE SÓLO
ENERO
17 18
21 : 00 h
¿Cuándo se come aquí? 101
Guión: JOSÉ ANTONIO AGUILAR y CÍA. MALAJE SÓLO
Dirección: CÍA. MALAJE SÓLO
Fotografía: © Gerardo
COMO PREMISA, MALAJE SÓLO
PROCURA PLANTEAR UN TIPO
DE HUMOR MUY SENCILLO.
INTENTAN DESNUDAR AL MÁXIMO
LA ESENCIA DEL CONCEPTO QUE
QUIEREN CONTAR, RENUNCIAN A
GRANDES RECURSOS ESCÉNICOS
PARA QUEDARSE CON LO MÁS
PRIMITIVO DEL TEATRO: UN DISFRAZ
SENCILLO Y CHOCANTE, EL GESTO,
LA ONOMATOPEYA Y ALGUNOS
OBJETOS SIMPLES EN LOS
QUE APOYARSE.
Seguro que más de una vez usted se ha preguntado:
¿croan los hombres rana?, ¿qué piensa el papel
higiénico justo antes de dejar de serlo?, ¿es de recibo
que un queso fresco te insulte?, ¿cómo se endereza
una película doblada?, ¿tiene futuro una fábrica de
champú graso en el Mar Caspio?, ¿están alcoholizados
los peces que habitan el río Tinto?, ¿por qué la radio
viaja siempre a través de ondas y nunca mediante
Yamajas o Kawasakis?, ¿siendo el pecho tan vulnerable
como la espalda, por qué existen los guardaespaldas
y no los guardapechos?, ¿son racistas los inspectores
de hacienda por perseguir el dinero negro?, ¿por qué
Drácula veranea siempre en el Mar Rojo?, ¿un tonto
delante de un libro es un simple pretexto?, ¿llora el
atún encebollado?, ¿visten trajes de neopreno los
obreros que trabajan en la economía sumergida?,
¿sangran las calles cortadas?... Lo sentimos, en
nuestro espectáculo no encontrará las respuestas.
Aún está a tiempo de marcharse…
21

22. TEATRO PARA PÚBLICO FAMILIAR LA ROUS
ENERO
22 a 24
12 : 00 h
(funciones didácticas para centros docentes)
25
18 : 00 h
26
12 : 00 h
Una niña
Espectáculo sin palabras de ROSA DÍAZ a partir del cuento Una niña de Grassa Toro Dirección artística: ROSA DÍAZ Dirección actoral: FANNY GIRAUD
Producción: Cía. La Rous y Agencia Andaluza de Instituciones Culturales Espectáculo para todos los públicos
LA NUEVA PROPUESTA DE LA ROUS CULMINA LA TRILOGÍA MÁGICA INICIADA CON EL ABUELO Y EL
REFUGIO. CON UNA NIÑA LLEGA AL TEATRO ALHAMBRA UNA DE LAS MÁS IMPORTANTES CREADORAS
DEL PANORAMA TEATRAL ACTUAL. ROSA DÍAZ, PREMIO NACIONAL DE TEATRO PARA LA INFANCIA Y
LA JUVENTUD, PERTENECE AL ESCOGIDO GRUPO DE ARTISTAS CUYA TRAYECTORIA, COHERENTE Y
PROFUNDA, CONVIERTE EN IMPRESCINDIBLES.
Una mujer vive en un muelle
oxidado alejado de la ciudad.
Pesca todo lo que la gente
abandona. Un día se engancha
en sus redes algo nunca visto:
una niña dentro de una botella.
Decide salir a buscarla, pero ya es
tarde: el mar ha arrastrado la botella.
Aún así, continúa con la esperanza
de encontrar a la niña e inicia una
búsqueda, tal vez, hacia la niña que
lleva dentro.
Asustada, la rechaza
impulsivamente, tirándola de
nuevo al mar: tiene miedo, no
quiere verla; porque se siente
reflejada, en esa botella, como
en un espejo. Sus pensamientos
viajan en el tiempo del recuerdo.
Primero en un barquito de papel…
Fotografía: Gabriel Díaz
Más tarde, en las profundidades
del mar.
22

23. TEATRO-CIRCO CÍA. TRESPERTÉ
ENERO
28 29
10 : 00 y 12 : 00 h
(funciones didácticas para centros docentes)
29
21 : 00 h
Aquí sobra uno
Dirección: ANTONIO JESÚS GÓMEZ Para todos los públicos
LA COMPAÑÍA TRESPERTÉ PRESENTA EN EL TEATRO ALHAMBRA UNA PROPUESTA LLENA DE
TERNURA Y HUMOR. CIRCO Y TEATRO EN UN ESPECTÁCULO QUE NO DEJARÁ INDIFERENTES
NI A GRANDES NI A PEQUEÑOS.
Fotografía: © Luis Ayuso
Aquí sobra uno es la historia
de tres artistas y un técnico
que se disponen a presentar
un espectáculo de acrobacia
ensayado durante largo tiempo.
¡Todo debe salir perfecto! Pero
pronto descubriremos que no
todo es como parece… La tensión
propia del espectáculo no puede
evitar que se desvele la verdad
de la relación que mantienen
entre ellos. Los celos, la pasión,
el amor son sentimientos
difícilmente enmascarables.
La conclusión, inevitable: Aquí
sobra uno.
La creación de la Compañía
Tresperté se produce en la
escuela de circo y teatro CAU de
Granada donde Claudia Ortiz,
Paco Caravaca y Carmine Piccolo
se conocen y deciden trabajar
juntos, formando un trío de
portes acrobáticos.
calle. Ese mismo año consiguen
el primer premio en el festival
Tafalla va de calle (Navarra) en la
modalidad de grupo y el cuarto
premio en el Certamen de Jóvenes
Artistas de Calle de Mollina.
En 2012, se incorpora a la
compañía Luis Ayuso, haciendo
labores de técnico y actor.
Tras finalizar su formación en la
escuela de circo y teatro CAU,
en 2012, debutan en el festival
Circada (Sevilla) y realizan una
gira por Italia participando
en festivales tan prestigiosos
como Sarnico Buskers Festival
(Sarnico), Sul Filo Del Circo
(Torino) o el Festival Lunática
(Nole) donde obtienen el
galardón Gianni Damiano.
En 2011 crean su primer
espectáculo Aquí sobra uno
girando con él por festivales,
muestras y, sobre todo, en la
23

24. DANZA EL PUNTO! DANZA TEATRO/FERNANDO LIMA
ENERO
31
FEBRERO
1
21 : 00 h
Reconstrucción
Concepto, dirección y coreografía: FERNANDO LIMA Espectáculo para 3 intérpretes
LLEGA AL ALHAMBRA EL COREÓGRAFO Y BAILARÍN BRASILEÑO AFINCADO EN SEVILLA, PARA
INSTALAR SOBRE EL ESCENARIO SU ATRACTIVO UNIVERSO PLÁSTICO, SONORO Y, SOBRE TODO,
FÍSICO. SEÑAS DE IDENTIDAD DE SU PERSONALÍSIMA TRAYECTORIA.
Su trabajo hace gala de un lenguaje
personal que nace de la necesidad
de mezclar distintas disciplinas
artísticas o como él dice “de crear
partituras coreográficas con
nuestra propia cotidianidad como
telón de fondo para las discusiones
y reflexiones que planteamos, pues
lo que sugerimos no es más que
la confrontación con una parte de
nosotros mismos.”
Si en su anterior trabajo
como creador e intérprete, En
construcción, dentro de la voz,
Fernando Lima ponía al individuo
en relación con un espacio físico
y sonoro en construcción, ahora
son los propios cuerpos de los
protagonistas los que intenta
deconstruir para reconstruirlos
de nuevo, no ya como individuos,
sino como un cuerpo único
al que los tres intérpretes
aportan todo su bagaje y una
energía muy diferente que viene
definida, entre otras cosas, por la
formación artística y la edad de
cada uno de ellos.
24
Como dice Rosalía Gómez hay
en Reconstrucción un fino trabajo
con las emociones, con lo que
siente cada uno hoy, ahora, en
su interior y en su relación con
el exterior, con los demás y con
los elementos de ese universo
plástico y sonoro que lo envuelve.
Todo ello sin olvidar uno de los
elementos básicos del trabajo
de Lima: su investigación del
espacio escénico a través de
las instalaciones así como del
universo sonoro.
Reconstrucción nos sitúa
ante un viaje sensorial que
podemos disfrutar desde el
ángulo que nos parezca: bien
acompañando y completando
el mapa con nuestro propio
bagaje, bien asistiendo al
espectáculo como meros
espectadores. De cualquier
manera, siempre tendremos
ante nosotros la precisión y la
fluidez de unos cuerpos que
juegan con los límites, ajenos
casi siempre a su propia y
humana belleza.
Fotografía: © Luis Castilla
Fernando Lima crea El Punto!
Danza Teatro en Sevilla en 1997
y desde entonces hasta ahora ha
dado continuidad al trabajo que,
como coreógrafo, actor y gestor
cultural viene desarrollando en
España desde 1992.

25. TEATRO-CIRCO CÍA. VAIVÉN CIRCO
FEBRERO
4
5
10 : 00 y 12 : 00 h
(funciones didácticas para centros docentes)
5
21 : 00 h
Do Not Disturb (No molestar)
Dirección: ROSA DÍAZ
VAIVÉN DA UN PASO MÁS EN SU COMPROMISO CON EL CIRCO Y EL MOVIMIENTO Y CREA UN
ESPECTÁCULO EN EL QUE CONFLUYEN LAS ARTES ESCÉNICAS Y QUE CUENTA ADEMÁS CON LA
VETERANÍA Y EL TALENTO DE ROSA DÍAZ EN LA DIRECCIÓN.
La compañía Vaivén CircoTeatro es una compañía creada
en 2008 cuando Raquel Pretel
Ferrándiz y Miguel Moreno
(Bolo) deciden unirse y empezar
a compartir conocimientos
en mundos tan paralelos y a
la vez tan distanciados como
el circo y la danza. Ese año se
estrena el que es su primer
espectáculo, La felicidad en un
dos por dos que hasta la fecha
ha sido representada en más
de 100 ocasiones y con el que
actualmente siguen girando.
En 2009 se incorporan a la
formación dos acróbatas, Chema
Martín Herrera y Emilio López
Arquillo. Se empieza a trabajar en el
segundo montaje de la compañía,
Cayuco, en el que además participa
Iván Monje, como compositor
y músico y Marta Sitjà como
ayudante de dirección, clown y
también en la música en directo.
Cayuco se estrena en diciembre
de 2009 en el Teatro Alhambra de
Granada recibiendo una buena
acogida tanto por parte de crítica
como de público.
A lo largo de 2010 y 2011 los
cuatro miembros de la compañía
deciden dar un salto y continúan
con su formación y compromiso
con el circo y el movimiento,
entrenando en la escuela de
circo Le Lido en Toulouse, un
referente en la investigación
circense. De aquí surge la idea
y necesidad de crear el que
será su tercer espectáculo Do
Not Disturb. Espectáculo que
nace de la investigación del
movimiento de los miembros
de la compañía y que, además,
cuenta con la dirección de Rosa
Díaz, encargada de dotarlo
de pequeños y emotivos
momentos para compartir
entre público y acróbatas.
incluso cómo lo que siempre
nos ha molestado muchísimo un
día cualquiera puede volverse y
convertirse en algo maravilloso.
La medición de la molestia es
muy subjetiva. Lo que a unos
les molesta a otros les puede
resultar la sensación más
agradable del mundo.
Do Not Disturb es un espectáculo
de circo contemporáneo donde
todas las artes escénicas
fluyen como una sola. Es un
espectáculo que nace de la
investigación del movimiento,
solo, en grupo y con objetos.
Emociones expresadas a
través del movimiento, del
gesto y por supuesto de la
técnica acrobática.
Este espectáculo habla de
emociones, de cómo nos
enfrentamos a las pequeñas
vicisitudes que día a día van
pasando por delante nuestra,
25

26. TEATRO COMPAÑÍA BARCO PIRATA
FEBRERO
7
11 : 00 h
(funciones didácticas para centros docentes)
7
8
21 : 00 h
Tempestad
Adaptación de la obra La tempestad de WILLIAM SHAKESPEARE Dirección y adaptación: SERGIO PERIS-MENCHETA
LA COMPAÑÍA BARCO PIRATA DESEMBARCA EN UNA NUEVA ISLA, LLENA DE MAGIA E IMAGINACIÓN,
DE LA MANO DE SERGIO-PERIS MENCHETA, CUYA CARRERA COMO DIRECTOR ESTÁ CONOCIENDO
UN GRAN ÉXITO DESDE QUE EL TEATRO ESPAÑOL (MADRID) LANZÓ SU INCREMENTUM. ESTA VEZ NOS
OFRECE UNA VERSIÓN JUVENIL Y ENTRETENIDISIMA DE LA ÚLTIMA OBRA DE SHAKESPEARE.
Amor, poder, esclavitud y perdón,
son los ingredientes básicos de
esta historia que transcurre en un
escenario poblado de duendes,
hadas y actores de gran talento.
Después de un Incrementum
lleno de mujeres, Sergio PerisMencheta nos trae una
Tempestad llena de hombres, a
la moda del teatro isabelino…
7 actores-músicos dan vida
a más de 20 personajes de la
obra de Shakespeare, en una
adaptación juguetona, llena
de música y humor. Éste es un
espectáculo para los sentidos,
en que el público desde su
entrada se siente parte de la
isla, pisa su tierra, siente la brisa
marina en el rostro, saborea sus
exóticas bayas y se envuelve
de la música que surge de las
entrañas de la tierra. En este
montaje moderno y original, en
el que vemos el proceso teatral
en escena, las premisas son la
imaginación y el juego.
¿Y cómo se juega a Shakespeare?
Como nos cuenta el director, gran
aficionado a los juegos de mesa,
“con su obra se puede hacer casi
lo que uno quiera. Te permite
hablar de la vida en presente,
del amor, la traición, el egoísmo,
el miedo.” Los personajes se
desenvuelven en una ficción
que tan pronto parece realidad
como de nuevo se convierte en
un cuento que habla de la “VIDA”
con mayúsculas. Este sueño
puesto en escena nos muestra
el “teatro dentro del teatro”. Una
delicia para los sentidos y para
toda la familia.
Fotografía: © Antonio Vicente
La tempestad de Shakespeare
es difícil de identificar en un
género concreto: mezcla de
tragedia, comedia y romance,
contiene un poco de cada una
de las obras del gran dramaturgo
inglés. Se trata de un espléndido
tratado sobre los recovecos de
la búsqueda del poder, en el
que todos los personajes, de
manera más o menos evidente,
se relacionan con él. Cada uno de
ellos intentará apoderarse de lo
que más desea: la isla desierta en
la que han naufragado, la corona
perdida, el reino de Nápoles.
26

27. DANZA MARRUGEKU/DALISA PIGRAM
PRODUCTOR
FEBRERO
13
21 : 00 h
KOEN AUGUSTIJNEN
gudirr gudirr
Concepto, bailarina y co-coreógrafa: DALISA PIGRAM Director y co-coreógrafo: KOEN AUGUSTIJNEN Espectáculo para una intérprete
ESTRENO EN ESPAÑA en complicidad con el Teatro Central de Sevilla En colaboración con la Representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica
EL FELIZ ENCUENTRO DE LA COMPAÑÍA AUSTRALIANA MARRUGEKU Y EL COREÓGRAFO BELGA
KOEN AUGUSTIJNEN DA COMO RESULTADO UN GRAN SOLO DANCÍSTICO DE LA BAILARINA DE
ASCENDENCIA ABORIGEN-MALAYO-FILIPINA: DALISA PIGRAM. UN ESPECTÁCULO QUE NOS ADVIERTE
SOBRE LA FRAGILIDAD DE LA CULTURA Y NOS HACE RECORDAR QUE LA SUPERVIVENCIA ES UNA
NEGOCIACIÓN PERMANENTE.
Koen Augustijnen es bien
conocido por nosotros, sin
embargo pocas noticias teníamos
de Marrugeku, la compañía
australiana con la que se ha
asociado el coreógrafo y bailarín
belga para realizar su nueva pieza.
Fotografía: © Heidrun Lohr
Marrugeku es un innovador e
intercultural teatro de danza
basado en la experiencia del
noroeste australiano, lugar donde
se encuentran el desierto y el mar,
el blanco y el negro, Australia y Asia,
donde las culturas se entrelazan,
fusionan y se transforman.
La compañía estuvo asentada
en el territorio de Arnhem entre
1996 y 2002, y desde el 2003
se encuentra en Broome, lugar
donde se dedican a crear nuevas
formas de contar historias,
explorando la comunidad
indígena y plurirracial de
Broome, su historia y su contexto
político y social actual, siempre
teniendo en cuenta los avances
internacionales en materia de
espectáculos y la cultura popular
mundial. Entre sus trabajos se
encuentran Mimi (1996), Crying
Baby (2001), Burning Daylight
(2009) y Buru (2011). Estos
espectáculos han girado por
Filipinas, Países Bajos, Bélgica,
Irlanda, Alemania, Suiza, Brasil,
Canadá y Estados Unidos.
La pieza, aunque sea un solo,
es un gran espectáculo en el
que Pigram, acompañada por
un vídeo proyectado en una
pared de chapa ondulada y
una larga red de pesca colgada
del techo, consigue llenar
el espacio con su intensa
presencia durante 60 minutos.
gudirr gudirr (estas palabras
suenan como una advertencia)
es un comentario sobre la vida
en una Australia multirracial,
contada a través de la experiencia
de una bailarina que tiene un
padre malayo y una madre
indígena y que vive y trabaja en
el noroeste del país. De vez en
cuando, el vídeo nos muestra
la zona en la que se sitúa la
acción con imágenes a la vez
tranquilizadoras e inquietantes
del lugar y de su gente.
27

28. FEBRERO
TEATRO-MÚSICA MANSILLA, NAVARRO & MORA
15
21 : 00 h
16
19 : 00 h
Ultramarinos
Texto: FERNANDO MANSILLA Dirección: MANSILLA, NAVARRO Y MORA
A lo largo de treinta años
de colaboraciones de todo
tipo y fruto del interés por
traspasar las fronteras de sus
respectivas disciplinas, MN&M
han inventado un lenguaje
escénico que es la marca de la
casa y que participa de varios
géneros: teatro-musical, cabaret
político, hip hop… Conscientes
de la dificultad de explicar con
palabras un estilo tan híbrido
e inclasificable, optaron por
28
ponerse ellos mismos la etiqueta
y así surgieron géneros como el
rap-teatro o la literatura de baile.
Al hablar de Ultramarinos estos
auténticos forajidos de la escena
andaluza nos dicen: “Hace ya
más de cuatro décadas que
se libra en nuestras calles una
desigual batalla entre el pequeño
y el gran comercio. A la manera
de los sitios medievales, las
grandes superficies instaladas en
las afueras acosan y persiguen
sin piedad a los pequeños
comerciantes hasta machacarlos
en sus últimos feudos: los barrios
populares. Con ellos desaparecen
las maneras artesanales y la
dimensión humana dando paso a
la industrialización impersonal y la
deslocalización generalizada. Los
componentes de Mansilla, Navarro
& Mora somos por edad (1956,
64 y 75, respectivamente) testigos
consecutivos de este proceso
y de la actual apoteosis final: el
triunfo de la globalización con el
consiguiente desplome de los
diques que mantenían en precario
equilibrio nuestros ecosistemas
social y natural. Ultramarinos, es
un espectáculo con vocación
de dar eco a las voces y a los
personajes que escuchamos
en espacios como tabernas,
plazuelas, barberías… campos de
batalla donde aún se pelea por la
guerra mundial de la identidad.”
Fotografía: © Antonio Navarro
¿TEATRO-MUSICAL?, ¿CABARET POLÍTICO?, ¿HIP HOP?, ¿SPOKEN WORD? DE TODO HAY EN LA NUEVA
PROPUESTA DE LOS INCLASIFICABLES MANSILLA, NAVARRO & MORA.

29. TEATRO LA ZARANDA. TEATRO INESTABLE DE ANDALUCÍA LA BAJA
FEBRERO
21 22
21 : 00 h
El régimen del pienso
Texto: EUSEBIO CALONGE Dirección: PACO DE LA ZARANDA
LA COMPAÑÍA TEATRAL ANDALUZA CON MÁS PROYECCIÓN INTERNACIONAL, LA ZARANDA. TEATRO
INESTABLE DE ANDALUCÍA LA BAJA, NOS PRESENTA SU ÚLTIMO PROYECTO: EL RÉGIMEN DEL PIENSO.
Pelear por la porción de pienso,
hozar con los instintos en el
fango, acostumbrarse al hedor,
olvidados del día de San Martín,
hasta que llega el golpe certero
del matarife. Pero he aquí que
la muerte se adelanta al estéril
sacrificio. Una epidemia hace
que en las pocilgas, las hembras
devoren a sus fetos y que los
cerdos jóvenes asfixien a los
cerdos más viejos o enfermos.
La lucha por el puesto, con
el único horizonte de un
horario rutinario y vacío, sin
más esperanza que la de una
muerte indolora, hace que las
vidas del cerdo y el hombre se
crucen, se confundan.
Fotografía: © Víctor Iglesias
Unas hipótesis veterinarias
apuntan al engorde rápido, al
exceso de pienso; otras, al mal
reparto de éste. Las teorías
enfrentan pero no frenan el índice
de mortandad en las pocilgas.
Los trabajadores de la industria
porcina se ven afectados. Con la
bajada de ventas, comienzan las
bajas de personal, y con ellas la
desesperación y la desconfianza
entre los empleados.
29

30. TEATRO TEATRO DEL VELADOR
FEBRERO
28
MARZO
1
21 : 00 h
Patrimonio. Espectáculo flamenco
Dirección y creación: JUAN DOLORES CABALLERO
ESTA VEZ EL CANTE Y EL BAILE SON EL FOCO DE LA AFILADA MIRADA DE TEATRO DEL VELADOR QUE
VUELVE A DESAFIAR LOS CÁNONES CLÁSICOS DE ARMONÍA Y EQUILIBRIO.
Patrimonio es la divertida propuesta con la que las huestes de Juan
Dolores Caballero presentan las aventuras y desventuras de una
compañía en gira.
Hace ya 21 años que esta rara avis del teatro en Andalucía creó un
estilo propio, reconocible y reconocido. Absolutamente personal. Un
lenguaje que apuesta por el desequilibrio, el exceso y lo inacabado.
En la función, presentada con gran éxito en la última Feria de Teatro
en el Sur de Palma del Río (Córdoba), los personajes expondrán sus
conflictos, sus relaciones, amores y amoríos. Todo terminará con la rifa
de un jamón para poder continuar su gira...
Y, también, sus vidas.
Fotografía: © Luis Castillo
En esta ocasión, sin embargo, llega al Teatro Alhambra con un
espectáculo en formato de teatro-musical cuya finalidad no es
otra que divertir.
El flamenco como sustrato de una historia que cuenta con un
presentador, quizás salido de la Cataluña profunda, un bailaor
desgarbado, un cantaor de la Bahía, el son de la guitarra, el taconeo, el
cante, el compás...
30

31. DANZA ULTIMA VEZ/WIM VANDEKEYBUS
MARZO
5
21 : 00 h
What the Body Does Not Remember
Director, coreógrafo y creador: WIM VANDEKEYBUS Espectáculo para 8 bailarines
En colaboración con la Representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica
PRODUCIDA ORIGINALMENTE EN 1987, ESTE WHAT THE BODY DOES NOT
REMEMBER, LA PRIMERA COREOGRAFÍA DE VANDEKEYBUS, SIGUE SIENDO
IGUAL DE FUERTE, BRUTAL, IRÓNICA Y ESPECTACULAR QUE EN SU INICIO.
Son muchos los momentos
inolvidables que hemos vivido
de la mano de este coreógrafo
referencial de la danza
contemporánea. Sin embargo,
algo faltaba para completar
el retrato del personalísimo
intérprete, coreógrafo y cineasta
y no era poca cosa, ya que Wim
vuelve una y otra vez sobre la
producción que le vio nacer y con
la que se presentó en Europa y
Estados Unidos, donde obtuvo el
prestigioso Bessie Awards, en un
lejano 1987.
Será una ocasión única para
certificar lo que decía el Haarlem
Dagblad tras su estreno en el 87:
“El espectáculo es impactante,
y eso se debe mucho a los
bailarines, pero también a la
partitura de Thierry De Mey y
Peter Vermeersch, tan teatral y
entretenida que te puede llegar a
tirar de tu asiento.”
O como decía Anna Kisselgoff,
la influyente y prestigiosa crítica
del New York Times: “…Fuerte,
brutal, lúdico, irónico y
espectacular. Faltan adjetivos
para describir What the
Body Does Not Remember,
un espectáculo de danza
increíblemente innovador.”
Fotografía: © Danny Willems
Lo cierto es que What the Body
Does Not Remember ya contenía
todas las coordenadas del paisaje
dancístico que, una vez tras otra,
iba a dibujar nuestro creador.
En efecto, la primera coreografía
de Vandekeybus se sitúa en el
filo de la atracción y la repulsión.
Esto es el resultado de una
confrontación entre dos bailarines
o entre dos grupos, entre los
bailarines y la música o entre los
bailarines y un imperioso conjunto
de líneas. Y en mitad de todo esto,
hay una explosión de agresión,
miedo y peligro. Es la historia
de la danza hecha espectáculo
e incluso hoy en día no te la
puedes perder.
31

32. DANZA-TEATRO CHONI CÍA. FLAMENCA
MARZO
7
8
21 : 00 h
La gloria de mi mare
Dirección: ESTRELLA TÁVORA
Coreografía: ASUNCIÓN PÉREZ “CHONI’’
IRONÍA, COPLAS Y MUCHO HUMOR DEFINEN
ESTE SEGUNDO ESPECTÁCULO DE CHONI AL
FRENTE DE SU PROPIA COMPAÑÍA. UN TRABAJO
INSPIRADO EN EL CAFÉ-CANTANTE CON TINTES
DE AUTÉNTICO CABARET FLAMENCO.
El primer espectáculo de Choni,
Tejidos al Tiempo, obtuvo el
Giraldillo Revelación en la XV
Bienal de Flamenco de Sevilla y
el Premio al Mejor Espectáculo
según palmarés en la Feria de
Teatro en el Sur de Palma del
Río, Córdoba, de 2008. En él
ya demostró un derroche de
imaginación y fantasía y un
baile y una concepción estética
futuristas, que la situaban en la
vanguardia de la danza flamenca.
32
Siguiendo esa misma línea,
en La gloria de mi mare (2010)
el flamenco y el teatro se
funden en un híbrido que ha
sido considerado por muchos
como un auténtico cabaret
flamenco. Un espectáculo que
es un homenaje a “la madre de
la artista”, encarnada además
por uno de los actores más
polifacéticos de la escena
andaluza actual, Juanjo Macías,
“el mejor showman que ha
dado esta tierra en tiempo” en
palabras de Javier Paisano (El
Correo de Andalucía) y con Raúl
Cantizano a la guitarra.
Fotografía: © Félix Vázquez
Inspirado en la cultura del
café-cantante y el teatro de
variedades, Asunción Pérez
“Choni” capitanea La gloria de mi
mare, un espectáculo cargado
de humor y del mejor flamenco.
Ironía, copla e improvisación
para narrar la historia de Gloria,
la madre de una bailaora que
empieza a despuntar y en la
que proyecta todos sus
sueños incumplidos.

33. DANZA COMPAGNIE DERNIÈRE MINUTE/PIERRE RIGAL
MARZO
14 15
21 : 00 h
Érection
Creación: PIERRE RIGAL / AURÉLIEN BORY Espectáculo para 1 bailarín · En colaboración con Institut Français
AURÉLIEN BORY EL MAGO ESCÉNICO DE LA COMPAGNIE 111 Y PIERRE RIGAL UNEN SUS ESFUERZOS
PARA JUGAR CON NUESTRAS PERCEPCIONES VISUALES. ÉRECTION ES UN POEMA VISUAL EN EL QUE
INTÉRPRETE, VÍDEO Y UNA CUIDADÍSIMA ILUMINACIÓN BAILAN ORGÁNICAMENTE IRRADIANDO UNA
INTENSA SENSUALIDAD.
Si hay dos personas en Europa que merecen el calificativo de
prestidigitadores escénicos esos son, sin lugar a dudas, Pierre Rigal
y Aurélien Bory. Los dos juegan con nuestros sentidos y nuestras
percepciones. El inolvidable paso por nuestros escenarios de ese
inolvidable robot de Sans objet, con el que el segundo nos sedujo
temporadas atrás, es buena prueba de ello.
Pues bien, estos creadores, nunca mejor dicho, llevan cosechando
éxitos por todo el mundo desde que en 2003 decidieron colaborar para
producir este Érection, que significó la puesta en marcha de la compañía
de Pierre Rigal, compañía que bajo el nombre de Dernière Minute no
cesa de producir sorpresas dancísticas.
Érection es una pieza visual hipnótica cuya única iluminación está
realizada por un viejo proyector de vídeo mejorado y regido en
directo que posee una elegancia muy pulida a la vez que irradia
una energía orgánica y una intensa sensualidad.
En definitiva, nos encontramos ante un falso solo que muestra bien el
gusto de Rigal-Bory por la fusión de cosas a priori incompatibles.
Fotografía: © Pierre Grosbois
Érection es el manifiesto de Pierre Rigal. Un atleta, matemático y
cineasta que se dejó embaucar por la danza y tras prestar sus servicios
a coreógrafos de la talla de Bernardo Montet, Wim Vandekeybus o Gilles
Jobin fundó su propia célula de trabajo para desarrollar su concepto del
espectáculo total.
En la producción que Rigal nos presenta, si vamos más allá de los
mágicos efectos visuales, se produce un extraño fenómeno: la
interacción maliciosa entre el bailarín y la luz provoca un curioso pas
de deux muy dúo-duelo. Llegamos a sentir la densidad y el peso de
la luz gracias a un repertorio de movimientos simples, como gatear,
que resultan muy sugerentes. Entre las sombras que amenazan con
devorar al bailarín y los colores que lo traspasan, su cuerpo termina
enmudeciendo irresistiblemente hasta disolverse como un terrón de
azúcar, hasta convertirse en luz él también.
33

34. DANZA ROSAS/ANNE TERESA DE KEERSMAEKER
MARZO
22
21 : 00 h
23
19 : 00 h
Rosas danst Rosas
Coreografía: ANNE TERESA DE KEERSMAEKER Espectáculo para 4 bailarinas
En colaboración con la Representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica
EN 1984 GRANADA TUVO EL PRIVILEGIO DE PRESENTAR POR PRIMERA VEZ EN ESPAÑA AL
ESPECTÁCULO Y A LA COREÓGRAFA QUE, CON EL PASO DE LOS AÑOS, IBA A CONVERTIRSE EN
REFERENCIA INDISCUTIBLE DE LA DANZA CONTEMPORÁNEA INTERNACIONAL. VUELVE AHORA
CON SU EMBLEMÁTICO ESPECTÁCULO COMO DEMOSTRACIÓN PALPABLE DE QUE LAS GRANDES
CREACIONES NO PIERDEN UN ÁPICE DE VITALIDAD NI DE VIGENCIA CON EL PASO DEL TIEMPO.
de Rosas. A lo largo de los 30 años que han pasado desde su creación,
varios elencos han aprendido la coreografía y en 1997 Thierry De
Mey grabó una versión que reunía a todas las bailarinas de distintas
generaciones que habían interpretado el espectáculo.
La pieza en cuestión había sido estrenada solo un año antes en
el Kaaitheater (Bruselas) y ya había sido seleccionada para la
programación oficial del Festival d’Avignon donde crítica y público
cayeron rendidos a los pies de la joven bailarina y coreógrafa,
alcanzando posteriormente un éxito internacional inusitado, dando
como resultado el advenimiento de la compañía Rosas.
Rosas danst Rosas prefigura las tensiones que caracterizarán la obra de
De Keersmaeker: el contraste entre la estructura racional y la emoción
significativa, la dialéctica entre agresión y ternura, la interacción entre
unísono y contrapunto, uniformidad e individualidad.
Rosas danst Rosas ha sido representada un número incalculable
de veces en el mundo entero. En la actualidad este espectáculo es
considerado un clásico y sigue siendo un valor seguro del repertorio
34
La obra de Anne Teresa de Keersmaeker se esfuerza, incluso
después de Rosas danst Rosas, por romper la ilusión que nos
hace creer que una representación de danza pone en escena una
realidad muy distinta a la realidad (física) cotidiana.
Fotografía: © Herman Sorgeloos
Corría el año 84 cuando una jovencísima Anne Teresa de Keersmaeker
presentaba con carácter de estreno riguroso en España Rosas
danst Rosas, una pieza destinada a convertirse en referencial para
coreógrafos, bailarines y estudiosos de la danza en todo el mundo.

35. TEATRO HISTRIÓN TEATRO
MARZO
27 28
11 : 00 h
(funciones didácticas para centros docentes)
29
21 : 00 h
30
19 : 00 h
Juana la loca. La reina que no quiso reinar
De JESÚS CARAZO Dirección: JUAN DOLORES CABALLERO
COMO TODO EL MUNDO SABE, A POCOS METROS DE ESTA ANTIGUA JUDERÍA DEL BARRIO DEL
REALEJO, UNA AUSTERA CRIPTA, BAJO EL ESPLENDOR GÓTICO DE LA CAPILLA REAL, ALBERGA LOS
RESTOS DE JUANA I DE CASTILLA. CINCO SIGLOS DESPUÉS DE SU FALLECIMIENTO, LA COMPAÑÍA
HISTRIÓN TRAE AL TEATRO ALHAMBRA EL IMAGINADO TESTIMONIO, EL GRITO DESGARRADO, DE
QUIEN EL PUEBLO LLAMÓ JUANA LA LOCA. GEMA MATARRANZ, RECIENTEMENTE GALARDONADA
COMO MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN LOS I PREMIOS DEL TEATRO ANDALUZ, BORDA CON SU
ESTREMECEDORA INTERPRETACIÓN UN PERSONAJE DE ALTÍSIMO VOLTAJE.
Fotografía: © J. Ortega “Sitoh”
Cuando hay un personaje
de la historia tan conocido y
revisado, el acercamiento para
una posterior creación teatral,
dista mucho de ser un tranquilo
paseo, para convertirse en
camino estrecho y pedregoso,
ensombrecido por las ramas de
lo histórico, fechas y datos, que
se dejan caer para oscurecer la
propuesta y hacernos olvidar lo
de humano que pueda tener el
personaje en cuestión; aquí la
decisión de limitarse toma cuerpo
y deambula a nuestra espalda
como un fantasma.
Solo basta la aportación de un
texto y su entendimiento, para
que pronto aparezca, si no la
solución, sí el inicio del posible
camino a seguir, libre ya de
espesura y oscuridad y que nos
ha de llevar a una definición del
espectáculo.
de exponer el mundo en el
que la mujer Juana habita,
liberándola de clausuras
enciclopédicas, y donde la
ausencia, el dolor y fantasmas
de un alma rota, constituyen
la madeja de lo humano sin
olvidar el momento de la
historia que le tocó vivir.
Partimos de una Juana, mujer
y reina, abandonada que, con
cansancio rebusca entre el
recuerdo y la desesperación para
entender una existencia impuesta
por las necesidades de un Estado.
Padres, amor, hijos… se hacen
presentes y se entroncan para
crear un espacio de ensoñación
dolorosa que la arrastra y la
disuelve en el camino de la locura.
Juan Dolores Caballero
Desde este punto de vista, y
gracias al texto de Jesús Carazo,
nuestra propuesta reposa y
aparece como una decisión
35

36. TEATRO-MÚSICA ALBERT PLA
ABRIL
9 10
21 : 00 h
Manifestación
De ALBERT PLA Dirección: PEPE MIRAVETE
ALBERT PLA NOS VUELVE A OFRECER UN ESPECTÁCULO ENTRE TEATRO Y MÚSICA CON ESTE
PROVOCADOR MONÓLOGO ANTISISTEMA, REFLEJO DE UNA SOCIEDAD DELIRANTE.
A él le hubiese gustado matar a
un par de policías o de banqueros
o de empresarios sin escrúpulos,
pero al final, como todo el
mundo, decide unirse a una
manifestación contra el sistema.
La manifestación antisistema,
colisiona con otra manifestación
anti aborto y para escapar de
una carga policial, se refugia en
una protesta independentista.
Hay tantas manifestaciones
colapsando la ciudad que es
imposible escapar de la protesta.
Asume totalmente su papel
de agitador social, musical y
escénico, y subraya la pérdida
de valores que está sufriendo
nuestra sociedad. En un contexto
de crisis marcado por una gran
insatisfacción ciudadana y en
el que las protestas se han ido
multiplicando, nos da a entender
que, según él, “las manifestaciones
pacíficas no funcionan.”
No intenta convencer a nadie,
pero consigue hacer reír a
muchos con la historia de este
pobre hombre, que por muy
surrealista que pueda parecer,
podría llegar a ocurrir. Su
monólogo viene puntuado por
algunas canciones, interpretadas
con guitarra y teclado. Dos de
ellas, Todo es mentira y Teófilo
Garrido pertenecen a su último
disco realizado junto a Pascal
Comelade, Somiatruites, que ya
pudimos disfrutar en este mismo
escenario hace tres años.
Fotografía: © Ferrán Sendra
Albert Pla nos cuenta la historia
de un hombre atrapado en una
manifestación eterna, sobre
un escenario presidido por un
contundente lema: “Tu vida es
una puta mierda y tú lo sabes”.
36

37. TEATRO TEATRE LLIURE/HEARTBREAK HOTEL
ABRIL
25 26
21 : 00 h
El policía de las ratas
De la novela El gaucho insufrible, de ROBERTO BOLAÑO Copyright © 2003 · Herederos de ROBERTO BOLAÑO Todos los derechos reservados
Adaptación y dirección: ÀLEX RIGOLA
TRAS LA CELEBRADA ADAPTACIÓN DE 2666, NOS LLEGA ESTE RELATO QUE SE HA GESTADO EN
LA SCHAUBÜHNE DE BERLÍN Y HA VISTO LA LUZ EN LA BIENAL DE VENECIA. UNA FRUCTÍFERA Y
PROFUNDA RELACIÓN LA DE RIGOLA Y LA OBRA DE ROBERTO BOLAÑO.
Àlex Rigola y sus dos actores
fetiches –Andreu Benito y Joan
Carreras- vuelven a embarcarse
en esa nave de radicalidad
literaria que es la palabra de
Bolaño para volver a recordarnos
cuánta falta nos hace en estos
tiempos de frases “best sellers”.
El policía de las ratas es
un thriller, una historia
detectivesca sobre la diferencia
y el arte. Un cuento que rinde
homenaje, pone en cuestión y
finalmente supera en tensión
dramática a ese relato corto de
Kafka Josefina la Cantora o el
pueblo de los ratones.
En palabras de Àlex Rigola,
la obra es “un relato duro y
cruel sobre el mundo bajo las
alcantarillas como reflejo de
nuestra sociedad desgastada y
de su alienación. La historia de
un detective solitario en busca
de un asesino en serie, donde
Bolaño reclama ese espacio
para la individualidad, para la
diferencia. Una diferencia que
precisa de un trabajo continuo
para sobrevivir y que muchas
veces resulta incomprensible
para los que nos rodean. Y donde
se reclama un espacio a la figura
del poeta, del artista. Cuando
toda la cultura parece ser
apreciada mayoritariamente
por sus estadísticas de venta
y ocupación, Bolaño reclama,
critica, ataca y defiende ese
espacio para la literatura y el
arte fuera del “folletín”. Ese
espacio del arte por el arte.
Ese espacio donde todo puede
devenir poesía y excelencia
independientemente del
comentario y juicio populista.
Fuera de “lo normal”. Fuera de
lo que gusta a la mayoría. Fuera
de “la opinión general”. Un relato
triste y algo enfermizo donde
triunfa la fórmula “bolañil”:
LITERATURA + ENFERMEDAD =
LITERATURA. Y de la buena.”
Fotografía: © Àlex
Este cuento de Roberto Bolaño es,
como muchas historias fantásticas,
el mapa de una geografía, no
el retrato de individuos, de
roedores con nombre y apellido,
comadrejas con cédula de
identidad, sino un poco más: el
retrato de un mundo vasto, de
una sociedad que convive en un
mundo adulterado, donde las
líneas de la libertad son de un
diáfano cristal blanco.
37

38. TEATRO EXCÉNTRICA PRODUCCIONES
MAYO
9 10
21 : 00 h
Esperando a Godot
Dirección: JOAN FONT (Els Comediants)
DESPUÉS DE SUS HOMENAJES AL CINE MUDO CON RESTAURANT TÚ THREE Y AL MUNDO DEL CIRCO
CON TRIÁLOGOS CLOWNESCOS, GREGOR ACUÑA Y LOS SUYOS ABORDAN ESPERANDO A GODOT, SU
PROYECTO MÁS AMBICIOSO, BAJO LA DIRECCIÓN DEL MAESTRO JOAN FONT. EL ABSURDO ESTÁ
SERVIDO. EL HUMOR TAMBIÉN.
Esperando a Godot se representó
por primera vez en París en 1953.
En mayo de 1955 el paraninfo de
la Facultad de Letras de Madrid
veía su estreno en España, antes,
incluso, de su primera puesta en
escena en Londres.
pero terriblemente cómica
al retratarnos como seres
incapaces de poner orden en
nuestros asuntos y de avanzar
coherentemente. No sabemos
dónde vamos, ni cuáles son
realmente nuestras necesidades
pero la propuesta de Font es
fascinante: ¡descubrámoslo!
La dirección de Joan Font,
¡40 años ya al frente de Els
Comediants!, aporta una visión
nueva del clásico de Beckett
firmemente asida a nuestra
realidad de hoy: ¡caótica!,
¡absurda!, ¡surrealista!, ¡cruel!,
Aunque en su edición inglesa
Esperando a Godot se etiquetara
como “tragicomedia”, Beckett
siempre afirmó haber escrito una
obra para clowns. Probablemente
los éxitos más memorables que
este texto ha cosechado sobre
las tablas han respetado esta
perspectiva y éste es el espíritu
que anima esta versión que ahora
llega al Teatro Alhambra.
Mención especial para el espacio
sonoro de este Esperando a
Godot. La viola de Jasio Velasco, la
trompeta de Javier Centeno y el
clarinete de Oriol Boixader, bajo
la inspiración de clásicos como
Nino Rota, Cole Porter o Kurt
Weill, sirven, como ya ocurriera
hace un siglo en la cubierta del
Titanic, para endulzar y alegrar
esta “espera”.
Fotografía: © Luis Castilla
En los últimos 60 años el gran
icono del existencialismo y del
teatro del absurdo, esta obra
en la que, según Vivien Mercier,
“no pasa nada, dos veces” ha
servido como una de las mejores
herramientas para interpretarnos
política, religiosa, filosófica,
psicoanalítica y culturalmente.
En este momento de crisis
de referentes sociales en
que nuestra sociedad ve
desaparecer algunos de sus
valores más arraigados, sin
que aún se perfilen los que
han de sustituirlos, Excéntrica
Producciones decide repasar este
clásico imprescindible.
38

39. MÚSICA/TÍTERES/GESTUAL LA MAQUINÉ
/PROYECCIONES
MAYO
15 16
11 : 00 h
(funciones didácticas para centros docentes)
17
18 : 00 h
18
12 : 00 h
La casa flotante
Espectáculo inspirado en el arca de Noé · Autores: JOAQUÍN CASANOVA y ELISA RAMOS Música: XAVIER MONT SALVATGE y CLAUDE DEBUSSY
Espectáculo recomendado desde 4 hasta 99 años · Coproducción del Gran Teatre del Liceu, Festival Internacional de Música y Danza de Granada y La Maquiné
Con la colaboración de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales.
UNA NIÑA LLAMADA NOÉ VIVE EN UN LUGAR DESÉRTICO Y SOLITARIO. NOÉ NUNCA HABÍA VISTO LLOVER,
ELLA PENSABA QUE LA LLUVIA ERA DE COLORES... ROJA, AMARILLA, NARANJA, AZUL, VERDE, VIOLETA Y
AÑIL. UN DÍA COMENZÓ A LLOVER SIN PARAR, NOÉ PENSABA QUE EL CIELO SE HABÍA ROTO Y DECIDE
CONSTRUIR UNA CASA FLOTANTE PARA SALVAR A TODOS LOS ANIMALES DE LA TIERRA. PERO... ¿CÓMO
ENCONTRARÍA A TODOS LOS ANIMALES?, ¿Y SI SE OLVIDABA DE ALGUNO?, ¿SABRÍA ALIMENTARLOS?, ¿SE
LLEVARÍAN BIEN ENTRE ELLOS? EN ESTA GRAN AVENTURA EMBARCAREMOS TODOS.
Con motivo del centenario del
nacimiento del compositor Xavier
Montsalvatge (1912-2012), el Gran
Teatre del Liceu de Barcelona, el
Festival Internacional de Música y
Danza de Granada y La Maquiné
coprodujeron La casa flotante,
un espectáculo musical y visual
inspirado en los relatos en torno al
Arca de Noé y el diluvio universal.
El espectáculo se escenifica con
títeres, actores, proyecciones
y un actor narrador.
que describen a los diferentes
personajes. Una deliciosa y
original colección de miniaturas
llenas de humor y simpatía
donde la música imita los
sonidos o los movimientos de
los animales; arrebatadoras
piezas como El gato, con un
divertido desfile de maullidos y
disonancias, o la pequeña suite
Un vals para ser bailado por unos
simpáticos pingüinos.
El espectáculo trasmite de
forma fácil a los niños y niñas
unos conocimientos musicales
y artísticos necesarios para
su formación cultural, con un
lenguaje atractivo y sugerente
pensado para que el público
asimile, analice y aprenda los
valores implícitos de la obra
facilitando su disfrute.
El espectáculo fue estrenado en
el Teatro Alhambra, en el marco
de la 61º Edición del Festival
Internacional de Música y Danza
de Granada con, permítasenos
el tópico, un éxito absoluto de
crítica y público.
Fotografía: © Joaquín Casanova
La casa flotante tiene
como pieza musical central
L’ Arca de Noè (1990) de
Xavier Montsalvatge, una
colección musical de
piezas infantiles
39

40. XVI FESTIVAL INTERNACIONAL
de Teatro con Títeres, Objetos y Visual
Fotografía: Creative Commons Jaime Olmo
20 a 25 de mayo de 2014
40

41. Va EDICIÓN
27 31 de mayo de 2014
EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE
CORTOMETRAJES ÓPERA PRIMA VUELVE
CONSOLIDADO COMO EL MEJOR
ESCAPARATE DEL TALENTO QUE SURGE EN
NUESTRAS ESCUELAS DE CINEMATOGRAFÍA
CON CARÁCTER INTERNACIONAL.
La Asociación Cultural Garnata organiza, un año más, Ópera
Prima en Corto, un festival de cortometrajes procedentes
de las distintas escuelas nacionales e internacionales,
con el objetivo de promocionar la educación cinematográfica
y difundir los nuevos talentos.
Fotografía: Creative Commons Alberto Flores
Las secciones competitivas aglutinarán lo mejor de cada
escuela, nacional e internacional, y competirán por los
distintos premios. La sección granadina vuelve una año
más para mostrar el talento y la capacidad de los jóvenes
directores granadinos.
Y como actividades paralelas tendrán lugar diversos talleres
cinematográficos gratuitos, el concurso de fotografías
procedentes de escuelas audiovisuales Ópera Prima en Foto,
y charlas y coloquios sobre el sector de los cortometrajes
y la distribución.
41

42. TEATRO GLORIA LÓPEZ PRODUCCIONES
JUNIO
6
7
21 : 00 h
Cena con amigos
De DONALD MARGULIES Adaptación y dirección: DANIEL VERONESE
LLEGA AL TEATRO ALHAMBRA CENA CON AMIGOS, DIRIGIDA POR DANIEL VERONESE. FESTIVALES
E INSTITUCIONES TEATRALES TAN PRESTIGIOSAS COMO EL THEATER DER WELT, EL FESTIVAL
D’AVIGNON, EL KUNSTENFESTIVALDESARTS, EL HEBBEL THEATRE, EL HOLLAND FESTIVAL, LA FABBRICA
EUROPA Y EL RIOCENACONTEMPORÂNEA, ENTRE OTROS, HAN ABIERTO SUS PROGRAMACIONES
A LAS PROPUESTAS DEL DIRECTOR ARGENTINO. NO ES FÁCIL OBTENER SIMULTÁNEAMENTE EL
RESPETO DE LOS CIRCUITOS ALTERNATIVOS Y LOS COMERCIALES. ÉL LO HA CONSEGUIDO.
El tema es que en esta ocasión
una noticia (la ruptura de
una de las parejas) empieza
a resquebrajar la típica
serenidad de estas familias
económicamente acomodadas,
burguesmente constituidas,
existencialmente satisfechas.
Los efectos de la disolución
marital producen que todo -lo
que parecía en su lugar y era tan
tranquilizador- se resquebraje.
Como piezas de dominó la caída
traerá aparejada una estampida
que derretirá los cimientos de eso
que parecía tan bien construido.
Y aquel aparente equilibrio
desaparecerá, para dar lugar a
una realidad más cuestionada,
42
como si al corroerse el velo
de lo natural y cotidiano
obviamente nos obligáramos
a indagar no solo de quién
nos hacemos amigos, sino
con quién elegimos compartir
nuestra vida.
Un delicado aviso a la hipocresía
familiar que mira hacia fuera y
muy poco hacia dentro.
¿Comedia romántica? Puede
ser pero no esperemos finales
rosas o complacientes.”
Daniel Veronese
Fotografía: © Sergio Parra
Cena con amigos es una comedia
ácida sobre el mundo de la
pareja, sobre ella, su director,
nos dice: “Es un texto bello e
inteligente, con delicado humor
en donde todo comienza con una
simple cena entre amigos, como
tantas, compartiendo anécdotas,
recuerdos comunes y viajes.

43. TEATRO ABAO TEATRO
JUNIO
20 21
21 : 00 h
Lear
A partir de El rey Lear de W. SHAKESPEARE Dirección: PEPA GAMBOA
LA SIEMPRE SORPRENDENTE E INNOVADORA PEPA GAMBOA, JUNTO A UN
ELENCO DONDE FIGURAN MUCHOS DE LOS MEJORES PROFESIONALES
ANDALUCES, NOS PRESENTARÁ SU PERSONAL VERSIÓN DE EL REY LEAR.
La compañía sevillana que dirige
Pepa Gamboa llega al Teatro
Alhambra. La siempre arriesgada
e innovadora directora lleva a los
escenarios su personal versión
del drama shakespeariano, bajo
el título Lear.
A Quintana lo acompañan
Amparo Marín, Mari Paz Sayago,
María Cabeza de Vaca, Manuel
Monteagudo, Chema del Barco,
Álex Peña y David Montero.
¿Alguien da más?
Fotografía: © Escarlata
Una versión “más bien libre”,
en palabras de Gamboa, que
se centra en la dureza de las
relaciones familiares; no importa
el rango, no importa la nobleza,
sólo cuenta la fragilidad de los
lazos familiares, su crudeza. Lear
no es un rey en decadencia, es
un anciano padre envuelto en
viejas venganzas fraternales, en
avaricias, rencores y despiadadas
ambiciones. Y el eterno
contrapunto del Bufón, poniendo
la ironía, la sonrisa que se congela.
En esta versión, que firma junto
a Antonio Marín, los personajes
se desenvuelven en lo que bien
podría ser una pesadilla del
protagonista, encarnado por
Roberto Quintana, atrapando
al espectador en una acción sin
concesiones; una trama que
cualquiera puede reconocer e
identificar en su propio entorno.
43

44. y además...
... NOCHE EN BLANCO
OCTUBRE
19
20 : 00 h
... POP-ROCK
Conciertos para centros docentes (artistas confirmados)
DEPEDRO NOVIEMBRE
27
11 : 00 h
NAPOLEÓN SOLO MARZO
20
11 : 00 h
... EXPOSICIONES
La mujer en la escena andaluza,
del Centro de Documentación de las Artes Escénicas de Andalucía
1er trimestre
Exposición en torno al proyecto de formación que representa ESCÉNICA
... CICLO FLAMENCO VIENE DEL SUR
comienzo FEBRERO
... ESCUELA DE ESPECTADORES
(encuentros con creadores, conferencias, exposiciones...)
Infórmate de todas las novedades de nuestra programación en nuestra página web:
www.teatroalhambra.com
44
Fotografía: Creative Commons Iván González
2o trimestre

45. OCTUBRE 2013
NOVIEMBRE 2013
18) 21h
1) 2) 21h
MANEL
Presentan su disco: Atletes,
baixin de l’escenari
EL ESPEJO NEGRO/ ÁNGEL
CALVENTE
La venganza de don Mendo
POP-ROCK
Concierto inauguración
19) 20h
NOCHE EN BLANCO
24) 25) 21h
TEATRO
De Pedro Muñoz Seca
Adaptación y dirección:
Ángel Calvente
7) 8) 10h 12h* 9) 18h 10) 12h
DANZA
TEATRO
DA.TE DANZA
Jardín en el aire
De Edward Albee
Dirección: Daniel Veronese
Con Carmen Machi, Pere Arquillué,
Mireia Aixalà, Ernest Villegas
15) 11h* 15) 16) 21h
26) 21h
ATALAYA
Madre Coraje
ENRIQUE MORATALLA en
concierto
Presentando su nuevo disco:
La flor del frío
18) 12h 19) 20) 10h 12h*
TEATRE ROMEA
¿Quién teme a Virginia Woolf?
MÚSICA
31) 11h* 21h
TEATRO
EL ESPEJO NEGRO/ÁNGEL
CALVENTE
La venganza de don Mendo
Dirección: Omar Meza
Espectáculo para 3 bailarines
TEATRO
De Bertolt Brecht
Dirección: Ricardo Iniesta
TEATRO
TUTTILIFAMILI
El sofá de Sophie
Idea original: Tuttilifamili
Dirección artística: Javier Pérez
Música: Daniel Tarrida y Satie
De Pedro Muñoz Seca
Adaptación y dirección:
Ángel Calvente
* Funciones didácticas para centros docentes
** Concierto para centros docentes
45

46. DICIEMBRE 2013
ENERO 2014
22) 23) 21h
3) 4) 21h
10) 11) 21h
28) 29) 10h 12h* 29) 21h
PATRICIA GUERRERO
Latidos del agua
ARTSÈNE. Laboratoire
Artistique Itinerant
Le poète en action
(El poeta en acción)
T DE TEATRE
Aventura!
CÍA. TRESPERTÉ
Aquí sobra uno
16) 12h 17) 10h 12h*
31) 21h
CÍA. MALAJE SÓLO
Animalaje
EL PUNTO! DANZA TEATRO/
FERNANDO LIMA
Reconstrucción
FLAMENCO
26) 21h
TEATRO
CÍA. SLATSCAT
Entrez et sonnez (Entrad y
llamad)
Dirección: Facundo Diab
Un proyecto de Artsène en
colaboración con La Cita Cultural
Francesa en Granada - La Maison de
France y los servicios culturales de la
Embajada de Francia
27) 11h**
POP ROCK
DEPEDRO
29) 30) 21h
TEATRO
TEATRO DE LA ABADÍA
Maridos y mujeres
De Woody Allen
Dirección: Àlex Rigola
PERFORMANCE
Con la colaboración de
El Niño de las Pinturas
Dirección: Rosa Díaz
ESTRENO ABSOLUTO
En colaboración con La Cita Cultural
Francesa en Granada - La Maison de
France y los servicios culturales de la
Embajada de Francia
6) 21h 7) 19h
TEATRO
21:30h
TAL Y CUAL/SALA CERO TEATRO
Oddi
Dirección: Paco Montes
13) 14) 21h
TEATRO
FUNDICIÓN PRODUCCIONES &
FOCUS
Taking sides/Tomar partido
De Ronald Harwood
Dirección: Pedro Álvarez-Ossorio
16) 12h 17) 18) 10h 12h*
21) 18h 22) 12h 18h
26) a 28) 18h
TEATRO
Autor y director: Alfredo Sanzol
TEATRO
Dirección: Víctor Carretero
17) 18) 21h
TEATRO
TEATRO-CIRCO
Dirección: Antonio Jesús Gómez
DANZA
Concepto, dirección y coreografía:
Fernando Lima
Espectáculo para 3 intérpretes
CÍA. MALAJE SÓLO
¿Cuándo se come aquí? 101
Guión: José Antonio Aguilar y Cía.
Malaje Sólo
Dirección: Cía. Malaje Sólo
22) a 24) 12h*
25) 18h 26) 12h
TEATRO PARA PÚBLICO FAMILIAR
LA ROUS
Una niña
A partir del cuento
Una niña de Grassa Toro
Dirección: Rosa Díaz
Funciones para la familia en Navidad
TEATRO CON TÍTERES
PARA PÚBLICO INFANTIL
TITIRITRÁN
Circo
Dirección: Maruja Gutiérrez y Pedro López
46
* Funciones didácticas para centros docentes
** Concierto para centros docentes

47. FEBRERO 2014
1) 21h
DANZA
EL PUNTO! DANZA TEATRO/
FERNANDO LIMA
Reconstrucción
Concepto, dirección y coreografía:
Fernando Lima
Espectáculo para 3 intérpretes
4) 5) 10h 12h* 5) 21h
TEATRO-CIRCO
CÍA. VAIVÉN CIRCO
Do Not Disturb (No molestar)
Dirección: Rosa Díaz
7) 11h* 7)
TEATRO
8) 21h
COMPAÑÍA BARCO PIRATA
Tempestad
MARZO 2014
15) 21h 16) 19h
TEATRO-MÚSICA
MANSILLA, NAVARRO & MORA
Ultramarinos
Texto: Fernando Mansilla
Dirección: Mansilla, Navarro y Mora
17) 21h
FLAMENCO VIENE DEL SUR
21) 22) 21h
DANZA
3) 21h
FLAMENCO VIENE DEL SUR
Texto: Eusebio Calonge
Dirección: Paco de la Zaranda
24) 21h
13) 21h
TEATRO DEL VELADOR
Patrimonio. Espectáculo
flamenco
Concepto, bailarina y co-coreógrafa:
Dalisa Pigram
Director y co-coreógrafo:
Koen Augustijnen
Espectáculo para una intérprete
ESTRENO EN ESPAÑA en complicidad
con el Teatro Central (Sevilla)
En colaboración con la Representación
del Gobierno de Flandes.
Embajada de Bélgica
Dirección y creación:
Juan Dolores Caballero
TEATRO DEL VELADOR
Patrimonio. Espectáculo
flamenco
ULTIMA VEZ/WIM
VANDEKEYBUS
What the Body Does Not
Remember
FLAMENCO VIENE DEL SUR
‘MARRUGEKU’ - DALISA
PIGRAM & KOEN AUGUSTIJNEN
gudirr gudirr
FLAMENCO VIENE DEL SUR
5) 21h
LA ZARANDA
El régimen del pienso
28)
21h
TEATRO
Dirección y creación:
Juan Dolores Caballero
10) 21h
TEATRO
TEATRO
Adaptación de la obra La tempestad de
William Shakespeare
Dirección y adaptación:
Sergio Peris-Mencheta
DANZA
1) 21h
DANZA
Director, coreógrafo y creador:
Wim Vandekeybus
Espectáculo para 8 bailarines
En colaboración con la Representación
del Gobierno de Flandes.
Embajada de Bélgica
7) 8) 21h
DANZA-TEATRO
CHONI CÍA. FLAMENCA
La gloria de mi mare
Dirección: Estrella Távora
Coreografía: Asunción Pérez “Choni”
14) 15) 21h
COMPAGNIE DERNIÈRE
MINUTE/ PIERRE RIGAL
Érection
Creación: Pierre Rigal/Aurélien Bory
Espectáculo para 1 bailarín
En colaboración con Institut Français
17) 21h
FLAMENCO VIENE DEL SUR
20) 11h **
POP-ROCK
NAPOLEÓN SOLO
22) 21h 23) 19h
DANZA
ROSAS/ANNE TERESA DE
KEERSMAEKER
Rosas danst Rosas
Coreografía:
Anne Teresa de Keersmaeker
Espectáculo para 4 bailarinas
En colaboración con la Representación
del Gobierno de Flandes.
Embajada de Bélgica.
* Funciones didácticas para centros docentes
** Concierto para centros docentes
47

48. ABRIL 2014
MAYO 2014
24) 21h
7) 21h
5) 21h
27) 28) 11h* 29) 21h 30) 19h
9) 10) 21h
9) 10) 21h
HISTRIÓN TEATRO
Juana la loca. La reina que no
quiso reinar
ALBERT PLA
Manifestación
FLAMENCO VIENE DEL SUR
TEATRO
De Jesús Carazo
Dirección: Juan Dolores Caballero
31) 21h
FLAMENCO VIENE DEL SUR
FLAMENCO VIENE DEL SUR
FLAMENCO VIENE DEL SUR
6) 7) 21h
TEATRO
GLORIA LÓPEZ PRODUCCIONES
Cena con amigos
TEATRO-MÚSICA
TEATRO
De: Donald Margulies
Adaptación y dirección:
Daniel Veronese
De Albert Pla
Dirección: Pepe Miravete
Dirección: Joan Font (Els Comediants)
20) 21) 21h
25) 26) 21h
TEATRO
TEATRE LLIURE/HEARTBREAK
HOTEL
El policía de las ratas
De la novela El gaucho insufrible,
de ROBERTO BOLAÑO
Copyright © 2003
Herederos de ROBERTO BOLAÑO
Todos los derechos reservados
Adaptación y dirección:
ÀLEX RIGOLA
29) 30) 10h 12h*
TEATRO
CÍA. LA CANELA
Vasilisa. La sabia
Dirección: Analía Sisamón
EXCÉNTRICA PRODUCCIONES
Esperando a Godot
12) 21h
FLAMENCO VIENE DEL SUR
15) 16) 11h* 17) 18h 18) 12h
MÚSICA / TÍTERES / GESTUAL /
PROYECCIONES
LA MAQUINÉ
La casa flotante
Espectáculo inspirado en el arca de Noé
Autores: Joaquín Casanova y
Elisa Ramos
Música: Xavier Montsalvatge y
Claude Debussy
20) a 25)
XVI FESTIVAL INTERNACIONAL
DE TEATRO CON TÍTERES,
OBJETOS Y VISUAL
27) a 31)
V EDICIÓN ÓPERA PRIMA EN
CORTO
* Funciones didácticas para centros docentes
** Concierto para centros docentes
48
JUNIO 2014
TEATRO
ABAO TEATRO
Lear
A partir de El rey Lear de
W. Shakespeare
Dirección: Pepa Gamboa
Con Roberto Quintana, Mª Paz
Sayago y Manuel Monteagudo,
entre otros

49. Abonos de temporada
Nuestro sistema de venta preferente te garantiza:
/ TARIFAS MÁS RENTABLES / POSIBILIDAD DE ELEGIR LOS ESPECTÁCULOS
QUE MÁS TE GUSTEN / PRIORIDAD EN LAS RESERVAS / RESERVA DE BUTACAS
PREFERENTES / ASISTENCIA TELEFÓNICA / INFORMACIÓN MENSUAL
ACTUALIZADA / INVITACIÓN A ACTIVIDADES PARALELAS
/ ABONO 20 · 240 €
20 entradas
(precio medio por entrada 12 €)
Validez: hasta junio de 2014.
Con un máximo de 4 entradas a elegir entre todos
los espectáculos de temporada, excepto ciclo
Flamenco viene del Sur y espectáculos fuera de
abono. Incluye la posibilidad de adquirir hasta 10
entradas adicionales con precio Tarjeta Amigo una
vez consumido el abono.
Número de abonos limitado.
/ ABONO 10 · 130 €
10 entradas
(precio medio por entrada 13 €)
Validez: hasta junio de 2014.
Con un máximo de 2 entradas a elegir entre todos
los espectáculos de temporada, excepto ciclo
Flamenco viene del Sur y espectáculos fuera de
abono. Incluye la posibilidad de adquirir hasta 5
entradas adicionales con precio Tarjeta Amigo una
vez consumido el abono.
Número de abonos limitado.
/ ABONO FESTIVAL
INTERNACIONAL DE TEATRO CON
TÍTERES, OBJETOS Y VISUAL
Precio por confirmar.
/ ABONO TU CULTURA · 110 €
10 entradas
(precio medio por entrada 11 €)
Con un máximo de 2 entradas por espectáculo.
Incluye todos los espectáculos hechos en Andalucía,
excepto ciclo Flamenco Viene del Sur y espectáculos
fuera de abono.
Número de abonos limitado.
/ ABONO UNIVERSITARIO 30 · 60 €
6 entradas
(precio medio por entrada 10 €/ espectáculo)
Con un máximo de 2 entradas por espectáculo
excepto ciclo Flamenco Viene del Sur y espectáculos
fuera de abono.
Este abono es exclusivo para estudiantes
universitarios menores de 30 años.
Número de abonos limitados.
Todas las ofertas están sujetas a la
disponibilidad del recinto.
/ TARJETA AMIGO
Consultar condiciones de la tarjeta.
Número de tarjetas limitado.
Tarifas especiales para jóvenes,
estudiantes, desempleados,
pensionistas y otros colectivos
mostrando la acreditación
correspondiente.
Consultar tarifas especiales para
grupos y centros docentes en
funciones nocturnas.
INFORMACIÓN Y SUSCRIPCIÓN
DE ABONOS Y TARJETA AMIGO
Teatro Alhambra
c/ Molinos, 56. 18009 Granada
www.teatroalhambra.com
T. 958 028 000
info.teatroalhambra@
juntadeandalucia.es
Horario de oficina:
De lunes a jueves de 10:00 h. a
14:00 h. y de 17:00 h. a 19:00 h.
Viernes de 10:00 h. a 14:00 h.
Horario de taquilla:
Desde una hora antes de cada
función.
/ ABONO CICLO
FLAMENCO VIENE DEL SUR
Precio por confirmar.
49

50. quiere agradecer
su colaboración en la programación de esta temporada a:
50

51. 51