1. Historia del Arte 2º
ESTATUA ECUESTRE DE MARCO AURELIO (Marta López)
Es una estatua en la cual aparece Marco Aurelio montado a lomos de su caballo.
Se trata de una escultura exenta, de tipo ecuestre. Durante la Edad Media estaba situada en el
Palacio de Letrán en Roma, pero actualmente se encuentra
dentro del Museo Capitolino y se exhibe una copia de ella en la
plaza Campidoglio.
Según el material utilizado (metal), se ha empleado la técnica
del bronce. Presenta el aspecto del material que la compone, y
gracias al tratamiento que tiene, la superficie es fácilmente
visible, sin fuertes rupturas. No es una obra con muchos
detalles, es decir, sencilla ya que solo se quería representar la
presencia misma de Marco Aurelio.
La escultura manifiesta claramente el espacio que ocupa, sin
dar una percepción de pesadez.
Composición: a diferencia de la mayoría de estatuas de este
tipo, el caballo está representado fielmente a la realidad ya que
se puede ver que las piernas de Marco Aurelio sobresalen por
debajo del vientre, aunque él está plasmado más grande de lo
que es. El caballo está apoyado con las dos patas traseras
mientras que la cuarta la tiene levantada, pisoteando a un
bárbaro y según algunos documentos era una la figura de un rey con las manos atadas a la
espalda, la cual no nos ha llegado. También se destaca que no lleva ningún tipo de arma en la
mano, sino que levanta la mano derecha con un airoso braceo, para perdonarle la vida al
bárbaro. Tiene un aspecto de majestuosidad, con la mirada directa, y con un movimiento
pausado.
El tema principal es el poder y la grandeza divina y su significado es mostrar a Marco Aurelio
como un señor de la tierra siempre victorioso y conquistador.
Pertenece al estilo romano, de la época precristiana, y su autor es
anónimo. Es la única estatua de bronce que podemos ver de aquella
época gracias a una equivocación. Tras la conversión de Roma al
cristianismo todas las estatuas eran fundidas para crear nuevos
objetos en el ámbito de la Iglesia, pero como ésta se confundió con
una estatua de Constantino I el Grande, el cual cristianizó Roma, no
se destruyó. En la actualidad la estatua aparece plasmada en las
monedas italianas de cincuenta céntimos de euro.
Fue muy influyente en las estatuas ecuestres de la Edad Media, y
fue un modelo para el primer Renacimiento.
Gattamelata, Donatello
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2. Historia del Arte 2º
EL PARTENÓN (Mapi Hernández)
ANÁLISIS DE LA OBRA:
El Partenón es el templo más característico de Grecia. Actualmente es patrimonio mundial y se
llevan a cabo labores de conservación ya que se
encuentra en ruinas. Pero a lo largo de la historia ha
sufrido diversos cambios en su uso hasta llegar a
su estado actual: se creó más que como un lugar de
veneración, como un joyero que guardaba en su
interior la estatua de Atenea y le daba abrigo. En
1208 albergó una iglesia bizantina, en 1458 se
convirtió en una mezquita, en 1687 un polvorín turco
estalló y destruyó gran parte del edificio, en 1801 los
ingleses trasladaron con el permiso del gobierno los
frisos y esculturas más ricas en detalles (hoy en día
muchas de estas piezas se encuentran en museos como National Gallery de Londres) y por
último en 1894 se produjo uno de los terremotos más importantes de la historia del país.
Elementos arquitectónicos:
- La planta es de estructura rectangular, ajustándose a la concepción de los templos
griegos anteriores al siglo VI a.C. Se divide en tres espacios, pronaos, naos y
opistódomos, a los que se le añade como novedad el Partenón o sala de las
Vestales. Es períptero, es decir, rodeado de columnas. La medida del estilóbato es
de 69,50m x 30,86m y está elevado sobre tres escalones a lo largo de todo el
perímetro
- Los bloques de los muros se ponían sin argamasa mediante poleas, cabestrantes y
grúas. Las superficies horizontales estaban tan cuidadosamente alisadas que se
ajustaban perfectamente, por lo que las uniones son prácticamente invisibles
aunque se mire desde cerca. Las caras verticales de los bloques contiguos se
ahuecaban ligeramente por el centro y la parte inferior, dejando un borde suave por
el centro y en la parte superior para hacer el ajuste. Este tratamiento de los
extremos se llama anatirosis y significa “como el marco de la puerta.” La parte
hundida se dejaba sin alisar. La función de los muros era sustentante y de cierre.
- Los materiales utilizados, excepto la madera de las techumbres, es exclusivamente
mármol blanco que provenía de las canteras del monte Pentélico. Estos bloques
eran tallados cuando ya estaban colocados en la obra hasta encajar perfectamente
sin utilizar ningún tipo de argamasa, sino mediante grapas de plomo fundido.
- El templo es dórico, períptero y octastilo. Tiene gran cantidad de columnas, todas
ellas de mármol, al igual que el resto del templo. La función de las columnas es
decorativa dada su cantidad. Las columnas de los laterales es igual al número de
columnas del frente por dos y más uno. Tiene 8 columnas dóricas de mármol en el
frente y 17 en los laterales. En total son 46. Estas están divididas en 11 tambores,
con una altitud de 10,43m. No tienen basa por lo que están apoyadas directamente
sobre el estilobato. Los capiteles, como dóricos que son están formados por equino
y ábaco. El entablamento está dividido en 3 partes: arquitrabe liso, friso con triglifos
y metopas. En el interior también hay una gran cantidad de ellas. Intentaron reducir
el espacio a cubrir dentro del templo y lo consiguieron por medio de dos filas de
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3. Historia del Arte 2º
columnas que iban desde la parte delantera a la trasera de la naos y paralelas a los
muros. Las columnas interiores estaban hechas en dos pisos; las columnas dóricas
más cortas y más estrechas que las del peristilo para así no ocupar tanto espacio y
las columnas de arriba, todavía más cortas y más estrechas. El Partenón tenía 8
columnas por la parte delantera y trasera para así conseguir una naos
excepcionalmente ancha para poder mostrar la enorme estatua de Atenea en todo
su esplendor
- El techo del Partenón está construido en madera, hay enormes vigas y pares que lo
sujetan. Las tejas descansaban sobre una superficie colocada en los pares. Hay dos
tipos de tejas: planas con los bordes elevados colocadas una al lado de la otra
sucesivamente y tejas de cresta, que trazaban un punte entre las uniones de las
tejas planas y así conseguían un tejado impermeable.
Elementos decorativos:
En su origen el Partenón presentaba un aspecto muy diferente al actual; estaba policromado
con colores muy vivos como el rojo, el azul, el verde y algunos tonos dorados.
En el tejado había seis acroteras. En las cuatro esquinas del techo y en la parte superior del
aguilón. Estas acroteras eran dibujos florares de formas bastante libres, pensados para disminuir
la severidad de los extremos triangulares de los tejados del templo, del mismo modo que las
antefijas suavizaban las líneas duras de los costados.
Su frontón poseía un espacio extraordinariamente amplio para las esculturas por tener ocho
columnas en sus extremos. Las columnas estaban talladas en bulto redondo y todo tenía un
significado.
- Friso: se rellenaron casi 160 metros de largo con esculturas de menos de 1metro,
todas ellas en bajo relieve. Se pusieron metopas que representaban batallas míticas;
una diferente por cada lado. Las del lado sur mostraban el conflicto de los lapitas
con los centauros. También había algunas que mostraban alegorías míticas de las
guerras médicas o de la guerra de Troya.
Había un gran número de jinetes, algunos hombres en carros y jóvenes llevando
bandejas o tinajas de agua o llevando animales hacia el sacrificio. Por el este
muchachas con los cuencos de las ofrendas llegaban a una asamblea de dioses y
héroes. En el centro, un funcionario y su ayudante sostienen un gran paño plegado
Esta procesión debía recordar a los atenienses la gran procesión panathenaica
en honor de Atenea, que regularmente se realizaba junto al friso esculpido
- Frontones: fueron tallados en el suelo y levantados posteriormente mediante
poleas. El frontón del oeste muestra el enfrentamiento de Atenea y Poseidón por el
patronazgo de Atenas y el frontón del este en la parte delantera muestra el
nacimiento de Atenea. Pero apenas quedan restos de esas dos composiciones
Los cuerpos de las figuras están vestidos con paños sueltos de mucha curvatura
que captarían la luz y darían claridad a las formas aunque se estuviera viendo de
lejos
Dimensiones y proporciones, espacio y función:
El Partenón tiene unas dimensiones y proporciones muy exactas. Es una gran obra de
ingeniería. Los arquitectos se esforzaron en diseñar el templo de manera que fuera perfecto a la
vista del ojo humano y no sufriera deformaciones como ocurre cuando nos encontramos delante
de grandes edificios. Esto lo consiguieron mediante los llamados refinamientos arquitectónicos.
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4. Historia del Arte 2º
El primero está relacionado con la superficie. En los cuatro lados del templo había una ligera
curvatura en dirección hacia el centro para animar el edificio, de manera que no parezca tan
regular o para impedir que la parte central pareciera combarse.
En segundo lugar hay un estrechamiento en las columnas, pero no lo hacen siguiendo una línea
recta, sino que tienen una éntasis a los 2/3 de su altura.
El tercer refinamiento está relacionado con el ángulo en el que se colocaban las columnas ya
que ninguna de ellas esta completamente recta, sino que se inclinan ligeramente hacia el interior
y las de la esquina tienen una doble pendiente.
El templo está dedicado exclusivamente a Atenea, era muy valioso para los atenienses y
significaba el progreso del pueblo. En el interior del templo se encontraba el principal elemento,
la monumental estatua de Atenea de 10 metros de altura que costó más del doble de lo que
costaba el resto del templo. Fue creada por Fidias. Los materiales son oro y marfil sobre madera
y en los ojos tenía incrustadas unas piedras preciosas, que aportaban a su mirada mucha
serenidad y transmitía miedo.
La única luz que entraba al templo procedía de la puerta y daba directamente a la estatua de la
diosa, dejando el resto del templo oscurecido. Debido a los materiales su ropa brillaba y sus ojos
destellaban.
CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL
- Pertenece al arte clásico de Grecia, casi todo el templo es de orden dórico, menos el
friso de la naos que es de orden jónico
- El templo fue mandado construir por Pericles hacia el año 447 a.C. y fue terminado
hacia el año 432 a.C.
- Los responsables de la obra fueron Ictino y Calicrates que estuvieron bajo las
órdenes del arquitecto y gran escultor Fidias, que fue el autor de la monumental
estatua de Atenea que este templo albergaba.
- El templo fue construido en el lugar donde se había iniciado la batalla de Maratón,
sustituyendo a otro templo que había antes y que fue destruido con las guerras
Médicas. Pericles sugirió que fuera financiado con fondos estatales. Este trató de
que la belleza del templo estuviera a la altura cultural de Atenea, ya que fue
dedicado a esta por la victoria que consiguió en su disputa con Poseidón.
- El Partenón es considerado como la obra más importante del arte griego clásico que
se conserva hoy en día y el edificio más importante
del orden dórico. Es el edificio más hermoso y
representativo de Atenas. Aunque mucha gente lo
pueda considerar como cualquier otro templo dórico
períptero, era inusual, no solo por el cuidado
exquisito de las tallas y el acabado, sino también por
las sutilezas que se incluyeron en el diseño y por la
abundancia de figuras con que se decoró. Ha influido
mucho posteriormente como arte clásico. En
Nashville, EE.UU. encontramos “The American
Parthenon” que es una reconstrucción del auténtico
Partenón de Atenas.
El arte clásico se encuentra muy presente todavía en
nuestros días.
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5. Historia del Arte 2º
EL LAOCONTE Y SUS HIJOS (Blanca Aguilar)
El Laoconte y sus hijos, es un grupo escultórico de la
época helenística, aproximadamente en el s.II a.C. Fue
realizada por Agessandro, Polidoro y Ateneodoro de
Rodas, pertenecientes a la Escuela rodia.
Su estilo es similar al de la época helenística pero con un
dramatismo más extremado. Es una imagen mitológica que
escenifica el momento en que durante el asedio de Troya
dos serpientes fueron enviadas por Apolo, Poseidón o
Atenea y atacaron al Laocoonte sacerdote troyano de
Apolo y a sus dos hijos. Hay diferente versiones sobre este
hecho.
Es un bulto redondo ya que es una escultura exenta y
representa la tercera dimensión en sus proporciones reales (aunque muestra una perspectiva
jerárquica), y desaparece la serenidad y equilibrio clásicos. Está realizada en mármol rosado y
blanco, es una escultura de cuerpo entero en bulto redondo, pero tiene un punto de vista frontal.
Es una figura claramente en movimiento ya que representa un instante de desesperación y
sufrimiento intentando luchar contra las serpientes. Tiene una disposición frontal, pues se
puede apreciar al completo desde delante.
Los personajes aparecen desnudos claramente idealizados, los hijos son de tamaño normal
pero el Laoconte es mucho más grande representando su
superioridad (o a la inversa).
Esta escultura fue descubierta en 1506 en una viña cercana a Sta.
María la Mayor terreno propiedad de Felice de Fredis que se
encontraba en el Esuilino romano, y que en tiempos antiguos había
sido parte del Domus Aurea de Nerón y luego del palacio del
emperador Tito. En la actualidad pertenece a los Museos Vaticanos
de Roma. La compró el Papa Julio II pero también estuvo en Francia.
La expresión de los rostros de los personajes es de terror y
desesperación, ya que las serpientes les cubren totalmente, la figura
de la izquierda que es el hijo menor es con el Laoconte las más
expresivas, el Laoconte representa el dolor por la serpiente que le
está mordiendo, mientras que el hijo mayor el que aun tendría
posibilidad de huir mira a su padre pidiéndole ayuda.
La expresión del rostro de Laocoonte es muy similar al del gigante que Atenea coge por el pelo
en el Altar de Zeus de Pérgamo.
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6. Historia del Arte 2º
LA AFRODITA DE CNIDO (Mar López Clérigues)
Esta obra escultórica pertenece al año 360 a.C., a la época
posclásica. Su autor fue Praxíteles, escultor ateniense de la
belleza sensual y juvenil cuyo legado escultórico es extenso y
que se caracterizó en muchas de sus obras por la
representación del cuerpo humano en la pose denominada
curva praxiteliana, según vemos en esta obra con la que inicia
su exaltación del desnudo femenino.
La Afrodita original desapareció en un incendio durante la
rebelión de Nika (Constantinopla), estuvo destinada a
permanecer en un templo de la ciudad helénica de Cnido, por
la que toma su nombre.
Se trata de la diosa griega del amor erótico, la belleza y la
fertilidad. Representada en una pose un tanto sorprendida por
la posible presencia de un extraño, en el momento que se
dispone a tomar su baño. Esa es la causa de que con una de
las manos se esté tapando el pubis, mientras que con la otra
está dejando caer sus vestiduras sobre una hydria (gran ánfora
para el agua).
Esta actitud ha sido llamada “reglamiento intimista”, usado
para representar divinidades en pose despreocupada.
Dicha obra se labró en mármol, lo que le
proporciona una fina textura que le aporta sensualidad al conjunto, el cual se
sostiene en la hydria y las vestiduras que actúan como soporte estructural.
Es una escultura que representa una figura humana exenta, de bulto
redondo y de cuerpo entero.
Su ejecución tiene como finalidad la plasmación de la belleza femenina
buscando la expresividad de la gracia juvenil mediante la naturalidad y un
aspecto personalista que fomentan el realismo de la obra.
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7. Historia del Arte 2º
DISCÓBOLO (Irene Colomer)
Realizado en el año 406 a.C por el escultor Mirón.
Mirón nació en 480 a.C, fue un escultor de bronce y
uno de los más conocidos autores del arte griego.
Cuyas aportaciones en la escultura supusieron una
transición al arte clásico.
La escultura original fue realizada en bronce y hoy en día se
encuentra en el museo Nazionale romano en la capital de Italia.
Aunque han aparecido muchas imitaciones esculpidas en mármol
con la técnica del mármol blanco, una de las más importantes
de ellas es conocida como Lancelotti (1781). Discóbolo quiere
decir “lanzador de discos”, función que está apunto de
realizar el deportista plasmado en la escultura. En ella está
esculpido el personaje entero con lo cual es una escultura
completa.
Mirón representó el cuerpo justo en el momento de su máxima
tensión, pero ese esfuerzo no se refleja en su rostro, que solo
permanece concentrado. Su cuerpo retorcido representa el
vigor, pero también la armonía y la delicadeza. Y está
puesto hacia delante para luego poder lanzar el disco.
Su cuerpo aparece en un equilibrio sin estabilidad,
formando dos arcos. Uno formado por los brazos y los
hombros,
hasta su pie elevado y el segundo, cortante al
primero, lo forman la cabeza, la espalda y el pie
que sostiene al cuerpo. Y a partir de estos arcos
la figura se desarrolla siguiendo una línea desde
el disco hasta el pie levantado.
Hay que tener en cuenta su contexto histórico
en el cual se realizó la obra. Fue una época de
gran auge en Grecia y en pleno dominio sobre los
persas que intentaban invadirles sin poder
conseguirlo.
El discóbolo iba a estar situado en una calle de
Atenas. Expuesto a muchos factores diversos.
La escultura tiene un significado iconológico, ya que vemos cómo está plasmado un deporte, con
una figura humana ideal.
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8. Historia del Arte 2º
FRISO DE LAS PANATENEAS (Esther Peiró)
ANÁLISIS DE LA OBRA:
El friso es una decoración arquitectónica en el Partenón de Atenas,
mide 160 metros de largo por 1 de ancho y unos 5 centímetros de
fondo. Recorre la parte que hay entre el arquitrabe y la cornisa del
templo. En cuanto a aspectos técnicos hay que destacar la
importante frontalidad de los cuerpos, que transmite un gran
realismo, a diferencia de las caras. Se utilizó un bajo y medio
relieve, hecho a mármol blanco para tallar todas las figuras que lo componen.
Estaba pintado aunque actualmente no se conserva pintado, en concreto, el fondo es liso y
estaba pintado de un color oscuro para que resaltasen las figuras.
En el Friso se narra la Procesión de las Panateneas,
(fiesta religiosa en honor a Atenea, protectora política
de la ciudad de Atenas, donde se le ofrecía el peplo).
En él, la procesión ciudadana es la protagonista,
mientras que la escena religiosa principal está en el
lugar más sagrado, el lado oriental, que corresponde
con el lado frontal del templo, aunque aún así ocupa un
espacio muy limitado respecto al resto del friso. A lo
largo del friso quedaba reflejada toda la sociedad
ateniense que estaba representada ordenadamente por niveles de importancia.
CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTORICO-SOCIAL:
Este friso formaba parte del Partenón de Atenas, pero actualmente se encuentra en el British
Museum. Fue escupido entre los años 447-438 a.C. por el arquitecto y pintor Fidias. Se trata de
una escultura clásica griega, una de las más importantes que el autor hizo en su vida.
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9. Historia del Arte 2º
ARA PACIS (Sergio Herranz)
Altar hecho en el año 13 a.C que se hizo para simbolizar las victorias del emperador
romano Octavio.
El Ara Pacis se sitúa en lo alto de un
pedestal escalonado y bordeado por unos muros.
Tiene dos puertas de acceso, una para la entrada de
las diferentes personas y otra para la entrada del
sacerdote.
Está decorado en su interior por relieves de
guirnaldas y flores simbolizando la prosperidad y en
su exterior, podemos ver a Augusto y a toda su
familia, amigos y colaboradores andando con gesto
de seriedad. Estos relieves están enmarcados en un
espacio rectangular.
Los relieves destacan por sus diferentes planos, generando una
sensación de profundidad para así poner en planos más cercanos
a personajes más importantes dejando atrás a los menos
importantes. La sensación que transmiten los relieves es de
movimiento ya que están representados como si estuvieran
hablando.
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