Este documento presenta información sobre los pintores impresionistas Edouard Manet, Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir. Resume que Manet es considerado el iniciador del movimiento impresionista aunque no fue técnicamente un impresionista, y que sus obras como Almuerzo sobre la hierba causaron controversia por retratar desnudos realistas en lugar de alegóricos. Describe que Monet se enfocó en capturar efectos de luz y atmósfera en series como la Catedral de Rouen, y que Renoir ofrec

1. Edouard Manet. 1832-1883
No es, en sentido estricto, un impresionista, aunque se le considera el iniciador de todo
el movimiento y el pintor que sienta la base de las vanguardias, al interpretar en clave
moderna algunos temas de la pintura clásica (Almuerzo en la hierba, Olimpia, Pífano,
fusilamiento de Maximiliano,...), en los que desprecia el sentido académico del dibujo,
de la luz y del espacio.
Los impresionistas consideran a Manet como su guía, pues ven en su pintura algunas de las
características que ellos intentan llevar a sus últimas consecuencias: la importancia de la
luz, de la sensación, la variación arbitraria de la perspectiva, su pincelada rápida y limpia
que descompone en pequeños toques de color y los motivos cotidianos que el realismo
elevó a la categoría de obra de arte.
Así la sensación de volumen no se crea a partir del claroscuro y las figuras no se sitúan
en un espacio ambiental sino que se funden en él.
Además, a estas innovaciones Manet unió una forma directa y concreta de entender el
desnudo que convirtió sus obras en sinónimos de vulgaridad y hasta pornografía.La
crítica y público estaban acostumbrados a una pintura académica plagada de desnudos
femeninos, muchos de los cuales utilizan abiertamente el erotismo como modo de captar
la atención del espectador. Ahora bien, los desnudos se justificaban por tratarse de
escenas alegóricas o mitológicas. La novedad aportada por Manet consiste en desnudar
a una joven cualquiera, una muchacha parisina de su momento. Para Manet, y ahí
estriba su gran aportación, el tema carece realmente de importancia. Su pintura es
pintura pura, ni siquiera tiene el elemento ideológico de Courbet.
Sus obras muestran su admiración por Velázquez, Goya, Rafael y Tiziano, al igual que
por el arte japonés.
Música en las Tullerias Olimpia
Cuando exponga su Olimpia, maravilloso cuadro que sigue la tradición de Giorgione,
Tiziano, Velázquez y Goya, el público no sabrá apreciar su fabulosa firmeza de dibujo,
la delicadeza del modelado ni el colorido espectacular. La mirada directa de una
prostituta era mucho más de lo que la sociedad del momento estaba dispuesta a tolerar.

2. Almuerzo sobre la hierba.1863.Óleo sobre lienzo 2,08x2,64 m. Museo de Orsay.
París
El Salón oficial de 1863 rechazó exponer Almuerzo campestre. Como aquel año fueron
miles las obras no aceptadas, el emperador Napoleón III optó por celebrar una
contraexposición con los lienzos que no habían sido admitidos en el que fue llamado
“Salón de los Rechazados”, donde pudo apreciarse esta pintura.
La pintura representa una escena campestre. En primer plano, tres personajes se
encuentran sentados en la hierba: una mujer desnuda y dos hombre vestidos a la moda
de la época. La mujer, cuyo cuerpo está fuertemente iluminado, dirige su mirada fuera
del cuadro y observa sin reservas al espectador. Los dos hombres parecen hablar entre
ellos ignorando la desnudez de la dama. Delante del grupo, a la izquierda, encontramos
la vestimenta de la mujer, una cesta de frutas y una pieza de pan, dispuestos como una
naturaleza muerta.
En segundo plano podemos observar otra mujer, con un vestido ligero, tomando un
baño y una barca de remos. Este personaje es demasiado grande en comparación con los
del primer plano y produce la sensación de estar flotando. El fondo es vaporoso y carece
de profundidad, de modo que hace pensar en una escena interior. Esta impresión se ve
acentuada por la escasez de sombras. La luz se proyecta a través de las hojas de los
árboles sobre la cesta de alimentos y los tres personajes del primer plano y en el claro
del fondo, sobre el otro personaje femenino, donde se ubica también el punto de fuga.
El color está subordinado por los efectos luminosos.
Manet declaró que el verdadero tema del cuadro era la luz: ese detalle y la pincelada
rápida, empastada, que capta la realidad y fugacidad de la escena, constituirán los
rasgos que identifiquen luego al impresionismo.
Muchos críticos de arte consideraron esta tela como una ofensa; según comenta un
crítico de la época: “Una mujer ordinaria, licenciosa y completamente desnuda descansa
sin ningún tipo de vergüenza entre dos dandis vestidos de arriba abajo”. El motivo de
escándalo no fue tanto la desnudez de la mujer, sino la ausencia de carácter mitológico

3. que lo justificase, por tanto la presentación de un desnudo femenino, realista y no
idealizado, en una escena de explícito contenido sexual, pero también a la trasgresión de
las prácticas prescritas por las normas académicas:
Color: Está aplicado con grandes manchas de colores planos, yuxtapuestas las zonas
claras (desnudo, camisa blanca, pantalones grises) con las oscuras (zapatos, gorro,
chaquetas) de forma violenta, sin gradaciones. Es el color quién sugiere los
volúmenes. Bellos azules, amarillos y rojos en la naturaleza muerta del primer plano,
con manifiesta influencia de Tiziano. Gran variedad de verdes en el paisaje.
Dibujo: No tiene apenas importancia. Los cuerpos presentan formas recortadas, como
figuras de una baraja, es decir, falta de integración en el paisaje de las figuras (que
aprecen como sobrepuestas en el follaje, influencia quizás del arte japonés). Los fondos
del follaje y los reflejos en el agua están sólo esbozados, insinuados con pinceladas
flojas.
Luz: los cuerpos parecen faltos de volumen porque ya no están modelados
tridimensionalmente, ha desaparecido el claroscuro tradicional. Hay contrastes fuertes
de luces y sombras, en las que ha desaparecido el negro sustituido por diversos matices
de verde. El pintor ha invertido el foco lumínico, ya que la claridad procede del fondo, y
existen diversos puntos de fuga transparentes (la hierba, el agua).
Composición: La composición del cuadro es, de hecho clásica, de estructura piramidal.
Manet rompe con la perspectiva tradicional al suprimir el fundido de los planos,
También, anula el efecto de profundidad espacial mediante la elección de una línea de
horizonte alto y la inversión del foco lumínico (la claridad procede del fondo y penetra
en el bosque como a través de un tubo). Sólo en la naturaleza muerta, el pintor se atiene
a la perspectiva tradicional, ya que hay profundidad, ligero modelado, quizá para
demostrar que es buen pintor y cuando quiere sigue las normas académicas. ,
Los modelos retratados en primer plano son Eugéne, hermano del artista, el escultor
holandés Ferdinand Leenhoff (su futuro cuñado) y la citada Victoria Meurent (su
modelo favorita). Se desconoce la identidad de la mujer del arroyo.
Manet solía realizar sus obras inspirándose en las de otros pintores. La pintura puede ser
interpretada como una versión moderna de Concierto campestre, obra renacentista
atribuida Tiziano o a Giorgione, según la fuente. En tanto que la composición, parece
derivar de un grabado de Marcantonio Raimondi, El Juicio de París, del siglo XVI,
basado a su vez en un dibujo de Rafael. Siguiendo esta interpretación, se puede inferir
que Manet propone una recuperación al mismo tiempo que una trasgresión de la
tradición pictórica.
Concierto campestre de Giorgione
Juicio de París de
Marcantonio Raimondi sobre una

4. pintura de Rafael
Claude Monet (1840-1926)
Es el paisajista del grupo y el único de los maestros que mantuvo fidelidad absoluta al
movimiento impresionista.
Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromática-lumínica en sus lienzos.
La luz engendra el color y la forma.
Su pasión por la atmósfera le condujo a diferentes ambientes europeos: Londres, el Midi
francés, la Provenza; y los fiordos noruegos. Una consecuencia de esta ambición
estética fue el serialismo: varias reproducciones de un mismo tema para comprobar los
efectos cambiantes de la luz y del color en horas y estaciones diferentes.
Sus series más conocidas son las referidas a la Fachada de la catedral de Ruán, y las 12
pinturas de nenúfares sobre el agua, tituladas genéricamente Ninfeas, donde las formas
están disueltas en charcos de color.
Cuando se intenta definir genéricamente el impresionismo, siempre se hace hincapié en
el protagonismo de la sensación coloreada, en detrimento del motivo representado en
el cuadro. También en la técnica de pequeñas pinceladas fragmentadas que los
impresionistas inventaron para captar esa sensación. El mejor ejemplo de ambas cosas
estaría en la famosa serie de cuadros de Monet que representan la fachada de la catedral
de Rouen a la luz de distintas horas del día.
Catedral de Rouen: El color es el protagonista indiscutible. La línea se ha disuelto a
favor de la mancha, de las pinceladas cortas y enérgicas que yuxtaponen los colores.
Al aire libre, bajo la luz solar, pudo minuciosamente observar y plasmar casi
inmediatamente, a “brochazos”, a plena mancha, Monet los efectos de la luz sobre los
objetos, los cambios, las vibraciones de esa luz; es por tal razón que la pintura de Monet
nos resulta especialmente vital, aunque su vitalidad sea una serena vitalidad, llena de
armonías.
Su pintura se caracteriza también por utilizar una paleta colorista y por la aplicación
ocasional de pintura sin mezclar directamente sobre un lienzo preparado con una capa
de blanco puro. Esta superficie aumentaba la luminosidad de cada color.

5. Impresión. Sol naciente. 1872. Óleo sobre lienzo, 48x63 cm. Museo Marmottan,
París
Tres botes de remos navegan por el puerto de Le Havre acercándose al espectador,
navegan por unas aguas
calmadas en las que se refleja la
luz del sol, mientras al fondo,
entre la espesura de la niebla
matinal donde se insinúan los
barcos mercantes con sus
mástiles y las chimeneas de las
fábricas que expulsan humos,
sale el sol. La espesa niebla
matinal dificulta la visión del
círculo de color rojo intenso, el
sol.
Como comentó su autor, este
lienzo no quería ser una
representación topográfica del
puerto de Le Havre, sino más
bien la impresión causada por su visión a la salida del sol; no quiso captar una escena,
sino una atmósfera. Parece que Monet propuso el título de Impresión, pero el redactor
del catálogo optó por añadirle Salida del sol para facilitar su comprensión.
El nombre de impresionismo proviene de este cuadro de Monet que, con Renoir,
Pisarro, Cézanne y Sisley, organizó una exposición, en 1874, en el antiguo estudio del
fotógrafo Nadar.
El comentario que se hizo más célebre fue el de Louis Leroy, que consideró este cuadro
de Monet paradigma de la tendencia general del grupo y tituló irónicamente su crítica
“Exposición de los impresionistas”. Los pintores aludidos se tomaron el nombre como
un cumplido, hasta el punto de adoptarlo oficialmente.
Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, apreciándose la
dirección del pincel a simple vista. Las pinceladas sueltas y vigorosas persiguen un
objetivo: conseguir sutiles efectos de luz. En este sentido son paradigmáticas las
manchas de color naranja que representan los reflejos del sol en el agua y que van
separándose a medida que se acercan al espectador. Sol naranja, cálido rodeado de
azules fríos.
La técnica utilizada es fruto de la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al
aire libre para captar una impresión fugaz de la naturaleza. Por ello, las figuras están
esbozadas de forma muy esquemática.
En esta obra el artista pretendía reflejar lo cambiante de un mundo inestable, resultado
de estar inmerso en una atmósfera en continuo movimiento; con este fin representó la
bola de fuego del sol en el momento de elevarse en el horizonte y enviar sus rayos a
través de las nubes para que se reflejaran en las tranquilas aguas del puerto.
El disco rojo del sol y el arabesco de su reflejo en el agua centran toda la atención en
medio de la delicada sinfonía de azules y rosas que nos transmiten casi el rumor de la
ondulación de las aguas. Monet lo pintó desde la ventana de la casa familiar en El
Havre.
La perspectiva sugerida, los contornos borrosos y los volúmenes evanescentes rozan la
abstracción.

6. Pese a que fue este cuadro el que dio nombre de “impresionistas” a un conjunto de
artistas, no es uno de los mejores ejemplos de la manera de pintar de éstos; son muchos
más “impresionistas” obras como las que realizó Monet en Argenteuil, inspiradas en el
río Sena.
Pierre Auguste Renoir (1841-1920)
Ofrece una interpretación más sensual del Impresionismo. Se pone en relación con los
pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del Rococó.
En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son
trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable.
Contemplar sus cuadros supone una auténtica inyección de optimismo para el
espectador.
Sus temas, siempre ligados a la juventud (escenas dulces de niños y mujeres) y la
diversión, aparecen envueltos en una atmósfera de radiante plenitud. La luz parece
brotar del propio lienzo e inundar el espacio exterior con una fuerza irresistible. Prefiere
como motivo al ser humano, sobre todo la mujer, que para él expresa la belleza, sus
desnudos femeninos recuerdan a Rubens por las formas gruesas.
Es el retratista con mayúsculas, Renoir fue un impresionista que se distingue de Monet,
Pissarro y Sisley por dedicar un mayor esfuerzo al estudio de la figura humana, y por no
cultivar el paisaje de manera destacada y casi exclusiva. En esto coincide con Edgar
Degas, también interesado primordialmente por las figuras humanas (femeninas, sobre
todo, como Renoir) y también por las escenas de interior. Su interés por la figura
humana constituye su mayor contribución personal al Impresionismo.
Renoir mantuvo siempre un gusto por el dibujo que le diferencia del resto de sus
compañeros impresionistas. Pese a ello, durante diez años, entre 1874 y 1883, fue, junto
a Monet, el verdadero líder del Impresionismo. Sus obras siguen los principios del
movimiento con una fidelidad total: pintura al aire libre, pincelada suelta, colores puros,
eliminación del negro, sombras coloreadas, disolución del dibujo, captación de la luz
sobre los objetos, acabar con la perspectiva, la composición y el claroscuro, y en
conseguir obras que transmitan visualmente lo inmediato y la frescura. Nadie como él
supo armonizar los colores complementarios ni hacer vibrar los rayos del sol en los
cuerpos. Cuadros como El columpio o El baile del Moulin de la Galette son claros
exponentes del período.
El almuerzo de los remeros El columpio
En 1883 Renoir entró en un período de crisis. Admirador de los clásicos, sobre todo de
Rafael, comenzó a dudar de la viabilidad de la pintura impresionista e inició una etapa
basada en la recuperación del dibujo, el volumen, la composición y al uso de una
pincelada más académica, dando, en cierto sentido, la espalda al Impresionismo y
recuperando la tradición. Los colores se hacen más fríos y ácidos. Es una etapa
olvidada, en ocasiones, pero en la que pintó cuadros maravillosos como sus desnudos

7. femeninos, caracterizados por una fuerte sensualidad, Las bañistas (1888), Los
paraguas (1885)
En Las grandes bañistas, se muestra muy claramente esta evolución que aparecía
incipiente en el Almuerzo de los remeros. Las figuras humanas, desnudas, tienen
perfectamente definidos los contornos, que están claramente separados del entorno que
les rodea (al contrario de lo que ocurría en el Baile del Moulin de la Galette, donde la
suelta pincelada fundía colores de los personajes con su entorno). Usa una suave
modulación tonal para dar volumen a las formas. El colorido muestra un contraste entre
los tonos fríos del paisaje y los cálidos en los cuerpos de las bañistas.
Hacia el final de su vida llega a un equilibrio sintético entre los efectos luminosos del
impresionismo en los desnudos femeninos y el volumen, basado en un dibujo seguro.
El baile del Moulin de la galette. 1876 Museo de Orsay, París. Óleo sobre
lienzo, 131x17 cm.

8. El Moulin de la Galette era un lugar de ocio y recreo para estudiantes, obreros y artistas
en la misma cima del enclave rural de Montmartre, por aquel entonces en los aledaños
de París. En esta obra Renoir refleja lo que será una constante en su obra: la alegría de
vivir expresada de manera sencilla, en este caso en un baile de la tarde del domingo.
Los temas centrales de los cuadros de Renoir son el juego entre la luz del sol y la
reproducción de los reflejos que ésta produce, pero especialmente la figura humana
iluminada por la luz natural. En la terraza del Moulin de la Galette, la luz se filtra a
través del tejado de hojas que forman las ramas de los árboles y baila en forma de
innumerables pequeñas manchas en el suelo y sobre las figuras. Tanto el suelo como los
personajes dan la sensación de vibrar en un juego de luces que se compone de manchas
claras y oscuras. Las manchas intensas de colores primarios prestan a la composición
una apariencia vibratoria, un temblor pocas veces conseguido. Podemos oír claramente
las conversaciones de los distintos grupos, bajo multitud de manchas de luz, lleno todo
por el ritmo alegre de un vals que agita faldas y reúne cuerpos. Renoir retrata, en la serie
de personajes alrededor de la mesa y en la pareja que está bailando aislada a su
izquierda, un conjunto de pintores y modelos que habían trabajado para él, y de esta
manera convierte el cuadro en un documento "histórico" de la vida contemporánea de
París. Así, la pareja que danza en primer plano, está compuesta por el pintor español
Pedro Vidal de Solares y Cárdenas y la modelo Margot.
Renoir confió completamente en el efecto descriptivo del color, con suaves pinceladas
cortas y sutiles gradaciones cromáticas creó contornos delicados y borrosos, de forma
que los elementos parecen fundirse entre ellos hasta casi desvanecerse (consigue crear
el efecto del aire que hay entre ellos). A causa de estos velos cromáticos ya no pueden
distinguirse los detalles. Sin embargo, gracias al procedimiento visual “sintético”, los
cuadros de Renoir continuaron siendo comprensibles: el espectador compara las
borrosas imágenes del cuadro, que sólo indican y describen levemente los objetos, con
las imágenes “típicas” almacenadas en el subconsciente y las completa. Renoir, al igual

9. que su amigo Monet, aborda a conciencia el procedimiento de recepción sintético, para
que sus cuadros sean algo todavía más vivo gracias a la participación del espectador.
Con ello hizo referencia a la técnica del difuminado de Leonardo y al mismo tiempo
sentó una de las bases para la pintura abstracta del siglo XX.
La pincelada se desenvuelve con gran libertad de acción, sin respetar los contornos del
dibujo previo, de modo que los personajes adquieren una reverberación acorde con el
ambiente luminoso que los envuelve. Los puntos de luz solar que se han filtrado por
entre las hojas ponen acentos de extraordinario verismo en las figuras, vibrantes de
color.
Sus pinceladas dinámicas plasman perfectamente los efectos de la luz, tanto natural
como artificial, y las formas se diluyen, por lo que fue criticado en su época. Con esta
difuminación de las figuras consigue crear el efecto del aire que hay entre ellas.
La composición se organiza mediante una diagonal que separa los dos círculos en los
que se organiza la multitud: uno formado por los personajes en primer plano en animada
conversación y otro por el resto, que se agrupan en torno a la pareja de bailarines. Cada
uno de estos grupos tiene una perspectiva diferente: los bailarines se ven frontalmente, y
las figuras en primer plano se ven desde arriba.
No hay horizonte, todo esta lleno de figuras bailando o bien en reposo, sentadas o de
pie. La acumulación de personajes sometidos a los juegos que produce la luz entre la
arboleda, el vibrante diálogo entre el amarillo de los sombreros de paja y el azul de los
vestidos, el forzado encuadre que no deja espacio para el cielo, todo ello contribuye a
transmitir la atmósfera cargada y alegre de una tarde de fiesta.
El impresionismo en España. Sorolla
Representante del Impresionismo español, del que hizo una interpretación muy personal
basada en el protagonismo de la luz y el movimiento de las figuras representadas.
Durante algún tiempo cultivó los temas de historia, pero un viaje a París le inclinó hacia
la mayor sensibilidad social por los temas del presente. La luz de Valencia termina de
incorporarle a los módulos impresionistas; no obstante su parentesco con la escuela
francesa es discutible. Sorolla mantiene en muchos de sus cuadros un dibujo poderoso y
afronta problemas de composición y movimiento de los que poco se cuidaron los
maestros galos.
Ya que Sorolla buscó transmitir los efectos de la luz del sol en sus obras y lo consiguió
con la asombrosa facilidad que se puede admirar, por ejemplo, en Niños en la playa, se
ha considerado impresionista o posimpresionista. No obstante, él se negó a ser
denominado así. Aunque pintó el instante que llegaba a sus ojos, y en sus apuntes
parece aproximarse al impresionismo, sin embargo, mantuvo un realismo que resultó ser
de un estilo muy personal.
El estudio de Velázquez y Goya influye sin duda en su diseño de los temas. De su obra
destacan sus escenas valencianas de playa y pesca, en las que con una técnica suelta de
mancha gruesa capta la vibración lumínica del cielo mediterráneo y sus brillos en las
velas, en las arenas y sobre todo en los cuerpos mojados de los niños que juegan en la
orilla.
En la obra de Sorolla llama poderosamente la atención el brillante tratamiento de la luz
y, en concreto, de la luz solar en todas sus gamas, además de la maestría del artista para
conseguir que esa luz ilumine al espectador.

10. Niños en la playa 1910, óleo sobre lienzo.118 x 185 cm. Museo del Prado
Niños en la playa es una de las obras cumbres del pintor. Tres niños aparecen tumbados
en la playa, muy cerca de la orilla, en el lugar donde el agua de las olas se mezcla con la
arena. Los niños desnudos, como se bañaban en los primeros años de siglo los

11. muchachos del pueblo, demuestran el perfecto dominio del pintor sobre la anatomía
infantil. Pero el tema no deja de ser una excusa para realizar un estudio de luz, una luz
intensa que resbala por los cuerpos desnudos de los pequeños.
Las sombras para Sorolla no son de color negro tal y como dictaba la tradición, sino que
tienen un color especial según consideraba el Impresionismo. Por eso aquí emplea el
malva, el blanco y el marrón para conseguir los tonos de las sombras. Observa
igualmente, los maravillosos reflejos del agua sobre la piel infantil expuesta al sol.
Una de las preocupaciones del pintor eran las expresiones de los rostros, que ha sabido
captar perfectamente en el niño que nos mira aunque su cara no esté claramente
definida. Observando este cuadro, el espectador puede respirar la atmósfera del
Mediterráneo, que Sorolla tan bien conocía. Sorolla acudía a menudo con su caballete a
las playas de su Valencia natal (El Saler, Malvarrosa) para captar la esencia de la luz y
la atmósfera mediterránea. En este caso los cuerpos desnudos de los niños son la excusa
para tratar la luz y las sombras, los reflejos y el aire.
Esta obra, que rezuma optimismo y sensualidad, capta a la perfección el instante; ésta
fue, precisamente una de sus principales características: la rapidez de ejecución de su
pincel. Sorolla, buen conocedor de los impresionistas, sabía de la necesidad de plasmar
rápidamente esa luz en el lienzo, tan fugaz como un instante.
La pincelada suelta para destacar el brillo intenso de la luz en los cuerpos desnudos de
los niños es el valor dominante en esta tela.
Con pinceladas amplias cargadas de colores brillantes, libertad y energía incomparable
y una espontaneidad imposible de imitar, Sorolla parece trasladar al lienzo los efectos
del sol chocando contra la piel mojada de los niños. Capta, con pinceladas rápidas los
sutiles colores del oleaje. También con asombrosa destreza, fija las sombras percibidas
debajo de los niños, así como los desnudos cuerpos reflejados en el agua y, con toques
de azul, los destellos del cielo en la arena de alrededor. Pinceladas de blanco –aunque
para Sorolla nunca existió un blanco total, ni en la naturaleza ni en la pintura- hacen
destacar el efecto de los rayos del sol en contacto con la piel mojada.