Guía para la enseñanza de Educación Artística
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La guía didáctica de educación artística contiene orientaciones metodológicas para la enseñanza y el aprendizaje del área. Se propone utilizar estrategias como el método experiencial que involucra actividades prácticas para descubrir conceptos. El objetivo es desarrollar las habilidades de los estudiantes para explorar, conocer, apreciar y crear a través del arte, vinculando los procesos creativos con la vida cotidiana.
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- 2. 2 PRESENTACIÓN La educación del siglo XXI debe transmitir masiva y eficazmente un volumen de conocimientos teóricos y técnicos evolutivos adaptados a la civilización cognitiva, porque son las bases de la competencia del futuro. Se deben buscar orientaciones para proyectarse en función del desa- rrollo individual y colectivo. Ya no basta en acumular un caudal de conocimientos, sino aprovechar toda experiencia que represente una oportunidad para actualizar y adaptarse a un mundo de permanentes cambios. El reto de los docentes hoy, es saber aprovechar los diversos momentos de trabajo educativo (lecturas, discusiones, elaboración de escritos, etc.) para introducir estrategias variadas que lleven a esa vigi- lancia crítica de las ideas en los estudiantes. Con el fin de dar continuidad a avances pedagógicos, académicos y al fortalecimiento desarrollo de destrezas de los educandos establecidos en la Propuesta del Ministerio de Educación ha creído necesario apor- tar al mejoramiento de la calidad educativa del Ecuador respondiendo a los requerimientos de la sociedad actual que exige de los actores del proceso educativo el desarrollo de destrezas para participar de manera activa y eficiente en el contexto social en el cual se desenvuelven. La GUÍA DIDÁCTICA DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA contiene orienta- ciones metodológicas acerca del proceso “Nuevo Bachillerato Ecua- toriano” como importancia de enseñar y aprender EDUCACIÓN ARTÍSTICA, precisiones para la enseñanza y el aprendizaje, los ejes transversales dentro del proceso educativo, estrategias que fomentan el pensamiento crítico aplicadas al área, técnicas de aprendizaje y recur- sos del área, la evaluación de las destrezas con criterios de desempeño, modelo de micro planificación (plan de lección) en base del pensa- miento crítico y los diseños de los bloques curriculares. Confiamos que con el aporte de ustedes, estimados maestros, maestras y estudiantes, se alcance nuestro propósito. Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 3. 3 LECTURA PARA TI MAESTRO(A) INNOVACIÓN CURRICULAR BASADA EN LA PEDAGOGÍA TEATRAL La Pedagogía Teatral, como arte en funcionamiento, significa tener la posibilidad de im- plementar, mediante la metodología de la expresión, una estrategia de trabajo multifacé- tica que vincula el Teatro con la Educación. Tomando como punto de partida el hecho de que “todo currículo selecciona y organiza conocimientos, habilidades y valo- res con el objeto de influir deliberadamente en el desarrollo intelectual, cultural y ético de las personas” es que se propone el presente ensayo basado en la Pedagogía Teatral, disciplina que como metodología activa permite instalar los múltiples usos del Teatro en la Educación Parvularia, Básica y Media. Sin lugar a dudas, la Filosofía Educacional que orienta el quehacer educativo de la Pe- dagogía Teatral es el Reconstruccionismo, cuya base pragmática, conciencia temporal y mirada global, concentra su aporte buscando una “educación para el cambio y la re- forma social para mejorar y reconstruir la sociedad.” Aun asumiendo que “la enseñanza y el aprendizaje son dos entidades de estudio independientes y que el acto de enseñar no asegura la experiencia de aprender” , la propuesta introduce la Pedagogía Teatral en el Proyecto Educativo Institucional (PEI) de una Escuela, con el objetivo de incidir en su efectividad metodológica y mejoramiento escolar. Mediante la Expresión Dramática, la Pedagogía Teatral busca potenciar las habilidades cognitivas, psicomotoras y afectivas de las personas, estimular la inclusión en la comunidad educativa y promover el aprendiza- je significativo como eje central de la acción docente. Dado que la Escuela se entiende como un Mesosistema que “comprende las interrelacio- nes de dos o más entornos en los que la persona en desarrollo participa activamente” y que vincula al sujeto con los significados mediante el lenguaje, es que el Juego Dramáti- co en tanto recurso educativo fundamental, se articula como un mediador eficiente para penetrar e innovar la gestión del PEI. Verónica García - Huidobro V. Actriz, pedagoga y directora teatral. Guía · Docente PARA REFLEXIONAR: • ¿Te gustó la lectura? • ¿Qué opinas de la misma? • ¿Te parece una buena innovación? ¿Por qué? • ¿Cuál es tu punto de vista sobre la lectura? Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 4. 4 PROPÓSITO DE LA GUÍA PARA EL DOCENTE Esta guía tiene el propósito de facilitar la labor de maestras y maestros mediante una breve revisión del desarrollo de la Educación Artística, la elección de las estrategias metodológicas que se pueden utilizar en el aula y el manejo de los materiales. Estos ma- teriales han sido elaborados de acuerdo con los lineamientos de la reforma curricular. OBJETIVOS DEL ÁREA: • Percibir, de manera sensible y crítica, el mundo exterior y las crea- ciones artísticas, para valorar las diferencias personales y culturales y poder responder a éstas como ciudadano activo. • Explorar su mundo interior para ser más consciente de sus emocio- nes y de sus reacciones y las de los otros para expresar con convic- ción y conciencia sus ideas. • Aplicar procesos creativos diversos para desarrollar una mente flexible que pueda innovar y resolver problemas de forma creativa en otras áreas de la vida. • Apreciar las similitudes, diferencias y nuevas propuestas en las ex- presiones artísticas personales y culturales a través de la ejecución del proceso creativo y la valorización de otras obras, para responder a ellas de una manera individual, informada y significativa. • Crear productos artísticos que expresen visiones propias, sensibles e innovadoras por medio del empleo consciente de los elementos y principios del arte, para experimentar procesos reales de transfor- mación. • Comprender y aplicar distintos materiales, herramientas, conceptos, técnicas y procesos mentales de los lenguajes artísticos mediante el desarrollo de un proceso riguroso, para la creación de obras de arte. Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 5. 5 PRECISIONES PARA La enseñanza y el aprendizaje El saber escolar se construye a partir de la apropiación de contenidos conceptuales y experimentales y del desarrollo de destrezas. Si consideramos que en el universo el cambio es lo único constante, y que éste obedece a un sistema de permanente relación entre sus componentes, entonces el desafío para las docentes y los docentes de Educa- ción Artística es integrar desarrollar el potencial artístico de los estudiantes para de esta forma transmitir sus sentimientos por medio del arte. Para iniciar el proceso de enseñanza aprendizaje se sugiere desarrollar actividades que tomen en cuenta los saberes previos sobre el entorno con los que vienen las alumnas y los alumnos y que constituyen el material para motivar a la investigación, confrontar ideas, ratificar o rectificar hipótesis y generar conclusiones propias. Para el desarrollo eficaz de las destrezas propuestas en el primer año de bachillerato es necesario hacer algunas recomendaciones a las docentes y los docentes para desarrollar los diferentes bloques curriculares. SUGERENCIAS METODOLÓGICAS PARA EL ALMA DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA Es indudable que cada maestro y maestra aplica técnicas que domina, que ha apren- dido o creado y en las cuales tiene confianza. Sin embargo, para ser coherente con el proceso de reforma curricular que se está desarrollando en nuestro país consideramos que: El uso de estrategias permite una mejor metodología, considerada como formas de res- ponder a una determinada situación dentro de una estructura conceptual. Guía · Docente Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 6. 6 Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total El estudio de la Educación Artística se definirá desde el enfoque comunicativo, lo que implicará que los estudiantes sean capaces de desarrollar habilidades en la expresión y comprensión oral, escrita y corporal, usando multiplicidad de estilos y registros, en respuesta a necesidades reales de comunicación. La idea más común acerca de la Educación Artística es que enseñar arte significa so- lamente enseñar a los estudiantes a crear objetos o acciones artísticas. Sin embargo, en el mundo del arte fuera de la escuela no solamente se produce arte (creación), sino que también se observa, aprecia y critica (apreciación); se investiga su entorno social, político, religioso e histórico (historia del arte); y se realizan reflexiones filosóficas acer- ca de la naturaleza del arte (estética). Por lo tanto, si queremos lograr una Educación Artística completa, debemos incluir estos cuatro grandes campos en la enseñanza de esta materia: • Actividades de creación • Actividades de apreciación • Actividades de investigación de historia del arte • Actividades filosóficas: estética A través de las actividades de creación, apreciación, historia del arte y estética, los estudiantes estarán explorando otros procesos esenciales que les servirán en distintas dimensiones de su crecimiento personal. Motivo por el cual, el arte les ofrece a los estudiantes la posibilidad de aprender a mirar con detenimiento su entorno y la posibilidad de adquirir la sensibilidad necesaria para comprender y valorar las diferencias personales y culturales, apreciar el mundo natural y las creaciones humanas. Así, su compromiso como ciudadanos se incrementará al conectar sus experiencias en el arte con sus vidas personales y sociales. Estos procesos les ayudarán a comprender mejor el comportamiento humano.
- 7. 7 Guía · Docente Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total CARACTERÍSTICAS QUE DEBEN REUNIR LOS MÉTODOS PARA LA ENSEÑANZA – APRENDIZAJE DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA Los métodos y procedimientos utilizados en la enseñanza – aprendizaje de Educación Artística deben reunir características propias. Las características que deben reunir son las siguientes: • Propiciar situaciones para que los alumnos comprendan los objetivos que deben alcanzar. • Mantener vivo el interés en los estudiantes durante el desarrollo de las actividades. • Propiciar que los estudiantes perciban situaciones concretas. • Estimularlos para que logren mejores hábitos de observación y registro. • Inducir a los alumnos a analizar los datos recopilados para resolver el o los pro- blemas planteados. • Hacer preguntas oportunas que permitan a las señoritas y jóvenes orientar sus discusiones o establecer mejores relaciones entre los datos obtenidos en las ob- servaciones. • Cuestionar los resultados parciales o finales a que lleguen los equipos, • mediante el acuerdo común de los mismos. • Aportar ideas, discutirlas y fundamentarlas.
- 8. 8 La creación artística permite también espacios de libertad emocional y física, necesarios para el bienestar general y el Buen Vivir. Los estudiantes se encontrarán con momentos de catarsis; en los que habrá risas, bienestar, sensación de logro personal, juego y, en general, diversión. Sin embargo, habrá también momentos de frustración, nostalgia o tristeza, que son parte natural del proceso de sanación emocional y de autoconoci- miento mediante la experiencia artística. Debemos tener claro, entonces, que nos queremos alejar de la enseñanza que busca crear ¨productos lindos”. Tenemos que apuntar a ofrecer espacios y momentos de enseñanza-aprendizaje que motiven procesos en los cuales los estudiantes manejen ideas que puedan después aplicar en su vida cotidiana. Los objetos artísticos resultantes son entonces logros secundarios de estos procesos, pueden tener cualidades estéticas específicas planificadas o pueden ser accidentes que hayan resultado de la experimen- tación arriesgada. Estos productos, las obras de arte, son importantes, pero siempre pensados como parte de un proceso de trabajo más amplio. Los lenguajes son, por lo tanto, un medio de apoyo para lograr procesos de autocono- cimiento, de significación del mundo y del otro, de cuestionamientos y de construcción de identidad. MÉTODOS Y TÉCNICAS ESPECIALES Recordemos brevemente uno de los métodos más empleados en Educación Artística • MÉTODO EXPERIENCIAL Consiste en realizar actividades tendientes a descubrir, comprobar o demostrar fenómenos, hechos o principios. Considera los siguientes pasos: 1. Seleccionar o plantear un proble- ma. 2. Formular hipótesis en relación con el problema planteado. 3. Realizar experimentos. 4. Comparar características. 5. Generalizar o enunciar las leyes que rigen los experimentos reali- zados. 6. Verificar las hipótesis planteadas. Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 9. 9 MACRODESTREZAS POR DESARROLLAR De lo planteado se desprenden los ejes de aprendizaje (explorar, conocer, apreciar y crear) que, a su vez, son las macrodestrezas que los estudiantes deberán desarrollar. Las cuatro macrodestrezas o ejes de aprendizaje arriba mencionados (explorar, cono- cer, apreciar y crear) son claves en el desarrollo de un proceso creativo exitoso. Pero esta división no es secuencial, y los límites entre ellas son muy flexibles. Eso quiere decir que están íntimamente conectadas. Por ejemplo, al explorar el entorno con los sentidos, los estudiantes descubrirán que muchas partes de ese entorno están formadas por creaciones artísticas. Al apreciarlas y conectarse con obras de arte, naturalmente se promueve el deseo por conocer más, y los estudiantes se sienten motivados a investigar acerca de artistas, pe- ríodos o movimientos artísticos, estilos, mensajes, etc. Así, la apreciación se vincula na- turalmente con el estudio de la historia del arte. Lo mismo sucede con las herramientas de producción y los elementos y principios de los lenguajes artísticos. Los observadores, al vivir la experiencia de una observación detallada y profunda, des- cubren y se interesan por los aspectos técnicos de una obra y por cómo estos lenguajes logran transmitir mensajes específicos, vinculándose así con la destreza de crear. Este es un solo ejemplo de cómo el proceso creativo vincula estas cuatro destrezas, pero cada estudiante experimentará una secuencia de ir y venir entre ejes en cada proyecto de una manera distinta. Al profundizar en el desarrollo de los procesos creativos y su metacognición, los estu- diantes comprenden cómo funciona su mente cuando observan y piensan acerca del arte, reaccionan frente a objetos artísticos y hablan sobre ellos. Este proceso ayuda entonces a desarrollar habilidades transferibles a la vida cotidiana y útiles en la vida productiva y laboral. LA EVALUACIÓN DE LAS DESTREZAS CON CRITERIOS DE DESEMPEÑO La evaluación es una actividad sistemática que tiene por objeto proporcionar la máxima información para mejorar el proceso de enseñanza-aprendizaje, reajustar sus objetivos, revisar críticamente tanto la metodología como los recursos didácticos y facilitar la máxima ayuda y orientación a niñas niños y jóvenes, madres y padres de familia. El concepto de evaluación es más amplio y complejo que el de medición, porque no es solo la interpretación de una medida en relación con una norma estadística ya estable- cida o respecto de unos objetivos o patrones de conducta, sino que implica además un juicio de valores sobre una descripción cualitativa. Guía · Docente Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 10. 10 La evaluación tiene las siguientes características: • Es una actividad sistemática y continua • Recoge mucha información real acerca de todo el proceso de enseñanza • Ayuda a mejorar el propio proceso y dentro del, el currículo, las estrategias meto- dológicas y los recursos didácticos, aumentando el rendimiento de niños y niñas. Una problemática de alta significación pedagógica constituye la evaluación de las des- trezas. Teniendo en cuenta que estas son expresiones del “saber hacer”, entonces se requiere enfrentar al estudiantado a problemas y situaciones donde deben demostrar cómo son capaces de realizar acciones concretas al enfrentarse a diversas situaciones y problemas. Las docentes y los docentes deben evaluar de forma sistemática el des- empeño (resultados concretos del aprendizaje) del estudiantado a través de diferentes técnicas que permitan determinar en qué medida hay avances en el desarrollo de la destreza; para ello es muy importante ir planteando, de forma progresiva, situaciones que incrementen el nivel de complejidad y la integración de los conocimientos que se van logrando. Como parte esencial de los criterios de desempeño de las destrezas están las expre- siones de desarrollo humano (valores) que deben lograrse en el estudiantado, las que deben ser evaluadas en el quehacer práctico cotidiano y en el comportamiento del estudiantado ante diversas situaciones del aprendizaje. La evaluación es el componente regulador del proceso educativo, se emplea en todo momento para motivar al estudiando, estimularlo por los logros de desempeño alcanza- do en el dominio de las destrezas y conocimientos, así como, incentivarlo a superar las deficiencias o limitaciones que tienen en los resultados del aprendizaje. Sirve además como herramienta de planificación para las docentes y los docentes, ya que les pro- porciona información sobre los temas que requieren mayor práctica. En los textos de educación artística ponemos a consideración varios tipos de evaluación: diagnóstica, formativa, sumativa, autoevaluación, coevaluación y héteroevaluación. Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 11. 11 Guía · Docente PLANIFICACIÓN DE LOS BLOQUES CURRICULARES Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 19. 19 Guía · Docente SUGERENCIAS DE EVALUACIONES PARA EL PRIMER QUIMESTRE Observación de una película Señala las ideas principales, símbolos, personajes y mensajes que aparecen en una obra por medio del análisis de estos elementos en una película. A partir de la película expresa opiniones y anota las reacciones para elaborar argumentos desde tu perspectiva personal. Identifica elementos fundamentales como imagen, tiempo, movimiento, sonido e iluminación de una película a partir del análisis de la interacción de sus partes. Realización de una obra de teatro, dramatizado o una danza Desarrollar una obra teatral a partir de la investigación y recuperación de la me- moria visual. Reconoce el código verbal, para verbal y no verbal a través de su identificación en una obra de teatro. Actuar utilizando los diferentes códigos a partir del desarrollo y comunicación de personajes. Analizar el valor estético de las obras y sus personajes producidas por los mis- mos estudiantes. Valora las producciones artísticas propias, a partir de la autoevaluación de las cualidades expresivas. Creación de historietas, comics o pinturas Documentar a través de la fotografía, dibujo, pinturas los gestos y expresiones que nacen de las emociones personales en distintos momentos. Reconocer los distintos códigos gestuales que existen en su entorno a través de la documentación. Diseñar una historia utilizando un guión gráfico a partir del recuerdo, transforma- ción o inspiración de un evento. Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 22. 22 PASOS PARA REALIZAR UN PROYECTO 1. Elección del tema 2. Exploración del tema 3. Apreciación de expresiones artísticas relacionadas al tema 4. Creación y exhibición de obras de arte ¿CÓMO HACER FIGURAS TRIDIMENSIONALES DE ARCILLA O PLASTILINA? INTRODUCCIÓN Para el armado de una escultura, antes que nada debemos tener una idea de lo que queramos realizar, principalmente plasmada en un dibujo. Ahora bien, suponiendo que ya tenemos bien forjada y plasmada nuestra idea o nuestro proyecto en un dibujo, el paso siguiente será materializarlo del papel a su forma tridimensional. Al decir “a su forma tridimensional” es dar el efecto de volumen a ese bosquejo plano de dos dimensiones, a otro más real usando las tres dimensiones que existen “largo, ancho y profundidad”. Estas tres dimensio- nes nos permitirán observar nuestra idea desde todos los puntos: detrás, adelante y a un lado. MATERIALES METODOLOGÍA 1. Prepara el artículo a decorar con el diseño de papel de servilleta deseado y déjalo secar. 2. Extiende la arcilla en un espesor aproximado de 0,5 cm. Usando la misma servilleta, elige un motivo que vaya a combinar con la decoración. Recórtalo, presiónalo contra la arcilla y une el aplique al resto del diseño con pegamento. 3. Una vez que la arcilla se haya secado, esto toma entre 30 – 45 minutos, corta el diseño con un cuchillo de artesano. 4. Ahora empareja los bordes con tus dedos. Aplica pegamento a la decoración. 5. Si los bordes de la pieza de arcilla están blancos, puedes usar marcadores (en colores combinados) para colorearlos. 6. Presiona el recorte de arcilla y deja secar. 7. Tu decoración tiene ahora un efecto tridimensional y puede ser decorado con fibra. 8. Realiza un agujero en la parte superior para poder colgar el artículo. • Un artículo a decorar • Servilletas con motivos • Arcilla o plastilina • Pegamento. • Cuchillo de artesano. • Marcadores • Fibra Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 23. 23 Guía · Docente ¿CÓMO PINTAR AL ÓLEO? INTRODUCCIÓN En arte se conoce como óleo a los aceites que se usan para combinar con otras sustancias y obtener así un producto idóneo para la pintura y como extensión, se fueron llamando óleos a la misma pintura en sí. El uso del óleo se conoce desde la antigüedad y ya era usado entre los artistas de la Edad Media sobre todo com- binándolo con la pintura al fresco. La pintura al óleo proporciona un color exce- lente, el control del espesor de la pintura permite empastes y veladuras. Además, que el material es persistente en el tiempo y calidad de la pintura. MATERIALES • Un caballete para el lienzo o madera. • Una caja de pinturas al óleo. • Una paleta o soporte para mezclar los colores, puede ser un plato, un azulejo, un cristal, etc., y los médium o líquidos para disolver. • Pinceles buenos de todos los tamaños y formas. • Un sitio despejado para que aporte aire y luz de calidad. METODOLOGÍA 1. Tener una idea clara de lo que se quiere pintar. 2. Disponer de tiempo suficiente. 3. No recibir visitas ni interrupciones de ningún tipo. El celular apagado. 4. Calcular el grado de comodidad y si hay algo que molesta, detectarlo y arre- glarlo. Técnicas de la pintura al óleo Influencia del soporte: • Pintar sobre blanco. Si se desea ir coloreando desde la luz. Muy usado en paisajes. • Pintar sobre tela, madera, cartón, u otro soporte coloreados. Pensando que un color influirá en nuestra visualización de la obra. Por ejemplo, esta técnica se usa para hacer retratos que surgen de la oscuridad, como en el barroco. Capacidad expresiva del Empaste: • El empaste se puede usar de muchas formas: pintura con espátula, puntillismo o pinceladas, trabajo de pincel, texturas aplicadas con pasta de color y collage con empastes, entre otros que la imaginación pueda diseñar. Veladuras, Transparencias y Trabajos tonales: • La veladura funciona bien o mal según los colores que estemos mezclando y en qué orden. Las transparencias se pueden crear con efectos ópticos y trucos visuales que la pintura realiza. Sobretodo con el trabajo de control del tono y el color. Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 24. 24 Fusión de Colores • Se lleva a cabo gracias a la humedad de la pintura. Por lo tanto, es un trabajo con los disolventes y la pintura húmeda. ENFOQUE E IMPORTANCIA DE ENSEÑAR Y APRENDER EDUCACIÓN ARTÍSTICA ¿A qué nos referimos cuando hablamos de la Educación Artística? La idea más común acerca de la Educación Artística es que enseñar arte significa solamente enseñar a los estudiantes a crear objetos o acciones artísticas. Sin em- bargo, en el mundo del arte fuera de la escuela no solamente se produce arte (creación), sino que también se observa, aprecia y critica (apreciación); se investiga su entorno social, político, religioso e histórico (historia del arte); y se realizan reflexiones filosófi- cas acerca de la naturaleza del arte (estética). Por lo tanto, si queremos lograr una Educación Artística completa, debemos incluir estos cuatro grandes campos en la enseñanza de esta materia1 • actividades de creación • actividades de apreciación • actividades de investigación de historia del arte • actividades filosóficas: estética A través de las actividades de creación, apreciación, historia del arte y estética, los estudiantes estarán explorando otros procesos esenciales que les servirán en distintas dimensiones de su crecimiento personal. Por ejemplo: • Explorar, documentar y opinar sobre acontecimientos y comportamientos sociales de la realidad. El arte les ofrece a los estudiantes la posibilidad de aprender a mirar con dete- nimiento su entorno y la posibilidad de adquirir la sensibilidad necesaria para comprender y valorar las diferencias personales y culturales, apreciar el mundo natural y las creaciones humanas. Así, su compromiso como ciudadanos se in- crementará al conectar sus experiencias en el arte con sus vidas personales y sociales. Estos procesos les ayudarán a comprender mejor el comportamiento humano. ANEXOS Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 25. 25 Guía · Docente • Proponer nuevas ideas, explorar posibilidades, imaginar y crear nuevos mun- dos. Una enseñanza del arte de calidad ayuda a que los estudiantes experimen- ten procesos de transformación por medio de los cuales puedan imaginar y crear mundos con realidades alternativas en que las posibilidades sean infinitas, en lugar de aceptar una realidad de manera pasiva. Los procesos creativos desarro- llan mentes más flexibles que pueden, a futuro, innovar y resolver problemas de forma creativa en otras áreas de la vida. • Explorar sensaciones y emociones; expresar sentimientos personales o grupales Los procesos artísticos producen y desarrollan miradas hacia adentro, con lo cual se logra que los estudiantes sean más conscientes de sus emociones y de sus reacciones frente al mundo. Se motiva entonces a que los estudiantes se observen a sí mismos con mayor profundidad, para luego poder expresar, con convicción y conciencia, sus ideas. • Apreciar, criticar y evaluar ideas de otros acerca de un tema. Los ejercicios de apreciación del arte desarrollan habilidades de observación y análisis de nueva información, y motivan la reflexión crítica y la expresión de ideas personales sobre lo observado, apoyándose en su adecuada argumenta- ción. • Experimentar procesos de sanación, de juego puro o de disfrute. La creación artística permite también espacios de libertad emocional y física, ne- cesarios para el bienestar general y el Buen Vivir. Los estudiantes se encontrarán con momentos de catarsis; en los que habrá risas, bienestar, sensación de logro personal, juego y, en general, diversión. Sin embargo, habrá también momentos de frustración, nostalgia o tristeza, que son parte natural del proceso de sanación emocional y de autoconocimiento mediante la experiencia artística. Debemos tener claro, entonces, que nos queremos alejar de la enseñanza que busca crear ¨productos lindos”. Tenemos que apuntar a ofrecer espacios y mo- mentos de enseñanza-aprendizaje que motiven procesos en los cuales los estu- diantes manejen ideas que puedan después aplicar en su vida cotidiana. Los objetos artísticos resultantes son entonces logros secundarios de estos pro- cesos, pueden tener cualidades estéticas específicas planificadas o pueden ser accidentes que hayan resultado de la experimentación arriesgada. Estos produc- tos, las obras de arte, son importantes, pero siempre pensados como parte de un proceso de trabajo más amplio. Los lenguajes son, por lo tanto, un medio de apoyo para lograr procesos de auto- conocimiento, de significación del mundo y del otro, de cuestionamientos y de construcción de identidad. Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 26. 26 Eje curricular integrador A partir del enfoque y de la importancia de enseñar y aprender Educación Artís- tica, el eje curricular integrador del área es: construir de la identidad mediante experiencias y procesos de percepción, desarrollo de pensamiento crítico y crea- ción de objetos o acciones artísticas, que promueven procesos de autoconoci- miento, sensibilización al entorno, e innovación cotidiana. Macrodestrezas y ejes de aprendizaje De lo planteado se desprenden los ejes de aprendizaje (explorar, conocer, apre- ciar y crear) que, a su vez, son las macrodestrezas que los estudiantes deberán desarrollar. Éstas se complementan y se trabajan en conjunto para lograr una enseñanza in- tegral del arte. I) Explorar: En la exploración se consideran tres categorías: a. Explorar el mundo exterior: La exploración sensible del entorno y su documen- tación es una de las bases del proceso creativo. Al tener una percepción cons- ciente y detallada del entorno se puede opinar acerca de él de una mejor manera. b. Explorar el mundo interior: Es la atención cuidadosa a los sentimientos propios y ajenos. c. Explorar el mundo académico: Esta categoría incluye la investigación de los datos y procesos que otras disciplinas ofrecen sobre el mismo tema, como parte importante y complementaria de los procesos creativos. II) Conocer: En el conocimiento se incluyen dos grupos de saberes: a. Historia del Arte: Este conocimiento parte de la interpretación de la relación que existe entre las obras de arte de distintos lenguajes y sus contextos históricos y culturales, a través de la investigación. La inclusión de eventos y datos históri- cos debe ir acompañado del desarrollo del pensamiento crítico por medio de la relación entre sus ideas personales y el conocimiento adquirido. b. Técnicas: La técnica de cada lenguaje artístico es el conjunto de procedimien- tos y recursos de los que se sirve cada lenguaje. Esto incluye la destreza manual y /o corporal así como el conocimiento acerca del uso de las herramientas y con- ceptos fundamentales. Las técnicas de cada lenguaje son muchas y muy variadas. Es imposible pretender que en un plazo corto los estudiantes lleguen a dominar- las, sin embargo, es importante ofrecer conocimientos y destrezas básicas en el uso de vocabulario especializado, materiales, herramientas, procedimientos y métodos de pensamiento de cada uno de los lenguajes artísticos. El conocimien- to técnico que los estudiantes adquieran permitirá que puedan expresar sus ideas través de cada lenguaje de una manera exitosa. Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 27. 27 Guía · Docente III) Apreciar: a. La propuesta para este currículo es promover actividades y brindar herramien- tas a los estudiantes para que el proceso de apreciación del arte sea personal y significativo. Tanto el docente (mediador) como los estudiantes lograrán conectarse profunda- mente con las obras de arte para apreciarlas y cuestionarlas. La apreciación del arte bien realizada tiene varios resultados beneficiosos para la Educación Artística y en general: • Los estudiantes aprenden a observar detalladamente. Esta destreza les servirá no solamente al momento de explorar e investigar su entorno, sino al momento de evaluar sus propias creaciones. • La apreciación del arte, con todos sus procesos, promueve la tolerancia al evidenciar, de una manera directa y simple, que todos tenemos percepciones y emociones únicas, a veces parecidas a las de otros y a veces diferentes, pero que todas son válidas. • Con una buena mediación, la observación detallada de obras de arte y la re- visión de los pensamientos y sentimientos de los observadores permiten aprender a rea- lizar procesos claros de argumentación y diálogo. A través de este acercamiento, estudiantes y docentes lograrán examinar y hablar acerca de obras de arte y, en general, acerca de temas no familiares, con rigor y emoción. • La apreciación del arte promueve procesos de construcción de identidad desde la observación detallada de nuestro entorno y de expresiones artísticas acerca de él, hasta el proceso final de crítica en que el observador se ve obligado a clarifi- car –tanto para él mismo como para otros– sus preferencias, sensaciones e ideas con respecto a la expresión de alguien más. En este proceso se verán reflejados sus gustos, sus juicios de valor, sus relaciones con los otros. b. En el eje de aprendizaje, apreciar se incluye al área de la filosofía que reflexio- na acerca de la naturaleza del arte: la estética: Los estudiantes se cuestionarán qué es arte para cada uno de ellos, para su comunidad, cómo se concibe al arte en cada época de la historia y cómo se relaciona el arte con las ideas acerca de la belleza y demás valores. IV) Crear: El eje de aprendizaje de crear significa, en esta asignatura, expresarse a través de lenguajes artísticos alternativos a la palabra. Por lo tanto, en el proceso de ela- boración de obras de arte, los estudiantes expresarán visiones propias, alejadas de la reproducción de modelos preestablecidos. Los estudiantes crearán obras de arte de lenguajes variados, vinculadas siempre al tema generador. Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 28. 28 PLAN DIDÁCTICO SEMANAL Copyright Ediciones Holguin S.A. Prohibida su reproducción parcial o total
- 43. Desarrolla:Desarrolla: Destrezas con criterios de desempeñoDestrezas con criterios de desempeño Indicadores esenciales de evaluaciónIndicadores esenciales de evaluación Educaci•n Artstica 2do.2do.
- 44. Dirección General: Dr. Rubén Holguín Arias Autor: Vladimir Cadena Villacreces Departamento de Ediciones: Dirección Editorial: Econ. Rubén Holguín Cabezas Msc. Edición General: Lcda. Blanca Cornejo de Álvarez Msc. Editor de Área: Lcda. Jenny Cabezas de Holguín Msc. Directora de Arte: Lcda. Julissa Moreira Fabiani Diseño Gráfico: Lcda. Julissa Moreira Fabiani Diagramación: Lcdo. Luis Miguel Moncayo Diseño de Portada: Lcdo. Luis Miguel Moncayo Fotografías: Internet y archivos Ediciones Holguín S. A. © EDICIONES HOLGUÍN S.A. Primera Edición – Marzo 2013 ISBN: 978-9978-399-50-7 Derecho de Autor: en trámite Depósito legal: en trámite Prohibida la reproducción parcial o total del libro, por cualquier medio, sin permiso de la Editorial. Impresión: Libro de edición ecuatoriana. EDICIONES HOLGUÍN S.A. Elizalde 119 y Pichincha. 2do. piso Ofic. 5. Telfs: (04) 2 203597 / (04) 2 203893 / (04) 2 220468 www.edicionesholguin.com - www.holguin.com.ec Guayaquil - Ecuador
- 45. Presentación Estimados (as) amigos (as): Con el deseo de contribuir al propósito del Ministerio de Educación de impul- sar una nueva propuesta educativa para el bachillerato que se adapte a las ne- cesidades de la sociedad actual, EDICIONES HOLGUÍN S.A. ofrece a la comunidad educativa la serie “EDUCACIÓN ARTÍSTICA”, para Primero y Se- gundo año del nuevo bachillerato ecuatoriano. La obra ha sido diseñada para aportar al crecimiento personal de nuestros es- tudiantes de manera equilibrada y de acuerdo a sus edades; para desarrollar sus capacidades y habilidades fundamentales que les permitan acceder efi- cientemente al nivel de educación superior, al mundo laboral y productivo y para proporcionarles valores humanos que fomenten el Buen Vivir. Es importante destacar que en cada uno de los libros de la serie seguimos las orientaciones propuestas en los lineamientos del documento presentado por el Ministerio de Educación, así, promovemos el desarrollo de destrezas con criterios de desempeño, de igual manera, hemos puesto mucho énfasis en las actividades que realizarán los estudiantes ya que estas se constituyen en las evidencias concretas de los aprendizajes que se van alcanzando, todo esto para contribuir en la conformación del perfil de salida que los educandos deben lograr al término de su bachillerato. Confiamos que con el trabajo conjunto que realicen tanto maestros y estu- diantes, apoyados de esta herramienta educativa que ponemos a su conside- ración, se logren las metas que todos aspiramos: ofrecer una educación de calidad y calidez a nuestros jóvenes estudiantes. Ediciones Holguín
- 46. Relaciónate con tu texto Inicio de bloque curricular: Abre con una imagen sugestiva y moti- vadora. En este segmento encontrarás detallado cada uno de los objetivos a ser alcanzados en este año. También hallarás las destrezas que desarrollarás en cada uno de los bloques. Cabe indicar que el bloque 1 consti- tuye un aporte que ofrece la editorial para reforzar los conocimientos y habi- lidades necesarios que faciliten los nuevos aprendizajes que se proponen en el bloque 2. Cada bloque presenta: Conocimientos esenciales: Es el desarrollo de los temas de cono- cimiento que se deben estudiar y que constituyen la base sobre los cuales se desarrollarán las destrezas con criterios de desempeño. Actividades de construcción de los aprendizajes: Presenta diversas actividades que tienen como objetivo desarrollar las destrezas con criterios de desempeño, así los estu- diantes demostrarán sus conocimientos, creatividad, valores, y habilidades. Actividades de exploración de los conocimientos: Segmento importante puesto que la adquisición de la informa- ción nueva depende en alto grado de las ideas pertinentes que ya existen en la estructura cognitiva de los estudiantes.
- 47. Sabías que...: En esta sección conocerás datos curio- sos e interesantes sobre el tema que estás aprendiendo. Actividades de la consolidación de los aprendizajes: Son actividades que refuerzan los sa- beres alcanzados a través del estudio del bloque. Prueba saber: Es una evaluación integradora de todos los bloques estudia- dos. Pretende comprobar si se alcanzaron los objetivos del año y si se desarrollaron las destrezas planteadas. ¡En acción! Aquí hallarás pequeños proyectos que te ayudarán a demostrar tu creatividad y tu expresión artística. Valores para un Buen vivir: A través de una lectura relacionada la temática del bloque se pretende desarrollar el pensamiento reflexivo y crítico, además de inculcar el buen vivir.
- 48. Índice Cine Historia del cine Elementos fundamentales de un filme • La imagen • El color • Uso del color en el cine • El color y la perspectiva • La luz El sonido Clasificación de los sonidos El plano Según el encuadre Según la posición de cámara Según los movimientos de cámara Zoom El montaje Tipos de montaje El encuadre Tipos de encuadre La puesta en escena Clasificación de necesidades de la puesta en escena La actuación El montaje visual y sonoro El storyboard Características básicas de la estructura del storyboard • ¿Cómo construir un storyboard? Calidad artística en un filme Cómo se analiza una película • Elementos técnicos • Elementos subjetivos El teatro Clasificación por géneros Clasificación por tipos de teatro Estructura de la obra de teatro • Personajes • Escenografía Códigos verbal, paraverbal y no verbal Código verbal • Tipos de textos utilizados en el teatro Código paraverbal Código no verbal El lenguaje paraverbal en la comunicación escénica Frase Dicción Representación teatral empleando los códigos verbales, no verbales y paraverbales a partir de un texto Trabajos de mesa Improvisaciones Montaje de escenas Ensayos 10 10 11 11 12 13 13 13 16 16 17 17 18 19 19 22 23 23 25 25 26 27 27 30 31 31 32 32 32 33 36 37 38 39 39 39 42 42 42 43 43 48 48 48 49 49 50 50 50 Primer Bloque Curricular: Imagina y crea
- 49. Elementos narrativos de una obra teatral Tema Argumento Estructura Punto de vista Personajes Espacio Tiempo Análisis de una obra teatral La danza Elementos fundamentales de la danza Géneros de danza La música Elementos de la música Géneros musicales Música clásica Música popular Música tradicional o folclórica La pintura Géneros de la pintura Técnicas de la pintura El cómic Elementos de la narración en el cómic • Viñetas Componentes verbales del cómic • Globos o bocadillos • Carteles y cartuchos Creación de personajes Del concepto al papel Onomatopeyas y expresiones Nuevas artes El lenguaje visual Códigos de la imagen Análisis crítico de imágenes Composición y distribución de los elementos del diseño Valores para un buen vivir 50 50 51 51 51 51 51 52 52 56 57 58 59 59 60 60 61 61 64 65 66 70 71 71 73 73 74 74 75 75 78 78 79 80 81 86 Mi proyecto personal Utilidad del proyecto de vida Características del proyecto de vida Elección del tema • El cine • El teatro • La pintura • La danza Valores para un buen vivir Prueba saber Bibliografía 92 93 93 94 97 103 109 115 127 131 136 Segundo Bloque Curricular: Mi proyecto de vida
- 51. PRIMER BLOQUE Objetivos: • Operar en un nivel básico las disciplinas artísticas para comunicarse y construir significados. • Comunicarse de una manera competente en por lo menos un len- guaje artístico mediante el desarrollo de la intuición, reflexión y des- treza técnica para generar procesos de búsqueda personal. • Desarrollar el pensamiento crítico y presentar análisis básicos frente a obras de arte de los distintos lenguajes, desde las perspectivas téc- nica, histórica, cultural y personal. • Aplicar diversos procesos creativos para resolver problemas de forma imaginativa en su vida laboral y cotidiana. • Posibilitar la imaginación de realidades alternativas y la participación activa en su creación. • Explorar su mundo interior para ser más consciente de sus emociones y de sus reacciones y las de los otros para expresar con convicción y conciencia sus ideas. • Identificar los elementos fundamentales de un filme, del teatro, la danza, la música, el comic, y las nuevas artes, a partir de la interacción de sus partes. • Evaluar la calidad de las distintas obras de arte. • Comprender los lenguajes: paraverbal, verbal, no verbal y visual. • Producir imágenes artísticas con criterios de calidad estética. • Reconocer símbolos locales desde la manifestación popular de las expresiones artísticas. Destrezas con criterios de desempeño: CURRICULAR Imagina y crea
- 52. 10 Actividades de exploración de los conocimientos Conocimientos esenciales El Cine Es arte, lenguaje y medio de comunicación, siendo sus elementos fundamentales las imágenes, los encuadres, el color, los sonidos y la palabra hablada. General- mente se lo denomina como séptimo arte, debido a su inclusión en la lista de las demás expresiones artísticas: pintura, escultura, arquitectura, litera- tura, música y danza completan el septeto. En la actualidad, es quizás el más presenciado por personas en el mundo, en cualquiera de sus formas, ya que técnicamente, cualquier película, documental o video presentado ante un grupo de personas puede ser llamado cine. Por lo tanto, el cine es la técnica de proyectar fotogramas, es decir, foto- grafías encuadradas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento. Historia del cine El cine comenzó el 28 de diciembre de 1895, cuando en el Gran Café del Boulevard de los Ca- puchinos, en París, Louis y Auguste Lumière proyectaron públicamente un filme en blanco y negro y sin sonido de la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren y un barco saliendo del puerto. El éxito que tuvo fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y Estados Unidos, pero por lo monótono de las tomas los espectadores acabaron aburriéndose. Fue en 1902 con "Viaje a la Luna" y luego en 1904, con "Viaje a través de lo imposible" donde George Méliés pro- fundizó por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y fue quien comenzó a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción dando la pauta para la evolución del cine a lo que es en la actualidad. • ¿Qué genero de películas es el que más te gusta? ¿Por qué? Contesta las preguntas y luego comparte las respuestas en el aula: • ¿Qué color usarías para representar: amor, duelo, tranquilidad, alegría? Cinématographe Lumiére · Pri- mera cámara filmadora de los Hnos. Lumiére Para desarrollo del estudiante Para desarrollo del estudiante
- 53. Primer Bloque Curricular 11 Primer Bloque Curricular Imagina y crea Cabe destacar que la industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lu- gares como Hollywood y Bombay, conocido como «Bollywood»; un vocabulario básico de tér- minos relacionados con el cine de Asia. Elementos fundamentales de un filme La imagen El cine cuenta por medio de imágenes en movimiento, una historia en diferentes tiempos y espa- cios en un proceso continuo. Este movimiento es creado por la ilusión óptica reproducida por la persistencia retiniana, que es el tiempo que tarda en desaparecer una imagen de nuestra retina, la cual, se graba una décima de segundo y se borra lentamente juntándose con la siguiente imagen antes de llegar al cerebro. La confrontación entre imágenes conti- guas es lo que da el sentido querido por el realizador, pero el espectador es quien dará su propia interpretación a lo que ve en pantalla de acuerdo a su contexto mental. Cada segundo de un filme se compone por 24 fotogramas. El fotograma selecciona solamente la parte de la realidad que puede abarcar el objetivo que depende de la intención del director. Esta selección de realidad que se quiere mostrar se llama encuadre y la realiza el fotógrafo o el ope- rador de cámara. Esta visión de la realidad puede variar sustancialmente, según la situación en que se coloque la cámara, distancia o ángulo de mira. A través de este elemento se logra centrar, limitar y restringir la realidad para poderla fotografiar o filmar, lo que hace posible manipularla para proyectar la intencionalidad de quien filma. ¡En acción! Para entender mejor como la sucesión de imágenes crea movimiento puedes realizar el Flip book que se encuentra en la siguiente página web: http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/act_permanentes/luces_de_la_ciudad/Memorias/ci ne/flipbook.htm, imprime, recorta los dibujos y arma tu flip book sin perder la numeración, hojéalo rápidamente y verás lo que sucede Sabías que... Riccioto Canudo, escritor, poeta y crítico cinematográfico italiano, fue el primero en etiquetar al cine como ‘Séptimo arte’ en 1911. Psycho, Alfred Hitchcock · Serie de fotogramas de la película de 1960.
- 54. 12 El color Es una sensación que producen los rayos luminosos en los órganos visuales y que es interpretada en el cerebro. Se trata de un fenómeno físico-químico donde cada color depende de la longitud de onda. Los colores se clasifican en primarios: rojo, amarillo y azul, y los secundarios: naranja, verde y violeta, pero además distinguimos 18 colores complementarios o intermedios. El color tiene las siguientes cualidades: cromatismo, matiz o transición de un color a otro, entonación, combinación armoniosa de colores de la misma familia, luminosidad, cantidad de gris o negro que contiene, y el carácter o la influencia sobre el estado anímico que produce. Es importante recordar que en un principio las películas se pintaban manualmente, es decir, fo- tograma a fotograma, a veces con cuatro colores distintos. Sin embargo, en 1905 se utilizó el co- loreado por estarcido, método en el que a cuatro copias originales, una por cada color, se les hacían recortes a las partes de la imagen que corresponden al color escogido, luego se superponía la plantilla sobre la copia a colorear y esta dejaba libre la parte que recibiría el color, el cual, era aplicado con la ayuda de un cepillo a través de los orificios de la plantilla. Este sistema de colo- reado se utilizó hasta 1930. Otros sistemas menos complejos que se aplicaron fueron: el en- tintado y el virado, pero los avances más importantes y definiti- vos se lograron con la aplicación de la fotografía a color en donde era necesario superponer fotografías (roja, azul y verde) y proyectarlas mediante tres lámparas sobre una sola pantalla. En primera instancia este método se aplicó usando solamente dos colores hasta que la casa Gaumont en 1912 realizó la re- producción a tres colores y en 1931 por medio de un procedi- miento británico se logró incorporar los filtros al propio filme. Cabe destacar que hasta 1931 todos los procesos que se utilizaban eran aditivos, es decir, añadían color. Sin embargo, basados en los principios de la sustracción, que consistía en obtener tres ne- gativos que registraban los tonos: rojos, azules y verdes de la escena y con los cuales, se creaban tres positivos transparentes de color cian, magenta y amarillo respectivamente. Los mismos que al ser complementarios de los utilizados en la escena, tenían la misión de controlar la intensidad de los colores primarios que llegaban a la pantalla, mejorando notablemente el color en los filmes siendo este el método que se utiliza hasta la actualidad. Método Sustractivo Sabías que... El color en el filme sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la na- rración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos momentos. El mundo es en colores, es por esto que el color proporciona mayor adecuación a la realidad, y una más amplia libertad para el juego de carácter creativo.
- 55. 13 Primer Bloque Curricular Imagina y crea La luz Uso del color en el cine El buen uso del color es importante ya que aumenta o reduce la expresividad del filme, y crea la atmósfera adecuada para la recepción del mensaje que se quiere proyectar. Los diferentes usos del color son: • El color pictórico: evoca el colorido de los cuadros e incluso su composición. • El color histórico: recrea la atmósfera cromática de una época. • El color simbólico: se usan los colores en determinados planos para sugerir y subrayar efectos visuales. • El color psicológico: cada color produce un efecto anímico diferente. Los colores tienen su pro- pio significado; por lo tanto, es conveniente usar el color apropiado para cada tema. Los signi- ficados de los colores son: NEGRO Formal, nítido, rico, fuerte, elegante AZUL Frío, melancolía, deprimido, tranquilidad, serenidad ORO Amor, realeza, rico, imperial ROJO Amor pasional, ira, odio ROSADO Ternura NARANJA Festivo, alegre, energía, salud VINO Libertad, creatividad AMARILLO Calidez, luz, madurez VERDE Fresco, en crecimiento, joven BLANCO Pureza, limpio nítido El color y la perspectiva Los colores cálidos dan impresión de proximidad, y los fríos de lejanía. También influye el valor de la intensidad tonal de cada color: los valores altos e iluminados, sugieren grandiosidad, lejanía, vacío; los valores bajos, poco iluminados, indican aproximación. En si el color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos momentos. Elemento indispensable para el lenguaje cinemato- gráfico. Sin luz no hay cine. La iluminación propor- ciona: sombras, arrugas, rejuvenece o envejece, crea efectos psicológicos del personaje, y hasta consigue cambiar la atmósfera de una película dependiendo de dónde se la coloque. En el cine en blanco y negro se logró dominar el mundo de luces y sombras, dán- dole a la sombra un carácter protagonista, utilizando con maestría el contraluz, el humo de hogueras y ci- garros. El Halcón Maltés (1941), John Huston · Uso de claroscuros
- 56. 14 1. Contesta las siguientes preguntas: 2. Realiza una línea del tiempo de la historia del cine con sus respectivas características. • ¿Qué es el cine? • ¿Qué es un fotograma? • ¿Qué es el encuadre? Construcción Actividades de de losaprendizajesActividades de 3. Escribe las características de las técnicas que se utilizaron para añadir color a una película. Es arte, lenguaje y medio de comunicación, siendo sus elementos fundamentales las imá- genes, los encuadres, el color, los sonidos y la palabra hablada. Fotografías encuadradas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento. La parte de la realidad que puede abarcar el objetivo que depende de la intención del di- rector. Hasta 1931 todos los procesos que se utilizaban eran aditivos, es decir, añadían color. Sin embargo, basados en los principios de la sustracción, que consistía en obtener tres negativos que registraban los tonos: rojos, azules y verdes de la escena y con los cuales, se creaban tres positivos transparentes de color cian, magenta y amarillo respectivamente. Los mismos que al ser complementarios de los utilizados en la escena, tenían la misión de controlar la intensidad de los colores primarios que llegaban a la pantalla, mejorando notablemente el color en los filmes siendo este el método que se utiliza hasta la actualidad. Cine Louis y Auguste Lumière proyectaron la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren y un barco saliendo del puerto. 1895 1902 1904 "Viaje a la Luna" "Viaje a través de lo imposible"
- 57. 15 4. Contesta: ¿Por qué es importante el color en una película? 5. Completa el mapa conceptual. 6. Escribe en la tabla el significado de los siguientes colores. 7. Escribe en los espacios en blanco según como corresponda. COLORES SIGNIFICADO NEGRO AZUL ROJO NARANJA AMARILLO VERDE BLANCO • Las _____________ es un elemento indispensable para el lenguaje cinematográfico. • La iluminación proporciona ___________, ____________ , rejuvenece o __________, crea efectos psicológicos del personaje, y hasta consigue cambiar la ___________de una película dependiendo de dónde se la coloque. • En el cine en blanco y negro se logró dominar el mundo de luces y sombras, dándole a la ___________ un carácter protagonista, utilizando con maestría el ___________, el ___________de hogueras y ___________. Uso del color en el cine Pictórico Simbólico Histórico Psicológico Primer Bloque Curricular Imagina y crea Aumenta o reduce la expresividad del filme, y crea la atmósfera adecuada para la recepción del mensaje que se quiere proyectar. Evoca el colorido de los cuadros e incluso su com- posición Recrea la atmós- fera cromática de una época Se usan los colo- res en determi- nados planos para sugerir y subrayar efectos visuales Cada color produce un efecto anímico diferente Formal, nítido, rico, fuerte, elegante Frío, melancolía, deprimido, tranquilidad, serenidad Amor pasional, ira, odio Festivo, alegre, energía, salud Calidez, luz, madurez Fresco, en crecimiento, joven Pureza, limpio nítido Imágenes sombras arrugas envejece atmósfera sombra contraluz humo cigarros
- 58. 16 Conocimientos esenciales Clasificación de los sonidos Los sonidos que se utilizan en un filme son: El sonido En un principio los espectadores no podían oír el sonido, tenían que leerlo, e interpretarlo a partir de los mecanis- mos que los cineastas utilizaban como: intertítulos, ges- ticulación de los actores o por la lectura de labios. No obstante, rara vez se exhibían los filmes en silencio ya que se contrataban narradores, músicos, compositores para acompañar la proyección, además de que algunos exhibidores disponían de máquinas especiales para pro- ducir sonidos como tempestades o el trinar de pájaros hasta el momento en que se logró grabar una pista sonora ajustando el sonido a la imagen. El sonido en una película es muy importante ya que ayuda a la conducción dramática, además integra a la historia, sentimientos y situaciones que se quieren interpretar en cada una de las es- cenas sin que los fondos de sonido lleguen a distraer y opacar los diálogos. • ¿Por qué es importante el sonido en una película? • ¿Qué tipos de planos utilizados en películas conoces? Contesta las preguntas y luego comparte las respuestas en el aula: Actividades de exploración de los conocimientos Los ruidos La música La palabra hablada y el diálogo Función rítmica Función dramática Es el cuerpo comunicativo del guión de cine. Su función es proporcionar la información que no se consigue mostrar con la acción propiamente dicha. Naturales, humanos, mecánicos o palabras - ruido. Se emplea como un elemento para que el especta- dor comprenda el significado de la acción. Se utiliza para remplazar un ruido real o para resal- tar el movimiento de un elemento de la acción. Para desarrollo del estudiante Para desarrollo del estudiante
- 59. 17 Primer Bloque Curricular Imagina y crea Es el conjunto de imágenes que constituyen una misma forma, por lo tanto, es la unidad de toma. Existen varios tipos de planos y se agrupan según el encuadre, posición y movimientos de cá- mara. Sabías que... El famoso grito de Tarzán, de Johnny Weissmuler se logró mezclando la propia voz del actor con ladridos de perro, risa de hiena y el do de una soprano. El Plano Según el encuadre • Plano Panorámico: muestra el lugar en el que se desarrollará la acción, motivo por el cual, in- troduce al espectador al lugar donde acontece la historia. • Plano Largo o Long Shot: contribuye a la construcción del argumento ubicando físicamente la acción, debido a que nos presenta una vista muy amplia donde lo que predomina es el paisaje, los edificios, el cielo, las particularidades de un inmueble visto en su totalidad, por lo que invo- lucra personas u objetos en general. • Full Shot o Plano General: nos permite apreciar las ca- racterísticas de nuestro personaje, como su estatura, com- plexión, la ropa que usa y, al mismo tiempo, el entorno en el que se desarrolla la acción. Muestra al personaje de los pies a la cabeza. • Plano Americano o American Shot: muestra desde un poco arriba de la cabeza hasta la parte inferior o superior de la rodilla de un personaje, por lo que nos permite apreciar mejor su ex- presión corporal. • Plano Medio o Medium Shot: enfoca desde un poco arriba de la cabeza, hasta el nivel de la cintura. Detalla cada vez más al personaje, de tal forma que el entorno empieza a perderse porque nuestro personaje incrementa su presencia al ocupar un mayor espacio en la pantalla. • Medium Close-up: abarca desde arriba de la cabeza hasta el pecho del personaje, y empieza a detallarlo minuciosamente hasta el grado en que casi nos impide ver su entorno. Este es un plano de detalle que nos brinda cierta soltura, pues el personaje todavía puede trabajar con cierto rango de movimiento sin correr el riesgo de salir del cuadro. “300” (2006) Zack Snyder · Plano general “Captain America: The First Avenger” (2011) Joe Johnston · Plano Americano
- 60. 18 • Acercamiento o Close-up: es un plano muy cerrado que nos detalla con minuciosidad los rostros y las emociones, ya que sólo muestra el rostro del personaje, debido a que abarca del cabello a los hombros por lo que el entorno desaparece y tiende a meternos al mundo interior del personaje. • Gran Acercamiento o Big Close-up: es el plano más ce- rrado. Puede ser de los ojos o de una parte de uno de ellos, de una mano o de una uña. Este es un plano que detalla partes muy específicas de un rostro o de un objeto y omite, en lo absoluto, aspectos del entorno. • Plano Detalle o Insert: básicamente éste plano es igual que el interior, pero enfoca solamente los objetos o pequeñas acciones en donde se concentra la máxima capacidad expresiva. Sirve para enfatizar algún elemento de la realidad que se quiere proyectar y destaca algún detalle que de otra forma pasaría desapercibido y hace sentir al espectador tener más interés y captar mayor fijación. Según la posición de cámara: • Normal: el ángulo de la cámara es paralelo al suelo. • Picado: la cámara se sitúa por encima del objeto o sujeto mostrado, de manera que éste se ve desde arriba. • Contrapicado: es lo opuesto al picado, es decir, la cá- mara se sitúa debajo del sujeto dirigiendo la cámara hacia arriba. • Nadir o supina o contrapicado perfecto: la cámara se sitúa completamente por debajo del per- sonaje, en un ángulo perpendicular al suelo. • Cenital o picado perfecto: la cámara se sitúa completamente por encima del personaje, en un ángulo también perpendicular. • Plano aéreo: cuando la cámara filma desde gran altura, por ejemplo un helicóptero. Sabías que... La película “Santa Elena en Bus” del director Gabriel Páez es la primera producción de cine en la Pe- nínsula, la cual, forma parte del proyecto “Encuentros con el Cine”. El plan busca producir una película por cada provincia del país, para la visibilización de las diversas comunidades del Ecuador, a través de la actuación de sus habitantes. “Thor” (2011) Kenneth Branagh · Plano picado “Avatar” (2009) James Cameron · Acercamiento rostro Neytiri
- 61. 19 Primer Bloque Curricular Imagina y crea Según los movimientos de cámara: • Dolly: es el movimiento hacia atrás o adelante que sobre su eje hace la cámara, incluido el soporte, alejándose o acer- cándose del objeto respectivamente, ayuda a involucrar al espectador con la acción induciéndolo a centrar su atención con el objeto o sujeto deseado. Se clasifican en: • Dolly-in si es hacia delante, por ejemplo: un Dolly-in hacia el personaje nos obliga a percibir sus emociones atendiendo a sus palabras, acciones y gestos. • Dolly-back si es hacia atrás, nos proporciona sensaciones diferentes, ya que al alejarse la cá- mara del objeto o personaje, lo funde con su en- torno y permite experimentar su soledad. • Travelling: son los desplazamientos laterales que hace la cámara sobre su eje. Se denomina Travel left, si el desplazamiento es hacia la izquierda y Tra- vel right, si es hacia la derecha. Su función es trans- mitirnos el dinamismo de la imagen, debido a que nos involucra en la acción del personaje y a la vez nos sitúa físicamente con una breve descripción del contexto. • Tilt: es un movimiento hacia arriba o hacia abajo que equivale al que se realiza con la cabeza al afirmar algo, se lo consigue girando el cuello del tripié sin desplazar la cámara. Cuando el movimiento es hacia arriba se de- nomina Tilt-up, y cuando es hacia abajo Tilt-down, cabe des- tacar que son movimientos muy descriptivos. • Panning: es un movimiento de rotación de la cámara, ya que la misma sin desplazarse gira sobre un soporte fijo con una dis- tancia focal constante. Puede ser: panning horizontal, movi- miento de rotación de izquierda a derecha o viceversa y panning vertical, movimiento de rotación que va de arriba a abajo o viceversa. Zoom Es un movimiento de lente que consiste en acercarse o alejarse del objeto pero sin desplazar la cámara, al acercarse se le conoce como zoom-in y zoom-out al alejarse. Se debe emplear lenta- mente, sin vibraciones y con una intención concreta.
- 62. 20 1. Describe cómo era el sonido en los inicios del cine. 2. Completa el siguiente mapa conceptual: 3. Investiga en Internet, revistas, libros sobre los planos sonoros de un filme y realiza un orga- nizador gráfico en el que resaltes sus características. Construcción Actividades de de losaprendizajesActividades de Clasificación de los sonidos En un principio los espectadores no podían oír el sonido, tenían que leerlo, e interpretarlo a partir de los mecanismos que los cineastas utilizaban como: intertítulos, gesticulación de los actores o por la lectura de labios. Los ruidos La músicaLa palabra hablada y el diálogo Naturales, huma- nos, mecánicos o palabras - ruido. Es el cuerpo comu- nicativo del guión de cine. Su función es proporcionar la información que no se consigue mos- trar con la acción p r o p i a m e n t e dicha. Función rítmica Función dramática Se utiliza para rem- plazar un ruido real o para resaltar el movimiento de un elemento de la ac- ción. Se emplea como un elemento para que el espectador com-prenda el significado de la acción. Para desarrollo del estudiante
- 63. 21 4. Busca en Internet imágenes sobre los siguientes tipos planos, imprímelas, recórtalas, pégalas en el libro y escribe sus principales características. 6. Ingresa en tu navegador la siguiente dirección: htttp://www.youtube.com/watch?v=OBeYm2aPKCw, observa el video y comenta con tus om- pañeros (as) de aula. 5. Completa la tabla de los planos según la posición de la cámara. Panorámico Acercamiento Americano Primer Bloque Curricular Imagina y crea Muestra la escena en su totalidad del lugar donde se tomó la imágen, en un po- sición horizontal. Muestra desde un poco arriba de la ca- beza hasta la parte inferior o superior de la rodilla de un personaje Detalla con minuciosidad los rostros y su expresión, muestra el rostro del personaje, y del cabello a los hombros por lo que el entorno desaparece Dolly Es el movimiento hacia atrás o adelante que sobre su eje hace la cámara, in- cluido el soporte, alejándose o acercándose del objeto respectivamente Dolly-in Hacia delante, hacia el personaje nos obliga a percibir sus emociones aten- diendo a sus palabras, acciones y gestos. Dolly-back Hacia atrás, nos proporciona sensaciones diferentes,al alejarse la cámara del objeto o personaje, lo funde con su entorno y permite experimentar su sole- dad. Travelling Transmite el dinamismo de la imagen, ya que involucra en la acción del perso- naje y a la vez nos sitúa físicamente con una breve descripción del contexto. Tilt Es un movimiento hacia arriba o hacia abajo que equivale al que se realiza con la ca- beza al afirmar algo, se lo consigue girando el cuello del tripié sin desplazar la cá- mara. Panning Es un movimiento de rotación de la cámara, ya que la misma sin desplazarse gira sobre un soporte fijo con una distancia focal constante.