El documento resume las características clave del impresionismo y posimpresionismo, así como el contexto histórico del siglo XIX en Europa. El impresionismo se caracterizó por dar importancia al paisaje y la luz, y usar colores primarios. Los artistas posimpresionistas como Cézanne, Gauguin y Van Gogh exploraron nuevas técnicas y temas menos convencionales.

1. IMPRESIONISMO Y POTSIMPRESIONISMO
CARACTERÍSTICAS CLAVES:
a) Importancia del paisaje.
b) Importancia de la luz.
c) Uso de los colores principales : azul, amarillo, rojo.
d) La temática se basa en asuntos sin importancia (pintan cosas que les llaman la atención, como una
persona cualquiera o un paisaje, y no a gente ni eventos de relevancia)
CONTEXTO HISTÓRICO:
Política:
 En Europa se caracterizó por el nacimiento de las democracias y la desaparición de las monarquías
absolutas (pasan a monarquías constitucionales)
 Va a haber revs. liberales y burguesas que van a luchar para tener la posibilidad de llegar al poder, es
decir, demandan cambios sociales. (así es como nace la rev. francesa)
 Se desarrollan los sentimientos nacionalistas.
 Alemania se unifica.
 El canciller alemán, Bismark, estaba poniendo en aprieto a Francia, por lo que cada país se alió con otros
dos:
a-Triple alianza = Alemania+Italia+A.H
b-Triple entente = Francia+G.B+Rusia
 En Francia desaparece la monarquía con Napoleón III (sobrino de Napoleón Bonaparte) y pasa a la 3ª
republica. Entre las causas de esto están las disputas por los territorios de Lorena y Alsacia.
Economía:
 Surge la 2ª rev. industrial. Sus aspectos claves son el petróleo (vehículos a motor...) y la electricidad
(teléfono, radio..)
 Las clases bajas empiezan a influenciarse por socialistas, comunistas y anarquistas (destaca Marx)
 Preferencia de los capitalistas por el liberalismo.
 En una familia "pobre" todos los miembros trabajaban (incluso niños y mujeres), era por eso por lo que
había poca cultura, no tenían tiempo para ir al colegio.
Arte:
Para poder exponer cuadros, los artistas tenian que seguir ciertas pautas que se les enseñaban en las
escuelas de arte. Las que no seguian esas pautas se consideraban no adecuadas para exponer en un museo...por
eso los artistas no comprendidos de estas etapas muestran sus cuadros en lo que llamamos "el museo de los
incomprendidos".

2. Clasificación:
Titulo: Almuerzo sobre la hierba
Autor: Manet
Cronología: 2ª mit. s. XIX
Estilo: impresionismo
Técnica: oleo sobre lienzo
Análisis:
En la imagen se pueden apreciar a cuatro personas: dos hombres que están sentados y con
ropa, y a dos mujeres (una al lado de los hombres desnuda y otra detrás, jugando con el agua del río)
Sin duda, lo que más destaca en la pintura es la mujer desnuda gracias a la luz que el pintor le
da. Es un desnudo diferente, pues es una mujer sin más (no es ni una diosa ni alguien relevante),
simplemente es una mujer de la calle. Además también llama la atención que esté mirando al pintor,
ya que parece que lo que hace es intentar llamar nuestra atención.
Las demás personas tampoco son relevantes, pues son gente de su entorno (como su cuñado). Si
analizamos mas profundamente la imagen nos daremos cuenta que la perspectiva de la mujer de atrás
no es del todo correcta, pues se ve demasiado grande cuando, por estar lejos, debería tener un
tamaño inferior. En el suelo, hacia la izquierda, podemos ver un bodegón (en esto se inspirarán más
pintores, como Cezanne). Además se aprecia como juega con la luz (dando más luminosidad a algunas cosas
y dibujando las sombras) y con el contraste blanco-negro.
Este autor es uno de los pioneros del impresionismo que empieza a dar importancia al paisaje
natural (la naturaleza) y a la luz.
Finalmente, hay que decir que Manet se inspiró en el cuadro " El juicio de París" de Rafael.

3. Clasificación:
Titulo: Salida del sol
Autor: Monet
Cronología: 2ª mit. s. XIX
Estilo: impresionismo
Técnica: oleo sobre lienzo
Análisis:
En este cuadro el paisaje es el único protagonista: se ve como amanece en un puerto.
Aquí se ve claramente la utilización de los colores planos (aquellos que no se juntan en la paleta, ya
que nuestro ojo hace la función de juntar los colores). Además también se aprecia la pincelada suelta,
es decir, pinceladas que el pintor no da intentando que el dibujo sea preciso y exacto, pues lo que
pretende es captar un momento, una imagen concreta. También podemos destacar la importancia de
la luz en este dibujo, ya que si Monet lo pintara en otro momento del día la luz sería otra.
Gracias a el dibujo del puerto con grúas que se ve al fondo, nos damos cuenta de que el autor está
plasmando en el cuadro la revolución industrial.

4. Clasificación:
Titulo: Catedral de Rouen
Autor: Monet
Cronología: 2ª mit. s. XIX
Estilo: impresionismo
Técnica: oleo sobre lienzo
Análisis:
Monet no hizo solo un cuadro de la catedral de Rouen, si no que hizo 31. Todos tienen el mismo tema
(dicha catedral) pero no todos son iguales: el pintor juega mucho con la luz y los diversos colores que
esta puede crear. Por ejemplo, en esta foto se pueden apreciar seis ejemplos de lo que Monet quería
expresar.
Claramente, el autor está dando uso a los colores planos (los que el ojo se ocupa de juntar) y se
aprecia perfectamente la pincelada suelta (que no se preocupa demasiado por dibujar la catedral a la
perfección, pues lo que le importa es la luz). Destaca también la perspectiva de la catedral gótica, ya
que no se la ve entera, el pintor está cortando los laterales y más partes del monumento. Esto será
algo innovador.

5. Clasificación:
Titulo: Naturaleza muerta con frutero, copa y manzanas.
Autor: Cezanne
Cronología: 2ª mit. s. XIX
Estilo: postimpresionismo
Técnica: oleo sobre lienzo
Análisis:
En este lienzo el pintor ha creado un bodegón o naturaleza muerta, donde podemos ver que, sobre un
mantel, están dispuestos una copa, un cuchillo, manzanas y un frutero que también contiene manzanas
y uvas.
Gracias a los colores Cezzane crea volúmes, masas, luz, perspectiva... lo que viene siendo el espacio,
por lo que podemos decir que el color es el protagonista del conjunto. Sus pinceladas son cortas y,
para delimitar los objetos, usa líneas gruesas (lo cual es importante porque influirá en los siguientes
artistas). Para este pintor las figuras geométricas tienen una gran importancia, esto lo podemos ver en
las formas circulares y elípticas que aparecen en el cuadro. Es por esto que se le considera el padre del
cubismo.
Las hojas que aparecen en las esquinas superiores del lienzo son influencia del grabado japonés. Por
último, si nos fijamos en la perspectiva, nos daremos cuenta de que Cezzane combina varios puntos de
vista: desde arriba (mesa y manzanas), desde en frente (copa) y desde un lateral (frutero).

6. Clasificación:
Titulo: La visión después del sermón.
Autor: Gauguin
Cronología: 2ª mit. s. XIX
Estilo: postimpresionismo
Técnica: oleo sobre lienzo
Análisis:
En primer palo se ven a unas mujeres bretonas que están en posición de rezar y, al fondo, separado
por un tronco de un árbol, se ve una escena religiosa: la de Jacob luchando con un ángel. Este árbol
que antes mencioné separa, además de dos temas, lo real de lo imaginario. Lo real son las mujeres
rezando y lo imaginario es la lucha entre los dos personajes, los cuales ellas están creando en su
mente. También se ve a una vaca, la cual es un símbolo de la ganadería y, por lo tanto, de la riqueza
francesa.
La perspectiva que usa recuerda a al estilo japonés, pues es una perspectiva tradicional. Lo único que
se puede vez descolocado en este tema es la vaca, que tiene una perspectiva no tradicional. Los
colores que usa con colores planos, sin mezclar y adquieren un valor decorativo, pues no corresponden
a los colores reales (como se ve claramente en el suelo, que es rojo). Con respecto a las figuras,
podemos observar que están muy delimitadas, se preocupa por separar los colores.
Por ultimo diremos que se le conoce como el precursor de los fauvistas.

7. Clasificación:
Titulo: La habitación del pintor en Arlés.
Autor: Van Gogh
Cronología: 2ª mit. s. XIX
Estilo: postimpresionismo
Técnica: oleo sobre lienzo
Análisis:
Como bien indica el titulo, el dibujo pertenece a la habitación que Vincent tenía en Arlés. Obviamente,
es un tema sin transcendencia, no es un tema relevante, ya que se trata de un cuarto sin más. El autor
pretende inspirar tranquilidad, pues esta pintura contiene todos sus sueños y aspiraciones durante sus
primeros meses en Arlés. Además el cuadro también refleja la sensación del bienestar dentro de su
casa. El objeto dominante del lienzo es la cama y la mayoría de los otros objetos aparecen por parejas
(como las sillas, los cojines, y los cuadros). También cabe destacar el bodegón que se encuentra el la
mesita pues, como se puede observar, vuelve a ser un complemento, y no el tema principal. Utiliza una
pincelada corta y suelta, aunque detallista. Con respecto a los colores vamos a destacar, siempre, el
color amarillo y, en este cuadro, el azul. Las líneas que usa para delimitar los dibujos son gruesas (este
es un rasgo característico del pintor). Centrándonos ya en la perspectiva diremos que consigue la
profundidad gracias a las líneas del suelo y a la cama. Abandona las sombras y crea superficies planas
(típicas del arte oriental).