El documento describe la obra del pintor Francis Bacon, conocido por sus representaciones expresionistas y distorsionadas del cuerpo humano. Bacon se enfocó en exponer la vulnerabilidad y decadencia del cuerpo a través de imágenes deformadas que desafiaban las convenciones. Su obra buscaba capturar la intensidad de la experiencia corporal en momentos de dolor y éxtasis previos a la desaparición física. Sus autorretratos también reflejaban su visión desesperada del ser humano.

1. Francis Bacon Bacon (1909-1992) pone de manifiesto, a través de sus ambiguas obras, el choque de fuerzas entre la vertiente racionalista y la vertiente organicista que se origina en el mundo occidental, situándose en el centro sosteniendo los cuerpos que se desmiembran en esa lucha inconclusa por la fijeza, por la estabilidad jamás conseguida. Una visión desesperada que nos adentra en el territorio de la decadencia y la alienación.

3. Bacon basa su producción artística en la obsesiva representación del cuerpo del hombre como animalidad . Por medio de íconos, representa el cuerpo como un objeto mutilado que regresa a la animalidad, que se encierra y enfrenta a sí mismo destruyendo las convenciones de género y desafiando la gramática de los sexos y la anatomía humana, la que pese a nuestra obsesión cosmética por mantenerla en forma y responder a los apetitos de su propia condición animal y autodestructiva, tiende a disgregarse y desaparecer. Bacon va a representar icónicamente el cuerpo como un objeto mutilado que se encierra y enfrenta a sí mismo desbordando los estereotipados discursos de la masculinidad y la construcción cultural de los géneros.

5. Su pintura rompió esquemas de la belleza, violó el sentido iconográfico del cuerpo para someterlo a una pesadilla pictórica sin precedentes en la pintura de occidente. Supo como nadie retratar la soledad de seres desgarrados por la vida que tratan de limpiar sus pecados en sucios y desolados lavados; seres alumbrados por un sol degollado y concentrado en una anémica bombilla la cual ilumina, de malas maneras, estancias huidizas. Francis Bacon, influenciado por Goya, creó una serie de cuerpos crucificados, contorsionados, mutilados, deformes, con rostros en el límite de la desaparición, criaturas que copulan, defecan, vomitan, eyaculan, sangran, y se desmoronan.

7. Basó su producción artística en la representación obsesiva del cuerpo del hombre. Una representación que responde básicamente a las siguientes ideas: El cuerpo ya no es observado como el espacio, el refugio, que asegura la idea del yo, sino, por el contrario, el dominio donde el yo es contestado e incluso perdido. Es entonces el control sobre el propio cuerpo una ilusión, el hombre basa su existencia en una falta de estabilidad que le es desconocida. Se cuestiona la identidad y los valores que se consideraban conformadores del hombre, el cuerpo es reconstruido y sus fronteras traspasadas y/o superadas.

9. La obra de Bacon es básicamente una contracorriente a los estereotipos de la corporalidad humana y la construcción cultural de los géneros, los cuales se aproximan a la muerte hasta el punto de asemejarse a un cadáver desapareciendo estas categorías culturales. Por medio de una anatomía de la autodestrucción, atrapa la intensidad de la experiencia corporal en momentos de dolor y éxtasis que prefiguran la desaparición física.

11. La fuerza de la ambigüedad de sus obras es lo que hace de Francis Bacon un referente crucial de la pintura posterior a la Segunda Guerra Mundial, cuando los basamentos modernistas parecieron desfallecer.

12. Imagen del trípticos de autorretratos de Francis Bacon Un tríptico de autorretratos pintados por Francis Bacon en 1980, en los que el artista irlandés da muestras de su extraordinario poder de introspección

13. Autorretratos de Francis Bacon y de Picasso

14. Bacon realiza una anatomía de la autodestructividad humana, ensaya atrapar la intensidad de la experiencia corporal en esos momentos de dolor y éxtasis que prefiguran la desaparición física y nos enfrentan al cadáver.

16. La muerte invade así las telas de Bacon , el cuerpo se desfigura, se pudre, vulnera la frontera de lo orgánico y los detritus lo invaden todo: El cadáver es el punto culminante de la abyección. La muerte infecta la vida. Extranjería imaginaría y amenaza real que acaba por engullirnos. Un cuerpo que se descompone, que escapa por una boca que grita, que se vacía, se prolonga en los torrentes de semen, se dilata, se mezcla con otros cuerpos, se metamorfosea en su reflejo. Frente a la concepción de un cuerpo o una piel idealizada, Bacon configura –o desfigura – la materialidad de la carne cuya viscosidad y crudeza de color nos recuerda la animalidad del ser humano. Bacon disecciona el cuerpo como un cirujano, para enfrentarnos a la vulnerabilidad de la condición humana.

18. La animalidad está impresa en la carne grosera, innoble, sórdida y, también, en los seres desgarrados, inacabados y descompuestos que Bacon pinta. Sus figuras – encerradas en una bestial carnalidad – describen las etapas de una metamorfosis que evidencia el aspecto larvario del individuo, que va desde lo informe a lo abyecto similar a la obra de Kafka.

21. El cuerpo en la obra de Bacon “se hace carne, se desacraliza, se presenta como espasmo, rompe con la armonía de la superficie y de la forma en un ser amenazado por su propia indefinición, esto es, por la dispersión de su identidad.” El psicoanálisis y el misterio de la carne: lo ominoso en la obra de Bacon.

22. “ el hombre comprende hoy que es un accidente, que es un ser absolutamente fútil, que tiene que jugar hasta el final sin motivo”

23. El pintor dice: "la mayor parte de un cuadro siempre es convención, apariencia y eso es lo que intento eliminar de mis cuadros. Busco lo esencial, que la pintura asuma de la manera más directa posible la identidad material de aquello que representa. Mi manera de deformar imágenes me acerca mucho más al ser humano que si me sentara e hiciera su retrato, me enfrenta al hecho actual de ser un ser humano, consigo una mayor cercanía mientras más me alejo". Para Bacon el retrato es el intento de capturar una identidad más allá de los emblemas. Ir en búsqueda del núcleo de una identidad. Su obra es el apogeo del retrato conceptual, cuyo objetivo es distorsionar la estabilidad del punto de vista; puede ser descrito como una estrategia para burlar las rutinas de la mirada, evitando las convenciones asociadas a un retrato clásico.

25. “ La mayor parte de un cuadro siempre es convención, apariencia y eso es lo que intento eliminar de mis cuadros. Busco lo esencial, que la pintura asuma de la manera más directa posible la identidad material de aquello que representa. Mi manera de deformar imágenes me acerca mucho más al ser humano que si me sentara e hiciera su retrato, me enfrenta al hecho actual de ser un ser humano, consigo una mayor cercanía mientras más me alejo“. Pinta insistentemente retratos y autorretratos introduciendo, según su estilo, torsiones y distorsiones de los ejes espaciales que dan como resultado la deformación de los rostros.

28. El retrato conceptual: el objetivo es distorsionar la estabilidad del punto de vista. El retrato conceptual puede así, ser descrito como una estrategia para burlar las rutinas de la mirada, evitando las convenciones asociadas a un retrato clásico. Un intento de transformar el estereotipo de un retrato convencional, que únicamente simula la individualidad concreta en una imagen proceso donde el rostro humano aparece en los límites de su disolución, justo antes de empezar a dejar de ser reconocido, lo que abre la posibilidad de múltiples lecturas. El proceso de representación se debate en esa tensión que busca aquel momento conflictivo en que la presencia parece a punto de disolverse, evitando, por ejemplo -como Tàpies- la desintegración a través de clavos, ajusticiando el rostro con nudos y alambres.

30. Los cuadros de Bacon tienen influencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh ; también se percibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros. En sus cuadros trabajó la representación de la figura masculina o femenina, que por lo general aparece de forma desfigurada e incluso de forma aterradora, en espacios cerrados y oscuros.

33. Los autorretratos en donde refleja la fragilidad del ser. Refleja la época que vivió, la Segunda Guerra Mundial .

35. Max Beckmann Autorretratos

36. Max Beckmann Autorretrato como un Payaso

37. “ Autorretrato con vaso de champagne”, 1919

38. Autorretrato, con buril, Max Beckmann, 1917

39. "Beckmann fue enfermero durante la guerra y las impresiones de los lesionados, los muertos y los mutilados, queda en sus dibujos, de concisa línea y poco recurso escenográfico" Max Beckmann, autorretrato, 1922

40. Todos esos lacerados van a poblar su obra en lo sucesivo. Pasado el conflicto, la calle alemana de este artista está llena de hombres que estuvieron en la guerra y muestran sus huellas, sus desgarramientos. Los otros sujetos de su escenario son desempleados, militares, politiqueros, caminadoras y perros, todos como tragedia de la posguerra y la entreguerra.

41. Max Beckmann, Autorretrato como enfermero, 1915

42. Autorretrato,Sover Raphael, 1980

43. Edward Munch Los autorretratos del pintor noruego, Edward Munch, cuya más famosa es "El grito", se exhibirán en el Royal Academy de Londres. La exposición, que se llevará a cabo entre el 1 de octubre y el 11 de diciembre, es una colección de 150 pinturas, dibujos y fotografías.

44. El grito, Munch

47. Munch, Autorretrato

49. Munch

50. Munch

51. LUCIAN FREUD

52. Como Rembrandt, Freud se ha autorretratado con obsesión a lo largo de su vida. Hoy tiene 85 años. En 1993, cuando entraba en sus 70 pintó su propia desnudez encorvada, parada sobre unos zapatones roñosos, hecha de decadencia, dignidad y un poco de locura. Aspira a que sus modelos dejen salir el animal que llevan dentro. Considera que la desnudez facilita que instintos y deseos, tan evidentes en los animales, se manifiesten en las personas. Y es esa entrega total en forma de cuerpos aletargados, esa flacidez, lo que perturba a un espectador avezado a las composturas. Para Freud las emociones son inútiles si no pasan por el filtro del escrutinio. Requiere la presencia inmediata de los modelos, con los que establece una especie de transubstanciación. Las miradas absortas de los retratados constatan una plácida divagación de los pensamientos y el esfuerzo por complacer la concentración requerida por el artista. Frente el expresionismo formal reclama la verdad de la expresión, de lo que resulta una intensidad obsesiva. El artista a menudo ha sido víctima del falso pudor que quiere ver tras sus desnudos una mente perniciosa y degradada. Lo que más ha ruborizado a las clases recatadas han sido las pinturas de sus hijas, que posan desvestidas con total naturalidad. Lo que el artista busca es la máxima intimidad, totalmente alienada de cualquier pretensión erótica. -“La manera en que las obras afectan al espectador tiene más que ver con su propia mirada que con la del pintor”.

53. AUTORRETRATO David Nebreda (S.XX)

54. La entrada de la sala del siglo XX, representa con exactitud el título de esta sección: la Angustia de la Historia , con la presencia del fotógrafo español David Nebreda que presenta tres autorretratos brutales y conmovedores de una introspección personal dentro de un discurso casi obsceno y completamente desmoralizador. A esto le sigue una mezcla un poco extraña de obras de artistas contemporáneos, desde Hopper, Sironi, Picasso, Mueck y Dix. Aquí sobresale una pintura melancólica por excelencia: uno de los últimos autorretratos de Zoran Music, donde una figura reclinada se disuelve en una plomiza licuidad del gris.

55. ZORAN MUSIC (Görtz, 1909-Venecia, 2005).

56. Sus retratos, a veces, nos miran y nos interpelan, pero desconocemos el contenido de su mirada, porque de nuevo, como en Dachau, sus ojos son cavernas. El pasado vuelve a hacerse presente. La barbarie del campo no se ha detenido en el instante de la liberación. Los dibujos de Music reflejan la verdad sobre la experiencia del campo de concentración, que no es otra, que estar muerto antes de estar muerto, es decir, la mutilación más absoluta, arrancar al hombre su humanidad cuando todavía está con vida. Hace poco se cumplieron diez años de la muerte de Music. En Venecia o en Dachau, eso nosotros no podemos saberlo.

58. Esta selección de la obra de Antonio Zoran Music (Gorizia-Eslovenia 1909), muestra excepcionalmente en toda su dimensión existencial la violencia y barbarie que arrasó Europa durante la primera mitad del siglo XX y que alcanza su trágico apogeo con el holocausto. Para la critica de arte, Dore Ashton, “Zoran Music, un artista vivo cuya experiencia, al igual que la de Beckmann, fue terrible, y que vivió obsesionado por sus dos años de estancia en Dachau, sólo muchos años después trataría de expresar su horror hacia el horror, a través de sus dibujos y pinturas. Los dibujos, expuestos hace unos años en Nueva York, resultan comparativamente mucho más expresivos, como si el humilde lápiz se encontrara más capacitado para plasmar lo inefable. Las pinturas, realizadas en su mayoría en tonos grises y sepias, se quedan cortas (como seguramente les sucede a todas las pinturas del holocausto) en sus referencias sordas a esqueletos y cadáveres humanos sumidos en una noche eterna. No obstante, el espectador se siente conmovido por la angustia del artista, y por su esfuerzo en representarla”.

60. Pinta el deterioro humano, al hombre deportado, sin territorio. En ellos la realidad de los cuerpos inertes y acartonados se encuentra interrelacionada con el medio. Dibujos monocromos o casi monocromos, cada vez más oscuros, que viajan al interior del que los observa, para desgarrarte las entrañas al contagiarte de su inmenso dolor. Music fue uno de esos pocos pintores alejados de los voluptuosos movimientos del mundo del arte. Un artista preocupado por su propio interior que muestra con sus trabajos la decrepitud de un mundo que ha conocido, pero que ya no presencia fuera de él. -“No trato de hacer una declaración pomposa cuando pinto cadáveres. No se trata de una protesta, simplemente es algo que sucedió. Nosotros no somos los últimos".

62. David Alfaro Siquieros, "Autorretrato. El gran coronel", 1945

63. El tema fundamental de la obra de Siquieros (1898 - 1974) es el papel social del ser humano, destinado a combatir para alcanzar su libertad. Siquieros (junto con Diego Rivera y José Clemente Orozco) fue uno de los fundadores de la escuela de pintura mural que surgió en México después de la Revolución. Dicho pintor estuvo preso y exiliado en muchas ocasiones, a causa de sus actividades políticas y revolucionarias.

64. René Magritte, "Golconda", 1953.

65. Es una ilustre imagen que se ha reproducido de las formas más diversas: la "lluvia" de hombres con bombín, vestidos de gris oscuro, se convirtió en una metáfora de la condición humana del siglo XX, con la pérdida de la identidad individual y la monótona banalidad de lo cotidiano.

66. Autorretrato de René Magritte

67. Autorretrato de René Magritte

68. Esta obra cuenta con una simbología muy profunda, algo quizás difícil de creer en la austeridad de sus detalles, sin embargo no todo es lo que parece (parafraseando a Magritte, XD): - Anónimo : Magritte pintó este cuadro como un autorretrato, aunque el personaje está representado de forma anónima ya que su rostro se tapa con una manzana. - Niebla : El mar y un cielo nublado están a las espaldas del personaje. Aunque Magritte negaba que su pintura tuviera simbolismo, pero se le considera surrealista. Los surrealistas tenían a Freud como referente para expresar los sentimientos ocultos y el inconsciente, como si fuera un sueño. Así, la niebla podría simbolizar el estado anímico del personaje. - Manzana : La manzana, según los teóricos, representa la tentación, siendo el personaje el hijo de Adán, según el título. Son las tentaciones de la vida moderna. - Bombín : El bombín, el hombre trajeado y la manzana son elementos normales en las composiciones de Magritte. Así, también hay un lienzo que representa la misma posición pero una mujer, con una flor tapándole la cara. - Significado : Según las propias palabras del artista, hizo este cuadro para denunciar lo fácil que es para nosotros rellenar lo que no conocemos. El hombre para él tiene muchas cosas que no da a conocer, que se tapan, al igual que en el cuadro. Entonces que podríamos decir: ¿Cuál seria la conexión entre El Hijo de Homero: Bart y El Hijo del Hombre de Magritte?, analicemos los mismo símbolos, para concluir una respuesta.

69. - Anónino: Todos sabemos que el que esta detrás de la manzana es Bart (ese pelo lo delataría en cualquier lugar) pero solo - creo yo - que Matt Groening, creador de la serie podría decirnos en realidad como es el verdadero Bart. - Niebla: si la niebla simboliza el estado anímico, en el caso de Bart las nubes simbolizarían que en realidad, su imaginación se desborda - especialmente cuando está en clases - y el pobre para siempre “en las nubes”. - Manzana: ¿tentaciones? si las tentaciones de Magritte eran pocas (solo cubre la parte central del rostro) en Bart son mucho más grandes y fuertes, ya que la manzana cubre toda su cara. Nótese también que la manzana del pintor, tiene cuatro hojas (es una manzana en estado maduro), la de Bart solo tiene una (una manzana inmadura). - Bombín: Bueno no lo iban a representar con el clásico polo rojo ¿verdad?, nótese la diferencia en el color de la corbata, el original es rojo, el de Bart negro, además que este último lleva también un pañuelo doblado en el bolsillo del pecho. - Significado: Es fácil encajar a Bart como un Niño Travieso, sin embargo él, como las personas reales, no son lo que aparentan.

70. “ Todo lo que estamos viendo esconde otra cosa, nosotros siempre queremos ver lo que está escondido por lo que vemos, pero es imposible. Los humanos esconden sus secretos demasiado bien …” Rene Magritte

71. Sus retratos y autorretratos, son hechos mirando hacia adentro, sin ninguna concesión a la frivolidad y sus pinturas sobre Venecia, donde vivió desde su liberación hasta la muerte, son el fruto de largas meditaciones, de su particular visión de la ciudad y el ambiente que respiró en ella.

72. 'Fred the Frog' de Kippenberger 1953-1997 Rana crucificada desata polémica en Italia La obra del alemán Martin Kippenberger, que esculpió una rana crucificada con una cerveza y un huevo en cada mano , ha desatado gran polémica en el nuevo Museo de Arte Moderno de Bolzano, debido a que “ha herido los sentimientos religiosos” de los visitantes. La obra es del artista alemán ya fallecido Martin Kippenberger, quien con la misma pretendía, según fuentes del museo, expresar un momento personal de profunda crisis. Según los directores de la pinacoteca, la obra, que pertenece a la colección 'Fred the Frog' de Kippenberger, es un autorretrato del artista "en un estado de profunda crisis".

73. Autorretrato de 'Fred the Frog' de Kippenberger

74. Autorretrato de 'Fred the Frog' de Kippenberger

75. Claudell Miller , Autorretrato

76. Autorretrato, Virginia del Giúdice 1960

77. Virginia del Giúdice autorretrato como un sin vergüenza

78. Autorretrato. Indagación descarnada Ramón Almela . Doctor en Artes Visuales En las prácticas visuales contemporáneas, principalmente desde los Noventa, sucede una recuperación del cuerpo y la identidad marcada por un asalto a la representación misma y, al mismo tiempo, el retrato experimentaba una revitalización cuando ya se le consideraba extinto. Se advierte la atención que este género recibe por parte de los artistas retando las condiciones miméticas clásicas de representación, extendiéndose esta actitud a la práctica del autorretrato. Ésta es la importante contribución de la muestra al revisar las diferentes alternativas actuales ejercitadas por el artista.

79. Dulce María Jurado " Adivina quién "

80. Uno de los mejores trabajos presentes en la muestra es el de Dulce María Jurado , " Adivina quién ". Con la base de un juego de reconocimiento del rostro, se presenta a sí misma con 24 fotografías pequeñas sobre un tablero colocado en una mesa adoptando estrategias de camuflaje, fragmentación, desdoblamiento, y multiplicidad de identidades que siguen las actitudes básicas de representación adoptadas por el resto de los participantes en la exposición, pero que en ella concuerdan especialmente con el uso que realiza de la significación objetual de sus piezas pasadas y la carga crítica que siempre acompaña. Dulce María Jurado es una de las artistas del panorama joven poblano que se vislumbra con más solidez por su talento y persistencia.

81. Carlos Arias " Cuerpo rojo II "

82. Angela Arziniaga " Yo: Fluidos vitales "

83. Dice Rosa Martínez en su libro " El retrato " que el " arte actual es un arte de artistas, un enorme autorretrato de artista ". Las realizaciones visuales actuales son una proyección espejal y subjetiva de la identidad estilística del artista. El autorretrato contemporáneo no se limita a esa función específica de plasmar la imagen del propio artista, no se detiene en el rostro y busca señas de la cambiante identidad, revelando en el enmascaramiento, y en la indagación de la misma existencia, de su entorno y su espacio físico las características de su ser y su problemática. Desde el Renacimiento, el autorretrato adquiere un carácter central en la obra de los artistas reivindicando el mito que el papel de artista empieza a adquirir. El orgullo individual en la capacidad de realizar imágenes los empujaba, con una dignidad y enaltecimiento en su presentación, a autoafirmarse a través de la representación de su imagen, autónoma o insertada muchas veces en las obras.

84. El Romanticismo generaría una crisis de identidad en el artista quien no se vería con esa magnificencia ya y, en general, después de Goya los artistas renuncian a la glamorosa y distintiva autorrepresentación dirigiéndose con franqueza a explorar su fisonomía y desglosar sus ideas a través de simbolizaciones.

85. Gustavo Mora " s/t”

86. Yara Almoina " Táctica "

87. La fisonomía no es la característica predominante en el autorretrato presente en esta exposición, pero cuando el artista elige presentar su rostro o el cuerpo lo hace indagando descarnadamente y lejos de esa representación mítica. Ángela Arziniaga con las fotografías y el uso de los cabellos y fluidos vitales vertidos a papel de arroz se dispone abierta y corporalmente al público. O en la espontaneidad mostrada de una erección sexual de Carlos Arias " Cuerpo rojo II " dentro de la sistematización del lenguaje pictórico que investiga en esta etapa. Muchos de los rostros aquí mostrados aparecen bajo las distorsiones y muecas del rostro como en el de Gustavo Mora con un dibujo a lápiz sacando la lengua, o la de Ernesto Cortés sacándose una basurita del ojo en un retrato frontal al óleo. Juan Pablo Macías , con una pieza de video confrontando la cámara, al ojo que mira y a la idea de la distancia de la representación cuando ejecuta la acción de inflar un condón durante dos minutos y medio hasta que explota.

88. El camuflaje, ocultamiento o enmascaramiento constituyen un numeroso grupo de propuestas de autoexploración representativa. Una de las más destacadas es la sutileza de Yara Almoina presentando con " Táctica " en un rincón, una polvera abierta que desvela una figura fotografiada oculta alargando su brazo hacia el lado de la tapa. Sugerencias de la psique y el cuerpo sorteando represiones que se desvelan en los sueños y en las conversaciones desinhibidas y que se muestran como collage sonoro a través de una grabadora de mano colocada en un pequeño cajón desde donde surge misteriosamente su voz. Eliecer Eduardo Alejo plantea un ocultamiento explícito cubriéndose el rostro con las manos. Manos que en una pintura de Martín Peregrina aparecen sin sujeto en actitud oratoria continuando con su lenguaje evocador de De Chirico, pero sin la plástica de color y material que distingue su obra, aunque en " Mundos ", enmascarado como ave, la contundencia es más efectiva. Inclusive, también, Ernesto Cortés en la pintura " Banco " se muestra sólo distinguible por las piernas apoyadas en el mueble.

89. Ernesto Cortés " Autorretrato con basurita en el ojo "

90. Eliecer Eduardo Alejo " Autorretrato-01 "

91. Martín Peregrina " Mundos "

92. En este ahondamiento de la imagen de sí misma, Maru Jiménez, se apoya en lo que afirma que en el autorretrato interviene: Manipulación, discriminación y censura. Estos tres componentes son activados en la percepción del artista que trata de proyectar su imagen. Así, ella, procede a censurar tramos del texto, y cubrir partes de las fotografías tamizando la visión ajena de su persona. Una vez más, el ocultamiento como una de las estrategias dominantes en la exposición.

93. Yara Almoina " El nido de la voz "

94. Ernesto Cortés " Banco "

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