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El cine de los totalitarismos: Eisenstein y Riefenstahl

Para Fundamentos del Arte II 18-19

El cine de los totalitarismos: Eisenstein y Riefenstahl

1 de 23
EL CINE DE LOS TOTALITARISMOS: EISENSTEIN Y RIEFENSTAHL
Desde muy pronto se vio que el cine, además de un entretenimiento, podía ser un arma
para convencer o hacer sentir al público de una determinada manera. El cine se
convirtió en un instrumento de adoctrinamiento, especialmente en los países donde se
implantaron regímenes totalitarios.
En Rusia, tras la revolución bolchevique
que acabó con el zarismo, Lenin pronto
se dio cuenta de la importancia del cine
como elemento aleccionador de las
masas, especialmente en un país con un
80% de analfabetismo. Lenin declaró “De
todas las artes, el cine es para nosotros la
más importante”. El impulso bolchevique
a la creación cinematográfica llevó a la
creación de una escuela vanguardista
soviética, en la que destacó Serguei
Einsenstein (1898-1948).
SERGUÉI EISENSTEIN
Su obra va ligada a los diferentes conflictos bélicos y
revolucionarios que marcaron su biografía. Así se
define toda su obra, enmarcada entre el
resurgimiento obrero narrado en La huelga (1924),
su primera obra, y la agitada vida del zar Iván IV,
narrada en las dos partes de Iván el Terrible (1943-
1945).
Entre ambas obras, Eisenstein realizó El acorazado
Potemkin (1925), Octubre (1927) -ambas sobre los
conflictos revolucionarios rusos-, La línea
general (1929) -rebautizada como Lo viejo y lo
nuevo-, sobre las ventajas de la colectivización
agraria, ¡Que viva México! (1931), obra inacabada
sobre la revolución mexicana y Alexander
Nevski (1938), una epopeya sobre el príncipe ruso
que se opuso a la invasión de las tropas teutonas en
el siglo XIII, pero además dejó algunos proyectos
inconclusos como La pradera de Bejín.
EISENSTEIN EN HOLLYWOOD
La obra de Eisenstein es esencial
por sus inimitables aportaciones al
lenguaje, especialmente las
derivadas de su peculiar uso del
montaje. Eisenstein planteó las
combinaciones de planos como
conflictos que generasen
respuestas emocionales en el
espectador (montaje de choque).
Una vez conseguido el choque
emocional, se producía la
sensibilización hacia el problema
tratado. Es lo que bautizó con el
nombre de "montaje de
atracciones", y que puso en
práctica desde su primera obra, La
huelga.
http://www.editando.cl/2018/01/asi-funciona-el-montaje-de-atracciones-de-
serguei-eisenstein.html/
La película describe una huelga ocurrida en 1903 por los
trabajadores de una fábrica en la Rusia prerrevolucionaria.
La escena más famosa del film es la secuencia final donde,
haciendo uso Eisenstein de sus innovadoras teorías
de montaje, se alterna la masacre contra los huelguistas e
imágenes de bovinos sacrificados.
Otro tema de la película, que es una de las mayores
características del cine de Eisenstein, es el colectivismo frente
al individualismo del cine occidental.
LA HUELGA
http://sensesofcinema.com/2017/soviet-cinema/strike-
eisenstein/
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El cine de los totalitarismos: Eisenstein y Riefenstahl

  • 1. EL CINE DE LOS TOTALITARISMOS: EISENSTEIN Y RIEFENSTAHL
  • 2. Desde muy pronto se vio que el cine, además de un entretenimiento, podía ser un arma para convencer o hacer sentir al público de una determinada manera. El cine se convirtió en un instrumento de adoctrinamiento, especialmente en los países donde se implantaron regímenes totalitarios.
  • 3. En Rusia, tras la revolución bolchevique que acabó con el zarismo, Lenin pronto se dio cuenta de la importancia del cine como elemento aleccionador de las masas, especialmente en un país con un 80% de analfabetismo. Lenin declaró “De todas las artes, el cine es para nosotros la más importante”. El impulso bolchevique a la creación cinematográfica llevó a la creación de una escuela vanguardista soviética, en la que destacó Serguei Einsenstein (1898-1948).
  • 4. SERGUÉI EISENSTEIN Su obra va ligada a los diferentes conflictos bélicos y revolucionarios que marcaron su biografía. Así se define toda su obra, enmarcada entre el resurgimiento obrero narrado en La huelga (1924), su primera obra, y la agitada vida del zar Iván IV, narrada en las dos partes de Iván el Terrible (1943- 1945). Entre ambas obras, Eisenstein realizó El acorazado Potemkin (1925), Octubre (1927) -ambas sobre los conflictos revolucionarios rusos-, La línea general (1929) -rebautizada como Lo viejo y lo nuevo-, sobre las ventajas de la colectivización agraria, ¡Que viva México! (1931), obra inacabada sobre la revolución mexicana y Alexander Nevski (1938), una epopeya sobre el príncipe ruso que se opuso a la invasión de las tropas teutonas en el siglo XIII, pero además dejó algunos proyectos inconclusos como La pradera de Bejín. EISENSTEIN EN HOLLYWOOD
  • 5. La obra de Eisenstein es esencial por sus inimitables aportaciones al lenguaje, especialmente las derivadas de su peculiar uso del montaje. Eisenstein planteó las combinaciones de planos como conflictos que generasen respuestas emocionales en el espectador (montaje de choque). Una vez conseguido el choque emocional, se producía la sensibilización hacia el problema tratado. Es lo que bautizó con el nombre de "montaje de atracciones", y que puso en práctica desde su primera obra, La huelga. http://www.editando.cl/2018/01/asi-funciona-el-montaje-de-atracciones-de- serguei-eisenstein.html/
  • 6. La película describe una huelga ocurrida en 1903 por los trabajadores de una fábrica en la Rusia prerrevolucionaria. La escena más famosa del film es la secuencia final donde, haciendo uso Eisenstein de sus innovadoras teorías de montaje, se alterna la masacre contra los huelguistas e imágenes de bovinos sacrificados. Otro tema de la película, que es una de las mayores características del cine de Eisenstein, es el colectivismo frente al individualismo del cine occidental. LA HUELGA http://sensesofcinema.com/2017/soviet-cinema/strike- eisenstein/
  • 7. EL ACORAZADO POTEMKIN (1925) Eisenstein volvió a retratar una rebelión popular llevada a cabo por los marineros de un acorazado contra sus oficiales en la revolución rusa de 1905. En su escena más famosa, la de la escalinata de Odesa, el director soviético volvió a hacer gala de una maestría única en el empleo del montaje. La secuencia narra el abatimiento a tiros de los habitantes de Odesa, en su intento de subir las escaleras que dan acceso al palacio gubernamental. Los 170 planos de la secuencia la alargan hasta seis minutos, dilatando el tiempo real de la escena, y demostrando hábilmente la capacidad del montaje para crear el tiempo cinematográfico. La película, que contiene también empleos muy sutiles en la combinación de planos, dio a conocer a su autor en todo el mundo, aunque fue prohibida en muchos países por su contenido revolucionario.
  • 10. En esta película Eisenstein recuperó lo más experimental de su repertorio narrativo: montaje de atracciones, inversiones del tiempo, angulaciones forzadas.... La película, basada en el relato Diez días que conmovieron al mundo del norteamericano John Reed, rememora los acontecimientos revolucionarios de 1917. En una secuencia de la película, que narra el ascenso de Kerenski al poder, Eisenstein vuelve a romper la narración, comparando al gobernante con Napoleón y con un pavo real, y sugiere, a base de sutiles combinaciones de planos, la incapacidad para gobernar del dirigente social- revolucionario. OCTUBRE (1927)
  • 12. !QUE VIVA MÉXICO! A partir de estas películas, Eisenstein recuperó un pulso narrativo más convencional, aunque todas sus obras siguen mostrando su original capacidad narrativa, que se hace extensible al empleo de la composición en el plano, de los encuadres, la iluminación e incluso en la utilización del color y del sonido, con el que pudo experimentar sus teorías de contrapunto sonoro en sus últimos filmes. Film en cuatro episodios, más un prólogo y un epílogo. El prólogo presenta imágenes alegóricas del México prehispánico. El episodio "Sandunga" recrea los preparativos de una boda indígena en Tehuantepec. "Fiesta" desarrolla el ritual de la fiesta brava, mientras que "Maguey" escenifica la tragedia de un campesino por rebelarse contra su patrón. "Soldadera" muestra el sacrificio de una mujer revolucionaria. El epílogo, también conocido como "Día de muertos", se refiere al sincretismo de las distintas visiones que coexisten en México alrededor del tema de la muerte.
  • 13. IVÁN EL TERRIBLE Película en tres partes sobre el zar ruso. Mientras primera parte mostraba al Zar como un héroe nacional, el siguiente episodio se enfocó en resaltar una faceta más oscura del líder ruso. Una personalidad arisca, con trazos del hombre en el poder rodeado por fantasmas de paranoia, disgustaron a Stalin, que vetó el filme. No se estrenó hasta 1958, 5 años después de la muerte del dictador. El tercer episodio comenzó a filmarse en 1946, tras la furia desatada de Stalin, corrió el rumor de que todos los metrajes habían sido destruidos por la censura. Los únicos cinco minutos que sobrevivieron fueron exhibidos en 1988.
  • 14. Eisenstein fue uno de los pocos directores en la historia del cine que, partiendo de la influencia que recibió de las películas de Griffith, fue capaz de plantear un lenguaje alternativo al del cine americano, una propuesta más compleja e intelectual. Definió cinco tipos diferentes de montaje (métrico, rítmico, tonal, sobretonal e intelectual) y propuso combinaciones de planos basadas en los ideogramas chinos, es decir la suma de dos planos no relacionados crean una metáfora o concepto nuevo. La complejidad de su planteamiento dio como resultado filmes no siempre de fácil comprensión para el espectador medio, que difícilmente podía asumir toda la riqueza narrativa de sus propuestas. A pesar de ello, Eisenstein es uno de los directores más influyentes de la historia del cine y muchas de sus propuestas han penetrado profundamente en el cine y ha inspirado a los grandes creadores posteriores. https://ddd.uab.cat/pub/artpub/2009/106227/trafon_a2009.pdf
  • 15. LENI RIEFENSTAHL En la Alemania nazi destacó el trabajo de la cineasta Leni Riefenstahl (1902-2003), cuya obra quedó inevitablemente ligada a la exaltación del nazismo y su ideología de pureza “racial”. Se inició como actriz en filmes de montaña, debutando en La montaña sagrada (1926), donde además de actuar aprendió los rudimentos técnicos para dirigir películas.
  • 16. En 1932 se atrevió a interpretar y dirigir personalmente la película La luz azul, dramatización de una leyenda montañera en la que se reservó el papel de la virginal Junta, conocedora exclusiva del secreto de una gruta de cristal escondida entre los montes, muchacha inocente que vive en un mundo de ensueño hasta que la irrupción de un pintor (de la civilización y la cultura) provoca la tragedia. La película es un ejemplo paradigmático de un género asociado a la exaltación de los mitos de lo primitivo incontaminado.
  • 17. Las imágenes de La luz azul llamaron la atención de Hitler, que una vez llegado al poder no tardó en encargarle, a través del Ministerio de Propaganda dirigido por Goebbels, la realización de la película oficial del V Congreso del partido nazi, a celebrar en Nüremberg en agosto de 1933. El conocimiento personal del Führer le produjo tal impacto que no pudo negarse y de allí saldría Victoria de la fe (1933), antecedente de El triunfo de la voluntad (1934).
  • 18. EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD (1934) Documental sobre el VI Congreso del partido nazi, que consagró definitivamente a la directora ante los dirigentes del Tercer Reich.
  • 19. Riefenstahl convirtió el congreso en una exultante oda propagandística de la escenografía nazi, genuina y virtuosa puesta en escena de una ritualización litúrgica en la que la coreografía de masas y el énfasis visual - sabiamente administrados por una amplia escala de angulaciones, contrapicados, efectos de luz y trucos de montaje- dan cuerpo a una sublimada síntesis de la comunión mística entre el Führer y el pueblo alemán. La directora intentó mucho después presentar su trabajo como un encargo obligado, producido por sí misma y filmado tan sólo con dos cámaras, cuando la película se financió con el generoso contrato de distribución que le brindó la UFA y dispuso de multitud de recursos para realizarla.
  • 20. OLIMPIADA (1936) con el pretexto de filmar los juegos olímpicos de Berlín de 1936, Riefenstahl compuso una apasionada elegía de la belleza del cuerpo, una exaltación beligerante del poder físico identificado con el ideal étnico de la raza, que el montaje pone en relación con el canon helénico y que las imágenes metaforizan hasta escenificar el mito de la virilidad aria. De nuevo, Riefenstahl insistió después en presentarlo tan sólo como un “documental” de lo sucedido, como una película de espectáculo y no como un filme de propaganda, cuando se trata, precisamente, de una obra maestra del documental de propaganda.
  • 21. Olimpiada fue todo un ejercicio de vanguardia, puesto que Riefenstahl utilizó técnicas de rodaje muy avanzadas para la época que se convirtieron en estándar de la industria del cine: utilizó ángulos de cámara inusuales, primeros planos extremos, cortes abruptos, fijación de cámaras en el estadio para filmar a los asistentes y tomas en cámara lenta de los movimientos de los deportistas. Varias de sus técnicas en movimiento siguen siendo muy utilizadas actualmente. Polémica por su contexto político y por su ensalzamiento de la figura de Hitler, pese a ello, es considerada una obra maestra del cine.
  • 22. El documental muestra a todos los competidores, sin importar su nacionalidad u origen. Las escenas del atleta estadounidense Jesse Owens son las más recordadas de la película. Riefenstahl ensalzó las hazañas de Owens en los JJ.OO., el atleta que más medallas ganó. Fue también muy criticada por Goebbels y el Ministerio de Propaganda por ello. Es en ese momento cuando la directora muestra su mayor virtud artística, pero también su gran defecto: el buscar la belleza de las imágenes a toda costa, ignorando las consecuencias.
  • 23. Tras la 2ª Guerra Mundial Leni Riefenstahl fue juzgada por su colaboración con los nazis, pero finalmente sólo fue considerada simpatizante del régimen nazi y no fue castigada. Todavía pudo terminar, en 1954, una película que había empezado a rodar en 1940: su particular adaptación de Terra Baixa, la obra del dramaturgo catalán Ángel Guimerá, con la que exalta la victoria de la pureza del campesino, que vive en las cumbres, sobre la corrupción que habita en la llanura. Ya no hizo más películas y se decantó por la fotografía, retratando a la tribu de los Nuba en África. En la última etapa de su vida se dedicó a la fotografía submarina. TERRA BAIXA