Texto de avance de conceptos artísticos básicos de la Edad Moderna para alumnos de segundo de secundaria.

1. HISTORIA DEL ARTE – PARTE 3
DISEÑO. Arq. SYLVIA PASQUIER
EDAD MODERNA – S2
Nombre: Curso:

2. HISTORIA DEL ARTE
EDAD MODERNA
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EDAD MEDIA – S2
CONTENIDOS
1. Introducción a la Edad Moderna
2.Técnicas artísticas
El Dibujo
Las técnicas pictóricas
3.La Edad Moderna
Renacimiento
Barroco

3. HISTORIA DEL ARTE
EDAD MODERNA
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INTRODUCCIÓN A LA EDAD MODERNA
Desde inicios del siglo XV se vive en Italia el
surgimiento de una nueva corriente cultural y
artística, que va a buscar sus raíces en la
Antigüedad. La Edad Moderna es la época de
desarrollo de la tendencia humanista y deja al arte
un legado clásico elemental que se estableció como
base para todas las artes.
El estilo de gran importancia en esta época fue el
Renacimiento, para el cual la observación de las
ruinas romanas y la recuperación de obras de la
Antigüedad fueron claves en el trabajo de los
teóricos, que se consideraban sucesores de los
maestros grecorromanos.

4. HISTORIA DEL ARTE
EDAD MODERNA
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El humanismo
Se manifiesta en el empleo de procedimientos reflexivos para el análisis del mundo, con
la explicación racional de sus resultados. La creación artística cobra un sentido racional
y objetivo, y no místico o visionario. En ese sentido se plantea la necesidad de
representar, en las artes figurativas, un espacio verídico controlado por la mente.
El artista en la nueva sociedad, que hasta entonces era considerado mecánico y
artesanal, empieza a ser valorado por su dimensión intelectual. El arte es apreciado por
su belleza, al margen de su utilidad. Ello dio paso a la apreciación de las obras de arte
como objetos autónomos, no necesariamente vinculados a una función concreta, lo que
promueve su coleccionismo.
Ejercicio. Describe en tu opinión, qué importancia tuvo el humanismo para el
surgimiento de nuevos artistas.

5. HISTORIA DEL ARTE
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Técnicas Artísticas EL DIBUJO
El dibujo es una forma de expresión artística que consiste en trazar líneas o figuras sobre un
soporte adecuado. En un sentido genérico, entendemos por dibujo todo trazo lineal o de
figura, en claro y oscuro, que expresa una idea estética.
Los inicios se consideran desde las manifestaciones rupestres hasta diversas medievales, sin
embargo, fue a fines del siglo XIV, y, sobretodo, a partir del Renacimiento italiano, cuando
aparece el dibujo tal y como lo entendemos modernamente, vinculado al papel como soporte.
Desde entonces, y hasta el siglo XIX, el dibujo se consideró el fundamento de todas las artes,
paso previo para emprender cualquier obra artística. Ya en el siglo XVIII, aparece el dibujo
como una obra artística autónoma, no concebida como un estudio previo de otra.
Los elementos que deben considerarse en un dibujo son: la superficie, con su color y textura, y
la forma. Hay tres formas de dibujar: el dibujo por contorno lineal, el modelado y el pictórico.

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Ejercicio. De los dibujos de Leonardo Da Vinci, cuál le llamó más la atención? Por qué?

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Técnicas Artísticas TÉCNICAS PICTÓRICAS
La pintura, uno de los principales medios
de expresión artística, tiene gran
variedad de técnicas y procedimientos. Lo
que define a la pintura es el color. Esta
pintura contiene dos elementos: el
pigmento y el aglutinante (elemento
imprescindible que mezcla los
pigmentos).
Los pigmentos solían ser naturales y el
pintor los fabricaba; por ello, una obra
tomaba mucho más tiempo de ejecución.
A partir del siglo XIX se introducen los
compuestos químicos que se consiguen en
variadísima gama de colores.
Los aglutinantes pueden ser de dos tipos, acuosos (agua, yema de huevo o cal) o grasos
(aceite o cera). Ya que desde el siglo XIX se fabrican industrialmente, el pintor se limita
a manejarlos.

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Los distintos procedimientos pictóricos dependen de dos variantes esenciales: el
soporte y el aglutinante. Entre los procedimientos están:
1. El fresco, que cubre grandes superficies murales.
2. El óleo, que utiliza aceite para disolver los colores, sobre tabla
o lienzo preferentemente.
3. El temple, con yema de huevo o colas vegetales como
aglutinantes. Sobre tabla o muro.
4. La acuarela, utiliza mucha agua para disolver colores.
5. El guache, gomas como aglutinante. Sobre tela. Acabado en
texturas gruesas y espesas.
6. El acrílico, pintura plástica fabricada con resinas sintéticas,
acabado uniforme, permite texturas por su densidad.
Ejercicio. Realice una obra propia utilizando una de las técnicas y una vez
terminado explique las observaciones de su aplicación.

9. HISTORIA DEL ARTE
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EL RENACIMIENTO
El Renacimiento es un estilo tan amplio
que estudiaremos desde el Quattrocento
hasta su desarrollo pleno. Como muchas
artes clásicas, sus principales
concepciones y características pueden ser
observadas en la arquitectura, que en el
Quattrocento se manifiesta en poderosas
ciudades-estado que promueven a lo
largo del siglo XV, la construcción de
importantes edificios religiosos y civiles
en los que se evidencia un uso magistral
de las referencias clásicas.

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El sistema renacentista se caracteriza por el uso de elementos clásicos, columnas, frontones,
órdenes, y la unidad espacial, ambos armonizados y proporcionados a través del resultado de
aplicaciones matemáticas. En esta etapa de desarrollo artístico, los autores que se destacan
son:
Brunelleschi; proyecta la cúpula de la
catedral de Florencia, Santa María de
Fiore, San Lorenzo y San Spirito.
Junto a Alberti aplicó novedades en sus
obras, entre ellas, santa María Novella,
San Andrés de Mantua y el palacio
Rucellai.
El Renacimiento tomó un gran papel a
nivel urbano y expandió el arte para
lograr la armonía entre la política y la
estética de sus construcciones. Como
elementos importantes destacan: la plaza
y el palacio.

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Ejercicio. Investigue diferentes obras arquitectónicas del Renacimiento y escoja
el que más le llame la atención, indique por qué.

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La Pintura
Las grandes innovaciones de la pintura del siglo XV en Italia fueron el uso racional de la
perspectiva, la profundización en la psicología de los personajes representados y el gusto
exquisito por la naturaleza.
Entre las características específicas están:
En lo formal: utilización de composiciones armónicas al insertar esquemas geométricos,
caracterización psicológica de los personajes, luz homogénea y colores armoniosos.
En lo temático: tratan temas religiosos y alegóricos, en el marco del pensamiento
humanista.
En lo técnico: la variedad en el dominio de todo tipo de técnicas, óleo, fresco y
temple.
Entre los autores está Masaccio; figura clave, heredero de la sinceridad descriptiva, racionaliza
la representación mediante la perspectiva, con ayuda de arquitecturas, abandona el
decorativismo superfluo a favor de la coherencia visual. Obras solemnes, macizas y corpóreas,
con la luz dando efectos dramáticos.

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La plenitud del Renacimiento
El principal centro artístico del Quattrocento fue Florencia. A lo largo del siglo, toda Italia se
vio impregnada del nuevo espíritu renacentista, que tendrá su completo desarrollo a partir del
siglo XVI o Cinquecento. Por encima de todas ellas, destaca la ciudad de Roma.
En Roma hacia el 1500 se va dando más poder al papa dentro de la iglesia, lo que permite un
gran crecimiento artístico en sus pinturas, esculturas y las mismas catedrales. El papa busca
mostrar a la sociedad el poder como garante de la ley trasmitido en el Antiguo y Nuevo
Testamento.
Entre los mejores artistas del Renacimiento están:
Bramante; arquitecto y pintor. Realizó plantas semicirculares y cúpulas. Entre las obras
más importantes realizó San Pietro in Montorio y la basílica de San Pedro.
Miguel Ángel; es considerado tanto escultor, como pintor y arquitecto. Consolidó su
fama con la escultura, habiendo hecho La Piedad que muestra un sentimiento
profundo. Otra obra importante realizada fue el David, encargado en 1501.
Leonardo Da Vinci; representa la culminación del “hombre universal” que se interna en
todas las artes. Pintor preocupado especialmente por la anatomía. Pinta la Virgen de
las Rocas, utilizando un juego de claroscuros.
Rafael; es la suprema concepción de belleza renacentista, donde la armonía del
individuo con su espacio va asociada a un profundo carácter moral de su acción.

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Entre sus obras trabajó en estancias como las del papa Julio II, de león X y a la
muerte de Bramante fue nombrado arquitecto de San Pedro.
Ejercicio. Entre las obras de estos cuatro autores, qué características se identifican
similares? Qué diferencias en las técnicas hay?

15. HISTORIA DEL ARTE
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GLOSARIO

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GRAFICOS DE APOYO

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MAPA CONCEPTUAL
RENACIMIENTO

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EL BARROCO
En el siglo XVII, Italia continuó
ostentando el liderazgo como centro
de difusión del arte, no solo por sus
prestigiosos artistas sino también por
los mecenas y visitantes de otros
países.
Es un periodo que abarca desde 1600
hasta la segunda mitad del siglo XVIII,
aproximadamente. Se desarrolla un
estilo artístico difícil de definir,
comprende una complejidad
acumulativa y simbólica y un virtuoso
naturalismo de las apariencias.

19. HISTORIA DEL ARTE
EDAD MODERNA
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Características conceptuales
A finales del siglo XVIII, se empezó a
utilizar el término “barroco”, tenía
una acepción peyorativa, como algo
extravagante e inarmónico. Hoy se ve
el Barroco como un complejo estilo
que responde a un sistema de vida y
pensamiento que posee su propia
coherencia.
Entre el Barroco Italiano y el contexto
europeo hubo un cambio en la
mentalidad que se dio entre finales del
siglo XVI y el XVII el cual influyó
notablemente en el arte. Se habla del
Barroco como una suma de
componentes visuales, espaciales,
auditivos, ambientales, que generan
una ilusión.

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Características específicas
Se convirtió en un eficaz instrumento de propagación religiosa, poniendo en relieve el poder
de la Iglesia y la autoridad del Papa. El Barroco está concebido para generar un ilusionismo en
las emociones que cautive y emocione. Para ello recurre a características específicas en sus
diferentes componentes, como ser:
Materiales; deben producir una imagen de ostentación y enriquecimiento, se
utilizan el mármol de color, metales y elementos dorados.
Ritmo; se logran efectos dinámicos en las fachadas y los muros, con curvas y
contracurvas, con elementos que creen efectos de luz y sensaciones flotantes en las
cúpulas.
Forma; se da con una complejidad de orden gigante, uso de columnas salomónicas y
entablamentos curvos.
Decoración; predominan los motivos vegetales, el uso de elementos fingidos sobre
los tectónicos, aunque cumplan solamente funciones escenográficas.

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Ejercicio. Investigue una obra del Barroco e identifique las características específicas.

22. HISTORIA DEL ARTE
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La escultura
La diversidad y el naturalismo, así como la
expresión, encuentran su máximo esplendor
en este periodo. La escultura italiana del
siglo XVII presenta las siguientes
características:
Gran diversidad tipológica: puede ser
ornamental, alegórica o mitológica; para
espacios cerrados o abiertos; retratos,
imágenes religiosas, devocionales o
decorativos; en iglesias o conjuntos
funerarios.
El material más utilizado es el mármol, del
que se aprovechan sus posibilidades
cromáticas y de textura. También el bronce,
con frecuencia combinado para crear valores
táctiles.

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Formalmente es un arte naturalista, cargado de
expresividad en los gestos, que gusta de actitudes
movidas, llenas de energía y vitalidad, forman
composiciones complejas, teatrales y dramáticas.
El Barroco Mestizo
En Bolivia el Barroco incorpora componentes
regionales, logrando una combinación única. Tanto
en arquitectura como en otras artes el barroco ha
alcanzado un alto nivel artístico, como ser el
reconocimiento a nivel mundial del Festival de
Música Barroca.
Entre las obras arquitectónicas barrocas está la
Iglesia de Santo Domingo, que en la ejecución de
fachadas, retablos, decoración y esculturas expone
un barroco clásico unido a la cultura mestiza de
cada lugar.

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GLOSARIO

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GRAFICOS DE APOYO

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MAPA CONCEPTUAL
BARROCO