Arte Barroco: Arquitectura, Escultura e Iconografía Religiosa en Italia

Historia del Arte (2º Bachillerato)
Arte Barroco.
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ARTE BARROCO
1. Arquitectura
1.1 Concepto y características
generales.
El término barroco aparece en el
siglo XVIII con un cierto sentido
peyorativo, y su origen aparece
derivar de “barrueco”, nombre
dado a una perla de forma
irregular, asociándolo a la
complejidad del arte de esta
época. De ahí que lo irregular y lo
complejo se mezclan en la
definición de lo barroco.
Actualmente, entendemos por Barroco el estilo que
a lo largo del siglo XVII y parte del siglo XVIII aparece en Italia y se extiende por Europa,
con un lenguaje propio y complejo, con distintas soluciones estéticas y formales.
El arte barroco se puede definir como la manifestación de los tres poderes establecidos:
la iglesia, la monarquía y la burguesía. Podemos dividir la producción artística barroca en
dos grupos: la derivada de la burguesía protestante y la que proviene de la Iglesia y el poder
real.
a. Urbanismo.
El arte Barroco se caracteriza por ser un arte integrador de espacios en un todo unitario,
característica fundamental del urbanismo moderno. Se busca, pues, la integración de la
arquitectura y los monumentos del marco urbano (fuentes, obeliscos…).
Aparecen en esta época los planos
reguladores. Roma se convierte en la
ciudad capital del urbanismo europeo.
Bajo el pontificado del Papa Sixto V,
ayudado por el arquitecto Doménico
Fontana, se convertirá en un ejemplo
de transformación y renovación
urbana. Su objetivo es trazar grandes
vías que unieran las siete basílicas,
para que el peregrino las pudiese
visitar en una sola jornada.
También en esta época G. L. Bernini
será el encargado de diseñar la Plaza
de San Pedro del Vaticano, integrando en un
mismo espacio la fachada de la basílica, la
columnata y el obelisco. Según palabras del
propio Bernini: “la plaza abraza a sus hijos en la
fe e invita a los no creyentes a entrar en ella”.
Como ejemplo de urbanismo de integración
puntual tenemos la Plaza Navona de Roma,
donde podemos observar el tratamiento unitario
de los edificios, la singularidad de la facha de de
la iglesia de Santa Agnese y la fuente de los
Cuatro Ríos, obra de Bernini.
b. La arquitectura religiosa.
En la arquitectura, la iglesia representa el
poder religioso y el Barroco pretende potenciar la liturgia como vehículo transmisor de las
ideas de la Contrarreforma.
Triunfo de Baco y Ariadna (A. CARRACCI)
Plaza San Pedro del Vaticano (Roma)
Piazza Navona (Roma). El antiguo circo de
Domiciano se cristianizó con la “Fuente de los
Cuatro Ríos”, obra de Bernini.

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El edificio barroco tiene
una concepción
unitaria en la que no
se trata de añadir
módulos sencillos sino
de dar forma
arquitectónica a un
espacio único, como si
de una escultura se
tratase.
En las iglesias se trata
de conseguir espacios
para la liturgia de la
Eucaristía, de la
palabra, de la
penitencia y también de
la oración. Con este
objetivo se buscan
soluciones como la
nave única de gran
amplitud para albergar
a un gran número de fieles y capillas laterales dedicadas a la devoción de santos. El
modelo de la iglesia del Gesú (Roma) será seguido por los arquitectos italianos y españoles.
La fachada de los edificios no se entiende como una parte aislada, sino que se integran en
las plazas y se relacionan con su entorno. Así, los elementos de la fachada se superponen y
los muros se ondulan creando una sensación de movimiento y de juegos lumínicos que
potencian la teatralidad barroca y conducen al fiel desde el exterior hasta el altar.
Borromini, en la Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes (Roma) fue el ejemplo más
claro de iglesia de planta flexible y pared ondulante mediante líneas cóncavo-convexas.
Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes (BORROMINI)

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Las plantas de las iglesias se centralizan y
ofrecen múltiples soluciones: la planta
circular, la elíptica transversal, la elíptica
longitudinal, la octogonal…, o esquemas
derivados de complejos esquemas
geométricos a fin de conseguir un espacio
unitario. Esta centralización espacial conlleva
a la integración de la cúpula. Esta obra
influirá en la Capilla del Santo Sudario de
Guarino Guarini en Turín, quien en su obra
tiene como referencia la arquitectura gótica.
En arquitectura aparece un repertorio de infi-
nitas curvas (elipses, parábolas, hipérbolas…)
que sustituyen al perfecto arco de ½ punto
romano.
Las columnas se retuercen en hélices salomónicas. Los frontones son curvos. Los muros
se curvan a la búsqueda de mil quebradas perspectivas y efectos luminosos.
La arquitectura ocultará las estructuras fundamentales mediante enlucidos, relieves,
quebrando las cubiertas con fingidos cielos y la pintura imitará sólidas arquitecturas. Así se
creará el riquísimo y peculiar lenguaje del Barroco.
2 El arte barroco en Italia.
2.1 arquitectura barroca italiana: BERNINI Y BORROMINI.
El estilo Barroco nace en Italia y los nuevos
mecenas son principalmente los Papas. Así el arte
barroco italiano mantiene unos esquemas que son
clásicos y prevalece la iconografía religiosa. Los
antecedentes más claros los encontramos en
VIGNOLA y Carlo MADERNA.
De VIGNOLA ya vimos su iglesia del Gesú en Ro-
ma, modelo de iglesia para la compañía de Jesús,
además de la sobriedad y austeridad de su planta,
en su fachada incorpora ménsulas invertidas para
unir el cuerpo ático con el resto, siendo esta
solución tema de inspiración de numerosas obras barrocas.
Carlo MADERNA es el arquitecto encargado de terminar la basílica de San Pedro del
Vaticano. Deshace la primitiva idea de Bramante, de la planta de cruz griega, y alarga la
nave mayor.
Pero el mejor arquitecto de este estilo es Gian Lorenzo BERNINI,
hombre de amplia formación, es escultor, pintor, decorador, urbanista
y por supuesto arquitecto. En 1624 construye el baldaquino de San
Pedro, que cubre el altar mayor situado bajo el cimborrio de la
basílica. Esta inmensa construcción de bronce apenas tiene una línea
recta, gira y se retuerce como una gran llamarada. Pero su obra más
trascendental como arquitecto es la columnata de la plaza de San
Pedro en Roma. De planta elíptica, las columnas nacen de la fachada
de la basílica como dos grandes brazos que acogen a la humanidad.
Iglesia del Gesú (VIGNOLA)
Baldaquino de San Pedro
Columnata de San Pedro del Vaticano (BERNINI).
Cúpula de la capilla del Santo Sudario
(G. GUARINI) en Turín.

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Francisco Castelli (BORROMINI). Comienza su actividad
colaborando con Maderna y con Bernini. Entre sus
primeras obras señalamos la iglesia de Santa Inés
(Roma), situada en Piazza Navona, plaza edificada sobre
la planta del antiguo circo romano. La iglesia es toda una
declaración de intenciones de la nueva estética barroca,
con una fachada que se adelanta y se retrasa dentro de la
propia plaza.
Mucho más audaz es la iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes,
también en Roma, de planta elíptica y pared ondulante, resuelta mediante
líneas cóncavo-convexas que envuelven al espectador.
2.2 Escultura barroca italiana: BERNINI.
En escultura también es Roma el centro creador y pro-
pagador de las formas barrocas. Lorenzo Bernini y su
obra representan el máximo esplendor de la escultura
barroca.
La estética barroca expresa a través de la escultura las pa-
siones del alma. Las características de la escultura
barroca son:
Uso de técnicas muy diversas para
conseguir las mejores calidades y texturas
de la piel, músculos, telas…
El tema más cultivado es el religioso. Se
trata de una estética al servicio de la
Iglesia católica. También se representa al
hombre como héroe, presente en la
escultura funeraria y en las estatuas ecuestres; los temas
alegóricos para las fuentes monumentales en las plazas de
las ciudades; y el tema mitológico para palacios y jardines.
La escena se fija en el momento de mayor intensidad y
dramatismo y se representa en puras escenografías, como en
el teatro.
La predilección por la línea serpentinata, es decir, el cuerpo
humano captado mientras realiza un movimiento en espiral
como consecuencia de un movimiento de rotación.
Los violentos juegos de luces y sombras a través de los
ropajes, los cabellos…
G. L. Bernini.
Bernini es con relación a la escultura del siglo XVII, lo que
Miguel Ángel fue a la del siglo XVI. Sus características
principales serán: el movimiento exaltado, la búsqueda de
calidades texturales y un profundo naturalismo. En sus primeras
obras, presenta figuras combatiendo o en pleno movimiento, de
gran fuerza expresiva y de iconografía mitológica y bíblica. Entre
otras destacan: Apolo y Dafne, el rapto de Proserpina y El
David.
Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Representa al futuro rey
David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que
derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda. En
comparación con otras versiones pasadas del tema, como la famosa
estatua el David de Miguel Ángel, se muestran cualidades paradigmáticas
de la escultura del Barroco. Sobre la placidez clásica y renacentista,
Bernini introduce emoción y dinamismo. El cuerpo de la figura se muestra
en el instante en que se dispone a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el
cuerpo medio girado. La figura está en tensión, el movimiento y la potencia
están implícitos. La cara muestra concentración, con el ceño fruncido e
incluso mordiéndose el labio inferior. Este David no es el guerrero perfecto
San Carlos de
las Cuatro
Fuentes
Iglesia Sta. Inés
Beata Ludovica Albertoni (BERNINI)
Santa Cecilia (C. MADERNO)
Santa Teresa (BERNINI)
El David (BERNINI)

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e idealizado, sino uno muy humano esforzándose para lograr sus metas. A sus pies, un arpa
hermosamente tallada, que indica que David se convertirá en un poeta. Tampoco es típico de las
esculturas anteriores de Bernini el representar un hombre, en otras obras como Apolo y Dafne elige
modelos mucho más jóvenes y delicados.
Más adelante labrará su obra más conocida, el Éxtasis de Santa Teresa. El tratamiento de
las calidades es absolutamente pictórico, dando a los paños una ligereza casi inmaterial que
contrasta con la sensación de peso de la santa desvanecida. Se aborda, en esta obra, incluso
la representación de las nubes flotando en el aire.
2.3 La pintura barroca italiana: CARAVAGGIO.
Al igual que en la escultura, interesa la expresión y la representación de los sentimientos
interiores, las pasiones, los temperamentos. También en el campo de la pintura es Italia,
y especialmente Roma, el centro Barroco, con los Carracci y Caravaggio como principales
representantes.
Así pues desde el punto de vista formal, la pintura
barroca se caracteriza por:
El naturalismo y el realismo llevan a representar
lo deforme, el dolor, incluso a veces cadáveres en
putrefacción.
Predominio del color sobre el dibujo. En los
grandes maestros las manchas son las definidoras
de las formas; se puede comprobar en la pintura
de Velázquez o de Rembrandt, por ejemplo.
Dominio de la perspectiva aérea, en la que se
intenta representar la atmósfera que envuelve a
los objetos.
Profundidad. En el Barroco se acentúa la
selección delante-detrás y la pintura parece poseer
tres dimensiones.
Hegemonía de la luz. El Barroco es el arte de
plasmar, pictóricamente, la luz. En correlación, la
sombra juega un papel hasta entonces inédito,
especialmente en los primeros ensayos del estilo
(tenebrismo). En el Barroco la forma se subordina
a la luz, y pueden desvanecerse las formas por de-
bilidad o intensidad del centelleo luminoso.
Composición asimétrica. La tendencia instintiva
a colocar la figura principal en medio y a pintar dos
mitades de tela semejantes (simetría) se pierde,
de la misma manera que se desecha la malla de
líneas horizontales y verticales del arte clásico. Se
prefiere todo aquello que muestre desequilibrio o
sugiera que la escena continúa más allá de los
límites del marco.
Movimiento. El Barroco no puede detenerse en
formas estáticas, las figuras son inestables,
predominan los escorzos, las ondulaciones…
Las técnicas que se emplean son el óleo sobre el
lienzo, y el fresco para las bóvedas.
El tema predilecto es el religioso, aunque no se
olvidan los temas paganos, como la mitología y la
historias clásicas.
Caravaggio.
Michelangelo Merisi (Caravaggio). Fue el iniciador de
la técnica del tenebrismo en pintura. En sus obras
hay una preocupación constante por el estudio de la
luz. Este afán le llevó a pintar en su sótano con un foco
de luz elevado y único, que normalmente cruza en
diagonal la escena pintada y resalta ciertos aspectos mientras arrincona en la penumbra
otros detalles.
La muerte de la Virgen (CARAVAGGIO)
Crucifixión de San Pedro
(CARAVAGGIO)

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Estas atmósferas de luz y tiniebla suelen enmarcar temas
concebidos con un fuerte naturalismo, que prefiere bucear
en los aspectos desagradables de la realidad. Cuando
Caravaggio eligió para modelo de María, en El entierro de
la Virgen, a una mujer ahogada en el Tíber, el vientre
hinchado y el rostro abotargado fueron considerados como
gestos de impiedad.
Finalmente Caravaggio recurre con frecuencia a la adopción
de un punto de vista bajo, especie de contrapicado
cinematográfico, como si la escena fuese contemplada por
una persona tumbada en el suelo, con lo que adquiere
grandeza y profundidad, así en La crucifixión de San
Pedro, El entierro de Cristo...
La vocación de San Mateo es la obra en la que más
claramente se percibe la nueva manera de tratar la luz, al
colocar las figuras en una habitación oscura que recibe
iluminación únicamente de un ventanillo que no se
ve, en un ángulo superior del cuadro.
El tenebrismo es la máxima contribución de Italia.
En casi todos los países de Europa hubo una etapa
tenebrista, o pasaron por ella los grandes maestros
como Rembrandt, Zurbarán, Murillo o
Velázquez.
Además de la revolución caravaggiesca la
aportación de Italia al Barroco se resume en otras
dos escuelas, la boloñesa y la veneciana, donde
destacaron pintores como: los hermanos Carracci,
Tiépolo o Canaletto.
3. La pintura flamenca: RUBENS.
El enfrentamiento entre católicos y protestantes, el
desarrollo del comercio y los deseos de independencia
produjeron la escisión, en el siglo XVII de los Países Bajos en
Holanda (protestante) y Flandes (católica). La aristocracia y
la Iglesia fueron los principales clientes de los artistas.
Además de la pintura religiosa y profana, también se
desarrolló el retrato.
El barroco flamenco encontró su mejor expresión en la
pintura, especialmente de Rubens y sus discípulos Van Dyck
y Jordaens.
Peter Paul Rubens.
Pedro Pablo RUBENS, de origen alemán, pasó la mayor parte
de su vida en Flandes. Su estilo podría resumirse en tres
exaltaciones: el color, el movimiento y la forma gruesa.
La gama de colores y la soltura de la pincelada, adquieren
La vocación de San Mateo (CARAVAGGIO)
Las tres gracias (RUBENS)
El entierro de Cristo
La huida a Egipto (A. CARRACHI)
Frescos Palacio Real
(TIÉPOLO)
La regata (CANALETTO)

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una intensidad pocas veces alcanzada. Las com-
posiciones adquieren un dinamismo extraordinario:
músculos en tensión, diagonales enérgicas, árboles que
se retuercen… Finalmente sus mujeres gruesas
muestran su inclinación hacia la figura redonda y
voluminosa, acorde con el modelo estético femenino del
momento. La obra legada por Rubens es enorme,
aunque actualmente se atribuye parte de ella a su taller.
El género religioso está representado por grandes
composiciones como La adoración de los Reyes Magos
(Museo del Prado).
En sus obras mitológicas domina la sensualidad de sus
desnudos. En Las tres gracias da rienda suelta a su
devoción por las formas femeninas ampulosas.
En El Juicio de Paris, destacan la genial representación
de los musculosos jóvenes y nacaradas ninfas de piel
blanca.
Como retratista, sus obras reflejan la psicología del retratado, sin
descuidar la exaltación personal de este: Retrato ecuestre del duque de
Lerma.
Van Dyck
Trabajó en el taller de Rubens, del que aprendió el aspecto refinado y
cortés de su obra. En sus retratos de cuerpo entero, domina la elegancia
y la delicadeza, adelgaza las formas y tiende a eliminar los defectos del
retratado. Marcó las pautas para el retrato inglés del siglo posterior. Entre
sus obras destacamos el retrato de Carlos I de Inglaterra cazando.
Jordaens
Discípulo de Rubens. Se inclinó siempre hacia la representación de los
temas populares, la vida cotidiana de las gentes humildes en cuadros
de matices tenebristas, en los que abundan los personajes vulgares. El
rey bebe, puede considerarse un homenaje a la glotonería de sus
paisanos.
4. La escuela holandesa: REMBRANDT.
Tras la separación de los Países Bajos, Holanda desarrolla una escuela
de marcado carácter nacional. Su principal cliente era la burguesía
enriquecida gracias al comercio, que demandaba cuadros de
pequeño tamaño para decorar su casa.
Se cultivaron profusamente los retratos, individuales o colectivos, las
escenas costumbristas y domésticas, los paisajes y los bodegones.
Aunque en menor medida también está presente la temática religiosa.
Vermeer
En la pintura de interior, una de las máximas figuras es Vermeer, en cuyas composiciones
la luz alcanza una sutileza suprema. Capta la suavidad de las luces dentro de las habitacio-
nes, iluminando figuras y objetos de la vida cotidiana (jarros, mesa, sillas…), como en La le-
chera.
Ruysdael.
El paisaje es género muy cultivado por los maestros de la escuela,
entre ellos destacan Ruysdael. Pinta paisajes holandeses
inconfundibles: la línea de horizonte es muy baja, con lo cual un
cielo de nubes eléctricas ocupa la mayor parte de la tela; las luces
que se filtran a través de ellas y se reflejan en las aguas. El molino
es una de sus principales obras.
El juicio de Paris
El rey bebe
Retrato de Carlos I
La lechera (VERMEER)
La adoración de los magos

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Frans Hals.
El retrato adquiere tal relevancia que los holandeses terminan profiriendo el
retrato de grupo. El género alcanza su cenit en Rembrandt, pero también es
importante la aportación de Frans Hals. Retrata tipos populares, siempre en un
tono desenfadado como en La gitana.
Rembrandt Van Rijn.
Fue la figura más importante del barroco holandés, aunque sus contemporáneos no lo vieran
así. La fidelidad a su propio estilo y el rechazo a adaptarse a nuevos gustos pictóricos, le
alejaron del favor del público. El legado artístico de Rembrandt asombra por su
abundancia. Cultiva todos los géneros: religiosos, mitológicos, paisajes, bodegones…
En sus retratos, individuales o colectivos, capta la psicología del representado. A través de
sus numerosos autorretratos, más de sesenta, se puede observar su evolución física y
anímica. No obstante sus obras más ambiciosas son los retratos colectivos: La lección de
Anatomía y Ronda de noche.
Rembrandt es uno de los máximos maestros del color y la luz. El color lo aplica en manchas
gruesas, hasta formar una ancha costra porosa. En la luz le interesan difunden de forma
caprichosa, sin seguir las leyes de la física.
5. La pintura del siglo XVII en España: ZURBARÁN, RIBERA, VELÁZQUEZ Y MURILLO.
El siglo XVII está considerado como el Siglo de Oro de la pintura española. A este periodo
corresponden alguno de los pintores más reconocidos de la historia del arte español.
Existen tres focos principales de pintura barroca española: Valencia, Sevilla y Madrid.
Además de los rasgos señalados para la pintura barroca, la pintura española ofrece algunas
notas peculiares:
Realismo y religiosidad. Realismo que emplea tipos reales y escenarios cotidianos
para hacer más comprensibles los temas religiosos.
Predominio de la temática religiosa y especialmente de su expresión ascética o mística.
Predominio de los retratos o el tema mitológico. Los bodegones constituyen también,
sobre todo en ZURBARÁN, un género característico.
Ausencia de sensualidad, por obra de una implacable vigilancia de la Iglesia, que no
se ablanda en España.
El tenebrismo expresa muy bien esos valores de religiosidad extrema,
por lo que se comprende mejor su éxito entre nosotros.
5.1 La escuela valenciana: José RIBERA.
José Ribera, conocido como “el españoleto”, considerado el primer gran
maestro del barroco español. De origen valenciano, se traslada muy joven a
Italia, donde recibe el influjo de Caravaggio. Aquí tomó contacto con los
ambientes humildes, que quedaron perfectamente representados en su obra
a través de los mendigos, pobres y desamparados, tratados con una gran
crudeza y realismo.
En su estilo se fundirá la profunda emoción religiosa y el dominio del color y
El molino (RUYSDAEL)
Lección de anatomía (REMBRANDT)
El Patizambo
Ronda de noche (REMBRANDT)

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de las luces.
En su obra no faltan
cuadros realistas como El
niño cojo (El patizambo),
quien sonríe mostrando la
suciedad de sus dientes
ajeno a la tragedia de su
pie destrozado, ni los
cuadros naturalistas, como
La mujer barbuda, que
demuestra que el ansia de
bucear en la realidad que
inspira a los pintores
barrocos desemboca a
veces en la representación
de todo aquello que se da
en la naturaleza, aunque sea desagradable, raro o feo.
El género religioso ocupa la parte central de su actividad. Son grandes composiciones como
el Martirio de San Felipe, donde plasmó como los verdugos izan al santo a la cruz ante la
curiosidad de unos y la indiferencia de otros. El dibujo destaca por su precisión, las
pinceladas son pastosas y las figuras están dotadas de una exquisita corporeidad.
5.2 Escuela sevillana: ZURBARÁN, MURILLO Y VALDÉS LEAL.
Los máximos representantes de la pintura barroca están relacionados en su mayoría con la
ciudad de Sevilla, por ser esta ciudad la de mayor población de la Península y concentrar en
su puerto el comercio de las Indias.
Francisco ZURBARÁN.
Francisco de Zurbarán, pintor extremeño nacido en Fuente de
Cantos. Tuvo sus mejores clientes en los conventos sevillanos y
extremeños. Pertenece a la misma generación que Velázquez, con
quien mantuvo amistosas relaciones. A pesar de haber trabajado
en la Corte, pintando temas de batallas y mitologías (El socorro
de Cádiz) sin embargo su horizonte parece que se imita con
gusto a los temas monacales. Queda así Zurbarán como un
cantor de la religiosidad más severa, apoyándose en el uso del
blanco y prescindiendo de los fondos arquitectónicos.
Autor de largas series de lienzos monásticos en los que la luz juega
un papel decisivo; es un tenebrismo peculiar en el que las figuras irradian ellas mismas una
vivísima iluminación. Buenos ejemplos son La aparición de San Pedro apóstol al padre
Nolasco, San Hugo en el refectorio de los cartujos. En esta última, San Hugo y su paje
irrumpen en la estancia donde se hallan los frailes de la orden cartujana, que acaban de
despertarse tras dormir durante días. La paleta de blancos y grises predomina en el lienzo.
Un género que también cultivó con lograda perfección es el de los
bodegones, en los que sabe imponer una sobria ordenación y logra
una inimitable inmaterialidad a base de la luz blanca.
Bartolomé Esteban MURILLO.
Pintor sevillano, gozó en vida de una gran popularidad en toda Europa,
sobre todo en el siglo XVIII, cuando su pintura, llena de gracia y
delicadeza, coincide con el gusto del momento.
En su juventud se inició en la técnica tenebrista; a esta época
pertenecen obras que reflejan el ambiente de golfillos y mendigos
de los bajos barrios sevillanos (Muchachos comiendo uva y melón).
A través de la delicadeza y la gracia de las composiciones, Murillo supo
acercar la religión a la vida cotidiana. Obra suya muy divulgada es La
sagrada familia del pajarito de amplio éxito popular. En ésta y otras
El martirio de San Felipe
San Hugo en el refectorio
Niños comiendo uvas y
melón (MURILLO)
La mujer barbuda.

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ofrece una pintura llena de ternura, intimidad y misticismo que culmina en sus Vírgenes y
niños como El Buen Pastor.
Valdés Leal.
Es otro sevillano alejado de la Corte y ocupado en satisfacer a una clientela ávida de pintura
religiosa. Su estilo queda definido en la serie de terribles pinturas del hospital de la Caridad
(ln ictu oculi, Finis gloriae mundi), llenas de melodramática teatralidad y con una severa
y clara intención moralizante.
5.3 Escuela madrileña: Diego de Silva y VELÁZQUEZ.
Pintor de origen sevillano. A los once años ingresó en el taller
de Pacheco, con cuya hija contraería matrimonio años más
tarde, y de él aprendió el arte de la pintura.
En las obras de su etapa sevillana muestra una evidente
devoción por el tenebrismo. Al lado de alguna obra religiosa,
la adoración de los Magos, predominan los temas realistas,
de escenas de la vida cotidiana, como el aguador de Sevilla
o la vieja friendo huevos. En el aguador, interpretado como
una alegoría de las tres edades del hombre en los tres
personajes representados, ensaya una composición en
círculos con las tres cabezas, al tiempo que destaca en el
primer plano el gran cántaro iluminado, recursos que repite
en la vieja friendo huevos, obras ambas que le señalan como
un artista poseedor de grandes recursos pictóricos y de una
notable técnica lumínica.
Consiguió trasladarse a la Corte, ser nombrado pintor de
cámara regio y gozar del favor del omnipotente
conde duque de Olivares y de la amistad del
monarca Felipe IV. Durante esta época su tiempo y
su paleta se ocupan fundamentalmente en
retratos y temas mitológicos, habiéndole
espoleado en su dedicación a estos últimos la visita
de RUBENS.
Parece que el gran pintor de Amberes le aconsejó
que visitara Italia, viaje que VELÁZQUEZ pudo
realizar con la ayuda de una bolsa real. La estancia
le llevará al abandono del tenebrismo, al tiempo
que le hace concebir nuevas preocupaciones por el
color, el desnudo y la perspectiva aérea. Obra
compuesta en ese tiempo es La fragua de
In ictu oculi (Valdés Leal)
La fragua de Vulcano (VELÁZQUEZ)
El aguador de Sevilla
(VELÁZQUEZ)
Finis Gloriae Mundii (Valdés Leal)

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Vulcano, tema mitológico representado con elementos estrictamente humanos y con una
leve ironía.
A su regreso de Italia se afianza como el gran
retratista de la Corte: retratos ecuestres del
príncipe Baltasar-Carlos, del conde duque
de Olivares y la larga serie dedicada al rey
Felipe IV, a quien retrata desde su juventud
hasta la edad crepuscular con una mirada
infinitamente melancólica. En este género,
VELÁZQUEZ se distancia de la sensibilidad de
otras escuelas europeas, aunque sea perceptible
el influjo de RUBENS, omitiendo todo recurso
escenográfico, salvo los fondos serranos y la
hondura psicológica de la expresión del
retratado.
Pero también es el genial retratista de tipos tan
curiosos y variados como los de la serie de los
bufones (El niño de Vallecas, El bufón
calabacillas, entre otros) a los que trata de un
modo casi redentor.
Obra cumbre de este período es el cuadro de
Las lanzas (La rendición de Breda), en el cual más
allá de las efigies de los caudillos, que firman la
paz entre católicos y protestantes, se despliega
un paisaje luminoso y brumoso sobre el campo
de combate, donde se representa la rendición de
la ciudad de Breda a los tercios españoles.
Velázquez realizó un segundo viaje a Italia
con el encargo de hacer acopio de cuadros para
las galerías reales españolas. Durante su estancia en aquel país pintó
el retrato del papa Inocencio X. Su calidad de retratista es paralela
a sus dotes extraordinarias para el paisaje. Dos pequeños lienzos,
paisajes de villa Médicis, captan la vibración lumínica mediante
pequeños toques luminosos. Se anticipa aquí en más de doscientos
años a la técnica del impresionismo, hasta el punto de parecer dos
“monets” del siglo XVII.
El retorno a la Corte le dará la posibilidad de pintar sus obras más
importantes: La Venus del espejo, Las Meninas y Las Hilanderas.
Tres obras que se han convertido en referentes del arte mundial.
En Las Meninas, la escena se desarrolla en el llamado cuarto del
Príncipe del Alcázar de Madrid. En la composición, el maestro nos
presenta a once personas, todas ellas documentadas, excepto una.
La escena está presidida por la infanta Margarita y a su lado se
sitúan las meninas María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco. En
la izquierda se encuentra Velázquez con sus pinceles, ante un
enorme lienzo cuyo bastidor podemos observar. En la derecha se
hallan los enanos Mari Bárbola y Nicolasillo Pertusato, este último
jugando con un perro de compañía. Tras la infanta observamos a dos
personajes más de su pequeña corte: doña Marcela Ulloa y el
desconocido guardadamas. Reflejadas en el espejo están las regias
efigies de Felipe IV y su segunda esposa, Mariana de Austria. La
composición se cierra con la figura del aposentador José Nieto. Una
lección magistral en el tratamiento de los personajes y de la
perspectiva aérea.
En su famosa Venus del espejo, única obra del pintor en la que aparece una mujer
desnuda, coloca a una mujer de belleza palpable, de carne y hueso, resaltando aun más la
carnación gracias al contraste con el paño azul y blanco, o el cortinaje rojo que da gran
La rendición de Breda (VELÁZQUEZ)
Retrato ecuestre del
conde-duque
Príncipe Baltasar
Carlos.

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carga erótica al asunto. Da la sensación de que el artista ha sorprendido a Venus mientras
Cupido, resignado, sostiene el espejo en el que se refleja el rostro de la belleza, aunque lo
que deberíamos ver sería el cuerpo de la diosa. En cuanto a la técnica, cabe destacar cómo
el pintor utiliza una pincelada suelta, que produce la sensación de que entre las figuras
circula aire, el famoso aire velazqueño.
Las Hilanderas o la fábula de Aracne, se trata de una de las obras más enigmáticas del pintor. En
primer plano vemos cinco mujeres que preparan las lanas para la fabricación de tapices. Al fondo, detrás
de ellas, aparecen otras cinco mujeres ricamente vestidas, sobre un fondo de tapices. Esta última escena
sería la que da título al cuadro ya que recoge la fábula en la que la joven Aracné, al presumir de tejer
como las diosas, es retada por Atenea a la confección de un tapiz. El jurado dictaminó un empate pero
Atenea castigó a Aracné convirtiéndola en araña para que tejiera durante toda su vida.
Con esta fábula, Velázquez quiere indicarnos que la pintura es un arte liberal, igual que el tejido de
tapices, no una artesanía como la labor que realizan las mujeres en primer término. Poner el mensaje en
un segundo plano es un juego típico del Barroco.
La Venus del espejo. Las Hilanderas.

Arte Barroco: Arquitectura, Escultura e Iconografía Religiosa en Italia

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