Para Fundamentos del Arte II. Curso 2018-2019

1. LOS INICIOS Y LA POPULARIZACIÓN DE LA FOTOGRAFÍA

2. ANTECEDENTES: LA CÁMARA OSCURA
Ya en el S. IV a.C el filósofo griego
Aristóteles explicó el
funcionamiento de la cámara
oscura: afirmó que si se practicaba
un pequeño orificio sobre la pared
de una habitación oscura, un haz
luminoso dibujaría sobre la pared
opuesta la imagen invertida del
exterior.
La primera descripción completa e
ilustrada sobre el funcionamiento
de la cámara oscura, aparece en los
manuscritos de Leonardo da Vinci
(1452-1519).

3. En la antigüedad los artistas disponían de
una habitación oscura en la que entraban
para copiar el paisaje circundante, pero
estos montajes e instrumentos, tenían un
gran inconveniente: eran muy poco
manejables.
Hacia la 2ª mitad del siglo XVII se
inventó una mesa de dibujo portátil.
Era una gran caja de madera, cuyo lado
delantero estaba cerrado por una
lente. El artista copiaba la imagen
fotografiada sobre una cartulina
semitransparente, apoyándola en un
cristal situado en la parte superior.
Este artilugio fue utilizado durante
varios siglos por pintores como
Canaletto y Durero para tomar
apuntes con bastante precisión en la
perspectiva.
La lente capta la imagen, la refleja en un espejo y éste la proyecta en
un vidrio, en donde el artista calca la imagen.

4. FISIONOTRAZO
Inventado por Guilles-Louis
Chrétien a finales del siglo
XVIII. Es un instrumento óptico
mecánico con el que se podían
dibujar los perfiles de
personas y objetos.
Funcionaba por medio de a una
serie de paralelogramos
articulados que se desplazaban
en un plano horizontal. Este
plano solía ser una placa de
cobre. El dibujante seguía los
bordes del dibujo con un
estilete seco.
.

5. El silueteado fue otra máquina
para hacer dibujos cuyo
nombre deriva del ministro de
hacienda de Luis XV, Étienne de
Silhouette.
El silueteado consistía en
colocar la figura detrás de una
sábana iluminada y dibujar el
contorno que se reflejaba en la
misma. Era lo más utilizado en
los camafeos de la época del
Rococó.
SILUETEADO

6. Ya en la Edad Media los alquimistas sabían
que ciertos compuestos, como las sales de
plata (cloruro o el nitrato de plata) eran
sensibles a la luz. Esto hacía que, al exponer
estas sales a un rayo luminoso fuerte, éstas se
volvieran negras. De esta manera, podían
crearse soportes fotosensibles si se recubría
una placa o un papel con dichas sales. Si luego
se ponía un un objeto por encima y se exponía
a la luz, el objeto quedaba grabado en el
soporte. La imagen resultante se
llamaba fotograma. Así, se comprobaba el
efecto que la luz provocaba a ciertos
compuestos químicos.
Problema: aunque los compuestos fueran
fotosensibles, aún no se conocía ningún
procedimiento para que el efecto fuese
permanente.
COMPUESTOS O MATERIALES FOTOSENSIBLES
Nitrato de plata
Cloruro de plata

7. http://www.photo-museum.org/es/niepce-invencion-photografia/
INVENCIÓN DE LA FOTOGRAFÍA
Fue el francés Joseph-Nicephore
Niépce quien consiguió las primeras
imágenes negativas en 1816,
utilizando papel tratado con cloruro de
plata, pero no consiguió fijar la imagen
obtenida y continuó investigando.
Probó distintas sustancias fotosensibles
que permitieran obtener una imagen
positiva fija.
La mesa puesta (1823)

8. PRIMERAS IMPRESIONES FOTOGRÁFICAS
Niépce logró las primeras imágenes positivas
directas utilizando placas de peltre (aleación
de zinc, estaño y plomo) recubiertas de betún
de Judea y fijadas con aceite de lavanda. Con
este sistema, utilizando una cámara oscura
modificada, impresionó en 1827 una vista del
patio de su casa , que se considera la primera
fotografía permanente de la Historia. A este
procedimiento lo llamó HELIOGRAFÍA. Aun
así, no consiguió un método para invertir las
imágenes y prefirió comenzar a investigar un
sistema con que obtener positivos directos.
También tropezó con el problema de las
larguísimas exposiciones que necesitaba
(varias horas), ya que el sol al moverse
dificultaba el modelado de los objetos. Para
esta primera fotografía necesitó un tiempo de
exposición de 8 horas.

9. DAGUERROTIPO
L’atelier de l’artiste, 1837
DAGUERRE
El pintor Louis Daguerre se enteró de las
investigaciones de Niépce y le convenció
para colaborar juntos. Niepce murió en 1833
y Daguerre continuó sus investigaciones en
solitario.
En 1835 publicó sus primeros resultados del
proceso que llamó DAGUERROTIPO,
consistente en láminas de cobre plateadas y
tratadas con vapores de yodo. Redujo
además los tiempos de exposición a entre
15-30 minutos, consiguiendo una imagen
apenas visible, la imagen latente, que
posteriormente revelaba con vapores
calientes de mercurio y fijaba lavando con
agua caliente con sal, aunque el verdadero
fijado no lo consiguió hasta dos años más
tarde.

11. Fotografía de Daguerre del Boulevard du Temple en París, a pleno día, en la
que aparecen por primera vez personas: en el extremo inferior izquierdo a un
hombre le están limpiando los zapatos. El resto de la gente está en movimiento
y no aparecen. El daguerrotipo es de 1838 y el tiempo de exposición fue de
unos 10 minutos.

12. https://ynnyphotographies.wordpress.com/2012/03/23/daguerre-
y-el-daguerrotipo/
José de San Martín
En 1839 Daguerre dio a conocer el procedimiento,
minimizando el papel de Niépce. Comenzó a
fabricar material fotográfico en serie y a hacer
demostraciones en público. Como el gobierno
francés compró la patente, el procedimiento se
extendió muy rápidamente, aunque era costoso y
de difícil manipulación y únicamente producía una
prueba única no multiplicable, la imagen estaba
invertida lateralmente y los vapores de mercurio
eran muy perjudiciales para la salud.
Daguerrotipo de Barcelona, 1848

13. El tiempo de exposición era
extremadamente largo. Lo habitual eran 3
ó 4 minutos. Como la mayor parte de los
daguerrotipos eran retratos de personas lo
normal es que la imagen estuviese
movida, además de invertida. Se inventó
un sistema de sujeción de la cabeza y el
cuerpo para evitar este movimiento.

14. Daguerrotipo tradicional, en el que la imagen es
impresa en una lámina metálica y enmarcada.
Algunas veces era coloreada para darle más
realismo. El pintor francés Eugène Delacroix llevaba a sus modelos
para que fuera fotografiados en las poses que él requería.
En 1839 el estadounidense Robert Cornelius
realizó el primer autorretrato fotográfico con una
cámara que él mismo construyó. Un daguerrotipo
que realizó de una calle de su ciudad destaca por
ser uno de los primeros en usar un espejo para
corregir la imagen lateral.

15. CALOTIPO O TALBOTIPO
WILLIAM FOX TALBOT
Casi al mismo tiempo que los franceses Niépce
y Daguerre, el inglés William Henry Fox Talbot
reclamó la paternidad de la fotografía al
mostrar negativos obtenidos exponiendo
objetos sobre papel con cloruro de plata.
Posteriormente este negativo lo exponía por
contacto sobre otro hasta lograr el positivo. A
este proceso lo denominó CALOTIPO.

16. El calotipo o talbotipo fue el primer
proceso de revelado fotográfico para
crear negativos en papel. Se bañaba
un papel convencional con soluciones
químicas y luego se colocaba en el
interior de una cámara para ser
expuesto a una imagen latente.
Después el papel expuesto se revelaba
en el cuarto oscuro, con lo que
aparecía una imagen en negativo en
tonos pardos. A partir de este negativo
se obtenían las copias impresas
positivas.

17. La puerta abiertaLa escalera
En 1844 Talbot publicó The pencil of nature, el primer
libro fotográfico e ilustrado de la historia, en el que
explicaba el desarrollo del calotipo e incluía 24
impresiones hechas por medio de este proceso.
El almiar
Artículos de porcelana china
Vista de los bulevares de París
Portada de The pencil of nature

18. Para captar las imágenes se empleaba la cámara oscura, que experimentó
constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u
objetivos utilizados, con las aportaciones de diferentes investigadores.
Paulatinamente se siguió innovando y mejorando en las técnicas
fotográficas, consiguiendo mayor calidad de imagen, cromatismo…

19. El papel a la albúmina fue inventado en
1850 Blanquart Evrard y Niépce de Saint Victor.
Era un preparado con clara de
huevo (albumen o albúmina), que se aplicaba
al papel, añadiendo también una sal, como
el bromuro de potasio. Una vez seco, el papel
se introducía en una solución de nitrato de
plata y se dejaba secar nuevamente. El papel
así sensibilizado se ponía en contacto con un
negativo y se exponía a la luz del sol varios
minutos, hasta que la imagen tuviese la
intensidad deseada. La imagen aparecía por
ennegrecimiento directo, sin revelado
químico. Seguidamente era necesario su
fijado, virado y lavado final en agua.
http://www.lomography.es/magazine/229292-primeros-procesos-fotograficos-la-impresion-de-albumina
http://angelagalo.com/albumina/
COPIA A LA ALBÚMINA

20. En 1851 Frederick Scott Arthur inventó el
negativo de colodión húmedo.
El colodión (nitrato de celulosa disuelto en
alcohol y éter) es una sustancia pegajosa que
se adhiere bien al vidrio y absorbe las sales de
plata. Se extendía sobre una placa de vidrio y
mientras se mantenía húmedo se sensibilizaba
con un baño de nitrato de plata y se exponía la
placa en el interior de la cámara. El revelado
era muy tóxico por el uso de cianuro potásico
para fijarlo y por la existencia de ácido acético
en uno de los productos del revelador (si se
mezclan el cianuro y el ácido acético el
resultado es ácido nítrico.)
El colodión requería una gran agilidad en la
preparación de las placas, puesto que la
volatilidad del éter reducía a menos de 15
minutos todas las fases del proceso.
COLODIÓN HÚMEDO
http://www.lomography.es/magazine/226829-video-en-primera-persona-revelando-
con-colodion-humedo
Negativo original de vidrio al colodión del
Puente de Isabel II en Gerona, realizado en el
invierno de 1866-67 por el fotógrafo José
Martínez Sánchez

21. Negativo en cristal de 1872
Antesala del Castillo de Kenilworth,
Frederick Scott Archer, 1855
https://youtu.be/MiAhPIUno1o
Vídeo que explica el proceso del colodión húmedo:

22. El afán por buscar un soporte más
práctico que el cristal llevó en 1886 a
la utilización del celuloide (material
plástico de nitrato de celulosa y
alcanfor) como superficie fotográfica,
con unos excelentes resultados.
En 1888 el estadounidense George
Eastman fabricó la primera cámara
Kodak 100 vistas con rollo de papel,
que hacía fotogramas circulares de 5
cm de diámetro y costaba 25 dólares.
Una vez se acababa el papel, la
cámara se enviaba a la fábrica, donde
por 10 dólares se revelaban las fotos
y se devolvía la cámara cargada de
nuevo. Ésta fue la primera cámara de
serie de la historia y el lema de Kodak
era “Usted apriete el botón y nosotros
hacemos el resto”.
Primera cámara Kodak 100
vistas con rollo de papel.
George Eastman

24. Algunas de las primeras fotos hechas con la Kodak 100 vistas:
http://www.mdzol.com/nota/496922-125-anos-despues-diez-fotos-tomadas-con-la-primera-kodak/

25. En 1889 Eastman sustituyó el rollo de
papel por celuloide, lo que supuso el
invento del carrete fotográfico.
En 1895 Kodak sacó al mercado la Kodak
Pocket, la primera cámara con carrete
intercambiable a la luz del día para doce
fotos, por 5 dólares.
Ya en el S.XX el celuloide sería sustituido
por el acetato de celulosa.
Las dos únicas cajas de carrete fotográfico de 1889
sin abrir que existen en la actualidad
Kodak Pocket

27. En 1900 Kodak empezó a vender su modelo de bajo
precio Brownie, que contribuyó a la popularización de
la fotografía. Recibió su nombre de los conocidos
personajes duendecillos creados por Palmer Cox, que se
utilizaron en la publicidad de su lanzamiento.
Brownie nº2

28. Primera imagen que se conserva de Madrid,
tomada entre 1840 y 1850
Capitolio, Washington, D.C., 1845-46.
En los años 60 del siglo XIX la fotografía comenzó a hacerse popular, gracias a los
avances en la técnica y el abaratamiento de su producción. Los primeros géneros
fotográficos fueron los paisajes, los retratos, las naturalezas muertas y los
monumentos históricos.
POPULARIZACIÓN DE LA FOTOGRAFÍA

29. Catedral de Estrasburgo, 1851. Calotipo
Venecia, 1860

30. Porta della Ripetta, Roma, 1846 Pagoda en una isla, John Thomson. 1870

31. Edgar Allan Poe La mujer barbuda de
Ginebra, 1853
Chopin

32. Se introdujeron nuevos formatos
fotográficos, más fáciles de producir,
en especial la carte de visite, creada
por el francés Disderi, y la fotografía
de estudio.
Disdéri patentó una cámara fotográfica
dotada de varios objetivos (6, 8 y hasta
12 en algunos casos), en vez de la
cámara tradicional de un solo objetivo.
Esta modificación le permitió
impresionar, en la misma placa donde
antes sólo cabía una única imagen,
hasta 12 pequeñas fotografías de cerca
de 9 x 6 centímetros. Así patentó lo
que llamó Carte de visite portrait.
André Adolphe Eugène Disdéri

34. Disdéri fue también fotógrafo
oficial de Napoleón III

35. GASPAR FÉLIX TOURNACHON,
NADAR
Uno de los fotógrafos que más
popularidad alcanzaron en Francia
fue Gaspard-Félix Tournachon, más
conocido como Nadar. Fue un
artista polifacético: fotógrafo,
ilustrador, caricaturista, escritor y
también piloto de globos
aerostáticos.

37. Estudio en el Boulevard des Capucines
Dotado de una personalidad
arrolladora, con gran simpatía
natural y facilidad para las
relaciones, en 1853 abrió un
estudio fotográfico, en el
Boulevard des Capucines de
París, donde expusieron por
primera vez los pintores
impresionistas en 1874.

38. Nadar se especializó en retratos fotográficos de la vida burguesa y la bohemia
parisina (pintores, literatos, músicos…) a los que retrató sin descanso: Julio
Verne, Víctor Hugo, Charles Baudelaire, Emile Zola, Giuseppe Verdi, Rossini,
Sarah Bernhardt… Sus icónicos retratos han pasado a la historia. En las poses y
gestos de los retratados se inspiró en la pintura, intentando conseguir la
máxima calidad de imagen y la penetración psicológica del carácter del
personaje, fundamentalmente a través de la mirada.
Víctor Hugo

39. Baudelaire Julio Verne
Sara Bernard George Sand Cléo de Mérode
Camille CorotGustave Eiffel

40. https://youtu.be/ipBtrerk2ho
Delacroix Monet
Berhe Morisot
Millet Rodin
Huía de todo tipo de atrezzo, se centraba
únicamente en la figura. Para Nadar,
fotografiar era una forma de pintar con luz. La
luz modelaba la imagen. En su opinión, los
personajes a los que mejor retrataba eran
aquellos a los que conocía mejor. Rechazaba
los retoques fotográficos y el coloreado de
imágenes.

41. Nadar fue el primero en realizar fotos aéreas desde un globo aerostático.
La primera fotografía aérea fue tomada en 1858 por Paul
Nadar desde un globo cautivo a unos 80 metros de altura
sobre la población de Val de Bièvre, una localidad cercana a
Paris.

42. También fue el primer fotógrafo en hacer fotografías con luz artificial, consiguiendo
captar imágenes de las catacumbas de París.

43. En 1886 hizo la primera entrevista fotográfica al científico Chevreul.

44. Durante los años setenta y ochenta del siglo XIX destacaron los trabajos de
Eadweard Muybridge y Etiénne -Jules Marey, que intentaron captar la secuencia
del movimiento utilizando distintos métodos. Sus trabajos e investigaciones,
denominados cronofotografía, conducirían a la invención del cine.
Eadweard Muybridge Étienne Louis Marey

45. Eadweard Muybridge fue un fotógrafo
británico que emigró a EEUU, donde en
1872 un empresario le contrató para
demostrar que había un momento en
que los caballos de carreras tenían sus
cuatro patas en el aire. Inicialmente no
tuvo éxito, pero un año después retomó
su investigación y consiguió demostrar
que el empresario estaba en lo cierto. En
estudios realizados más tarde utilizó una
serie de cámaras de gran formato que
funcionaban con placas de vidrio
colocadas en línea. Éstas se activaban a
través de un hilo que el caballo iba
tocando a su paso. El invento se fue
perfeccionando con el paso del tiempo y
se le incorporó un dispositivo de
relojería. Para ver las imágenes se
necesitaba un aparato llamado
zoopraxiscopio, que fue uno de los
artefactos que dio lugar al cine.

48. Zoopraxiscopio

49. Étienne Jules Marey fue un
médico interesado en el estudio
del movimiento, que, inspirado
por el descubrimiento de
Muybridge sobre los
movimientos del caballo, acabó
inventando el rifle fotográfico en
1882 con cliché circular, que
permitía sacar 12 instantáneas
en 12 segundos.

50. https://sites.google.com/site/historiafoto2011/etienne--jules-marey-y-sus-
trabajos-despues-de-las-experiencias-de-muybridge

51. La fotografía en color fue uno de
los retos más importantes a los
que se enfrentaron los
investigadores desde el principio.
En 1869 los franceses Charles Cros
y Louis Ducos du Hauron enviaron
a la Sociedad Francesa de
Fotografía métodos similares
sobre la reproducción de los
colores en fotografía. Ducos
obtenía sucesivamente tres
negativos del mismo tema a
través de un filtro colocado entre
la placa y el objetivo. Un selector
apropiado interceptaba uno de los
colores primarios para cada
negativo. El positivo transparente
se obtenía con la utilización del
colorante correspondiente al color
que representaba cada negativo.
Louis Ducos du Hauron en 1877 (Saint-Caprais d'Agen)
La primera fotografía en color permanente, tomada por
James Clerk Maxwell en 1861.

52. La tricromía es el principio de todos los
métodos de fotografía en color, ya sean
sustractivos o aditivos. Después de los
procedimientos que necesitan tres
negativos, los sistemas de reticulados o
de mosaicos simplificaron mucho el
proceso, ya que obtenían la selección de
los colores primarios en una sola
superficie.

54. El invento definitivo para conseguir
fijar el color se debió a los hermanos
Lumière, que en 1903 patentaron el
Autochrome. Las placas autocromas
eran de vidrio a las que se le
agregaban granos de almidón, casi
siempre de fécula de patata, sobre
una película en blanco y negro. Los
granos se teñían de naranja, verde y
morado y tras el procesado de la
placa surgían los colores
complementarios.
https://www.youtube.com/watch?v=reiY814j2
yA
https://www.youtube.com/watch?v=czCnNEA
wy_Y

55. HENRY PEACH ROBINSON
Uno de los precursores y máximo
exponente de la corriente
pictorialista en fotografía, defendía
la fotografía como
arte. Influenciados por la pintura de
finales del siglo XIX, muchos de los
fotógrafos que se sumaron a esta
corriente, utilizaron la fotografía no
para mostrar una realidad, sino
enfocados en provocar
sentimientos en el espectador.
Como aficionado a la pintura, trabajaba
sus obras con bocetos preliminares a
mano para después dar forma a sus
composiciones fotográficas. El proceso
fotográfico lo conseguía mediante el uso
del colodión húmedo.

56. Compuesta en 1858 quiso representar, por medio de cinco negativos
distintos, el melodrama y exaltación sentimental en una imagen
claramente de influencia pictórica.
FADING AWAY (DESVANECIÉNDOSE)

57. THE LADY OF SHALOTT
MORNING MIST (1893)

58. SHE NEVER TOLD HER LOVE, 1857 EARLY SPRING, 1860

59. SLEEP (1867)

60. WHEN THE DAY'S WORK IS DONE DAWN AND SUNSET (1885)
https://theredlist.com/wiki-2-16-601-798-view-pioneers-profile-peach-
robinson-henry.html

61. OSCAR GUSTAV REJLANDER
Su obra fotográfica, realizada
en estudio con el empleo de
mucho atrezzo, se centró en
los temas de la alegoría,
el mito, la historia. Para la
obtención de la obra final
realizaba bocetos previos y
luego retocaba
los negativos (montando,
coloreando, etc.) con tal
maestría que no se nota el
retoque.
REJLANDER EL PINTOR PRESENTANDO A REJLANDER EL
VOLUNTARIO

62. LOS DOS CAMINOS DE LA VIDA, 1857
Realizada mediante la combinación de 32 negativos. Para realizarla empleó fondos pintados y realizó
fotografías de los personajes por separado, en parejas, en tríos, etc.
Presenta una composición geométrica dividida por la figura del Patriarca, cuyo objetivo es ofrecer un
mensaje moral: ubica personificaciones del mal (la lujuria, la gula y otros pecados cristianos) a la
izquierda de la composición y las del bien a la derecha, trabajadas de forma más luminosa y donde se
puede ver alegorías de la virtud, el trabajo, las buenas costumbres, etc. La obra presenta una fuerte
referencia compositiva a La Escuela de Atenas de Rafael.

64. JULIA MARGARET CAMERON
Fue una fotógrafa británica que se dedicó
al retrato fotográfico de corte artístico, así
como a la representación escenográfica
de alegorías que la enmarcan en la corriente
de la fotografía academicista.
Se cree que Oscar Gustav Rejlander y Lewis
Carroll la instruyeron en la fotografía.
Como fotógrafa su aspiración era ennoblecer
la fotografía y alzarla a la categoría de arte,
“combinando la realidad con la poesía y la
belleza ideal”. Creía que la fotografía era la
forma para resucitar el arte sacro.
Cameron repetía las copias una y otra vez,
hasta que se sentía satisfecha del resultado.
Jamás retocaba o ampliaba sus negativos. https://www.youtube.com/watch?v=w
Ob0ZJorooU

65. Una de sus preocupaciones era realizar obras
genuinas, captar la belleza ideal que emana del
rostro de sus modelos.
Los retratos de Cameron tienen un
aspecto flou (cierto desefoque intencionado)
muy peculiar, que se convirtió en su sello artístico.
Es este desenfoque lo que le da el carácter poético
a sus fotografías. De ahí que sea considerada uno
de los antecedentes del pictorialismo fotográfico
de finales del siglo XIX.
Sus fotografías tienen algo de religioso, de
pictorialismo cristiano, como las pinturas
de Rafael
JULIA JACKSON
I WAIT

66. MY FAVORITE PICTURE OF ALL MY
WORKS. MY NIECE JULIA, 1867
J.F.W. HERSCHEL,

67. DIVINO AMOR
ASÍ YACE EL REY, COMO UNA COLUMNA DESTRUIDA

68. EL ÁNGEL EN LA TUMBA
VENUS RIÑENDO A CUPIDO Y
ARRANCÁNDOLE LAS ALAS

69. Estilo internacional y tendencia esteticista
de las últimas décadas del siglo XIX e inicios
del XX que pretendía crear fotografías con
pretensiones artísticas. El nombre procede
del inglés “picture” (imagen, pero también
cuadro, una pintura o una fotografía).
El objetivo es crear una imagen artística
manipulando el proceso fotográfico. Surge
como reacción frente a la popularización de
la fotografía de aficionados, tras la
comercialización de la cámara Kodak, para
cuyo su uso no se requerían conocimientos
técnicos y que permitía que cualquiera
pudiera convertirse en un fotógrafo.
También se contrapone a la fotografía
academicista y sus seguidores renunciaron
a reproducir la realidad e imitar la pintura.
Rechazaron considerar la fotografía como un
mero registro de la realidad.
PICTORIALISMO
STRUGGLE, ROBERT DEMACHY, 1904.

70. Los pictorialistas buscaron
deliberadamente efectos
desenfocados en las imágenes
(efecto flou). Esas fotografías, con
frecuencia borrosas, y los temas
elegidos, como el sueño, la vida en
la gran ciudad, los paisajes, retratos,
escenas de ballet… señalan una
fuerte conexión con el
Romanticismo (Turner) y el
Impresionismo (Degas, Renoir…).
El proceso creativo se centraba en el
tratamiento del revelado, que
podían manipular a su antojo.
EL PESEBRE, GERTRUDE KÄSEBIER

71. PETER HENRY EMERSON
RECOGIENDO NENÚFARESCORTADOR DE JUNCOS
REMANDO DE VUELTA A CASA
Opinaba que la fotografía no deber
vestirse o maquillarse, ya que “nada
sobra en la naturaleza y el ser humano” y
que la búsqueda de la perfección técnica
es peligrosa porque puede convertir la
fotografía en un mal dibujo.

72. ESTUDIO EN ROJO
ROBERT DEMACHY
Fue muy conocido por las manipulaciones
de sus obras, proporcionándoles un
acabado similar a las pinturas.

73. EN BRETAÑA
CONTRASTES
VELOCIDAD

74. PAISAJE
TRAS EL ESCENARIO

75. CONSTANT PUYO
Uno de los más destacados
pictorialistas franceses
MUJER ARREGLÁNDOSE EL PELO
DESNUDO A CONTRALUZ

76. PLAZA DE LA CONCORDE, PARÍS
PERFIL CON VELO
REBAÑO DE OVEJAS

77. FREDERICK HENRY EVANS
Fotógrafo británico conocido
sobre todo por sus fotografías
de arquitectura
TUMBA EN LA CATEDRAL DE YORK
UN MAR DE ESCALONES

78. ALFRED STIEGLITZ
INVIERNO EN LA QUINTA AVENIDA
Durante sus cincuenta años de carrera
luchó por hacer de la fotografía una
forma de arte al nivel de la pintura y
la escultura. Para conseguir este
objetivo empezó explorando dentro
del campo de
la fotografía capacidades propias de
la pintura (composición, texturas)
para después recurrir a elementos
propiamente fotográficos
(profundidad de campo, efecto de
corte fotográfico). Pasó así
del pictorialismo a la
llamada fotografía directa (Straight
Photography).

79. EL FLATIRON BUILDING CHAPARRÓN DE PRIMAVERA

80. CANAL VENECIANO TERCERA CLASE