El documento discute las relaciones entre el arte, la representación y la realidad desde varias perspectivas. Argumenta que la realidad es una construcción social e histórica en lugar de un dato objetivo, y que el lenguaje juega un papel fundamental en esta construcción. También explora cómo diferentes teorías filosóficas han entendido la naturaleza del arte y su relación con la percepción, la verdad y la belleza a lo largo de la historia. Finalmente, analiza cómo el arte puede crear escándalo al desafiar nuestras nociones preconce
Este documento presenta tres principios para la interpretación del arte. Primero, el relativismo cultural, que sostiene que no hay estructuras visuales objetivas universales sino construcciones culturales específicas. Segundo, los principios de Barrett para la interpretación, que incluyen que las interpretaciones son argumentos persuasivos y que no hay una interpretación definitiva de una obra. Tercero, se discuten teorías del arte como el formalismo y el simbolismo y sus enfoques en las cualidades estéticas y simbólicas de una obra.
El documento describe las artes visuales como formas de arte cuyas obras son principalmente visuales en naturaleza, incluyendo la pintura, escultura, arquitectura y fotografía. También discute brevemente cada una de estas disciplinas artísticas y cómo permiten expresar sentimientos.
Este documento resume conceptos clave de la hermenéutica y la estética según autores como Gadamer, Heidegger y Husserl. Explora las bases de la hermenéutica filosófica de Gadamer y cómo las categorías hermenéuticas son aplicables al arte. También describe conceptos como Dasein, poesía, obra de arte y el círculo hermenéutico según las ideas de estos pensadores.
Este documento discute las teorías del arte de Arthur Danto y George Dickie. Explica que Danto propuso que un objeto se convierte en arte cuando está en un "mundo del arte" que provee un contexto. También define el arte como "significado encarnado". Mientras, Dickie propuso la Teoría Institucional del arte, que sostiene que un objeto es arte debido a su posición en un contexto institucional. El documento analiza estas teorías y algunas críticas a la Teoría Institucional.
Este documento discute la estética en la sociedad contemporánea y la ruptura de la verdad preestablecida. Argumenta que la estética se ha transformado a partir de la conceptualización del entorno mediante la comprensión científica-conceptual del contexto histórico. También critica las teorías de Lukács y otros por no considerar plenamente la percepción verbal y el papel de la educación y la cultura en la estética.
Este documento resume el proceso artístico de la América Antigua en el marco del pensamiento mítico. Explica que el arte cumplía un rol sagrado en estas sociedades y era la materialización del mito. También analiza las teorías de Habermas, Levi-Strauss y Eliade para comprender cómo se vivía lo estético e integraba con lo religioso y social. Finalmente, propone analizar la concepción del espacio y los objetos/imágenes para interpretar esta vivencia de lo sagrado en las producciones artísticas.
El documento explica los conceptos básicos de la semiótica y cómo se aplican a la fotografía. La semiótica estudia los sistemas de comunicación y los signos en las sociedades humanas. La fotografía puede funcionar como ícono, símbolo o índice según la teoría de los signos de Peirce. Toda fotografía es un índice por su conexión física con lo fotografiado, pero también puede contener elementos icónicos o simbólicos. La fotografía pertenece a la categoría del
Arqueología y Cultura: un planteamiento epistemológico en clave hermenéutica ...Antonio Brunet Merino
Este documento presenta las ideas epistemológicas del autor sobre la arqueología desde perspectivas hermenéutica y dialéctico materialista. El autor explora la hermenéutica para analizar el ser humano (Dasein) y desenmascarar falsas creencias. También se ha interesado por la teoría en antropología y arqueología. El documento discute cómo la hermenéutica es válida para la arqueología ya que los arqueólogos interpretan objetos para asignarles significados culturales.
Este documento presenta tres principios para la interpretación del arte. Primero, el relativismo cultural, que sostiene que no hay estructuras visuales objetivas universales sino construcciones culturales específicas. Segundo, los principios de Barrett para la interpretación, que incluyen que las interpretaciones son argumentos persuasivos y que no hay una interpretación definitiva de una obra. Tercero, se discuten teorías del arte como el formalismo y el simbolismo y sus enfoques en las cualidades estéticas y simbólicas de una obra.
El documento describe las artes visuales como formas de arte cuyas obras son principalmente visuales en naturaleza, incluyendo la pintura, escultura, arquitectura y fotografía. También discute brevemente cada una de estas disciplinas artísticas y cómo permiten expresar sentimientos.
Este documento resume conceptos clave de la hermenéutica y la estética según autores como Gadamer, Heidegger y Husserl. Explora las bases de la hermenéutica filosófica de Gadamer y cómo las categorías hermenéuticas son aplicables al arte. También describe conceptos como Dasein, poesía, obra de arte y el círculo hermenéutico según las ideas de estos pensadores.
Este documento discute las teorías del arte de Arthur Danto y George Dickie. Explica que Danto propuso que un objeto se convierte en arte cuando está en un "mundo del arte" que provee un contexto. También define el arte como "significado encarnado". Mientras, Dickie propuso la Teoría Institucional del arte, que sostiene que un objeto es arte debido a su posición en un contexto institucional. El documento analiza estas teorías y algunas críticas a la Teoría Institucional.
Este documento discute la estética en la sociedad contemporánea y la ruptura de la verdad preestablecida. Argumenta que la estética se ha transformado a partir de la conceptualización del entorno mediante la comprensión científica-conceptual del contexto histórico. También critica las teorías de Lukács y otros por no considerar plenamente la percepción verbal y el papel de la educación y la cultura en la estética.
Este documento resume el proceso artístico de la América Antigua en el marco del pensamiento mítico. Explica que el arte cumplía un rol sagrado en estas sociedades y era la materialización del mito. También analiza las teorías de Habermas, Levi-Strauss y Eliade para comprender cómo se vivía lo estético e integraba con lo religioso y social. Finalmente, propone analizar la concepción del espacio y los objetos/imágenes para interpretar esta vivencia de lo sagrado en las producciones artísticas.
El documento explica los conceptos básicos de la semiótica y cómo se aplican a la fotografía. La semiótica estudia los sistemas de comunicación y los signos en las sociedades humanas. La fotografía puede funcionar como ícono, símbolo o índice según la teoría de los signos de Peirce. Toda fotografía es un índice por su conexión física con lo fotografiado, pero también puede contener elementos icónicos o simbólicos. La fotografía pertenece a la categoría del
Arqueología y Cultura: un planteamiento epistemológico en clave hermenéutica ...Antonio Brunet Merino
Este documento presenta las ideas epistemológicas del autor sobre la arqueología desde perspectivas hermenéutica y dialéctico materialista. El autor explora la hermenéutica para analizar el ser humano (Dasein) y desenmascarar falsas creencias. También se ha interesado por la teoría en antropología y arqueología. El documento discute cómo la hermenéutica es válida para la arqueología ya que los arqueólogos interpretan objetos para asignarles significados culturales.
Este documento presenta información sobre la teoría de la imagen, la percepción visual y la estética. Explica que la imagen se puede referir a la representación mental de un objeto y que más del 80% de la información que recibimos es a través de la vista. También describe elementos de la percepción visual como el ojo y la retina, y conceptos estéticos como la belleza, el arte y los juicios sobre la creación artística.
El documento resume los principales aportes del pensamiento de Marx al estudio del arte y la construcción del conocimiento. Según Marx, el arte es una construcción histórico-social, no natural, y debe estudiarse de forma relacional y dialéctica. Marx también distingue entre la apropiación del mundo a través del pensamiento y otras formas como el arte, que involucran al sujeto empírico. Las categorías no producen la realidad directamente sino que deben estudiarse en su contexto histórico-social.
Este documento resume las ideas filosóficas de Nelson Goodman sobre el arte y la construcción de mundos a través de símbolos. Goodman rechaza las nociones de un mundo independiente y de la verdad como correspondencia. Propone que la realidad es una construcción simbólica y que creamos diversas versiones del mundo a través del arte, la ciencia y otros lenguajes. Para Goodman, el arte es una forma de conocimiento cognitivo que nos ayuda a comprender el mundo mediante la invención y comprensión de símbolos.
El documento resume conceptos clave de la hermenéutica y la estética según autores como Heidegger, Gadamer y Hegel. Explica que la hermenéutica estudia la interpretación y comprensión de textos, y que para Gadamer la experiencia estética ofrece un modelo de racionalidad diferente al de las ciencias naturales. También describe conceptos como el Dasein, la poesía como fundadora del ser, y la noción gadameriana de que toda comprensión es interpretación condicionada por nuestro horizonte histórico.
El documento discute la interpretación de imágenes. Explica que la interpretación implica identificar los signos en una imagen y su organización para dar una interpretación global. También explora cómo el sentido llega a las imágenes a través de aspectos icónicos, indiciarios y simbólicos, así como los enfoques iconológico y semiológico para el análisis. Además, discute conceptos como denotación, connotación y el rechazo a la interpretación por algunos autores.
La estética es la disciplina que estudia el origen sistemático del sentimiento puro y su manifestación en el arte. Explora la reflexión sobre los problemas del arte, desde la belleza hasta lo sublime y lo grotesco. A lo largo de la historia, los filósofos han debatido conceptos como belleza, fealdad y lo sublime, pero coinciden en que están relacionados con el espíritu aunque su percepción sea subjetiva.
La estética es la rama de la filosofía que estudia la belleza y la percepción del arte. Se define como la ciencia que estudia la esencia y percepción de la belleza y la teoría fundamental y filosófica del arte. Existen debates sobre si los valores son subjetivos o objetivos, es decir, si dependen de la persona que valora o existen independientemente. La axiología contemporánea tiende a superar esta oposición reconociendo que los valores tienen aspectos subjetivos y objetivos.
La estética es la rama de la filosofía que estudia la belleza y el arte. A lo largo de la historia, muchos filósofos se han interesado por el arte y su significado, como Platón, Mateo Calle Vera, Buenaventura de Fidanza, Diderot, Kant, Hegel, Schopenhauer y Heidegger. En la actualidad, la estética también se estudia desde perspectivas matemáticas y científicas, como propusieron autores como Rashevsky, Moles, Bense y Nake.
Este documento resume las ideas de Platón sobre la belleza y el arte. Platón consideraba que la belleza era orden, armonía y proporción. Distinguía entre belleza estética y moral, y entre belleza absoluta y relativa. Veía la belleza moral en el alma y la idea de belleza, mientras que la belleza estética residía en las cosas sensibles. Para Platón, el arte debía crear un mundo embellecido a través de una composición armónica, más que reproducir fielmente la realidad.
El documento resume diferentes perspectivas sobre la creatividad y el proceso creativo desde las ciencias sociales y el psicoanálisis. Aborda conceptos como la imaginación radical, las fases del proceso creador, las estructuras del psiquismo creador y el sujeto creador. También analiza el trabajo creativo desde la perspectiva de las envolturas psíquicas.
Este documento resume los aportes de la semiótica visual a los procesos de diseño fotográfico. Explica que desde los inicios de la semiótica contemporánea con Barthes y Eco, se desarrolló una semiótica de la imagen que incluye una semiótica fotográfica. Analiza los diferentes elementos semióticos de una fotografía de Aristeo Jiménez aplicando categorías de autores como Joan Costa, Javier Marcial Filici y Umberto Eco. El objetivo es explicar cómo el diseño fotográfico se relaciona con la f
La experiencia estética genera un tipo único de conocimiento a través de la percepción sensible de objetos y obras de arte. Este conocimiento se construye mediante la decodificación de símbolos y la comprensión de lo invisible. La educación estética busca desarrollar esta capacidad de apreciación estética que complementa el desarrollo cognitivo y emocional del ser humano.
El documento define y explica diferentes tipos de signos, incluyendo íconos, pictogramas, símbolos e índices. Un signo representa algo para alguien en un contexto específico. Los signos visuales como íconos, pictogramas y símbolos son importantes para el diseño gráfico. Los íconos mantienen una relación de semejanza con el objeto representado, mientras que los símbolos pueden o no tener semejanza y deben ser aprendidos.
El documento resume los tres tiempos ontológicos de la fotografía según diferentes teóricos:
1) La fotografía como espejo de la realidad que simplemente registra lo que está frente a la cámara.
2) La fotografía como lenguaje con códigos técnicos, estéticos y culturales que transforman lo real.
3) La fotografía como huella de la realidad, un lenguaje deíctico que señala lo que estuvo presente.
En 3 oraciones:
1) El planteamiento estético de Dewey está enmarcado en su teoría pragmática y se centra en su concepto de "experiencia" como un proceso continuo que supera dualismos.
2) Dewey rechaza separar el arte de la experiencia cotidiana, viendo el arte como una solución a conflictos y una forma de vivir auténticamente a través de la expresión que restaura la continuidad de la experiencia.
3) Para Dewey, la experiencia estética implica tanto un proceso de producción artí
Este documento examina cómo el Impresionismo y las Vanguardias Históricas pueden considerarse precedentes del Constructivismo al insinuar en su práctica y discurso teórico que la realidad es un proceso subjetivo que no existe independiente del observador. El Impresionismo trasladó el punto de vista desde el objeto al sujeto al enfocarse en los efectos de la luz sobre los objetos en lugar de representar sus formas de manera objetiva. Esto sugirió que la realidad sólo puede captarse desde perspectivas subjetivas y que el sujeto
La obra de Velázquez "La Venus del espejo" representa a la diosa Venus desnuda contemplándose en un espejo sostenido por Cupido. Sin embargo, el rostro reflejado en el espejo es borroso y vulgar, contradiciendo la belleza del cuerpo. El espejo simboliza tanto la verdad como la vanidad. De esta forma, Velázquez sitúa la obra en un plano simbólico que reflexiona sobre conceptos como amor, belleza, verdad y vanidad. Cupido sostiene el espejo de forma cruz
Este documento explora el concepto de creatividad en las artes plásticas y visuales. Discuta varios conceptos como realidad, belleza, naturaleza y conocimiento y su relación con la creatividad. También examina cómo la creatividad artística ha sido considerada de manera diferente a lo largo de la historia y cómo depende de factores culturales. Finalmente, analiza el arte y la cultura y cómo el arte es un fenómeno cultural complejo que está relacionado con otras manifestaciones culturales.
El documento define la imagen como un signo que representa un objeto de manera similar (icono), por proximidad (índice) o por convención (símbolo). Explica que las imágenes tienen significados denotativos y connotativos, y que el mensaje lingüístico funciona como anclaje para interpretar los múltiples significados de una imagen. Además, analiza cómo las imágenes reflejan aspectos sociales y cómo la fotografía periodística y familiar transmiten mensajes.
El documento describe la evolución del arte como alegoría durante el período helenístico. En este período, el arte dejó de representar el mito de forma materializada y pasó a ser una alegoría, con un significado subyacente más allá de lo que representa a simple vista. El documento también define la diferencia entre símbolo y alegoría, señalando que el símbolo representa una realidad superior mientras que la alegoría materializa ideas abstractas de forma más convencional.
El documento presenta definiciones breves de varios términos clave como cultura, imaginario, arte e imagen. También incluye información sobre las primeras representaciones creadas por humanos como pinturas rupestres y esculturas. Luego analiza las representaciones del ser humano en la antigua Grecia a través de kuros y esculturas clásicas. Finalmente, presenta ejemplos de esculturas griegas famosas como el Laocoonte, Apoxiomenos y el Apolo de Belvedere.
Este documento presenta información sobre la teoría de la imagen, la percepción visual y la estética. Explica que la imagen se puede referir a la representación mental de un objeto y que más del 80% de la información que recibimos es a través de la vista. También describe elementos de la percepción visual como el ojo y la retina, y conceptos estéticos como la belleza, el arte y los juicios sobre la creación artística.
El documento resume los principales aportes del pensamiento de Marx al estudio del arte y la construcción del conocimiento. Según Marx, el arte es una construcción histórico-social, no natural, y debe estudiarse de forma relacional y dialéctica. Marx también distingue entre la apropiación del mundo a través del pensamiento y otras formas como el arte, que involucran al sujeto empírico. Las categorías no producen la realidad directamente sino que deben estudiarse en su contexto histórico-social.
Este documento resume las ideas filosóficas de Nelson Goodman sobre el arte y la construcción de mundos a través de símbolos. Goodman rechaza las nociones de un mundo independiente y de la verdad como correspondencia. Propone que la realidad es una construcción simbólica y que creamos diversas versiones del mundo a través del arte, la ciencia y otros lenguajes. Para Goodman, el arte es una forma de conocimiento cognitivo que nos ayuda a comprender el mundo mediante la invención y comprensión de símbolos.
El documento resume conceptos clave de la hermenéutica y la estética según autores como Heidegger, Gadamer y Hegel. Explica que la hermenéutica estudia la interpretación y comprensión de textos, y que para Gadamer la experiencia estética ofrece un modelo de racionalidad diferente al de las ciencias naturales. También describe conceptos como el Dasein, la poesía como fundadora del ser, y la noción gadameriana de que toda comprensión es interpretación condicionada por nuestro horizonte histórico.
El documento discute la interpretación de imágenes. Explica que la interpretación implica identificar los signos en una imagen y su organización para dar una interpretación global. También explora cómo el sentido llega a las imágenes a través de aspectos icónicos, indiciarios y simbólicos, así como los enfoques iconológico y semiológico para el análisis. Además, discute conceptos como denotación, connotación y el rechazo a la interpretación por algunos autores.
La estética es la disciplina que estudia el origen sistemático del sentimiento puro y su manifestación en el arte. Explora la reflexión sobre los problemas del arte, desde la belleza hasta lo sublime y lo grotesco. A lo largo de la historia, los filósofos han debatido conceptos como belleza, fealdad y lo sublime, pero coinciden en que están relacionados con el espíritu aunque su percepción sea subjetiva.
La estética es la rama de la filosofía que estudia la belleza y la percepción del arte. Se define como la ciencia que estudia la esencia y percepción de la belleza y la teoría fundamental y filosófica del arte. Existen debates sobre si los valores son subjetivos o objetivos, es decir, si dependen de la persona que valora o existen independientemente. La axiología contemporánea tiende a superar esta oposición reconociendo que los valores tienen aspectos subjetivos y objetivos.
La estética es la rama de la filosofía que estudia la belleza y el arte. A lo largo de la historia, muchos filósofos se han interesado por el arte y su significado, como Platón, Mateo Calle Vera, Buenaventura de Fidanza, Diderot, Kant, Hegel, Schopenhauer y Heidegger. En la actualidad, la estética también se estudia desde perspectivas matemáticas y científicas, como propusieron autores como Rashevsky, Moles, Bense y Nake.
Este documento resume las ideas de Platón sobre la belleza y el arte. Platón consideraba que la belleza era orden, armonía y proporción. Distinguía entre belleza estética y moral, y entre belleza absoluta y relativa. Veía la belleza moral en el alma y la idea de belleza, mientras que la belleza estética residía en las cosas sensibles. Para Platón, el arte debía crear un mundo embellecido a través de una composición armónica, más que reproducir fielmente la realidad.
El documento resume diferentes perspectivas sobre la creatividad y el proceso creativo desde las ciencias sociales y el psicoanálisis. Aborda conceptos como la imaginación radical, las fases del proceso creador, las estructuras del psiquismo creador y el sujeto creador. También analiza el trabajo creativo desde la perspectiva de las envolturas psíquicas.
Este documento resume los aportes de la semiótica visual a los procesos de diseño fotográfico. Explica que desde los inicios de la semiótica contemporánea con Barthes y Eco, se desarrolló una semiótica de la imagen que incluye una semiótica fotográfica. Analiza los diferentes elementos semióticos de una fotografía de Aristeo Jiménez aplicando categorías de autores como Joan Costa, Javier Marcial Filici y Umberto Eco. El objetivo es explicar cómo el diseño fotográfico se relaciona con la f
La experiencia estética genera un tipo único de conocimiento a través de la percepción sensible de objetos y obras de arte. Este conocimiento se construye mediante la decodificación de símbolos y la comprensión de lo invisible. La educación estética busca desarrollar esta capacidad de apreciación estética que complementa el desarrollo cognitivo y emocional del ser humano.
El documento define y explica diferentes tipos de signos, incluyendo íconos, pictogramas, símbolos e índices. Un signo representa algo para alguien en un contexto específico. Los signos visuales como íconos, pictogramas y símbolos son importantes para el diseño gráfico. Los íconos mantienen una relación de semejanza con el objeto representado, mientras que los símbolos pueden o no tener semejanza y deben ser aprendidos.
El documento resume los tres tiempos ontológicos de la fotografía según diferentes teóricos:
1) La fotografía como espejo de la realidad que simplemente registra lo que está frente a la cámara.
2) La fotografía como lenguaje con códigos técnicos, estéticos y culturales que transforman lo real.
3) La fotografía como huella de la realidad, un lenguaje deíctico que señala lo que estuvo presente.
En 3 oraciones:
1) El planteamiento estético de Dewey está enmarcado en su teoría pragmática y se centra en su concepto de "experiencia" como un proceso continuo que supera dualismos.
2) Dewey rechaza separar el arte de la experiencia cotidiana, viendo el arte como una solución a conflictos y una forma de vivir auténticamente a través de la expresión que restaura la continuidad de la experiencia.
3) Para Dewey, la experiencia estética implica tanto un proceso de producción artí
Este documento examina cómo el Impresionismo y las Vanguardias Históricas pueden considerarse precedentes del Constructivismo al insinuar en su práctica y discurso teórico que la realidad es un proceso subjetivo que no existe independiente del observador. El Impresionismo trasladó el punto de vista desde el objeto al sujeto al enfocarse en los efectos de la luz sobre los objetos en lugar de representar sus formas de manera objetiva. Esto sugirió que la realidad sólo puede captarse desde perspectivas subjetivas y que el sujeto
La obra de Velázquez "La Venus del espejo" representa a la diosa Venus desnuda contemplándose en un espejo sostenido por Cupido. Sin embargo, el rostro reflejado en el espejo es borroso y vulgar, contradiciendo la belleza del cuerpo. El espejo simboliza tanto la verdad como la vanidad. De esta forma, Velázquez sitúa la obra en un plano simbólico que reflexiona sobre conceptos como amor, belleza, verdad y vanidad. Cupido sostiene el espejo de forma cruz
Este documento explora el concepto de creatividad en las artes plásticas y visuales. Discuta varios conceptos como realidad, belleza, naturaleza y conocimiento y su relación con la creatividad. También examina cómo la creatividad artística ha sido considerada de manera diferente a lo largo de la historia y cómo depende de factores culturales. Finalmente, analiza el arte y la cultura y cómo el arte es un fenómeno cultural complejo que está relacionado con otras manifestaciones culturales.
El documento define la imagen como un signo que representa un objeto de manera similar (icono), por proximidad (índice) o por convención (símbolo). Explica que las imágenes tienen significados denotativos y connotativos, y que el mensaje lingüístico funciona como anclaje para interpretar los múltiples significados de una imagen. Además, analiza cómo las imágenes reflejan aspectos sociales y cómo la fotografía periodística y familiar transmiten mensajes.
El documento describe la evolución del arte como alegoría durante el período helenístico. En este período, el arte dejó de representar el mito de forma materializada y pasó a ser una alegoría, con un significado subyacente más allá de lo que representa a simple vista. El documento también define la diferencia entre símbolo y alegoría, señalando que el símbolo representa una realidad superior mientras que la alegoría materializa ideas abstractas de forma más convencional.
El documento presenta definiciones breves de varios términos clave como cultura, imaginario, arte e imagen. También incluye información sobre las primeras representaciones creadas por humanos como pinturas rupestres y esculturas. Luego analiza las representaciones del ser humano en la antigua Grecia a través de kuros y esculturas clásicas. Finalmente, presenta ejemplos de esculturas griegas famosas como el Laocoonte, Apoxiomenos y el Apolo de Belvedere.
Este documento presenta diferentes puntos de vista sobre la estética de varios filósofos y pensadores. Define la estética como la rama de la filosofía que estudia la esencia y percepción de la belleza y el arte. Explica las perspectivas de Platón, Kant, Hegel, Schopenhauer, entre otros, sobre conceptos como la belleza, el arte, la forma y el orden. También discute brevemente la noción de "antiestética" y presenta una nueva definición de arte.
La obra de arte como acontecimiento de la verdadRuben Chica
Francis Bacon busca capturar la esencia de las cosas más allá de su apariencia convencional a través de la deformación de imágenes en su obra. Representa icónicamente el cuerpo humano despojado de su humanidad como un objeto mutilado que regresa a la animalidad, generando sensaciones en el espectador más allá de la mera representación.
Este documento presenta varias teorías sobre el arte. Explica que la teoría formalista divide el arte en tres factores: periodo histórico, actividad filosófica y movimiento artístico. También describe la teoría posmodernista, la cual ve la realidad como algo construido socialmente donde no hay verdades absolutas. Por último, explica que el arte en el siglo XXI avanza hacia la ciencia y tecnología, permitiendo mayor libertad de expresión artística e impulsando cambios sociales.
Este documento presenta tres puntos principales:
1. Describe el concepto de "correalidad" propuesto por Max Bense para caracterizar el ser estético de las obras de arte. La correalidad se refiere a que las obras de arte superan la mera realidad al ser creaciones únicas.
2. Explica que la belleza constituye la modalidad decisiva de la obra de arte y es el término reservado para designar el concepto ontológico de la correalidad.
3. Señala algunas conclusiones como que la idea y representación de una
Este documento resume conceptos clave de la hermenéutica y la estética. Explica cómo autores como Heidegger, Gadamer y Hegel entienden la obra de arte y la interpretación desde una perspectiva ontológica y hermenéutica, más que subjetiva. También analiza cómo la noción de "juego" permite superar la dicotomía sujeto-objeto en la comprensión de la verdad y el arte.
Este documento trata sobre el concepto de arte. Expone brevemente algunas definiciones de arte propuestas por filósofos a lo largo de la historia. También plantea preguntas sobre la naturaleza de la obra de arte, el papel del artista y el espectador, y la relación entre estética y arte. Finalmente, analiza la visión del arte y la estética del escritor Oscar Wilde, influenciado por pensadores como Baudelaire y Pater, quienes defendían que el arte debe perseguir la belleza por sí misma y producir pl
1) Aristóteles describe grados del saber (sensación, memoria, experiencia, arte, ciencia, sabiduría) y grados del arte que se relacionan con estos.
2) La sensación es el primer grado del saber y corresponde a elementos pre-técnicos en el arte como colores y palabras.
3) La memoria permite la experiencia, y en el arte surge la combinación de elementos.
3) El arte surge como conocimiento de casos universales, relacionado al grado de experiencia.
Este documento presenta un esquema con cuatro categorías (fundamento de producción, artista, comitente y fin) para analizar los principales cambios históricos en la estética desde la Edad Media hasta la Ilustración. Se pide ampliar este esquema explicando cada categoría y dando ejemplos visuales para cada período. También se piden definiciones de conceptos como percepto y su relación con el ojo crítico, y comparaciones entre obras del Renacimiento y vanguardia en relación al concepto de mundo/arte. Por último, se solic
Este documento presenta conceptos clave de la semiótica y los estudios culturales. Explica que la semiótica estudia los códigos, símbolos y su sentido en objetos como textos e imágenes. Define el signo según Peirce como algo que representa otro objeto y crea un interpretante en la mente. También resume los principios de la semiótica y conceptos como primeridad, segundidad y terceridad. Por último, introduce la noción de cultura en los estudios culturales y cómo articula lo simbólico, político y económico.
El documento presenta los principios de interpretación del arte según Erwin Panofsky y Terry Barrett. Panofsky propone que la interpretación del arte depende de los presupuestos culturales de cada espectador y no hay percepciones universales. Barrett establece 18 principios para la interpretación de obras de arte, como que las obras demandan interpretación, pueden tener diferentes interpretaciones razonables y la interpretación es un esfuerzo comunal. También se presentan teorías como el formalismo, expresionismo y simbolismo para analizar obras de arte.
Tercer encuentro Curso de Extensión: El imaginario griego en el pensamiento de Castoriadis. Facultad de Filosofía y Letras, UBA. 1er. cuatrimestre 2014.
El documento resume las principales ideas de la teoría de la Einfühlung (empatía o proyección sentimental) en el arte. La Einfühlung sostiene que la comprensión de una obra de arte se logra a través de la proyección de sentimientos subjetivos sobre las formas objetivas de la obra. Autores como Lipps y Worringer expandieron esta teoría y explicaron cómo diferentes cosmovisiones pueden dar lugar a estilos artísticos basados en la abstracción o la representación naturalista.
1) Peirce propone un modelo semiótico basado en tres triadas: signo-interpretante-objeto, icono-índice-símbolo y primera-segunda-tercera. 2) En la primera triada, el signo evoca un interpretante en la mente que se refiere a un objeto, iniciando un proceso semiótico indefinido. 3) Peirce concibe la realidad como aquello que puede ser representado a través de signos, aunque reconoce que el grado de autenticidad de una representación depende de la comunidad a lo
Vigotsky propuso que los gustos estéticos no son completamente individuales, sino que están influenciados por factores como la edad, el grupo étnico y el nivel socioeconómico de una persona. Eco planteó que una obra de arte, aunque cerrada en su forma, está abierta a múltiples interpretaciones por parte del público debido a sus experiencias y contexto individuales. La cultura de masas, según Eco, ofrece expresiones culturales de la burguesía a las masas, aunque también puede acercar contenidos artísticos a nuevos
El documento presenta una discusión sobre los conceptos de símbolo, índice e icono según la teoría semiótica de Charles Sanders Peirce. Explica que una imagen puede funcionar como un símbolo, índice e icono a la vez, dependiendo de cómo se interprete y cómo se relacione con lo que representa. También resume algunas obras clave del teórico semiótico Umberto Eco en las que aplica estos conceptos.
Este documento discute la distinción entre objetos artísticos e industriales. Define el arte como la creación de obras que comunican un significado estético más que práctico. Explica que las nociones de arte han cambiado a lo largo de la historia y dependen del contexto cultural. También explora las diferencias entre arte, ciencia y filosofía, y cómo el diseño se originó tanto del arte como de la industria.
El documento resume las perspectivas de Aristóteles, Hegel, Heidegger y Gadamer sobre la relación entre arte y verdad. Aristóteles considera que el arte puede producir "efectos de verdad" al representar lo universal en lo particular. Hegel sostiene que las obras de arte expresan verdades más profundas que la realidad cotidiana. Para Heidegger, el arte "establece un mundo" y pone en operación la verdad del ente a través de símbolos como la pintura de "Un par de zapatos" de Van Gogh.
Este documento presenta una serie de fotografías que muestran la vida y carrera de la actriz francesa Brigitte Bardot. Comenzó como bailarina y modelo antes de debutar en el cine en 1952. Se casó con el director Roger Vadim en 1952 y tuvo varios papeles destacados en las décadas de 1950 y 1960, alcanzando fama mundial. A lo largo de su vida se ha dedicado a la defensa de los derechos de los animales y ha enfrentado controversia por sus comentarios sobre el Islam y otros temas.
Tras el desvanecimiento del orden surgido de la Segunda Guerra mundial, y de los poderes que de ella emergieron, hoy nuevos actores emergen, en los que democracia liberal es cuestionada por otros tipos de organización política.
El documento resume las ideas sobre teoría de relaciones internacionales del filósofo Norberto Bobbio. Explica que Bobbio analiza las dicotomías conceptuales de guerra-paz y democracia-autocracia. Define la guerra y la paz, y analiza diferentes tipos de pacifismos. También discute la doctrina del equilibrio del terror y la necesidad de lograr acuerdos entre Estados. Por último, examina las relaciones entre democracias y autocracias en el sistema internacional.
America latina en_una_era_de_globalizacionjechavar
Este documento presenta un libro titulado "América Latina en una era de globalización: Ensayos en honor de Enrique V. Iglesias". El libro contiene ensayos de destacados autores sobre temas relevantes para América Latina como la gobernanza global, la democracia, el desarrollo socioeconómico y otros. El libro rinde homenaje a la trayectoria y contribuciones de Enrique V. Iglesias a favor de América Latina.
En el cumpleaños de Herodes, su hijastra Salomé bailó para él y le pidió como recompensa la cabeza de Juan el Bautista, a instancias de su madre Herodías. Herodes se lo concedió a pesar de no quererlo, y la cabeza fue entregada a Salomé y luego a Herodías. Los discípulos de Juan enterraron su cuerpo. El documento muestra varias pinturas y grabados holandeses que ilustran este episodio bíblico de la decapitación de Juan el Bautista a manos de Salomé.
La biblioteca de Nueva York aparece en las películas Ghostbusters y Desayuno en Tiffany's. También es el lugar donde Woody Allen seduce a una mujer en la película What's New Pussycat? de 1965.
Este documento presenta un resumen de la evolución de la historia del arte desde sus orígenes hasta la actualidad. Comienza con las primeras aproximaciones de autores como Jenócrates, Plinio el Viejo y Pausanias, y luego se enfoca en Giorgio Vasari y su influyente obra "Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos". Más adelante, analiza las contribuciones de Winckelmann, Hegel y la Escuela de Viena, y cómo la disciplina se ha diversificado en nuevos
Este documento describe varias razas de perros y cómo sus apariencias físicas han sido moldeadas a lo largo del tiempo por la cría selectiva y el propósito para el que fueron criados originalmente. Algunas razas como el perro ovejero húngaro y el poodle fueron diseñados para protegerse del clima, mientras que otras como el perro chino de cresta se criaron para calentar las manos. Muchas razas ahora se crían principalmente para concursos de belleza y exhibiciones caninas.
Los 30 hábitos de apareamiento animal más extraños
Arte representacion
1. El Arte, laEl Arte, la
representación y larepresentación y la
realidadrealidad
Jorge Echavarría CarvajalJorge Echavarría Carvajal
Universidad Nacional de Colombia- Sede medellínUniversidad Nacional de Colombia- Sede medellín
20132013
4. Relaciones entre lo “real” y susRelaciones entre lo “real” y sus
representacionesrepresentaciones
““Real” como constituido, no como datoReal” como constituido, no como dato
de entrada sin proceso construidode entrada sin proceso construido
intersujetivamenteintersujetivamente
Percepción visual = Observación sensorial directa + Imagen mental
Experiencias perceptivas Imágenes aprehendidas pasadas
Aparato cognoscitivo
5. Lenguaje - realidadLenguaje - realidad
Heinz Von Foerster arguye que el mundo es un reflejo delHeinz Von Foerster arguye que el mundo es un reflejo del
lenguaje, siendo aquél consecuencia de éste. Asimismo, el autorlenguaje, siendo aquél consecuencia de éste. Asimismo, el autor
afirma que el lenguaje no es denotativo, sino más bienafirma que el lenguaje no es denotativo, sino más bien
connotativo; esto se debe a que, al hablar se evoca en lasconnotativo; esto se debe a que, al hablar se evoca en las
personas los conceptos que ellas ya tienen, por lo quepersonas los conceptos que ellas ya tienen, por lo que
continuamente nos apoyamos en las nociones recíprocamentecontinuamente nos apoyamos en las nociones recíprocamente
compartidas respecto de cada referente particular.compartidas respecto de cada referente particular.
De lo anterior se desprende que debe haber un consenso acercaDe lo anterior se desprende que debe haber un consenso acerca
del mundo para que podamos comunicarnos, o a lo sumo paradel mundo para que podamos comunicarnos, o a lo sumo para
saber que hablamos de lo mismo. La realidad misma es unasaber que hablamos de lo mismo. La realidad misma es una
construcción de los sujetos, los cuales a su vez dependen de suconstrucción de los sujetos, los cuales a su vez dependen de su
conetexto histórico y de la influencia social.conetexto histórico y de la influencia social.
6. Edgar Morin: “La sociedad es (…) el productoEdgar Morin: “La sociedad es (…) el producto
de interacciones entre individuos. Esasde interacciones entre individuos. Esas
interacciones, a su vez, crean unainteracciones, a su vez, crean una
organización que tiene cualidades propias, enorganización que tiene cualidades propias, en
particular el lenguaje y la cultura. Y esasparticular el lenguaje y la cultura. Y esas
mismas cualidades retroactúan sobre losmismas cualidades retroactúan sobre los
individuos desde que nacen al mundo,individuos desde que nacen al mundo,
dándoles lenguaje, cultura, etcétera”dándoles lenguaje, cultura, etcétera”
Morin, Edgar;Morin, Edgar; La noción delLa noción del sujeto, p. 58.sujeto, p. 58.
7. Magritte, R: La traiciónMagritte, R: La traición
de las imágenesde las imágenes
8. Gregory Bateson sostiene que “no es que elGregory Bateson sostiene que “no es que el
arte sea la expresión de lo inconsciente, sinoarte sea la expresión de lo inconsciente, sino
que se ocupa de la relación entre los nivelesque se ocupa de la relación entre los niveles
de los procesos mentales. (…) La habilidadde los procesos mentales. (…) La habilidad
artística es la combinación de muchos nivelesartística es la combinación de muchos niveles
de la mente (…) para formular un enunciadode la mente (…) para formular un enunciado
acerca de su combinación. No se trata deacerca de su combinación. No se trata de
expresar un nivel único”expresar un nivel único”
Bateson, Gregory y Bateson, M. Catherine;Bateson, Gregory y Bateson, M. Catherine; LaLa
estructura de la contextura (GB)estructura de la contextura (GB); p. 5.; p. 5.
9.
10. R. ArnheimR. Arnheim ((15 de julio15 de julio dede 19041904
—— 9 de junio9 de junio dede 20072007))
Tres tipos de observación:Tres tipos de observación:
1) La percepción del contexto como un atributo del objeto mismo (1) La percepción del contexto como un atributo del objeto mismo (
Lo que Arheim denomina la mirada del pintor)Lo que Arheim denomina la mirada del pintor)
2) La que aísla el objeto percibido en un estado puro y no2) La que aísla el objeto percibido en un estado puro y no
alterado por el contexto. Un tipo de mirada a la que nos preparanalterado por el contexto. Un tipo de mirada a la que nos preparan
desde pequeño. Como por ejemplo, cuando dibujábamos a ladesde pequeño. Como por ejemplo, cuando dibujábamos a la
familia junto a una casita y bajo un sol brillante, nos enseñaban afamilia junto a una casita y bajo un sol brillante, nos enseñaban a
colorearlos “sin salirse de la línea”. Esta es la mirada que Arheimcolorearlos “sin salirse de la línea”. Esta es la mirada que Arheim
define como la mirada cotidiana.define como la mirada cotidiana.
3) Cuando “el objeto revela su identidad en una multitud de3) Cuando “el objeto revela su identidad en una multitud de
apariencias” . El carácter cambiante de un objeto sometido aapariencias” . El carácter cambiante de un objeto sometido a
diferentes conceptos o puntos de vista. Veamos por ejemplo, undiferentes conceptos o puntos de vista. Veamos por ejemplo, un
cuadro de Picasso, en las cuales los puntos de vista se mezclan ycuadro de Picasso, en las cuales los puntos de vista se mezclan y
la mirada se fragmenta hasta disponer todos los objetos en unla mirada se fragmenta hasta disponer todos los objetos en un
mismo plano, el lienzo.mismo plano, el lienzo.
11. 2. LA FAMILIA DE LAS2. LA FAMILIA DE LAS
IMÁGENESIMÁGENES
14. Mito del conocimiento ilustrado: La imagenMito del conocimiento ilustrado: La imagen
reproduce el mundo en su superficie, de modoreproduce el mundo en su superficie, de modo
exacto, como lo vemos…exacto, como lo vemos…
15. …… y su refutacióny su refutación
técnicatécnica
38. ““Ha llegado a serHa llegado a ser
evidente que nadaevidente que nada
referente al arte esreferente al arte es
evidente, ni él mismo, nievidente, ni él mismo, ni
en su relación con laen su relación con la
totalidad, ni siquiera entotalidad, ni siquiera en
su derecho a lasu derecho a la
existencia”existencia”
Theodor W. AdornoTheodor W. Adorno
39. ““La definición del arte siempre estaráLa definición del arte siempre estará
predeterminada por aquello quepredeterminada por aquello que
alguna vez fue en el pasado, pero sóloalguna vez fue en el pasado, pero sólo
adquiere legitimidad por aquello queadquiere legitimidad por aquello que
ha llegado a ser y más aún porha llegado a ser y más aún por
aquello que quiere ser (…) el arte, alaquello que quiere ser (…) el arte, al
irse transformando, empuja su propiairse transformando, empuja su propia
definición hacia contenidos que nodefinición hacia contenidos que no
tenía (…) Sólo puede interpretarse eltenía (…) Sólo puede interpretarse el
arte por su desarrollo, no por susarte por su desarrollo, no por sus
invariantesinvariantes””
T. W. AdornoT. W. Adorno
40. Paul RicoeurPaul Ricoeur
Mímesis I Mímesis II Mímesis IIIMímesis I Mímesis II Mímesis III
PrefiguraciónPrefiguración
ConfiguraciónConfiguración
RefiguraciónRefiguración
41. ““La experiencia sensorial es engañosa,La experiencia sensorial es engañosa,
la razón tiene que corregir los sentidos”-la razón tiene que corregir los sentidos”-
Parménides.Parménides.
Platón: todo lo que se percibe en elPlatón: todo lo que se percibe en el
mundo sensual es un reflejo proyectadomundo sensual es un reflejo proyectado
por un mundo ideal. Por lo tanto, saber apor un mundo ideal. Por lo tanto, saber a
partir de la experiencia directa no llevaríapartir de la experiencia directa no llevaría
a la verdad, al conocimientoa la verdad, al conocimiento
42. AristótelesAristóteles
Arte actividad humana- productos contingentesArte actividad humana- productos contingentes
≠≠ Naturaleza: productos necesarios.Naturaleza: productos necesarios.
Arte- techné ( reglas)Arte- techné ( reglas)
Arte imitación ( no copia)Arte imitación ( no copia)
El arte es autónomo en dos sentidos: en relación aEl arte es autónomo en dos sentidos: en relación a
las leyes morales y naturales, y en relación a lalas leyes morales y naturales, y en relación a la
virtud y la verdad.virtud y la verdad.
La belleza se relaciona con el placer, ya que suLa belleza se relaciona con el placer, ya que su
valor reside en ella misma, a diferencia de lo útil,valor reside en ella misma, a diferencia de lo útil,
sobre cuyo valor decide el resultadosobre cuyo valor decide el resultado
43. RenacimientoRenacimiento
El pintor semejante a Dios, refleja como él la
imagen de su espíritu en el espejo de la obra.
La idea del arte concebido como «expresión»
de una subjetividad halla quizás su primera
formulación cuando Marsilio Ficino opone a la
preeminencia tradicional del tema, del
«asunto», del material de signos yuxtapuestos,
la importancia nueva de la forma personal, de
la «manera» del artista.
44. André Malraux ha probado abundantemente que la idea que
nos hacemos hoy del arte no podía constituirse más que a partir
de la institución de los museos, y, sobre todo, gracias al «Museo
imaginario », hecho posible por la técnica de la reproducción y de
la yuxtaposición de obras antes totalmente heterogéneas. Pero,
satisfecho de poseer de este modo «la herencia de toda la
historia», exaltado ante «uno de los lugares que dan la idea más
elevada del hombre», hace el recuento de los efectos de esta feliz
conquista, en lugar de intentar imaginar cómo lo que ha nacido
con una determinada sociedad podría igualmente desaparecer
con ella.
46. Premisa para asumir laPremisa para asumir la
autonomía( y paraautonomía( y para
declinarla)declinarla)
Usuario desconocido ( o el arte crea su público) –Usuario desconocido ( o el arte crea su público) –
públicos targetpúblicos target
Se deshace de la preocupación por su uso – utilidadSe deshace de la preocupación por su uso – utilidad
social renacesocial renace
Tecnologías propias – tecnologías compartidasTecnologías propias – tecnologías compartidas
Mercado del arte: reunión de mercancíasMercado del arte: reunión de mercancías
( comparación)- nace la obra y su valuación y( comparación)- nace la obra y su valuación y
devaluación ( falsificación-copia) - rebelióndevaluación ( falsificación-copia) - rebelión
Autoconciencia como tema – lenguaje noAutoconciencia como tema – lenguaje no
comunicación ( esquizosemia lúdica) - comunicarcomunicación ( esquizosemia lúdica) - comunicar
Aura- valor cultual – Auras frías ( rep. Mecánica)Aura- valor cultual – Auras frías ( rep. Mecánica)
Agencia simbólica – una agencia entre otrasAgencia simbólica – una agencia entre otras
47. La obraLa obra
Mientras que los objetos naturales y los objetos
usuales están ligados unos a otros, cada uno remite a
sus próximos, y se sitúan, en el tiempo y en el espacio,
en sucesiones continuas, o en círculos siempre
ampliados que son el mundo, la obra se basta a sí
misma, se acaba por entero en sus límites. O más
bien, constituyendo su propio universo, es sin límites
en un sentido que le es propio.
La «obra» está acabada. Es aquello de lo que no se
puede quitar nada, a lo que no se puede añadir nada:
excluye el devenir.
48. 4. EL ESCÁNDALO4. EL ESCÁNDALO
DEL ARTE Y ELDEL ARTE Y EL
ARTE COMOARTE COMO
ESCÁNDALOESCÁNDALO
49.
50. El cambio definitivo en la pintura de Alejandro Obregón comenzóEl cambio definitivo en la pintura de Alejandro Obregón comenzó
en 1947, cuando incorporó a su pintura lo que se ha dado enen 1947, cuando incorporó a su pintura lo que se ha dado en
llamar "expresionismo mágico", con recuerdos del cubismo.llamar "expresionismo mágico", con recuerdos del cubismo.
Introdujo la temática de los peces, de las barracudas, peroIntrodujo la temática de los peces, de las barracudas, pero
también los acontecimientos de la época, pues presenció entambién los acontecimientos de la época, pues presenció en
Bogotá los sucesos del 9 de abril de 1948, vio arder la ciudad,Bogotá los sucesos del 9 de abril de 1948, vio arder la ciudad,
ríos de sangre por las calles, almacenes saqueados, escombros yríos de sangre por las calles, almacenes saqueados, escombros y
muertos, detalles que guardó en su mente y que le sirvieron paramuertos, detalles que guardó en su mente y que le sirvieron para
pintar sus Masacres, que además le permitieron expresar supintar sus Masacres, que además le permitieron expresar su
tragedia interna, la que todo artista lleva dentro de sí, y que letragedia interna, la que todo artista lleva dentro de sí, y que le
permitió comprender que,permitió comprender que, sin renunciar a la libertad artística,sin renunciar a la libertad artística,
podía denunciar, aunque "nunca solucionar, porque la pintura porpodía denunciar, aunque "nunca solucionar, porque la pintura por
sí sola nunca arregla nada".sí sola nunca arregla nada".
53. Débora Atrango y loDébora Atrango y lo
“real”:“real”:
"Con el maestro Eladio Vélez aprendí de preferencia la técnica"Con el maestro Eladio Vélez aprendí de preferencia la técnica
del retrato. Cultivé ese estilo con entusiasmo. Pero yo sentía algodel retrato. Cultivé ese estilo con entusiasmo. Pero yo sentía algo
que no acertaba a explicar. Quería no sólo adquirir la habilidadque no acertaba a explicar. Quería no sólo adquirir la habilidad
necesaria para reproducir un modelo o un tema cualquiera, sinonecesaria para reproducir un modelo o un tema cualquiera, sino
que anhelaba también crear, combinar: soñaba con realizar unaque anhelaba también crear, combinar: soñaba con realizar una
obra que no estuviese limitada a la inerte exactitud fotográfica deobra que no estuviese limitada a la inerte exactitud fotográfica de
la escuela clásica. No sabia a punto fijo lo que deseaba, perola escuela clásica. No sabia a punto fijo lo que deseaba, pero
tenía la intuición de que mi temperamento me impulsaba a buscartenía la intuición de que mi temperamento me impulsaba a buscar
movimiento, a romper los rígidos moldes de la quietud (...). Unmovimiento, a romper los rígidos moldes de la quietud (...). Un
buen día hallé lo que buscaba. Los frescos de Pedro Nel Gómezbuen día hallé lo que buscaba. Los frescos de Pedro Nel Gómez
me revelaron algo que hasta entonces desconocía, algo que nome revelaron algo que hasta entonces desconocía, algo que no
había tenido ocasión de aprender (...) los artistas quehabía tenido ocasión de aprender (...) los artistas que
comulgamos con la escuela de Pedro Nel Gómez, vamoscomulgamos con la escuela de Pedro Nel Gómez, vamos
alejándonos de los viejos moldes y nos inclinamos cada vez másalejándonos de los viejos moldes y nos inclinamos cada vez más
hacia la concepción modernista, revolucionaria, del arte destinadohacia la concepción modernista, revolucionaria, del arte destinado
a interpretar el anhelo de las masas"a interpretar el anhelo de las masas"
54. Pedro Nel Gómez- Las monjas y el cardenalPedro Nel Gómez- Las monjas y el cardenal
55.
56.
57.
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59.
60.
61.
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65. Gustave Courbet (Ornans, Francia, 1819 - La Tour-de-Peilz,Gustave Courbet (Ornans, Francia, 1819 - La Tour-de-Peilz,
Suiza, 1877) :Suiza, 1877) : L’origine du monde,L’origine du monde, está expuesto en elestá expuesto en el
Museo de OrsayMuseo de Orsay de París. Se cree que la modelo utilizada fuede París. Se cree que la modelo utilizada fue
Johanna HeffernanJohanna Heffernan, a la que llamaban familiarmente, a la que llamaban familiarmente JoJo. Era la. Era la
amante del pintor norteamericanoamante del pintor norteamericano James McNeill WhistlerJames McNeill Whistler, amigo, amigo
y discípulo dey discípulo de CourbetCourbet. El lienzo se pintó en 1866.. El lienzo se pintó en 1866. L’origin duL’origin du
mondemonde tuvo varios propietarios particulares. El último de ellos fuetuvo varios propietarios particulares. El último de ellos fue
Jacques LacanJacques Lacan, que lo adquirió en 1955. Tras su muerte en 1981,, que lo adquirió en 1955. Tras su muerte en 1981,
L’origin du mondeL’origin du monde pasó a ser propiedad del Estado francés enpasó a ser propiedad del Estado francés en
pago de los impuestos sucesorios. Los comisarios de una granpago de los impuestos sucesorios. Los comisarios de una gran
exposición retrospectiva deexposición retrospectiva de CourbetCourbet realizada en París en 1977realizada en París en 1977
no se atrevieron a exponerlo. Sí se incluyó en otra similarno se atrevieron a exponerlo. Sí se incluyó en otra similar
celebrada en Nueva York en 1988. Cuando empezó a mostrarsecelebrada en Nueva York en 1988. Cuando empezó a mostrarse
en elen el Museo de OrsayMuseo de Orsay se colocó inicialmente una vigilanciase colocó inicialmente una vigilancia
especial en la sala por temor a las reacciones del público.especial en la sala por temor a las reacciones del público.
66. Psiciones frente a loPsiciones frente a lo
“real”“real”
La única belleza válida paraLa única belleza válida para CourbetCourbet eses
la que suministra la realidad, y el artistala que suministra la realidad, y el artista
lo único que debe hacer es reproducirlo único que debe hacer es reproducir
esta realidad sin embellecerla.esta realidad sin embellecerla.
67.
68. Tanja Ostojic. AfterTanja Ostojic. After
Courbet, L´origin duCourbet, L´origin du
Monde, 2004.Monde, 2004.