El documento resume los principales cambios en el arte religioso cristiano durante el Renacimiento en Italia. Los artistas comenzaron a valorar más su oficio y buscaron lograr obras cada vez mejores, desarrollando técnicas como la perspectiva para recrear de manera más realista escenas religiosas. Aunque las imágenes mantuvieron su simbolismo, los artistas se inspiraron más en el estudio de la realidad. El interés por la antigüedad clásica también creció, influyendo en el estilo de las representaciones.

1. historia del arte religioso cristiano Unidad II / Clase nº 8 Humanismo y Renacimiento

2. ¡Al fin, mi turno! Jefe, yo creo que todavía no nos toca... ¡Por mis barbas! ¡Qué impertinencia!

3. Cimabue, Madonna con el Niño , 1286, Galleria degli Uffizi, Florencia Cuando el pintor italiano Cimabue terminó de pintar esta imagen, todos en Florencia celebraron... ¿Por qué? ¿Tardó mucho en pintarla? Espera, déjame explicar... Todos celebraron porque estaban asombrados del “realismo” manifiesto en la obra. Cargaron a Cimabue en hombros y le llevaron junto con la pintura, en una alegre procesión hasta la iglesia donde debía colocarse la imagen. Bueno, eso de “realismo” es discutible... Claro, sobre eso podemos discutir mucho, pero lo que en verdad es digno de destacarse es el hecho de que todos estaban muy pendientes de los resultados de la obra de Cimabue. Es decir, esperaban algo de él que iba más allá del mero hecho de hacer una imagen religiosa. Eso sí...

4. Eso nos lleva a pensar que entonces ahora nadie se puede dormir, porque se lo lleva la corriente... simplemente. Así es. Los artistas introducen la noción de “logro” a su oficio. De modo que ya no basta el piadoso deber de realizar imágenes religiosas, sino que además éstas tienen que ser cada vez mejores. Sí, se nota que las nociones básica sobre el oficio están cambiando. Incluso podríamos afirmar que ese interés por hacer algo cada vez mejor, incita el individualismo . Pero por supuesto. Llegará un momento en el cual los artistas dejarán de ser seres anónimos para crearse un nombre de relevancia y un estilo particular. Perdonen la pregunta...¿Qué tiene que ver eso con el arte religioso cristiano en sí?

5. Tiene mucho que ver, porque de ahora en adelante, el oficio artístico comienza a adquirir otras características. Los pintores, por ejemplo, valoran más su oficio y aunque no dejan de pensar que trabajando en imágenes religiosas hacen un servicio a Dios... ...se dan cuenta que pueden ganar prestigio y fama con los logros manifiestos en sus obras. O sea, se convierten en estrellas de cine! ¡Chamo, el cine todavía no lo inventan! Bueno... Comienzan a aparecer en la revista ¡Hola! Nada de revista ¡Hola! ...Inician el camino de la inflamación del ego. Fra Angelico, Madonna con el Niño , 1436, Museo Dicesano, Cortona

6. ¡Ahora sí me toca! Naranjas chinas, Jefe... ¡Santa Creación!

7. Tomasso Masaccio, Crucifixión , 1428, Iglesia de Santa María Novella, Florencia También hay que decir que de tanto tomar en cuenta la realidad sensible para acceder a aquello que no les es dado conocer, los artistas inician un proceso de racionalización de la realidad . Lo que Él quiso decir es que los artistas buscan “meter en cintura a la realidad” y se dan cuenta que pueden hacerlo, que tienen la capacidad. Así es, por ello Masaccio nos ha ubicado aquí recreando la ilusión de una bóveda, que no está allí, pero parece como que sí. ¿No es eso lo que llaman “perspectiva”? ¡Amén! ¡Amén!

8. La perspectiva, es el método empleado en las artes gráficas que permite representar el espacio tridimensional sobre una superficie plana. Existen varios tipos de perspectiva , pero en el siglo XV se perfeccionan principalmente dos tipos: la lineal, que es la que nos permite recrear el espacio matemáticamente a través de líneas que convergen en un mismo punto... ...y la aérea, que es la que determina que entre un objeto y otro, vistos en la distancia, existe una masa de aire que le modifica, es decir, que hace imposible que si se está lejos se vea con nitidez. Interesante... pero eso nos acerca a la realidad de un golpe!

9. Andrea Mantegna, Crucifixión , 1460, National Gallery, Londres Pudiéramos pensar que sí, pero no necesariamente. Observemos esta obra con detenimiento... Por un lado, el artista trabaja la perspectiva , tanto lineal como aérea, para crear un espacio coherente, adecuado a las observaciones que ha hecho de la realidad sensible . Los personajes tiene un volumen y un peso, ocupan parte de ese espacio recreado por la perspectiva . Pero ¿en qué lugar del mundo real hay unas montañas así? ¿Quién tiene un cuerpo modelado de esa forma? Sí, el asunto es sospechoso.

10. Raffaelo Sanzio, Desposorios de la Virgen , 1504, Pinacoteca Vaticana. ¡Ah, no! Este ya exageró. Este lugar es demasiado perfecto... ideal diría yo. ¡Claro, es un espacio idealizado! ¿O es que no habéis visto quienes se están casando? No es un matrimonio cualquiera... más sagrado imposible! ¿Y eso que tiene que ver? ¿No querían ser realistas, pues? ¡Estos chiquillos alados! ¡No aprenden! Nadie ha dicho que se quiere ser realistas . Se metió por el aro a la realidad , que es otra cosa. Yo no sé ustedes, pero yo estoy enredadísimo.

11. Leonardo da Vinci, La Ultima Cena , 1498, Convento de Santa María delle Grazie, Milán. La idea que se plantea es hacer de la superficie pictórica una especie de ventana abierta a la realidad , no importa cuán idealizado esté todo, lo esencial es que lo que se ve aparezca debidamente adecuado a cómo se debería ver. A ver si aparezco en la segunda edición del Código Da Vinci .

12. Fra Filippo Lippi, Madonna con el Niño , 1437, Museo d`Arte Antica, Roma Los artistas del siglo XV, sobre todo en Italia, comprendieron perfectamente que sólo a partir del estudio de la realidad podrían comprenderla y explicarla en las propias obras. En otras palabras, las imágenes, religiosas o no, se convirtieron casi en una excusa para, a través de ellas, estudiar el comportamiento de los elementos que conforman la realidad. Mami, ¿eso quiere decir que ya hemos dejado de ser representaciones de una realidad superior , para terminar siendo meras copias de la realidad terrenal ?

13. ¡Ajá, batea esa recta de humo! Las imágenes religiosas no dejarán de ser representaciones de una realidad superior , no importa cuánto se fajen los artistas en su estudio de la realidad material ... ...La relación simbólica de las imágenes religiosas con el modo de su representación, sigue estando presente, porque la idealización del espacio real hace que éste mantenga la cualidad de irreal o sobrenatural . ¡ Home run el batazo!

14. Leonardo da Vinci, Santa Ana, la Virgen y el Niño , 1510, Museo del Louvre, París. Incluso en una obra como esta, en la que Leonardo se atrevió a despojarnos de nuestras respectivas aureolas y no nos ha situado sobre un fondo dorado, somos seres completamente idealizados , situados en un espacio ideal , aunque simule la naturaleza. Pero hay mucho más abuelita. Fíjate que con todo y que nos quitó las aureolas, Leonardo me dejó mi corderito, para que nadie olvide que soy el Cordero de Dios . Beeee... ¿Eso quiere decir que el simbolismo medieval se mantiene?

15. ¡Aquí vengo yo! Nones... ¡Bendito sea yo!

16. Alessandro Botticelli, Madonna del Libro , 1483, Museo Poldi Pezzoli, Milán. La enorme simbología del arte religioso cristiano no sólo pervive sino que se ve enormemente enriquecida en este período. Las imágenes religiosas siguen siendo representaciones aunque parezcan reproducciones, pero también enaltecen su función pedagógica al alimentar su mensaje con contenidos simbólicos. Las frutas, entre las que podemos distinguir unas uvas, símbolo de la sangre de Cristo, que aunque aquí se nos muestre como un niño, nos recuerda su futura Pasión. Una estrella, símbolo de María, a quien se le relaciona con la estrella de la mañana o la estrella del mar que guía a los navegantes. La corona de espinas, uno de los instrumentos del martirio de Cristo, nos recuerda sus dolores y el sacrificio que hará por nosotros. El libro, símbolo de sabiduría, en este caso de la que profesó María al aceptar los designios de Dios en el instante de la Anunciación.

17. Andrea Mantegna, San Sebastián , 1456, Museo del Louvre, París ¿Cómo hará si le llega a picar la nariz? ¡Seriedad señores! Miren que lo que vamos a explicar ahora es importante. Y seguro que también es complicado. Desde el siglo XIV, en la región italiana había ganado fuerza un interés renovado por las formas plásticas de la antigüedad grecorromana. Aunque esto no era nuevo, su crecimiento sí lo fue. Tanto es así que los artistas hablan entonces de emplear un estilo a la antigua ( alla antica ). Las formas de la antigüedad clásica fueron introduciéndose en el arte religioso cada vez con mayor frecuencia. Hasta el punto de llegar a obras como ésta que vemos aquí. Será común observar el uso de “citas” visuales de elementos clásicos, pero agregándoles un significado simbólico nuevo en relación directa con la escena representada. En este caso vemos una representación del martirio de San Sebastián, quién recibió tal tortura por órdenes del emperador Diocleciano. Podemos observar la presencia de la columna corintia, uno de los elementos más paradigmáticos del arte antiguo, y restos de una estatua también de estilo clásico, estos dos elementos se hallan en ruinas, mientras el cuerpo apolíneo del santo surge hermoso entre ellas. El significado no puede ser otro: el triunfo de la cristiandad sobre la paganidad del mundo clásico.

18. Michelangelo Buonarrotti, David , 1503, Galleria della Academia, Florencia Me perdonan, pero esto ya es el colmo. Miguel Ángel se vale de las nuevas posibilidades que se han abierto a los artistas luego de un estudio conciente del sistema de representación de la antigüedad, y las emplea como el mejor de todos. Con las formas de la antigüedad clásica, Miguel Ángel crea la representación de David, héroe bíblico que vence a un hombre mucho más fuerte que él con su inteligencia. Dirán lo que quieran, pero como yo... ¡ninguno!

19. A todo esto los historiadores le han llamado RENACIMIENTO , porque implica el renacer de muchas ideas a la vez: el individualismo, el humanismo, la racionalización del mundo y la cultura grecorromana. Raffaelo Sanzio, Cristo bendiciendo , 1506, Pinacoteca Tosio, Brescia Pero Jefe, aquí hay muy pocas cosas originales. Puede ser... pero el cómo usan todas esas ideas es lo original. ¿No han pensado que tenemos a Platón y a Aristóteles dándose la mano? Por un lado, se idealizan las cosas y por el otro, se hace énfasis en la observación de la realidad para conocerla. ¡Verdaderamente! En esta imagen, por ejemplo, estoy igualito a un hombre... el cuerpo, el rostro, los gestos, etc. Pero al mismo tiempo, soy un hombre perfecto , idealizado en sus formas, proporciones, etc. Ten presente que el pensamiento platónico penetró en el Cristianismo a través de los neoplatónicos y San Agustín, así como el aristotelismo lo hizo a través de los estudios de Santo Tomás de Aquino. Estas ideas no van a perderse, muy por el contrario, permanecerán vivas en el seno del Cristianismo en los siglos futuros. Cambiarán algunos enfoques, pero en el fondo siempre partirán de estas dos ideas fundamentales.

20. ¡Llegó el momento! Ahora sí, Jefe... Déle con furia... ¡Alabado soy!

21. ¡Uhum!... No hay duda, es probablemente la más famosa obra de toda la historia del arte religioso cristiano...

22. ¡La Capilla Sixtina! Pocas personas no estarían de acuerdo con el hecho de que la fama de la Capilla Sixtina no es absolutamente merecida. En ella, varios artistas dejaron la huella de su talento imperecedero en un programa iconográfico sin igual. Pero son los frescos de la bóveda y la pared detrás del altar, realizados por Miguel Ángel los que atraen a millones de personas cada año a este lugar. En esta clase veremos los frescos de la bóveda y descubriremos el por qué de sus laureles. La música que escuchas es de Giovani Pierluigi da Palestrina (1525-1594), probablemente uno de los más emblemáticos compositores del Renacimiento italiano. La pieza se llama Tu es Petrus, es un motete basado en el texto del Evangelio según San Mateo que dice: “ Tu es Petrus et super hanc petram aedificabo ecclesiam meam” (Tu eres Pedro, y sobre esta piedra levantaré mi Iglesia ) (16 : 18-19)

23. Los frescos que Miguel Ángel pintó para la bóveda de la Capilla Sixtina, corresponden a un ciclo iconográfico, es decir, que no es posible leer el real sentido de una sola de las escenas sin considerar el conjunto completo como un todo. Los frescos de la bóveda nos presentan las escenas del libro del Génesis, desde la creación del mundo hasta la embriaguez de Noé después del Diluvio universal. Acompañando estas escenas hallaremos algunos profetas del Antiguo Testamento... ... y algunas sibilas, o profetisas de la antigüedad clásica; también las efigies de los antepasados de Cristo y montones de personajes decorativos que añaden a esta obra la influencia del gusto por los motivos grecorromanos. Veamos a continuación algunos fragmentos de esta titánica obra para estudiar al detalle los cambios que se han efectuado en el arte religioso cristiano... Miguel Ángel Buonarrotti, Frescos de la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-12), el Vaticano.

24. Ahora escuchamos otra pieza de Palestrina, un motete titulado Sicut Cirvus . Una de las cosas que mayor impacto producen estas pinturas es la concepción que Miguel Ángel despliega sobre Dios Padre. No es la primera vez que se representa la imagen del Padre, pero nunca antes se le había impuesto tal grado de energía a su acción creadora. El tipo del anciano de larga barba blanca está presente aquí, pero en él se ha colocado, simbólicamente, toda la energía que mueve el universo entero. Su fuerza se refleja en su rostro lleno de vida, en sus manos grandes y vigorosas, en el poder de sus músculos, porque finalmente, Miguel Ángel ha representado a Dios a imagen y semejanza del hombre... Su rostro es el del Supremo Ser Creador, cuya mente alberga todas y cada una de sus obras, aún antes de ser concebidas...

25. Sin embargo, aunque Dios Padre parece tan hombre como aquel al que le dará vida, es el Todopoderoso que con un augusto ademán traspasa el hálito del ser a la humanidad representada en un solo hombre, Adán.

26. En su discurso visual, Miguel Ángel opta por presentarnos, simultáneamente, el Pecado Original y la Expulsión del Paraíso. Esto, por un increíble recurso pedagógico: la causa y el efecto, una cosa no hubiera sucedido sin la otra.

27. En primer término, Adán y Eva se hallan a punto de sucumbir ante la tentación del demonio. En este instante, ambos son dos criaturas hermosas, puros de corazón, y sus rostros así lo reflejan.

28. En segundo término, Adán y Eva son expulsados del Paraíso por la desobediencia a las órdenes de Dios. Sus rostros reflejan ahora la amargura de saberse pecadores.

29. Casi estoy sin comentarios, pero aún tengo una pregunta: ¿Miguel Ángel era fan de Platón o de Aristóteles? ¡Cómo te encanta complicarte! Miguel Ángel estuvo siempre más apegado al neoplatonismo que al aristotelismo. De hecho, una vez llegó a afirmar: “ Yo pinto con el cerebro y no con las manos” , en una clara alusión a que todo está en las ideas; sólo en la mente está la perfección así como sólo en la mente de Dios están las ideas perfectas de todas las cosas. Pero al mismo tiempo debió estudiar mucho la anatomía del cuerpo humano, para lograr obras tan hermosas. ¿Por qué no vas a ver si el gallo puso? Claro que sí. Pero no olvides que el estudio de la realidad a partir de la observación puede ser empleada para darle un orden racional al mundo y, al mismo tiempo, para conocer lo que no nos es dado percibir.

30. Tomad, ahora la pelota es vuestra... veremos que hacéis con ella. Molto grazie...

32. Fin de la clase nº 8. Recuerda leer los textos que corresponden a la siguiente clase antes de iniciar la presentación correspondiente.