Teatro Barroco. Lope de Vega

1. Creación del teatro nacional
Lope de Vega
arodríguezbl

2. El teatro antes del s. XVII
Podemos encontrar tres
lugares o escenarios de
representación:
• Teatro de corral (teatro
popular)
• Teatro de corte o
representaciones palaciegas
(teatro cortesano)
• Celebraciones del Corpus
Christi (teatro religioso).

3. EL CORRAL DE COMEDIAS
Era un patio de vecindad habilitado para la representación al aire libre
y a pleno sol. La mayoría de pie (los que se situaban en el centro) y
otros sentados a varios niveles. Los corrales como lugar de
representación fechan de 1560 aproximadamente. La aparición de
los corrales implica el pago de una entrada, es decir, una taquilla
que servía para pagar a los actores, y esto permitió la
profesionalización de los actores que hasta entonces era un hecho
poco habitual en España. Cabe decir que las compañías italianas
que actuaban en España si recibían un pago por sus
representaciones, lo que hacía profesionales a los actores,
directores, montadores…
• Se implantó la práctica de que determinadas cofradías de
beneficencia prestaran sus locales (casas y corrales) u otros
alquilados a los representantes a cambio de recibir ayuda y
porcentajes económicos para el mantenimiento de los hospitales y
centros de beneficencia que de ellas dependían.

4. El corral de comedias

5. Los espectadores
Los espectadores se distribuían por el espacio destinado para ellos
según su condición social:
• Mosqueteros: de pie en el patio. Era la plebe (únicamente los
hombres) inconformista y vociferante que lanzaba objetos al
escenario (tablado) y hacían sonar matracas si la función no era de
su agrado.
• Cazuela: las mujeres, excepto las nobles, se sentaban frente al
escenario en una zona alta que correspondía al primer piso.
• Aposentos: personas de cierta alcurnia o rango social, sentado en
una especie de palcos sobre las paredes en los laterales (balcones).
• El apretador: hacia que las mujeres que formaban la cazuela se
estrecharan un poco las grandes faldas para dejar mas sitio en los
bancos corridos

6. EL ESPECTÁCULO
El espectáculo representado en los corrales y teatros estaba formado por un conjunto de elementos
muy diversos que incluyen el baile y la danza y que, a veces, termina en una mezcla de cómicos y
público bailando juntos la zarabanda.
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La representación comenzaba con un ruido estridente para atraer la atención de un público muy,
muy ruidoso. A continuación, música de guitarra, vihuela, trompetas, cantos... daban la bienvenida.
LOA O PRÓLOGO RECITADO venía a continuación y aspiraba a llamar la atención del público y
conseguir su silencio.
Primer ACTO o JORNADA de la comedia
En el entreacto, se representaba un ENTREMÉS; para muchos la parte más apetecida y esperada
que en ocasiones salvaba una mala obra. Se trata de una pieza corta, cómica, con personajes bajos
que viven situaciones cotidianas.
2º ACTO O JORNADA de la comedia
En este entreacto se representaba una JÁCARA, obrita versificada en romance, que relataba hechos
festivos de gente de los bajos fondos. Divertía y rompía la tensión provocada por el “nudo” de la
comedia. También podía venir aquí un BAILE, un entremés más corto en el que la parte musical
tenía más importancia que la hablada.
Tercer ACTO O JORNADA de la comedia.
Final a base de música o baile, habitualmente una MOJIGANGA o baile de máscaras.

7. Géneros menores del teatro:
• El entremés: son piezas de duración breve y de carácter cómico, que
acompañan en el Siglo de Oro a las comedias y a los autos sacramentales.
Pintura de la sociedad contemporánea, habla cotidiana y costumbres
familiares de los espectadores.
• Loa: especie de introducción al espectáculo, captación de benevolencia,
entretenimiento para dar lugar al silencio y al acomodo en el teatro de
corral.
• El baile: intermedio literario en el que además entran como elementos
principales la música, el canto y sobretodo el baile.
• La jácara: poema cantado –romance- que trata la vida y milagros de los
jaques (rufianes, hampones…)
• La mojiganga: mascarada grotesca que salta a las tablas desde la fiesta
callejera y son danzas descompuestas y movimientos ridículos, disfraces
de animales…
• La follía: relacionada con el ámbito carnavalesco, de carácter efímero y
marginal.

8. Innovaciones del teatro lopesco
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Lope rompe con las 3 unidades del teatro clásico (tiempo, acción, lugar):
– Lope recomienda que se mantenga la unidad clásica de tiempo (un día) pero en
sus obras la rompe (pasa a ser una acción en varios día). Así se acerca más a
la realidad del público.
– Divide la comedia en tres jornadas que corresponden a la estructura:
exposición, enredo y desenlace. Esta división parecía más natural (verosímil)
que los cinco actos del teatro clásico. El planteamiento debía ser breve, el nudo
era la parte más extensa sobretodo porque debía mantener el suspense hasta
el final por eso el desenlace debía ser rápido en el tercer acto de manera que el
público no se aburriera.
– Rompe la unidad clásica de espacio (la acción no pasa en un solo lugar sino
que se da en varios escenarios), este hecho también le hace acercarse a la
realidad del público.
– Recomienda seguir la unidad clásica de acción (una sola trama) pero también
la rompe (se cruzan varias tramas las cuales se conectan unas a otras a través
de los personajes protagonistas). Suelen tener dos acciones paralelas: la
protagonizada por los personajes elevados y la otra la que se desarrolla entre
criados y/o personas humildes. Aunque ambas acciones estén íntimamente
ligadas.
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Se mezcla lo trágico y lo cómico. Igual que lo cómico y lo grave se
mezclan en la vida real, así la acción dramática resulta más verosímil.

9. Innovaciones del teatro lopesco II
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Personajes tipo (los personajes son perfectamente reconocibles porque responden a una misma
figura: el rey, la princesa, el gracioso, los criados…). En la galería de personajes de Lope siempre
encontramos en el plano elevado: un viejo, un galán y una dama; y en el plano inferior, el gracioso y
la criada.
El personaje no representa al ser humano en sentido genérico, sino al hombre español del
siglo XVII. La invención de Lope consistía en concebir al hombre como un ser histórico,
arraigado en un suelo y en un tiempo, en unas circunstancias y en unas creencias.
Variedad de estilo. El rey debe hablar como un rey, el lacayo como un lacayo… adecuaba el
comportamiento y el lenguaje con el estatus social del personaje (decoro poético).
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En el diálogo abundan las partes narrativas ( en las que se informa al espectador de hechos ocurridos fuera
de escena)
los monólogos (que sirven al análisis de la situación por uno de los personajes)
los apartes (muy característicos del teatro del Siglo de Oro) que expresan con breves comentarios la
reacción de un personaje ante unos hechos o ideas concretas.
Cada tema tiene una estrofa (polimetría): recomienda las décimas para las quejas, el soneto para
los que aguardan (los soliloquios), las cosas graves deben expresarse en tercetos, la redondilla para
dar fluidez al diálogo amoroso, las extensas relaciones (los relatos) deben expresarse en romance…
Los elementos líricos se intercalan en la acción: cancioncillas de tipo tradicional (el argumento de
El Caballero de Olmedo gira en torno a una canción popular), danzas… Algunas veces eran
canciones populares otras las inventaba él. Estas canciones constituían un paréntesis en la trama.
Dar gusto al público, imitar las acciones de los hombres, pintar las costumbres.

10. Temas
Honor, Fe y rey
Suelen aparecer en las obras de Lope tres sentimientos básicos e inmutables: el honor como
don de Dios y patrimonio esencial unido a la “opinión” por lo que su ofensa requiere reparación
inmediata o venganza; fidelidad dogmática al rey y la fe, siempre inquebrantable y dentro de la
ortodoxia contrarreformista.
El honor y la limpieza de sangre. El labrador digno y con honra cobra gracias a Lope
condición de protagonista serio pues en la tradición este personaje era tratado con sorna y
burla. Con Lope se describen los nobles sentimientos y honrados de un campesino.
• En lo social se respetan las jerarquías y privilegios propios de la sociedad estamental.
La nobleza como institución: es el portador de las máximas virtudes.
• El honor es la síntesis de la dignidad humana.
El rey: símbolo de justicia ante él todos somos iguales. El rey es la encarnación de la patria y
propaganda de la grandeza de ésta.
La Religión. Su enfoque en el teatro responde a una religiosidad sumamente tradicional y
estrechamente unida a los ideales políticos. En sus obras se muestra la fe inquebrantable del
poeta. Por eso la pasión humana es inseparable de la idea de pecado. Pero el pecador puede
redimirse de sus pecados si tiene confianza en Dios y voluntad de obrar bien.

11. Algunos títulos de Lope de Vega
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La siega
El robo de la Diana; La buena guarda
Contra valor no hay desdicha
La imperial de Otón; El gran duque de Moscovia
El vellocinio de oro; Adonis y Venus
Los celos de Rodamonte; El marqués de Mantua
El verdadero amante; Belardo el furiosos
El castigo sin venganza
La dama boba; El acero de Madrid; Santiago el verde; El
perro del hortelano
• El caballero de Olmedo; El mejor alcalde; Fuenteovejuna; El
comendador de Ocaña; Peribáñez