Michelangelo Merisi da Caravaggio fue un pintor italiano activo entre 1593 y 1610 conocido como el primer gran exponente del Barroco. Nació en Milán en 1571 y se mudó a Roma en 1592 donde tuvo gran éxito pintando obras religiosas para iglesias que impactaron el arte con su realismo y uso de modelos comunes. Sin embargo, también tuvo una vida tumultuosa llena de peleas que lo obligaron a huir, pasando tiempo en Nápoles, Malta y Sicilia hasta su muerte en 1610.

1. Michelangelo Merisi da Caravaggio

3. Primeros años
(1571–1592)
(Milán, 29 de septiembre de 1571 – Porto
Ércole, 18 de julio de 1610) fue un pintor
italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y
Sicilia entre los años de 1593 y 1610. Es
considerado como el primer gran exponente
de la pintura del Barroco.
Caravaggio nació en Milán, donde su
padre, Fermo Merisi, trabajaba como
administrador y arquitecto decorador
del Marqués de Caravaggio, ciudad de
la que más tarde tomaría el nombre.
Su madre Lucía Aratori provenía de
una familia adinerada del mismo lugar.
En 1576 la familia se mudó a
Caravaggio debido a la peste que
azotó Milán.

4. La cercanía con las familias Colonna y Sforza, ayudaron más tarde a
Caravaggio en su carrera. En 1584 entró a trabajar como aprendiz del
pintor lombardo Simone Peterzano, quien fue descrito en el contrato
como pupilo de Tiziano.
Tras concluir su
aprendizaje
comenzó a
moverse en el
circuito Milán-
Caravaggio, y
probablemente
visitó Venecia,
donde debió
conocer las
obras de
Giorgione, (las
que Caravaggio
fue acusado de
copiar) y de
Tiziano.

5. Roma
(1592–1600)
Hacia mediados de 1592 Caravaggio llegó
a Roma. Pocos meses después comenzó
el trabajo exitoso que no concluiría hasta
dejar Roma. Contactó con Giuseppe
Cesari, pintor de cámara de Clemente
VIII, «pintor de flores y frutos», quien le
ofreció trabajo en su taller de pintura.
Caravaggio pintó varios cuadros durante
esa época, entre los que se incluyen
“Muchacho Cogiendo Fruta” (su primera
pintura conocida), “Cesto con Frutas” y
“Baco”, supuestamente un autorretrato
realizado tras una convalecencia “Niño con un Cesto de Frutas”, h. 1593. Óleo sobre
posterior a su salida del taller de Cesari. lienzo, 67 x 53 cm. Galería Borghese.

6. Recientes estudios
han confirmado
que esta obra
“Cesto de Frutas”
pintada por
Caravaggio,
ciertamente
guarda significados
morales y
religiosos, en que
frutas picadas y
hojas secas aluden
a la caducidad de
la vida.
Las frutas de la canasta en “Cesto de Frutas”, fueron analizadas por un
profesor de horticultura, quien logró descubrir cultivos particulares en el
cuadro: «una gran hoja de higuera, con una mancha causada por un hongo,
que parece ser antracnosis».

7. La datación de esta obra
“Baco” no es muy segura,
dándose por algunos
autores la fecha entre 1596
y 1597 y situándolo otros
hacia 1598.
Baco fue pintado poco
después de que Caravaggio
se uniera a la casa de su
primer patrón importante, el
cardenal Del Monte, y
refleja los intereses
humanistas del cultivado
círculo del cardenal.
Parece que el cardenal lo encargó para regalarlo a Fernando I de Médicis con ocasión
de las celebraciones de las bodas del hijo Cosme II. La imagen aludiría irónicamente a
la conocida frugalidad del Gran Duque, que era incluso abstemio.

8. “La
Buenaventura”
es su primera
composición
con más de una
figura, en la
que muestra a
Mario
engañado por
una niña
gitana.
Este tema fue un poco nuevo para la sociedad romana y además demostró una
increíble influencia sobre el arte italiano, pero eso ocurrió en el futuro pues en su
época Caravaggio lo vendió por una pequeña suma de liras.

9. “Los
Jugadores
de Cartas”,
h. 1594. Óleo
sobre lienzo,
107 x 99 cm.
Museo de
Arte Kimbell,
Fort Worth,
Texas.
“Los Jugadores de Cartas” —que muestra otra poco sofisticada forma en
que un chico cae en la trampa de los jugadores de cartas— es
psicológicamente más compleja que sus anteriores obras y por ello fue
considerada como su primera obra maestra.

10. Para el cardenal y
su círculo amante
del arte, Caravaggio
ejecutó un gran
número de obras de
cámara, como “Los
Músicos”, “Apolo
Tocando el Laúd”,
una copia de su
“Baco” y una
alegoría realista,
“Chico Mordido por
una Lagartija”, en
la que Mario
destaca como
modelo.

11. El más famoso
(1600–1606)
pintor de Roma
En 1599, presumiblemente
bajo la influencia del
cardenal Del Monte,
Caravaggio fue contratado
para decorar la Capilla
Contarelli, en la iglesia
romana de San Luis de los
Franceses. Los dos
trabajos hechos para este
encargo fueron: “El
Martirio de San Mateo”, y
“La Vocación de San
Mateo”, entregados en
1600.

12. “La Vocación de San
Mateo”. Óleo sobre lienzo, h.
1599-1600. Capilla Contarelli,
San Luis de los Franceses,
Roma.
En “La Vocación de
San Mateo”,
Caravaggio muestra
un haz de luz
entrando por una
ventana, que
expresa
simbólicamente la
conversión de Leví
en Mateo.

13. Una de las pocas pinturas de carácter secular y
no religioso de aquella época fue “El Triunfo
del Amor”, pintada en 1602 para Vincenzo
Giustiniani, miembro del círculo social del
cardenal Del Monte. El modelo es llamado
«Cecco», en italiano, diminutivo de Francesco.
Posiblemente se trató de Francesco Boneri,
artista italiano activo entre 1610 y 1625, y
conocido popularmente como Cecco del
Caravaggio. La obra muestra a un cupido
desnudo, cargando un arco y unas flechas,
mientras pisotea los símbolos de las artes, las
ciencias y el gobierno.
El modelo está desvestido, y es difícil aceptar
que se trate de uno de sus siervos. El punto
culminante que relaciona esta pintura con las
religiosas es la intensa ambigüedad con la que
“El Amor Victorioso”. 1602 - 1603. Óleo sobre el pintor maneja los modelos de diferentes
lienzo. 156 x 113 cm. Gemäldegalerie, Berlín. posturas, ya sea sacra o profana.

14. Exilio y(1606
Muerte -
Caravaggio tuvo una vida
tumultuosa. Con una gran
capacidad de enfrascarse en riñas,
1610)
muchas de ellas fueron en los
mismos lugares e incluso se le llegó
a procesar por esto. La noche del
29 de mayo de 1606 mató,
probablemente por accidente, a un
«La hombre llamado Ranuccio
crucifixión Tomassoni. Anteriormente, sus
de San
Pedro»,
mecenas le protegieron de posibles
1601. acciones judiciales en su contra,
Cappella motivadas por riñas, pero esta vez
Cerasi, fue diferente. Con una orden de
Santa
Maria del aprehensión a sus espaldas y fuera
Popolo, de la ley, Caravaggio huyó a
Roma. Nápoles.

15. Ahí, bajo la
protección de los
Colonna, la
autoridad romana
veía mermado su
poder. Pronto se
convirtió en la
estrella de la pintura
napolitana. En esta
etapa realizó “Siete
Acciones de
“Siete Misericordia” y “La
Acciones de
Misericordia”, Madonna del
1607 Óleo Rosario”, entre
sobre lienzo,
390 x 260 cm. otros.
Pio Monte della
Misericordia,

16. Este es un cuadro de la etapa
napolitana de Caravaggio,
pintado en 1607. Es pareja
con “Siete Acciones de
Misericordia”. Ambas
estuvieron colocadas, en
principio, en la misma iglesia,
pero ésta fue trasladada a
Viena por órdenes de
Francisco José I. El cuadro
emula a Leonardo Da Vinci y
Rafael Sanzio, quienes
realizaron sendas versiones
de este tema. La luz y los
elementos de intercesión dan
a la escena un toque más
religioso y místico.

17. Luego de este suceso,
Caravaggio permaneció unos
meses más en Nápoles y
finalmente marchó a Malta,
al cuartel de los Caballeros
de Malta. Se piensa que su
viaje fue patrocinado por
Alof de Wignacourt, Gran
Maestre de la Orden, y
quien colaboró para el
indulto al pintor en el caso
Tomasonni. De Wignacourt
estaba tan satisfecho con el
trabajo del pintor, que le
indujo a ser Caballero de
Malta.
Uno de sus biógrafos, Bellori, señala que Caravaggio estaba “San Jerónimo Escribiendo”,
contento con su nueva distinción. Además, se le nombró Valleta, Malta, 1608.
pintor general de la Orden.

18. Entre los
principales
trabajos de
esta época
está “La
Degollación
de San Juan
Bautista” (la
única
pintura de
Caravaggio
con su
firma)
“La Decapitación de San Juan Bautista”, Catedral de San Juan, Valleta, Malta.

19. Luego de su expulsión de
Malta, Caravaggio se
asentó en Sicilia, con el
apoyo de su viejo amigo y
discípulo Mario Minniti,
quien ahora estaba
casado y vivía en Siracusa.
Juntos realizaron una gira
de trabajo por Siracusa,
Mesina y la ciudad capital,
Palermo. En esos años,
Caravaggio continuó
realizando trabajos bien
pagados, como “La
Sepultura de Santa
Lucía”, “La Resurrección
de Lázaro” y “La
Adoración de los
Pastores”.

20. Su estilo siguió
evolucionando, con la
particularidad de que
ahora se mostraban en sus
cuadros figuras aisladas
ante un enorme vacío.
«Sus grandes obras
sicilianas demuestran
sombras aisladas. Al
contrario de opacar
pobremente a los
personajes, la obra sugiere
temores y fragilidades del
hombre, a la vez que
transmite la belleza y
sencillez de los humildes,
mansos y sencillos, que
recibirán por herencia la
tierra».

21. Después de nueve meses en Sicilia, Caravaggio regresó a Nápoles. De acuerdo
a una de sus más recientes biografías, en Nápoles estaba a salvo del acecho de
sus enemigos, bajo la protección de los Colonna. Además, ya había obtenido
perdón, gracias al nuevo Papa, el cardenal Camilo Borghese (Pablo V) y pudo
regresar a Roma.
En Nápoles realizó
“La Negación de
San Pedro” y “El
Martirio de Santa
Úrsula”, su última
pintura.
Nuevamente, el
estilo de
Caravaggio
evolucionaba.
“La Negación de San Pedro”,
1610. Óleo sobre lienzo, 94 x
125 cm. Museo Metropolitano de
Arte, Nueva York.

22. En “El Martirio de
Santa Úrsula” la
santa atraviesa
uno de los
momentos de
mayor intensidad,
acción y drama en
su martirio,
cuando la flecha
disparada por el
rey de los hunos,
la hiere en sus
“El Martirio de Santa Úrsula”, 1610 Óleo sobre lienzo, 140.5 x 170.5
cm. Palacio Zevallos Stigliano, Nápoles. senos.

23. En Nápoles fue
víctima de un
intento de
asesinato, por
personas
desconocidas.
Primeramente hubo
rumores en Roma
acerca de «la
muerte del famoso
artista Caravaggio»
y más tarde se supo
que había salvado la
vida, pero tuvo
serias heridas que le
desfiguraron el
rostro.
Al recuperarse pintó “Salomé Sostiene la Cabeza de Juan el Bautista”, mostrando
su propia cabeza en el plato, obra enviada a Wignacourt para conseguir el perdón.

24. En ese mismo
tiempo pintó
“David con la
Cabeza de
Goliat”,
mostrando al
joven David con
un aura de
tristeza al mirar la
cabeza del
vencido gigante
Goliat, algo
repetitivo en la
obra caravaggista.
Este cuadro le fue enviado al cardenal Scipione Borghese, sobrino del Papa,
conocido por su falta de escrúpulos y por sus mecenazgos. Algunos críticos
consideran a “David con la Cabeza de Goliat”, como un pago de Caravaggio por la
ayuda prestada por Borghese para obtener el perdón papal.

25. Caravaggio produjo
mayoritariamente pinturas
religiosas. Sin embargo, a
menudo escandalizaba y sus
lienzos eran rechazados por sus
clientes. Dos de los reproches
habituales eran el realismo de
sus figuras religiosas rozando el
naturalismo temprano, así como
la elección de sus modelos
entre la gente de más baja
condición. En lugar de buscar
bellas figuras etéreas para
representar los actos y
personajes de la Biblia,
Caravaggio prefería escoger a
sus modelos de entre el pueblo:
prostitutas, chicos de la calle o
mendigos.

26. Este sentimiento se
reforzó por la elección
de Caravaggio de
preocuparse
enormemente por el
realismo en la
ejecución de sus
figuras: rechazaba
corregir las
imperfecciones de sus
modelos para
representarlos más
«bellos» o de un modo
más acorde a las
visiones que la Iglesia
tiene de sus santos.

27. Por otra parte, la
representación de
los santos bajo
rasgos vulgares de
golfos salidos de
los bajos fondos
fue juzgado
incompatible con
los valores de
pureza y de
santidad
quasiaristocráticos
que transmitía la
Iglesia de aquella
época.

28. Esta es una pintura
que en su tiempo
escandalizó a Roma.
El problema consistió
en la reacción de
Isaac, que hasta
entonces había
mostrado una actitud
dócil ante su muerte,
convirtiéndose en
prefiguración de
Cristo.
Pero Caravaggio trata el asunto de otra forma, pues
Abraham debe doblegar la resistencia de su vástago.
La duda del patriarca es captada con maestría por el
pintor, que logra representar de manera sublime.

29. El cuadro muestra
a Cristo resucitado
ante sus
discípulos, pero
Tomás se niega a
creer, por lo que
Jesús le ofrece que
toque sus heridas.
El naturalismo típico de Caravaggio se
hace presente aquí, al mostrar al santo
como un incrédulo. Las luces, además,
contribuyen a enfocar más la figura y a
dotarla de realismo.

30. La Flagelación de Cristo, 1607 Óleo sobre lienzo,
286 x 213, Museo de Capodimonte.
Para La “Flagelación”, compuso
una coreografía de cuerpos en
claroscuro con un Cristo en
movimiento de total abandono y
de una belleza carismática.

31. El “San Juan Bautista con el
Carnero”, muestra a un jovenzuelo
de mirada provocativa y en posición
lasciva –se decía que el modelo era
uno de sus amantes.
El banquero, Ciriaco Mattei, encargó a
Caravaggio un Juan Bautista, para celebrar el
onomástico de su hijo mayor. Para la solicitud
de Mattei, Caravaggio empleó al mismo
modelo que en “El Amor Victorioso”.

32. La pintura de
Caravaggio que
causaría el
mayor
escándalo a los
ojos de la
Iglesia fue “La
Muerte de la
Virgen”
La representación tan realista del cuerpo de
la Virgen María con el vientre hinchado -
acompañado de sulfurosos rumores según
los cuales el modelo habría sido el cadáver
de una prostituta encinta ahogada en el
Tíber.
“La Muerte de la Virgen”. 1601 - 1606. Óleo sobre lienzo, 396 x
245 cm. Museo del Louvre, París.