El documento explora la evolución del arte desde el figurativo hasta el conceptual, destacando la transición provocada por la fotografía y el surgimiento de movimientos vanguardistas como el dadaísmo y el fluxus. Se enfatiza la importancia de la subjetividad y la esencia personal del artista, así como el reto que presenta el arte conceptual para el espectador en términos de percepción e interpretación. También se menciona la necesidad de una mayor implicación del espectador en la apreciación del arte contemporáneo, que valora más la idea y el proceso que el objeto final.

1. Entender el Arte Moderno
Arte Conceptual frente a Arte Objetual

2. El Arte en la Historia del Arte
Dentro de la historia del arte se encuentran dos grandes
momentos y épocas:
1- El arte figurativo y objetual
2- El arte abstracto y conceptual.

3. Arte Figurativo
Renacimiento
Barroco
Neoclásico
Realismo
Arte
figurativo
Los
artistas
imitan a la
naturaleza
Desde la
Prehistoria
hasta
S. XIX

4. Artistas figurativos
Desde Giotto a Leonardo Da
Vinci, Courbet o Velázquez, hay
miles de ejemplos de arte
figurativo en el mundo

5. ¿Cuándo se rompe con este arte y por qué?

6. Artistas transgresores
Rembrandt o Goya que pese a un arte
figurativo y naturalista, tenían pinceladas
y técnicas alejadas del perfeccionamiento
estético de otros
La Fotografía S. XIX
El roll de los artistas cae cuando aparece
un aparato capaz de capturar de manera
“perfecta”, “objetiva”, “precisa” e
“instantánea” la realidad

7. Crisis de la
Pintura ante la
Fotografía
La fotografía no podía
capturar los sentimientos y
la subjetividad, las
impresiones personales o la
esencia de las cosas.
En común todos estos
conceptos guardan un mismo
denominador, lo subjetivo,
lo inmaterial e invisible.

8. Crear lenguajes
artísticos propios
La destreza en la ejecución de una obra ya no es
lo más importante pues ya tenían a la fotografía,
sino la capacidad única de cada arista de
capturar su propia realidad, la impresión que esta
le generaba para después traducirla en su propio
lenguaje y convertirlo en arte.

9. Los impresionistas se preocuparon por pintar la
naturaleza a partir de la luz y el color que esta
sugiere en el espacio, de manera inmediata y con
pinceladas improvisadas
De ahí seguirán muchas otras
corrientes que llegaron hasta
nuestros días como el
simbolismo...

10. … El cubismo, el
dadaísmo o el
minimalismo

11. La esencia
Ya no importaba pintar una
manzana perfecta, ahora lo que
importaba era su esencia, lo
invisible, la impresión
“personal” que esta generaba en
el artista.

12. Una manzana azul
De ahí a que una manzana no
fuera ni verde ni roja sino que
ahora la manzana también podía
ser rosa o azul, o yendo más a
fondo, que la manzana no fuera
únicamente equivalente o que
tuviera significado único al
alimento/fruta, ahora una
manzana también podría
simbolizar un sentimiento o
experiencia personal.

13. El artista francés Matisse, es
un gran ejemplo de este tipo
de arte
El lenguaje de arte comenzó a
reducirse poco a poco en tan solo
unas pinceladas ya no necesitaban
la forma exacta de la manzana para
externar su visión

14. Rothko, Pollock, Mondrian,
Picasso o Miró
Poniendo en un lienzo un punto de
color rojo, un manchón de pintura,
una lata o un trozo de madera en
un lienzo, estos podían expresar
todos los anhelos y pesares de un
artista, pero sobre todo esto
también era vía para el arte.

15. Pollock, Mondrian, Miró o Picasso

16. ¿Por qué mucha gente no lo entiende?

17. Hay que conocer
los códigos
artísticos
Presenta un reto tratar de
decodificar el mensaje y
significado de una obra
abstracta y conceptual, pues
estamos familiarizados con
las formas de las cosas y
aquello que vemos de manera
precisa todos los días
(nuestra cotidianidad)

18. ¿Qué es más fácil?
¿Ver una manzana pintada de manera
casi perfecta casi como una
fotografía?
O bien...
¿Observar la sensación que la
manzana generó en el artista para
pintar una versión personal y
subjetiva?

20. Dadaismo
Movimiento artístico y cultural
surgido en Suiza en 1916, que
aglutinó exponentes de los
distintos géneros artísticos
(pintura, literatura, música o
escultura).
Lo ilógico y lo absurdo como
vías de exploración artística,
desdeñando las convenciones de
la época y llegando a plantear
esta búsqueda como mucho más que
una tendencia artística: como
una forma de vivir.

21. El Arte Conceptual es un reto
intelectual para el
espectador
El artista es consciente que al
generar este tipo de obras, el
entendimiento humano no lo
comprende de primera impresión,
es una invitación a mirar,
cuestionar e intentar mantener un
discurso con su obra.

22. Marcel Duchamp
Es como un
rompecabezas que
necesita ser armado y
no todas sus piezas
nos las dan de manera
obvia e inmediata

23. El artista se ve
cuestionado por
la sociedad
El Arte está en constante
reacción al cambio social
que depende del contexto
histórico

24. arte conceptual
Se puede hacer arte sin necesidad de crear objetos artísticos,
hay experiencia estética sin estar mediada por la
objetualidad. No se apela al goce inmediato derivado de la
contemplación, sino al juicio y la contemplación reflexiva

25. La idea y el proceso artístico
En el arte conceptual, la idea
o concepto prima sobre la
realización material de la
obra, y el mismo proceso -
notas, bocetos, maquetas,
diálogos- a menudo tiene más
importancia que el objeto
terminado y puede ser expuesto
para mostrar el origen y
desarrollo de la idea inicial.

26. Mayor implicación del espectador
El arte conceptual requiere una mayor
implicación del espectador no sólo en la forma
de percibirlo sino con su acción y
participación.

27. Movimientos
artísticos
conceptuales
En función de la insistencia en el
lenguaje, el comentario social o
político, el cuerpo o la naturaleza,
dentro de este arte encontramos líneas
de trabajo muy diferentes: body art,
land art, process art, performance
art, arte povera…

28. Body Art, Land Art. Process Art, Performance Art, Arte Povera…

29. Artistas
conceptuales
Joseph Kosuth,
Lawrence Weiner,
el grupo Art &
Language, Gilbert
and George,
Dennis Oppenheim,
Walter de Maria,
Robert Smithson,
Jean Dibbets o
Richard Long.

30. Arte de acción
FLUXUS
Fluxus es un
movimiento
internacional que se
desarrolla a partir de
1961 dentro del nuevo
interés que surge
tanto en Estados
Unidos como en Europa
por el Dadá y la
figura de John Cage.
George Maciunas

31. Fluxus
Opuesto a la tradición
artística
Busca ante todo la fusión
y la mezcla de todas las
prácticas artísticas:
música, acción, artes
plásticas.
Artistas: Brecht, Dick
Higgins, Al Hansen,
Kaprow, Nam June Paik,
Wolf Vostell, La Monte
Young, Joseph Beuys, Yoko
Ono...

32. Fluxus-Arte-Diversión

33. Fluxus no es pintura ni escultura,
teatro, cine o música.
Impensable sin la vanguardia
musical y John Cage.
Fue la primera forma de arte
desde el Dadaísmo en apostar por
la fusión de géneros.

34. En realidad, más que de un
movimiento, se debería hablar de un
fenómeno singular por su carácter
internacional.
Acciones acústicas y visuales sencillas,
llamadas actos o actividades,
realizadas con o sin artista, y ante un
público participante o no.

35. Video arte
Varios de los artistas que
participaron del movimento
Fluxus han sido pioneros en
la utilización de video y
los aparatos de TV en sus
obras, dando comienzo al
video arte, los videos
objetos, las video
performances, el happenig y
las instalaciones, entre
ellos Joseph Beuys, Wolf
Vostell, Nam June Paik y
Yoko Ono.
Merce Cunningham

36. Flux-Kits
Fluxus se servía de
objetos insólitos, como
los juegos Flux-Kits:
maletas con sellos,
pancartas, libros…

37. Arte de
FLUXUS
Fluxus es
Merce Cunningham

38. Desaprender
para
aprender