Alphonse Osbert fue un pintor simbolista francés activo entre 1880 y 1930. Inicialmente pintó en un estilo naturalista, pero luego se volvió hacia el simbolismo bajo la influencia de Puvis de Chavannes y otros. Sus obras representan figuras etéreas en paisajes nocturnos iluminados por la luna, caracterizadas por el uso abundante del color azul. Tuvo éxito y recibió varios encargos públicos para decorar edificios.

1. por Josep

2. Alphonse Osbert (23 Marzo 1857 a 1811 en agosto de 1939) fue un pintor simbolista
francés. Formado en la Escuela de Bellas Artes, su primera pasión fue para los grandes
maestros españoles, en particular José de Ribera.
El abandono del estilo académico se llevó a cabo a finales de 1880 bajo la influencia de
varios conocidos relacionados con el postimpresionismo y simbolismo.
Inicialmente, Osbert abandonó la pintura naturalista a favor de una técnica puntillista
como la utilizada por Seurat y Signac.

3. Más adelante inspirado por Pierre Puvis y otros simbolistas como Odilion
Rodon, optó por renunciar a la representación del objeto del mundo real, y
desarrolló un lenguaje visual poético de su propia creación.
Su estilo se compone básicamente de la representación de Musas – personajes
siempre atemporales- fantasmales en misteriosos paisajes bañados una luz
sobrenatural que emana del sol o de la luna, se caracterizó por el abundante uso
del color azul.

4. En la década de 1890 se asoció con Joséphin Péladan y su orden de
los Rosacruces, participando activamente en los Salones Rose+Croix
que se celebraron en París.

5. Su éxito y la gran aceptación de su obra por parte del público, le dieron
la posibilidad de recibir el encargo de hacer diversos frescos y murales
para decorar Ayuntamientos, Teatros, Operas, como por ejemplo: la
Cúpula del Centro Spa en Vichy (1903 y 1904), y la iglesia de Saint-Louis
en Vichy (1915).

6. FIGURAS SOLITARIAS

13. En ocasiones disponemos de varias versiones, si difieren
sustancialmente, las pondremos .

28. En El adiós al sol ,Osbert todavía respeta totalmente los cánones academicistas :
uniformidad de tintes, eliminación del vello y de todo detalle particular o poco agraciado ,
elegancia del contrapposto, supremacía de la linea del contorno sobre la veracidad
anatómica . La composición recuerda más claramente las ninfas blancas y silenciosas
situadas armónicamente en la naturaleza, en la intersección de los cuatro elementos
( agua, aire, tierra y luego del sol ) También elimina el carácter sensual del cuerpo en
provecho de una figura luminosa a la que la vegetación sirve de fondo.
Por último , el colorido claro y azulado remite a las decoraciones tardías de Puvis de
Chavanne, cuya técnica buscaba el efecto visual de la pintura al fresco ; el formato vertical
alargado que elige Osbert revela su aspiración a llegar a ser, a su vez, un pintor de grandes
decoraciones murales.
Sin embargo,El adiós al sol , Osbert da un paso decisivo hacía la singularidad al
revolucionar su paleta : animado en esto por los antiguos maestros del taller, Séon y
Seurat, junto con los cuales expone en el Salón de los Independientes , aplica las teorías
de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores y prueba con la división
puntillista de los colores con un fin decorativo . El paisaje transfigurado en matices azules
y violáceos se opone al centelleo de degradados naranjas del sol poniente , alterando y
resaltando a la vez la blancura del desnudo . Siguiendo los postulados simbolistas , la
radicalidad de los colores , la simplificación de las formas y el gesto esencial permiten
tocar de manera más directa la emociones y la sensibilidad mística de los espectadores.

40. Esta tabla representa una visión de
Santa Genoveva , la patrona de París.
Este trabajo no es tradicional. Esta no es
la historia que nos explican otros
pintores, ya que aparentemente, no
está tratando de salvar París de la
invasión de los hunos en el siglo
quinto. Esta no es una pintura religiosa
tradicional, algunos elementos tópicos
están ausentes aquí.
En resumen, y este es el punto fuerte de
este trabajo, esta pintura es un estado
de la mente fascinante que nos
absorbe. Y en realidad, la imagen podría
ser cualquiera, su fascinación sería la
misma. La elección de la luz y el color, la
ligera atmósfera, elevan la obra al
estadio de obra remarcable.

52. PAREJAS

90. GRUPOS

102. Anochecer en la antigua Grecia
Cuatro jóvenes se dejan llevar en la contemplación de una puesta de sol, casi sin
una palabra, extasiadas por la extraña luz de una puesta de sol de oro sobre un
agua en calma.
Es una especie de tregua, el tiempo parece que se ha detenido en un instante
eterno. Entrelazadas en pares, a las mujeres apenas les discernimos el rostro, y
se ven, como abandonadas, mientras un cielo claro se refleja en las aguas
arrugadas por una ligera brisa.
La belleza de la pintura, que se encuentra en el Museo del Petit Palais de París
es indudablemente heredera de un romanticismo exacerbado,

103. debido al brillo de los colores del cielo, el mar y de las túnicas,
cuyos pliegues semejan continuar las ondas del agua, sobre todo
para la que está apoyada en las rodillas de la mujer sentada.
Y ese vestido azul pálido, casi blanco, es una extensión visual del
último temblor de las olas, como si fuera a derretirse en el agua
en cuanto se quede dormida. De momento, se encuentra
despierta junto a la otra, quizás como si fueran a intercambiar
algunas frases innecesarias, pero que no quiere disfrutar de una
somnolencia que la haría culpable de la pérdida de ese instante
mágico.

104. Las otras dos mujeres, miran indolentes, hacia el disco de
oro que desaparece por el horizonte, vestidas con ropas
antiguas, cuyo color es más oscuro mientras desaparecen
los últimos rayos del astro rey.
También establecen contacto corporal, en una comunión
que hace innecesarias las palabras, incluso el menor
susurro.
Aunque el tema puede parecer anticuado y poco realista,
es característico del simbolismo.
Una pintura de hermosa belleza, algo artificial, sin duda,
pero fascinante, que crea un ambiente limpio, misterioso,
lleno de una intensa y calmada emoción, intemporal y
eterna, como congelada en su belleza formal ".

108. Con canciones de la noche , que pintó en 1896, Alfonso Osbert cumple con
uno de los muchos paisajes en que se ha especializado. En una sobria
naturaleza nocturna iluminada por la luz difusa de la luna y de un azul
brumoso, personajes con los contornos vagos y fantasmales. En este trabajo,
sin duda, el artista simbolista ya expresó su deseo de independencia y su
negativa a seguir el curso de la evolución del arte de sus contemporáneos a
favor de la lealtad inquebrantable a su visión metafísica de la expresión
artística. Se dice que el arte prefigurativo monocromático de muchos
pintores modernos: el azul se unió a la celebridad "Klein Blue”. Planitud,
geometría práctica y líneas esenciales - horizontal y vertical - el tratamiento
simplificado de la figura humana, parte de una visión ideal y espiritualizada
de la naturaleza. Alphonse Osbert se afirma aquí como una fuerte
personalidad artística y original en una época dominada por el materialismo.

118. FRESCOS EN ARQUITECTURAS

137. DIBUJOS BLANCO Y NEGRO
BOCETOS

146. PAISAJES

177. PAISAJES URBANOS

198. RETRATOS

216. LA PALETA UTILIZADA POR
NUESTRO AUTOR

217. RETRATOS DE ALPHONS OSBERT DE SUS AMIGOS

219. Retrato de Osbert de su amigo H.G.Ibels

220. Retrato de Osbert de su amigo Jules Emmanuel Valadon

221. Esta presentación acompaña a la entrada del mismo nombre
del blog:
http://terradesomnis.blogspot.com.es/