1. REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
INSTITUTO UNIVERSITARIO POLITECNICO
“SANTIAGO MARINO”
EXTENSION BARINAS
IDENTIFICACIÓN DE ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS CLÁSICOS
Alumna: Bianca Partidas
Prof: Estela Aguilar
Asignatura: Historia de la
Arquitectura II
Seccion B

2. ARQUITECTURA RENACENTISTA ITALIANA

3. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA
ITALIANA

4. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA ITALIANA
1. IGLESIA DE SANTA MARIA NOVELLA

5. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA ITALIANA
- La fachada de mármol se encuentra entre las obras más importantes del renacimiento florentino.
- Se diseñó la gran puerta central, los frisos y el complemento superior de la fachada, en mármol blanco y verde
oscuro.
- Se armonizó los elementos previos góticos con los nuevos, puramente renacentistas.
- Las incrustaciones bicolores se inspiran en el romántico florentino.
- Se presentan dos volutas que permiten salvar la distancia existente entre la nave central y las laterales.
- La fachada consta de dos volutas que unen el cuerpo central con los laterales, dando así proporción y armonía con
la obra.
- El empleo de un frontón clásico es otro elemento tomado del repertorio ofrecido por
la antigüedad
- La relación armónica entre el ancho cuerpo inferior y el cuerpo superior de esta fachada que es mucho más
estrecho, la resolvió el arquitecto con las dos volutas ya mencionadas.
- Se puede observar el empleo de muchas formas geométricas en la obra, como los cuadrados que hay entre las
pilastras de la parte superior de la fachada, círculos, como los que hay en las volutas y en el frontón.
- - La fachada tiene un arco de medio punto característico de la arquitectura clásica.
- Combina elementos geométricos: círculo, triángulo, cuadrado. Se emplea este recurso
para pasar del triángulo al círculo.
- Tiene ventanas ojivales y un rosetón gótico, destacan las dos aletas triangulares con roleos.

6. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA ITALIANA

7. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA ITALIANA
1. LEONARDO DA VINCCI
Mona Lisa o La Gioconda

8. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA ITALIANA
El paisaje de fondo es agreste, salvaje y de un matizado tono azul.
La composición está formada por dos planos, la Gioconda (podríamos decir que forma una composición
triangular) y el paisaje.
La Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que todos los
elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas de contorno están muy poco marcadas, utiliza la
técnica
de
sfumato,
difumina
los
rasgos
hasta
hacerlos
indefinibles.
Utiliza colores ocre para las sombras oscuras, albayalde y amarillo sulfuroso para los colores carne. Para el paisaje
utiliza el negro, tonalidades de marrón y gamas de azules, difuminando el color para marcar la lejanía y
proximidad del paisaje, que se percibe pero no se determina.
Hace un uso sombrío de la luz tanto en el retrato como en el paisaje. Progresa desde el fondo, se concreta en la
transparencia de los velos, en los pliegues del vestido, entre los cabellos, y resbala sobre el rostro y las manos
haciendo sentir bajo la piel diáfana, el pulso de la sangre.
Otro de los objetivos logrados por Da Vinci es la naturalidad de la obra. El brillo de sus ojos, la
"transparencia" de su piel por la que parece que fluya la sangre, la minuciosidad por la que es pintado su
pelo, la manera tan detallada de tratar su rostro; un claro reflejo de lo natural.
Es un siglo en el que la pintura vive una notable evolución, la figura del hombre será el núcleo de este
movimiento.
ESTILO AL QUE PERTENECE: Renacimiento s XVI "Cinquecento".

9. EL RENACIMIENTO
ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA

10. EL RENACIMIENTO
ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA
2. MIGUEL ANGEL 1501 – 1504
DAVID

11. EL RENACIMIENTO
ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA
Escultura en bulto redondo. 4,34 metros de altura.
Obra realizada sobre mármol, mediante cincel.
El David de Miguel Ángel representa a gran tamaño a este rey bíblico, al estilo clásico: completamente desnudo y
como atleta, que porta en su mano izquierda una honda (apoyada sobre su hombro) y, en la derecha, una piedra.
Son claramente apreciables los rasgos del rostro, el cabello rizado, la musculatura, la diartrosis y el contrapposto de
la figura.
El artista eligió, como motivo para la obra, el momento previo al enfrentamiento de David con el gigante Goliat
(cuya cabeza no aparece derrotada a sus pies, como era usual en otras representaciones). Por ello, el aspecto
contenido y expectante que nos muestra la figura, con los rasgos típicos de un luchador que se apresta al combate.
Esa expectación se traduce en la mirada, enormemente penetrante, y se expresa también mediante la tensión
corporal: la musculatura (e incluso los tendones y las venas) son claramente perceptibles. En definitiva, podemos
hablar de un movimiento claramente contenido, que se convierte en pura tensión corporal.
Además, para que la tensión no pueda confundirse con un absoluto equilibrio, Miguel Ángel emplea el
contrapposto y aumenta los volúmenes de ciertas partes del cuerpo, que vienen a simbolizar la fortaleza (no sólo
ni mayormente física) del rey David. Tales rasgos son claramente perceptibles en el tamaño de la cabeza (cuyo
canon corresponde a 1/8 del total del cuerpo) y en la potencia y tamaño de la mano derecha, que sujeta la
piedra, arma que el rey empleará para derrotar a Goliat. Todo ello conduce al concepto de terribilitá que
caracteriza
otras
obras
del
autor.
Todos estos rasgos convierten a la figura escultórica del rey David en un símbolo de la libertad, y representan a la
perfección los ideales renacentistas de belleza masculina.

12. ARQUITECTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA

13. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA
ESPAÑOLA

14. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA
2. LA CASA DE LAS CANCHAS

15. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA
La arquitectura renacentista española se caracterizó por la época de El plateresco, edificios cuyas fachadas
están ricamente decoradas con adornos almohadillados, medallones, escudos, columnas con capiteles corintios y
pilastras decoradas con insectos, hojas, etcétera.
La Casa de las Conchas de Salamanca es un edificio de estilo gótico y elementos platerescos. Su
construcción se inicia en 1493. En el interior destacan el patio con arcos mixtilíneos, la escalera y el
artesonado.
Esta mansión puede considerarse como el edificio civil más representativo de la arquitectura renacentista de
tendencia plateresca.
Su fachada está decorada por unas 300 - 350 conchas de peregrino, símbolo de la Orden de Santiago.
Las ventanas también revelan la influencia mudéjar y gótica del estilo plateresco.
Son importantes las cuatro grandes ventanas de estilo gótico y de excepcional belleza y variación, no hay
ninguna igual entre sí esta asimetría es algo característico del gótico.
La valoración decorativa del muro es una de las características del Renacimiento, las fachadas de los palacios
urbanos se cubren de elementos ornamentales como puntas de diamante o picos.
La originalidad de la Casa de las Conchas no está solo en el motivo elegido, sino también en la disposición de las
mismas que se hace a tresbolillo siguiendo la tradición mudéjar de decoración en rombo.
En la fachada principal destacan la puerta dintelada con dos órdenes decorativos. En la parte superior hay un
blasón de los Maldonado enmarcado por molduras de líneas curvas y rectas, en la parte inferior del dintel se
representan delfines, símbolo renacentista del amor, unidos a motivos vegetales.

16. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA

17. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA
2. LA ULTIMA CENA DE JUAN DE JUANES

18. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA
En esta obra, la Santa Cena, es evidente la influencia de Leonardo (cf. La Última Cena), aunque ambos autores
eligieron diferentes momentos para su obra. Aquí, el artista muestra una gran sabiduría en el tratamiento del
espacio, al colocar unos objetos en primer plano, para conseguir profundidad, y un arco al fondo que no sólo
enmarca la figura de Jesucristo, sino que hace que la mirada del espectador se aleje hacia el infinito.
Por otra parte, la composición, rigurosa en su geometría, faculta el rechazo a Judas gracias a la línea oblicua que su
figura representa en la derecha del cuadro. Esta obra ha conseguido formar parte de la cultura visual de la
Humanidad ya que constituye, junto con la de Leonardo, el estereotipo de cómo pudo ser la Santa Cena.
La disposición en la mesa corresponde al segundo modo de representación según la tradición occidental: mesa
rectangular, todos sentados al contrario de la tradición pascual en la que debían estar de pie, vemos a Juan, el
predilecto de Jesús, apoyado sobre su pecho y a Judas colocado a parte del resto de apóstoles y sin el nimbo.
A modo de curiosidad, obsérvese que Judas aparece representado como pelirrojo. Esto se remonta a una antigua
tradición medieval que atribuye al apóstol este color de cabello, y que explica cierta fama de portadores de
“mala suerte” y “desgracia” que persigue a los pelirrojos en algunas culturas, siendo, naturalmente, nada más que
un prejuicio.

19. EL RENACIMIENTO
ESCULTURA RENACENTISTA
ESPAÑOLA

20. EL RENACIMIENTO
ESCULTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA
2. Sepulcro de los Reyes Católicos en la Capilla
Real de Granada.

21. EL RENACIMIENTO
ESCULTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA
La escultura del Renacimiento español es original por los materiales empleados. Por ejemplo, se utiliza mucho la
madera policromada de pino con la técnica del estofado, en la que se aplica una fina capa de pan dorado y
luego se pinta encima y se raspa para que se vea el dorado.
Se siguen construyendo sepulcros, retablos, sillerías de coro y retratos.
Es una escultura renacentista de 1517 concebida para el enterramiento de estos monarcas. Su autor es el escultor
italiano Domenico Fancelli. Se encuentra en la Capilla Real de Granada. Está realizado en mármol de Carrara.
El diseño es como una ampliación del empleado por Fancelli para el sepulcro de infante don Juan, hijo de los
Reyes Católicos. Se trata de un cuerpo con las paredes en talud y el plano horizontal lo suficientemente amplio
como para cobijar los dos yacentes. Repitió el recurso de esculpir unos grifos en las esquinas, dulcificando así esos
cuatro ángulos, detalle que fue muy ensalzado.
A su lado incluyó esta vez unos niños en aparente movimiento. En las esquinas superiores de la plataforma están
incluidos los cuatro más famosos Padres de la Iglesia latina
Las paredes están revestidas de medallones y hornacinas con veneras todo acompañado por una rica decoración
de escudos reales, coronas frutales, castillos, ángeles, yugos, etc. En los medallones centrales se ven las escenas del
Bautismo y Resurrección y a ambos lados las figuras de ocho apóstoles (cuatro en cada lado) que están sentados
y metidos en hornacinas aveneradas.
Se asume el concepto humanista de la muerte, significando no la idea medieval del triunfo de la muerte sino el
triunfo sobre la muerte conseguido mediante la Fama.
La fuerza expresiva de los distintos grupos escultóricos así como el relieve de los elementos decorativos de unión
contrastan vivamente con el bajorrelieve casi pictórico del sepulcro contiguo.

22. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA
FRANCESA

23. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA FRANCESA
Palacio de Fontainebleau
El Palacio de Fontainebleau, es uno de los mayores palacios reales franceses.

24. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA FRANCESA
El Renacimiento fue introducido en Francia por el Palacio de Fontainebleau.
En el siglo XVII se construyó una escalinata de herradura, frente a la fachada principal del Palacio de
Fontainebleau.
Siendo más específicos, el palacio está conformado en torno a cinco patios.
Arquitectónicamente hablando, se trata de la adecuación de un castillo real preexistente que, conservando su
irregular planta y manteniendo en pie partes medievales, es objeto de una serie de remodelaciones, entre 1528
y 1540, no siempre bien coordinadas ni fruto de un mismo impulso interventor.
Una parte tan fundamental de Fontainebleau por su contenido, como es el Ala de Francisco I, aparece hoy día
arquitectónicamente muy desvirtuada, tanto por lo que se refiere a su fachada exterior como a la que da sobre
el correspondiente patio. Por su parte, el pórtico y escalinata, el primero, resultan tan italianizantes en el
contexto francés, que, desde 1530, se dirige, elabora y supervisa la decoración de Fontainebleau.
Dos pisos con una triple arquería entre pilares, cuyos frentes llevan medias columnas adosadas, conforman el
pórtico; el vano central del cuerpo alto de éste recibe un único tramo de escaleras, que arranca desde el
rellano, dispuesto en alto sobre un tramo abovedado de base, donde confluyen, a su vez, sendas escaleras
laterales.
En cuanto a arquitectura, la decoración se limita al uso de pilastras de poco resalte en los dos cuerpos
superiores, de los tres con que cuenta el dispositivo, tanto en la articulación de sus paramentos como en el
enmarque de vanos.

25. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA FRANCESA

26. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA FRANCESA
Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas
h. 1594

27. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA FRANCESA
Se caracteriza por su extenso uso del estuco, así como frescos, y un sistema elaborado (y a menudo misterioso)
de iconografía alegórica y mitológica.
Inspirados en la literatura griega como Heliodoro.
Predomina en esta escuela lo ornamental, con motivos decorativos como lo grotesco, representaciones
estilizadas de tiras o bandas de cuero en espiral y los putti.
Se aprecia un cierto erostismo en estas representaciones. La elegancia de las figuras muestran la influencia
del manierismo italiano.
Al tratarse de un estilo que se desarrolló a lo largo de un siglo, fue cambiando en cuando al colorido, siendo
más cálido y contrastado, ya se anticipan rasgos de tendencias pictóricas posteriores, como el Barroco o el
Clasicismo.
La protagonista de esta obra anónima fechada en torno a 1594-1598 es conocida gracias a una copia
posterior que se hizo del mismo en la que figura el nombre de la dama rubia representada: Gabrielle
d’Estrées, favorita del rey de Francia Enrique IV que estuvo a punto de ser su esposa, pero fue muerta en
extrañas circunstancias.
Algunos interpretaron la figura que aparece en el cuadro en último plano, al fondo de la estancia, como una
bruja que se afana en destejer la vida de Gabrielle. La respuesta, al igual que el nombre del pintor de esta
enigmática escena, permanecerá siempre escondida.

28. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA
ALEMANA

29. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA ALEMANA
El Ayuntamiento de Augsburgo

30. EL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA RENACENTISTA ALEMANA
Fue construido entre 1615 y 1620 bajo la dirección del arquitecto Elias Holl y está considerado el edificio
Secular renacentista más significativo al norte de Alpes.
En 1944 quedó muy dañado tras un bombardeo, y al finalizar la guerra se reconstruyó la fachada.
Se puede observar la incorporación de elementos clásicos como el arco de medio punto.
Además de elementos ornamentales como los pequeños frontones en cada ventanal.
Es considerado el mejor ejemplo del estilo del renacimiento, y el primer edificio del mundo que tuvo más de seis
plantas, lo que fue todo un reto para la época.
El diseñador se inspiró en la arquitectura de lugares como florencia, en Italia. Tambien este Edificio fue hecho para
reforzar la imagen de la Ciudad Libre Imperial de Augsburgo en dos detalles que se encuentran principalmente en
la parte de enfrente del edificio.
Uno de ellos es un gran cono o estróbilo de pino de cobre que es el símbolo de la ciudad y el otro es el
Reichsadler o el Aguila Imperial del Santo Imperio Romano.

31. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA ALEMANA

32. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA ALEMANA
La Virgen de la fiesta del rosario.

33. EL RENACIMIENTO
PINTURA RENACENTISTA ALEMANA
Es un cuadro del pintor alemán ALBERTO DURERO, el más reconocido como el pintor del renacimiento de la
pintura alemana.
Es una pintura al óleo sobre madera de álamo, que mide 162cms de alto y 194,5 cm de ancho.
La fiesta del rosario es la principal obra ejecutada durante esta estancia veneciana de Durero. Refleja la
apropiación de las técnicas venecianas, visible esencialmente en el uso del color; conserva, sin
embargo, caracteres pictóricos típicamente germánicos.
El retrato de los principales personajes se hace, obviamente, de «segunda mano» a partir de grabados o
retratos cuyo Durero tuvo conocimiento.
Antes de pintar su cuadro, Durero hizo numerosos estudios sobre la anatomía, la geometría, y matemáticas, lo
que es característico del humanismo renacentista. Más concretamente, este segundo viaje veneciano tuvo ocasión
de mejorar el arte del matiz y el uso de la perspectiva matemática bajo la influencia de Giovanni Bellini.
Domina también todas las técnicas italianas sobre tabla.
Se observa una profundización en los detalles, que Durero cuidó de representar bien para lograr un mayor
realismo. En efecto, se llega a ver en este cuadro las sombras, a diferencia de lo que ocurría en los iconos
bizantinas, lo que evidencia una evolución en la manera de pintar y en las técnicas empleadas.
La línea del horizonte pasa por lo alto del busto de María y, en consecuencia, por el punto de fuga, que es la
joya roja que lleva la Virgen, lo que atrae la mirada sobre ella y en consecuencia sobre los tres personajes
restantes. También puede apreciarse un eje de simetría, que pasa por la corona y la joya de María.