El documento resume la vida y obra de varios pintores importantes como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Claude Monet, Vincent Van Gogh, Diego Velázquez y Francisco de Goya. Describe sus estilos pictóricos, obras más famosas y cómo expresaban sus sentimientos a través de la pintura.

1. ACTIVIDAD: 40 PRINCIPALES Por :Mª Carmen García García Curso: 1º Educación Primaria Asignatura: Educación Artística y su didáctica

2. TEMA: LA NATURALEZA (naturaleza humana, el espacio, objetos,…)

3. PINTORES

4. PABLO PICASSO Picasso(1881-1973) es a la historia del Arte un gigantesco terremoto de secuelas eternas. Con la posible excepción de Miguel Ángel (quien centró sus mayores esfuerzos en la escultura y la arquitectura),ningún otro artista mostró tal ambición a la hora de situar su obra dentro de la historia del Arte. Picasso creó las vanguardias. Picasso destruyó las vanguardias. Miró atrás a los grandes maestros y los superó cuando se lo propuso. Se enfrentó a toda la historia del Arte y redefinió de su propia mano la tortuosa relación entre obra y espectador.

5. El cubismo fue un movimiento artístico cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos . El inventó el “Cubismo”,es decir, que el retrato de una persona está pintado con triángulos y cuadrados con las piezas como la nariz o la boca en un lugar falso. Unos de sus retratos más famosos es el de la escritora americana Gertrude Stein . “ Guernica” :Una de las obras más importantes y conocidas del siglo XX. Es una metáfora inigualable del horror producido por el hombre, que no requiere mayor explicación que su contemplación.

6. “ Todo el mundo quiere comprender la pintura. ¿Por qué no intentan comprender el canto de los pájaros? ¿Por qué a la gente le gusta una noche, un flor, todas las cosas que rodean al hombre sin tratar de comprenderlas? En el caso de la pintura, en cambio, se quiere comprender. Que comprendan sobre todo que el artista obra por necesidad (...) Quienes intentan interpretar un cuadro, casi siempre se equivocan.” Pablo Picasso.

7. SALVADOR DALÍ Salvador Dalí(1904-1989) – “¡No podéis expulsarme porque yo soy el surrealismo!”, bramó Dalí cuando André Breton lo expulsó del movimiento surrealista por sus ideales fascistas. Aunque la frase suene presuntuosa (lo que nunca fue inusual en Dalí), lo cierto es que las pinturas de Dalí son hoy en día las imágenes más famosas de todo el surrealismo.

8. Aquí, Dalí se inicia con sus famosos relojes blandos. El decía que no eran otra cosa que el queso Camembert del espacio y el tiempo, suave, extravagante, solitario y paranoico-crítico. En este autorretrato, un Dalí similar al que aparece en “El gran masturbador” (1929), se encuentra inmóvil y con la lengua afuera. Aparte de los insectos, se encuentra aislado en un paisaje árido y caluroso. En estas condiciones, la percepción del tiempo y del espacio, y el comportamiento de los recuerdos, adquieren formas blandas que se ajustan a las circunstancias. Veinte años más tarde en “La desintegración de la persistencia de la memoria” (1952), Dalí descompone estas imágenes incorporando el conocimiento de las consecuencias del uso destructivo de la energía atómica. “ Enigma” (1929) Con elementos tales como piedras, insectos, conchas marinas y huecos, Dalí expresa sus complejos sentimientos hacia su madre, con la cual había estado muy ligado. La roca con huecos, es el elemento central de otra pintura de Dalí: “El complejo de Edipo” (1930). La cercanía y la ubicación de una figura humana en relación a la roca, ayudan a explican el título y el simbolismo utilizado por el pintor. Nótese también, en la parte inferior izquierda del cuadro, un abrazo entre Salvador y su padre. En relación con la cabeza de león, Freud escribió que la presencia de un animal salvaje representa impulsos sexuales que la persona teme dejar salir. “ Masturbateur”(1929) Se trata de un autorretrato donde se reflejan sus deseos y temores sexuales. Para entonces Dalí todavía era virgen y en su timidez influía el conocimiento, a través de libros de su padre, del alcance de las enfermedades venéreas. Entre varios símbolos destacan los sig uientes: el saltamontes, que aterrorizaba a Salvador; la cabeza de león aludiendo a deseos reprimidos; y una flor-vasija que, cercana al pecho de la mujer, espera ser llenada.

9. El autor expresa en sus cuadros, todo lo que el siente, sus temores, sus miedos, su visión de la vida, utilizando objetos y animales como formas de expresar sus sentimientos.

10. CLAUDE MONET Claude Monet (1840-1926) – La importancia de Monet dentro de la historia del Arte se ve en ocasiones “olvidada” por el hecho de que ante su obra el espectador tiende a ver solo la irresistible belleza que emana del lienzo, olvidando el complejo estudio que Monet hacía de la pintura (un “defecto” que el propio Monet propició al declarar “no entiendo por qué la gente quiere entender mis pinturas, cuando es suficiente con disfrutarlas). No obstante, los experimentos de Monet, en particular sus estudios sobre los cambios de luz sobre un mismo objeto a lo largo del día, y la cualidad casi abstracta de sus “nenúfares” son un prólogo evidente al Arte del siglo XX.

11. De todos los impresionistas, Monet fue el que con más énfasis practicó el pleinerismo, es decir la práctica de la pintura al plein-air (en francés: 'aire pleno, total' y también - y ese es el significado que aquí más nos importa-: AIRE LIBRE). La pintura al aire libre. Aunque existe gran cantidad de pintores paisajistas previos a Monet, se nota en ellos que la factura de sus obras ha sido realizada principalmente dentro del taller tras un previo esbozo. Hasta la segunda mitad de S.XIX Los efectos de luz que se refleja en sus obras nos hacen sentir que la naturaleza está viva, nos trasmite armonía y serenidad .

12. Vincent Van Gogh (1853-1890) – Pocos nombres en la historia del Arte son hoy tan famosos como el de Van Gogh, pese al completo olvido que sufrió en vida. Su pintura, vigorosa y personal, es una de las grandes influencias a la pintura del siglo XX, especialmente al expresionismo alemán. VINCENT VAN GOGH

13. Van Gogh entendía la pintura como vía de modificar la sociedad y como vehículo de salvación personal. Fue un personaje difícil en su relación con los demás y en lo económico, fue un fracasado en cuanto a lo amoroso. En el trabajo tampoco le fue demasiado bien y le hubiera sido difícil sobrevivir de no ser de la caridad de su hermano Théo. Nuestro artista se enfrenta desde una óptica muy personal a una vida que para él resulta frustante. Los niveles que alcanzó le llevaron al suicidio, en una de sus últimas cartas manifiesta abiertamente cómo la pintura le estaba llevando a la destrucción. Abrió caminos al expresionismo posterior. Como algunos artistas su espíritu y su mente vivían y expresaban sentimientos tormentosos, su enfermedad y situación le llevaron a terminar con su vida. Tiene muchos cuadros de paisajes y naturaleza, pero yo he elegido estos, porque me parece que expresan la soledad y el desasosiego de su personalidad. La silla de Van Gogh Óleo realizado en 1889 Pintura metafórica sobre la soledad del autor

14. Diego Velázquez (1599-1660) – Junto con el anterior, una de las cumbres de la pintura barroca. Pero a diferencia del holandés, el artista sevillano se movió casi toda su vida dentro de la cómoda, pero también rígida, sociedad cortesana. A pesar de ello, Velázquez fue un renovador, un “pintor de atmósferas” casi dos siglos antes que Turner o los impresionistas, y lo plasmó tanto en las colosales pinturas de cámara (“Meninas”, “La fragua de Vulcano”) como en los audaces e inolvidables bocetos de la Villa Médicis. DIEGO VELÁZQUEZ

15. “ Las Meninas” “ La rendición de Breda” o “Las Lanzas” “ El triunfo de Baco” o “Los Borrachos” Quizás las tres obras más conocidas del pintor y que abarcan diferentes temas, personajes de la corte, episodios políticos y asuntos mundanos. Es un artista polifacético y un gran retratista, tanto de personajes importantes como de escenas cotidianas sencillas.

16. FRANCISCO DE GOYA Francisco de Goya (1746-1828) - Goya es un enigma. En toda la historia del Arte pocas figuras resultan tan complejas para el estudio como el genial artista nacido en 1746 en Fuendetodos. Inquieto e inclasificable, pintor sin rival en toda su vida, Goya fue pintor de corte y pintor del pueblo. Fue pintor religioso y pintor místico. Fue autor de la belleza y erotismo de La Maja desnuda y del explícito horror de Los fusilamientos del 3 de Mayo. Fue pintor al óleo, al fresco, dibujante y grabador. Y nunca paró su metamorfosis. Es el precursor de muchos movimientos pictóricos posteriores como el impresionismo. Genial técnica y estilísticamente, pasó por varias etapas, al principio cuadros optimistas y luminosos de temas desenfadados para pintar después grandes cuadros de la familia real (fue pintor de cámara del rey Carlos IV), y terminar viejo y solo realizando sus "pinturas negras", sombrías y siniestras.

17. El tres de Mayo de 1808 “La Maja desnuda” “La Maja vestida” Dos cuadros muy famosos de este pintor . Han sido históricamente muy comentados, controvertidos, e incluso censurados y todavía hoy se estudia la verdadera personalidad del personaje representado. Muchas preguntas para pocas respuestas definitivas. La verdad es que en todas las obras de Goya nos encontramos con mensajes ocultos, dobles sentidos, segundas lecturas y denuncias de la situación que le tocó vivir disimuladas en aspectos inicialmente simples. Sea como fuere, la maja desnuda provocó muchos quebraderos de cabeza a Goya ya que la Inquisición lo llamó para interrogarle y pedirle explicaciones por ese cuadro “obsceno y pecaminoso”. Naturalmente fue prohibida su exposición pública. (Entonces era más escandaloso un desnudo que la tortura, las ejecuciones y la corrupción). Es la primera vez en toda la pintura española en que se pinta un desnudo porque sí, sin excusas, y además sensual y provocativo. El tres de Mayo refleja el dramatismo de la guerra, en la cual final no hay vencedores ni vencidos, sólo victimas. Incita a pensar que los desacuerdos vale más arreglarlos a las buenas.

18. REMBRANDT VAN RIJN Rembrandt Van Rijn (1606-1669) – El fascinante, magnético juego de luces y sombras de sus obras parecen un reflejo de su vida, que pasaba de la fama al olvido mientras su técnica no hacía más que mejorar. Sus autorretratos, de largo los más fascinantes de la historia de la pintura, nos hablan de un pintor sincero y honesto, un maestro capaz de penetrar en la mente del mayor desconocido: uno mismo.

19. Autorretrato “ El Fumador” “ El baño”

20. Alberto Durero (1471-1528) – El verdadero Leonardo da Vinci del Norte de Europa fue Durero, un genio inquieto e innovador, maestro del dibujo y el color. Es uno de los primeros artistas en representar la naturaleza sin artificios,tanto en sus paisajes como en sus dibujos de plantas y animales. ALBERTO DURERO

21. Si exceptuamos su Autorretrato de 1500, éste es uno de los más hermosos que de sí mismo pintó Alberto Durero. El Museo del Prado lo exhibe junto a los dos lienzos dedicados a Adán y Eva. “ Adán y Eva” L a mejor historia de amor de todos los tiempos es la de Adan y Eva. No nos olvidemos que no se enfrentaron a sus padres, o a un tío poderoso. Ellos se enfrentaron y desobedecieron a un ser superior. Y la frutillita del postre, es que de ese amor salimos todos nosotros. He seleccionado los dos autorretratos del autor, porque tienen una gran fuerza y expresión y el de Adan y Eva por la importancia historica que tienen en el origen de la vida.

22. LEONARDO DA VINCI Leonardo Da Vinci (1452-1519) – Para bien o para mal, Leonardo será conocido siempre como el autor de la más famosa pintura de todos los tiempos, la Gioconda o Mona Lisa. Pero es más que eso, mucho más. Su mirada humanista, casi científica, penetró en el arte del quattrocento y la revolucionó con su sfumetto que nadie fue capaz de imitar.

23. “La mona Lisa” “La última cena” La Cena , de Leonardo da Vinci, trabajo que fue realizado por el genial pintor renacentista entre1495 y 1497. Prescindiendo de todos los conocimientos sobre la religión católica, con una mirada limpia, se puede llegar a la conclusión que Leonardo ha pintado a un grupo de hippies o vagabundos, con melenas y barbas, que sentados en una larga mesa ya han terminado de comer y, por lo visto, deben haber bebido demasiado porque están discutiendo entre ellos, como se aprecia en sus gestos y muecas “La virgen de las Rocas” Estas tres pinturas están realizadas con su famosa técnica de sfumetto. Este genio que hizo de casi todo, hace honor a una mente privilegiada y polifacética, como el que más. A mi me da la sensación de que la vida se le hizo muy corta, ya que dejo muchas obras sin acabar. Usaba la ilustración como método didáctico, a mi entender con mucho acierto, creo que una de las mentes más creativas de la historia.

24. PETER PAUL RUBENS Peter Paul Rubens (1577-1640) – Rubens fue uno de los más prolíficos pintores de toda la historia, en parte gracias a la colaboración de su estudio. Muy famoso en vida, viaja por toda Europa satisfaciendo encargos de muy acaudalados e importantes clientes. Sus desnudos femeninos siguen sorprendiendo hoy en día.

25. “Las tres Gracias” “Danza de aldeanos” “El jardín del amor” Estas son sus obras más importantes mezcla, a veces el costumbrismo con la mitología. En esta última obra hace una alegoría al amor. Tiene muchos desnudos, los cuales no tienen nada que ver con el canon de belleza actual. Más de una mujer debería ver estos cuadros para que los complejos fueran atenuados y se dieran cuenta que las modas a veces son muy peligrosas.

26. CARAVAGGIO Caravaggio (1571-1610) – El pendenciero y violento Caravaggio está considerado el padre de la pintura barroca, con sus espectaculares juegos de luces y sombras y sus escenas “tenebristas” captadas en perspectivas forzadas.

27. “La muerte de la Virgen” “El martirio de San Mateo” “La Buenaventura” Caravaggio se preocupa enormemente por el realismo en la ejecución de sus figuras: rechazaba corregir las imperfecciones de sus modelos para representarlos más «bellos» o de un modo más acorde a las visiones que la Iglesia tiene de sus santos. Por ejemplo, la primera versión de su San Mateo y el ángel fue rechazada no sólo por la sensualidad del ángel, que fue juzgada como trivial, sino también por la suciedad de los pies del santo, minuciosamente reproducida del modelo.

28. La pintura de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Vírgen María con el vientre hinchado -acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo habría sido el cadáver de una prostituta encinta ahogada en el Tíber. Así, la consideración de la Iglesia católica hacia Caravaggio y sus cuadros oscilará de un extremo a otro de su carrera entre el acogimiento entusiasta y el rechazo absoluto. Vemos a un artista defendiendo sus ideas, ante la incomprensión de alguno de sus clientes, como era la iglesia. Pensaría como muchos otros “con la iglesia hemos topado.” Por supuesto no fue ni es el único que tropieza con el poder eclesiástico.

29. RAFAEL Rafael (1483-1520) – Idolatrado y denostado según gustos y eras, nadie puede dudar que Rafael es uno de los mayores genios del Renacimiento, con una técnica excelente en cuanto a dibujo y color.

30. “Los desposorios de la Virgen” “ La Galatea” “ La Fornarina” La opinión ... generalmente mantenida a mediados del siglo XVI era que Rafael representaba el pintor idealmente equilibrado, universal en su talento, completo en todos los sentidos, y respetuoso con todas las reglas que supuestamente debían gobernar las artes. Las composiciones de Rafael han sido siempre admiradas y estudiadas, y se han convertido «joya» del arte académico. Fue muy admirado tanto su perfecto equilibrio como su decoro. Fue visto como el modelo perfecto de la historia de la pintura, y a mismo tiempo era considerado como el más elevado de la jerarquía de géneros .

31. MIGUEL ÁNGEL Miguel Ángel (1475-1564) – Seguramente sorprenda ver al que es junto con Picasso el mayor genio artístico de todos los tiempos en una posición tan baja, pero lo cierto es que el propio Miguel Ángel se definía a sí mismo como “escultor”, e incluso su obra maestra pictórica (los frescos de la Capilla Sixtina) está realizada siguiendo criterios más escultóricos que pictóricos. Aún así, una obra maestra de tal calibre es suficiente para garantizarle un puesto de honor en la historia de la pintura.

32. “Juicio final” “El pecado original” “Creación de Adán” Estas tres obras se encuentran en la Capilla Sixtina, es un trabajo que por si solo ya lo hace “grande,”bajo mi punto de vista, sus pinturas en la bóveda son impresionantes, con un colorido y unas formas que no pueden dejar indiferente a nadie. Miguel Ángel enfrentado a la sociedad de entonces, era el genio excéntrico, más brillante que otros artistas en su campo particular, el dibujo del desnudo masculino, pero desequilibrado y carente de ciertas cualidades, como la gracia y la contención, esenciales para un gran artista de su época, donde los creadores eran simples trabajadores a las órdenes de sus protectores. Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida, era evidente que tenía que llamar la atención, aún de sus detractores. Una personalidad semejante no podía pasar desapercibida.

33. ANDY WARHOL Andy Warhol (1928-1987) – Polémico y brillante, Warhol es la principal figura del pop-Art y uno de los iconos del Arte contemporáneo. Sus serigrafías en serie de personajes populares (como una reinterpretación de las series de Monet) han pasado ya a la historia del Arte, y han influenciado a una gran parte de la pintura posterior

34. En sus inicios, Warhol comenzó por copiar pictóricamente las secuencias extraídas de diferentes cómics en inmensos formatos. Luego, pasó a la ampliación fragmentada de anuncios publicitarios y marcas comerciales. En 1962 por fin encontró su propio estilo creando su centro de arte llamado “The Factory”. Allí se encargó de realizar la reproducción de marcas de distintos objetos de la vida cotidiana y la multiplicación sobre fotografías de estrellas de la sociedad de sus tiempos, como la inolvidable Marilyn Monroe . . Después de años de abstracción artística, las botellas de Coca – Cola, latas de sopas en conserva y los paquetes de detergente se convirtieron en las imágenes protagonistas de un público que se sentía inmerso en un mundo conocido y comprensible. Este público constituía toda una nueva generación de jóvenes rebeldes capaces de revelarse contra la autoridad y las normas impuestas por la sociedad .

35. TIZIANO Tiziano (1476-1576) – La muerte prematura de Giorgione convirtió al longevo Tiziano en el faro de la pintura veneciana de su época. Su uso del color y gusto por los temas mitológicos definen por si mismo las características principales del Arte veneciano del XVI. Su influencia en artistas posteriores –Rubens, Velázquez- es importantísima.

36. “ La piedad” “ Venus de Urbino” “ Carlos V a caballo en Mühlberg” Trata distintos temas con la misma maestría: religiosos, eróticos y retratos.

37. FRANCIS BACON Francis Bacon (1909-1992) - Máximo exponente – junto a Lucian Freud- de la llamada “Escuela de Londres”, la pintura de Bacon se rebela contra todos los cánones de la pintura anterior, no sólo en lo relacionado con la belleza, sino también contra la abstracción del expresionismo abstracto dominante en la época.

38. Autorretrato “ George Dyer en un espejo” “El perro” Fiel a la idea de que el arte más grande te devuelve siempre a la vulnerabilidad de la situación humana, su obra es una constante reflexión sobre la fragilidad del ser. En una serie pintada en 1952 sobre perros que gruñen, Bacon intentó impactar al espectador al hacerle tomar conciencia de la crueldad y violencia. Me parece una persona bastante comprometida con las conciencias, pero me da la impresión de una persona atormentada y con una filosofía de la vida un tanto dramática.

39. EL GRECO El Greco (1541-1614) – Uno de los más originales y fascinantes pintores de su época, con una técnica personalísima que sería admirada, tres siglo después, por los pintores impresionistas.

40. “El caballero de la mano en el pecho” “El entierro del Conde Orgaz” “El Expolio” El caballero…. Es uno de los retratos más conocidos en el mundo. También ha sido denominado como "El juramento del Caballero" por la postura que adopta el personaje: la posición de la mano derecha y el brazo izquierdo a la espalda. Antonio Machado le dedicó un poema. Las otras dos obras son influencia de la iconoclasta religiosa de la época.

41. SANDRO BOTTICELLI Sandro Botticelli(1445-1510) – “Si Botticelli viviera, trabajaría para Vogue”, se ha escrito de uno de los artistas más famosos del quattrocento. Comparte con Rafael el hecho de ser amado u olvidado según gustos y eras, pero su uso del color es uno de los más fascinantes de toda la pintura antigua.

42. “Nacimiento de Venus” “Las tres Gracias” “La Primavera” Se convirtió en el máximo intérprete del neoplatonismo de la época, con su fusión de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un elemento trascendental en el arte. Para dar forma a esta nueva visión del mundo, Botticelli opta por la gracia ; esto es, la elegancia intelectual y exquisita representación de los sentimientos. Estas son sus obras más conocidas y las más que me gustan. Pinta numerosas obras religiosas, así como grandes composiciones profanas, mitológicas. También ha pintado varios retratos de sus mecenas, que no cuentan con la belleza, la mística, la luminosidad y el espíritu de sus otras composiciones.

43. PAUL CÉZANNE Paul Cézanne(1839-1906) – “Cézanne es el padre de todos nosotros”. Esta lapidaria frase ha sido atribuida tanto a Picasso como a Matisse, y ciertamente importa poco quién la dijera enrealidad, porque en cualquier caso es cierta. Partiendo de la ola de aire fresco que representó el impresionismo, Cézanne dejó atrás a todo el grupo impresionista para desarrollar un estilo de pintura nunca visto hasta la fecha, que abrió la puerta de par en par para la llegada del cubismo y el resto de las vanguardias del siglo XX.

44. “ Las grandes bañistas” “ Mujer con cafetera” “ La montaña de Sainte-Victoire vista desde Bibemus” Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color. Su estilo muy personal, es como si hubiera marcado y mezclado varias tendencias.

45. FRANCISCO DE ZURBARÁN Francisco de Zurbarán(1598-1664) – El más cercano a Caravaggio de todos los barrocos españoles, sus últimas obras muestran un dominio del claroscuro sin parangón en la pintura de su tiempo.

46. Zurbarán se hace grande en el retrato y en la sencilla representación de la realidad, encontrándose sin embargo en apuros cuando tenga que lidiar con perspectivas y composiciones, que procurará siempre que sean simples. Así, es posible observar en sus pinturas seriadas toda una galería individualizada de rostros y expresiones, pertenecientes a, en ocasiones, figuras monolíticas de perfiles casi geométricos que se recortan contra fondos poco elaborados pero que destacan por la luz que las envuelve, realzando ese característico blanco empleado por este artífice en los hábitos. No en vano es recordado como el “pintor de los monjes”. Como se ve su obra está impregnada de temas religiosos, reflejando la importancia de estos temas en la época que le toca vivir. Por ello gozó de cierta fama durante un etapa de su vida. A mi particularmente no me gustan la mayoría de sus cuadros, sin menoscabo de la importancia que pueda tener como artista.

47. ESCULTORES

48. MIGUEL ÁNGEL Biografía mencionada anteriormente (pintores). La Piedad David Moises

49. La originalidad con la que trató “La Piedad” Miguel Ángel, se nota en la ruptura con el dramatismo con el que hasta entonces se trataba esta iconografía, que siempre mostraba el gran dolor de la madre con el hijo muerto en sus brazos. Realizó una Virgen, serena, concentrada y extremadamente joven, y un Cristo que parece que esté dormido y sin muestras en su cuerpo de haber padecido ningún martirio; el artista desplazó toda clase de visión dolorosa con tal de conseguir que el espectador reflexionase delante del gran momento de la muerte . Es la única obra de Miguel Ángel que firmó: lo hizo en la cinta que atraviesa el pecho de la Virgen El David es una de las obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los historiadores y una de las esculturas más famosas del mundo. Miguel Ángel creía que en cada bloque de mármol en el que trabajaba existía un alma , una obra latente que él trataba de recuperar. Si como pintor fue extraordinario, como escultor llega a la cumbre, su técnica consigue trasmitir el alma, con todo lujo de detalles dando forma a las piedras. Es uno de los artistas que a mi me hace pensar en la grandiosidad que puede manifestarse en un ser humano.

50. RODIN (1840- 1917) Escultor francés. Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Por sus modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, compaginando el trabajo profesional con su dedicación a la escultura.

51. El beso El pensador Los burgueses de Calaís El pensador, Los historiadores del Arte coinciden en que esta escultura representa la propia figura de Rodin: un hombre que se aterra frente al mundo en el cual le toca vivir. Rodin estudió la anatomía no para ser dominado por ella, sino para usar el cuerpo humano como una herramienta de expresión de la psicología y los sentimientos humanos. Eso es lo que le da vigor a su obra impactándonos con la fuerza que captamos a través de ellas.

52. BERNINI Bernini (1598- 1680) Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro (1562-1629), un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas (Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones.

53. Apolo y Dafne Éxtasis de Santa Teresa El rapto de Proserpina Son esculturas dinámicas y realistas, que reflejan con gran exactitud los movimientos y los estados de ánimo de los personajes.

54. FIDIAS Fidias (490 a.C.-431 a.C.) Escultor griego. Fue el artista más famoso del mundo clásico, y el maestro que llevó la escultura a las cotas más altas de perfección y armonía. La biografía de Fidias nos es en su mayor parte desconocida. Apenas se sabe nada de su formación, si bien se cree que tenía experiencia como grabador, pintor y repujador. Vivió en la época de Pericles, estadista empeñado en hacer de la Acrópolis de Atenas un signo majestuoso de la grandeza de la ciudad, que se convirtió en el principal protector de Fidias, quien básicamente trabajó en y para Atenas.

55. Sátiro Venus de Milo Sátiro Venus de Milo Apolo Fidias fue un perfeccionista innato y la gracia presente en sus figuras consigue inmortalizar el sentimiento filosófico y espiritual en el arte de su época cuyo propósito era plasmar los aspectos imperecederos y permanentes de la belleza humana más que los detalles inherentes del modelo específico.

56. BOTERO Botero (1932) Pintor y escultor colombiano. Fernando Botero se graduó en 1950 en el Liceo de la Universidad de Antioquia, sita en su ciudad natal. Posteriormente viajó a España para estudiar a los grandes maestros de la pintura española (en especial a Goya y Velázquez).

57. Mano Caballo Pájaro El estilo de Botero, plenamente figurativo, se caracteriza en lo plástico por cierto aire naïf y en lo temático por la representación de personas y animales siempre como figuras corpulentas, desproporcionadas. En la década de 1980 Fernando Botero se convirtió en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, y algunas esculturas suyas realizadas en bronce, mármol y resina fundida ( Mujer a caballo , Perro , La corrida , etc.) pasaron a ser parte integrante del paisaje urbano de muchas ciudades

58. LISIPO Lisipo (s. IV a.C.) Escultor griego, documentado de h. 360 a.C. a h. 305 a.C. Fue uno de los escultores más famosos de la Grecia clásica y precursor del estilo helenístico. De las 1 500 esculturas de bronce que realizó, según Plinio, no se ha conservado ninguna, pero se conocen algunas de sus creaciones a través de copias helenísticas y romanas.

59. Hércules Farnesio Eros tensando el arco Hermes calzándose Parecía tener el equilibrio justo entre las proporciones y la posición del cuerpo, lo que supuso, vida y elegancia para sus estatuas. El helenismo se caracterizó principalmente por el cambio de los cánones de belleza estética, unido al sentido del movimiento de la figura, propio de todas las obras que lo consiguieron. El helenismo se caracterizó principalmente por el cambio de los cánones de belleza estética, unido al sentido del movimiento de la figura, propio de todas las obras que lo consiguieron.

60. MIRÓN Mirón (480-440 a. C.) fue un gran escultor y broncista de mediados del s.V a.C y uno de los más conocidos autores del arte griego, cuyas aportaciones escultóricas supusieron la transición al periodo clásico. Nacido en Eleuteras, ciudad situada en la frontera de Beocia y el Ática. Según la Historia Natural de Plinio, Agoladas de Argos fue su maestro.

61. Su gran mérito consistió en saber captar como nadie el movimiento. Sus obras más famosas se caracterizan por la representación fidedigna de las tensiones del cuerpo humano en movimiento, como se aprecia en su conocido Discóbolo, y el realismo en sus esculturas de hombres y animales.

62. POLICLETO Policleto (480 a.C) Escultor griego. Se formó en la tradición de los broncistas de Argos y realizó casi todas sus obras en este mismo material. En la actualidad sólo se conocen algunas de ellas a través de copias helenísticas y romanas, realizadas en mármol.

63. Diadumeno El atleta de Benevento El Doríforo Realizó un cuidadoso estudio sobre las proporciones del cuerpo humano, un canon de la belleza ideal masculina basado en proporciones matemáticas, es el llamado «canon de 7 cabezas». Su método consiste en dividir en cuatro la figura humana: una línea vertical divide el cuerpo en dos mitades simétricas y otra transversal dividía el cuerpo a la altura de la cadera. Los cuatro sectores se denominan 1, 2, 3, 4 partiendo a la izquierda superior y rotando en el sentido de las agujas del reloj. Los pares formados (1,3 y 2,4) debían ser desiguales: si el lado 1 estaba relajado (mano, brazo y hombro caído) el lado opuesto debe estar flexionado (3) y convenientemente repartido el peso: pierna y pie flexionado. Lo mismo ocurre con el otro par: si uno está flexionado, el otro está recto, y viceversa.

64. PRAXÍTELES Praxíteles (s.IV a.C) Hijo de Cefisodoto el Viego, fue el más renombrado escultor clásico ático del siglo IV a. C . Con la obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una especie de anticipado manierismo, al acentuar el sensualismo. Sus obras están caracterizadas por la llamada karis (gracia) ática y la llamada «curva praxiteliana» consistente en un elegante contrapposto. Fue el primero en esculpir la forma femenina desnuda en una estatua a tamaño natural

65. Apolo sauróctono Hermes con Dionisos niño Afrodita de Gnido Gozó de un gran prestigio desde sus primeras realizaciones, en particular por la suavidad del modelado y la postura indolente de los cuerpos, que gravitan fuera de su eje, descansando sobre un punto de apoyo. Sin romper con los rasgos estilísticos de la cultura ática, Praxíteles los interpretó desde una visión muy personal, que sentó las bases para el posterior desarrollo de la escultura helenística. Sus obras desvelan una belleza juvenil idealizada. Desde este punto de partida, evolucionó hacia una mayor humanización de las estatuas, hacia una plasmación algo más intensa de los sentimientos.

66. FOTÓGRAFOS

67. WILLIAN HENRY FOX TALBOT William Henry Fox Talbot (1800-1877) Físico y químico británico. Pionero de la fotografía, creó un procedimiento de obtención de negativos y positivos fotográficos gracias al empleo de papel recubierto con cloruro de plata, conocido con el nombre de talbotipia (1834). Empleó por primera vez ácido gálico para el revelado de las imágenes registradas (1840), lo que hizo posible tanto la copia como la ampliación de las fotografías. En 1851 inventó un procedimiento de fotografía instantánea. En el campo de la óptica, descubrió que el ojo humano percibe una serie de destellos luminosos muy rápidos como una iluminación continua.

68. Tras su dificultad como dibujante, se centra en la fotografía aportando lo que se menciona anteriormente.

69. NADAR Nadar (1820-1910). Estudió medicina en su ciudad natal, Lyón. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista. Estuvo siempre muy interesado por las ideas más avanzadas de su tiempo en política, literatura, ciencias... y fue un conductor de la libertad de expresión. Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.

70. Víctor Hugo La mujer del fotógrafo Sarah Bernhardt Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.

71. EDWIN H.LAND Edwin Herbert Land ( Bridgeport, Connecticut, 12 de Mayo de 1909 -Cambridge, Massachusetts, 1 de marzo de 1991) fue un científico e inventor estadounidense. Estudió química en la universidad de Harvard.

72. En 1947 sorprendió al mundo presentando ante la Sociedad Óptica Estadounidense la primera fotografía instantánea: una cámara que revelaba en positivo la imagen en tan solo 60 segundos. Este invento fue el buque insignia de la empresa hasta la aparición de la fotografía digital.

73. LEWIS CARROLL Lewis Carroll amaba la fotografía, amó la fantasía y tuvo auténtica pasión por las niñas, con las que fantaseó y a las que fotografió. Se consideraba a si mismo «un artista fotógrafo», como su Hiawatha, (the intense deliberation of a photographic artist) en la época en que la polémica de si la fotografía era o no era arte aún no se había planteado.

74. Lewis Carroll amaba la fotografía, amó la fantasía y tuvo auténtica pasión por las niñas, con las que fantaseó y a las que fotografió. Se consideraba a si mismo «un artista fotógrafo», como su Hiawatha, (the intense deliberation of a photographic artist) en la época en que la polémica de si la fotografía era o no era arte aún no se había planteado.

75. KIKE CALVO Kike Calvo. Este un fotógrafo español, afincado en Nueva York, nació en Zaragoza en 1972. Tras cinco años estudiando Economía en la Universidad de Zaragoza, y haber obtenido varios premios en Periodismo de la Universidad de Idaho, forjó su pasión por la fotografía.

76. Su estilo fotográfico se enmarca en un contexto conservacionista. Ha fotografiado la complejidad ambiental, la belleza del páramo y la magnificencia de la diversidad mundial. Las instantáneas de Kike Calvo han sido expuestas en numerosas ocasiones. Es una persona comprometida con los asuntos económicos, internacionales y relacionados con la problemática ambiental, Kike Calvo acude con frecuencia a talleres, seminarios y conferencias de fotografía del mundo entero. Su estilo claro y pensativo llamaron la atención de la empresa Coca-cola quien le invitó como conferenciante al Foro Estambul 2007. La organización le definió como un fotógrafo "con la capacidad de inspirar al público por sus palabras e imágenes".

77. ESCRITORES

78. PABLO NERUDA Ricardo Eliécer Neftalí Reyes Basoalto (Parral, 12 de julio de 1904 – Santiago de Chile, 23 de septiembre de 1973) conocido por el seudónimo y, más tarde, el nombre legal de Pablo Neruda, fue un poeta chileno, considerado entre los mejores y más influyentes de su siglo, siendo llamado por el novelista Gabriel García Márquez "el más grande poeta del siglo XX en cualquier idioma". También fue un destacado activista político, siendo Senador de la República, integrante del Comité Central del Partido Comunista y pre-candidato a la presidencia.

79. Poema 6 Te recuerdo como eras en el último otoño. Eras la boina gris y el corazón en calma. En tus ojos peleaban las llamas del crepúsculo. Y las hojas caían en el agua de tu alma. Apegada a mis brazos como una enredadera, las hojas recogían tu voz lenta y en calma. Hoguera de estupor en que mi sed ardía. Dulce jacinto azul torcido sobre mi alma. Poema 20 Puedo escribir los versos más tristes esta noche. De otro. Será de otro. Como antes de mis besos. Su voz, su cuerpo claro. Sus ojos infinitos. Ya no la quiero, es cierto, pero tal vez la quiero. Es tan corto el amor, y es tan largo el olvido. Porque en noches como ésta la tuve entre mis brazos, Mi alma no se contenta con haberla perdido. Aunque éste sea el último dolor que ella me causa, y éstos sean los últimos versos que yo le escribo. Poema 4 Es la mañana llena de tempestad en el corazón del verano. Como pañuelos blancos de adiós viajan las nubes, el viento las sacude con sus viajeras manos. Innumerable corazón del viento latiendo sobre nuestro silencio enamorado.

80. Su poesía es íntima, la concibo como una emanación mía, como las lágrimas o como el pelo mío, encuentro en ella la integración de mí mismo". Su poesía se hunde profundamente en su corazón y en su tierra. Se trata, de un poeta que de insólita y cabal manera contiene en sí a todos los poetas: el sensual y el trágico, el testimonial y el hermético, el elemental y el filosófico, el errante y el contemplativo, el intimista y el "poeta de utilidad pública", como él mismo quiso bautizarse en alguna oportunidad.

81. FEDERICO GARCÍA LORCA Federico García Lorca (Fuente Vaqueros, provincia de Granada, 5 de junio de 1898 – entre Víznar y Alfacar, ibídem, 19 de agosto de 1936) fue un poeta, dramaturgo y prosista español, también conocido por su destreza en muchas otras artes. Adscrito a la llamada Generación del 27, es el poeta de mayor influencia y popularidad de la literatura española del siglo XX. Como dramaturgo, se le considera una de las cimas del teatro español del siglo XX, junto con Valle-Inclán y Buero Vallejo. Murió ejecutado tras el levantamiento militar de la Guerra Civil Española, por su afinidad al Frente Popular y por ser abiertamente homosexual

82. Amor de Mis Entrañas Pero yo te sufrí. Rasgué mis venas, tigre y paloma, sobre tu cintura en duelo de mordiscos y azucenas. Llena, pues, de palabras mi locura o déjame vivir en mi serena noche del alma para siempre oscura. Soneto de La Dulce Queja Si tú eres el tesoro oculto mío, si eres mi cruz y mi dolor mojado, si soy el perro de tu señorío, no me dejes perder lo que he ganado y decora las aguas de tu río con hojas de mi otoño enajenado. Corazón Nuevo ¡Pobre envoltura que ha oprimido a mi fantástico lucero! Gris pergamino dolorido de lo que quise y ya no quiero. Yo veo en ti fetos de ciencias, momias de versos y esqueletos de mis antiguas inocencias y mis románticos secretos. En estos fragmentos de poesía nos asomamos al universo lorquiano que se define por un palpable sistematismo: la poesía, el drama y la prosa se alimentan de obsesiones -amor, deseo, esterilidad- y de claves estilísticas constantes.

83. GLORIA FUERTES Gloria Fuertes (Madrid, 28 de Julio de 1917 – ibídem, 27 de Noviembre de 1998) fue una poeta (no le gustaba que la llamaran poetisa ) española. Gloria nació en Lavapiés, en la época un modesto barrio del Madrid antiguo. Su madre era costurera y sirvienta; su padre, bedel. Poco se sabe de su vida familiar, a lo que ha contribuido que la escritora siempre guardara celosamente su intimidad.

84. Gloria Fuertes en estos fragmentos habla del amor, que todo lo dulcifica. De la experiencia que nos hace ver con más tranquilidad los avatares de la vida. De aprender a disfrutar de todo lo que acontece, al margen de las circunstancias personales que nos rodean, tenemos que verlo TODO de forma positiva. Escribió tanto para niños, como para adultos y sabía llegar a todos los públicos. Paralelamente a su dedicación a la literatura infantil en las revistas AMOR QUE LIBERA -El monte arregla sus pinos, por las rocas el mar baila-. El amor danza en mi pecho. ¡Ya me quiere! ¡Ya me aguarda! Ya no soy la loca triste, que al oír risas gritaba; ahora soy la niña dulce, ya no soy mujer amarga. A VECES QUIERO PREGUNTARTE... A veces quiero preguntarte cosas, y me intimidas tú con la mirada, y retorno al silencio contagiada del tímido perfume de tus rosas. [ PRESENTIMIENTOS Todo presiento, todo, lo que pasa en la tierra: la caricia y el llanto, el beso y el poema. Que aunque puedo ser madre, yo soy como un poeta.

85. BÉCQUER Gustavo Adolfo Domínguez Bastida, más conocido como Gustavo Adolfo Bécquer. (Sevilla, 17 de febrero de 1836 – Madrid, 22 de diciembre de 1870), fue un poeta y narrador español, perteneciente al movimiento del Romanticismo. El Romanticismo que les atrae ya no es el de origen francés o inglés, sino alemán, especialmente el de Heine, al que leen en traducción francesa -en especial la de Gérard de Nerval- o española –de Eulogio Florentino Sanz, amigo de Bécquer. Estos autores forman el ambiente prebecqueriano: Augusto Ferrán, Ángel María Dacarrete y José María Larrea. Todos estos poetas buscaban un lirismo intimista, sencillo de forma y parco de ornamento, refrenado en lo sensorial para que mejor trasluzca el sentir profundo del poeta. Es una lírica no declamatoria, sino para decir al oído.

86. Nombre del Poema: Rima XXXIII Es cuestión de palabras y, no obstante, ni tú ni yo jamás, después de lo pasado, convendremos en quién la culpa está. ¡Lástima que el Amor un diccionario no tenga donde hallar cuándo el orgullo es simplemente orgullo y cuándo es dignidad!. Nombre del Poema: Rima X Los invisibles átomos del aire en derredor palpitan y se inflaman, el cielo se deshace en rayos de oro, la tierra se estremece alborozada. Oigo flotando en olas de armonías, rumor de besos y batir de alas; mis párpados se cierran… ?¿Qué sucede? ¿Dime? ¡Silencio! ¡Es el amor que pasa! Nombre del Poema: Rima XXI Serpiente del amor, risa traidora, verdugo del ensueño y de la luz, perfumado puñal, beso enconado... ¡eso eres tú! (la Rima XXI, concluida en el verso « poesía eres tú ». Un tú que podía ser también dañoso y cruel.) El AMOR, tema constante, como alabanza y fuente de vida y a la vez puede ser también tormentoso y traicionero. Sus setenta y seis cortas Rimas breves como arpegios, ya que concentró en ellas la poesía que hubiera querido verter en numerosos poemas más extensos que no escribió. Las Rimas se encuadran dentro de dos corrientes heredadas del Romanticismo: la revalorización de la poesía popular (que la lírica culta había abandonado en el siglo XVIII) y la llamada «estética del sentimiento». El ideal poético de Bécquer es el desarrollar una lírica intimista, expresada con sinceridad, sencillez de forma y facilidad de estilo.

87. MARIO BENEDETTI Mario Benedetti, eximio escritor uruguayo, nació en 1920 en Paso de los Toros, Departamento de Tacuarembó. Fue profesor de Literatura en el Uruguay, y colaboró con el Semanario "Marcha". En la década del 70 se exilió en Buenos Aires, La Habana, Lima y en España; por ello, actualmente alterna su residencia entre Montevideo y Madrid. Es un excelente poeta, novelista, dramaturgo, cuentista y crítico. Se ha desempeñado como Director del Departamento de Literatura Hispanoamericana de la Facultad de Humanidades y Director del Centro de Investigación Literaria en La Habana.

88. Defensa de la alegría Defender la alegría como una trinchera defenderla del escándalo y la rutina de la miseria y los miserables de las ausencias transitorias y las definitivas. Elegir mi paisaje Ah si pudiera elegir mi paisaje elegiría, robaría esta calle, esta calle recién atardecida en la que encarnizadamente revivo y de la que sé con estricta nostalgia el número y el nombre de sus setenta árboles. Te Quiero tu boca que es tuya y mía tu boca no se equivoca te quiero porque tu boca sabe gritar rebeldía si te quiero es porque sos mi amor mi cómplice y todo y en la calle codo a codo somos mucho más que dos . He elegido tres fragmentos de tres de sus poesías. En el Primer y tercer fragmento hace una clara alusión a la libertad, a la alegría de vivir y compartir. Es un tema que se repite en su obra. En el segundo evoca con nostalgia el tiempo pasado, todo lo que ha conocido bien y lo elegiría como su paisaje favorito.