El documento describe varias obras arquitectónicas del Renacimiento español, incluyendo el Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada diseñado por Pedro Machuca, el Monasterio de El Escorial diseñado principalmente por Juan de Herrera, y la Piedad de Miguel Ángel. Resalta la influencia italiana en la arquitectura española de la época y destaca el estilo sobrio y severo de Juan de Herrera conocido como estilo herreriano.

1. Selectividad
Renacimiento

2. Renacimiento España
Palacio de Carlos V. Pedro
Machuca
Monasterio del Escorial. Juan de
Herrera

3. Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada. Autor Pedro
Machuca. Renacimiento español
Exterior consta de dos niveles: el bajo es
almohadillado y se emplean pilastras dórico-
toscanas. El superior es de orden jónico y sus
pilastras de orden jónico. Entre las pilastras de
ambos cuerpos se articulan dos series de vanos:
en el piso bajo rectangulares y circulares. En el
cuerpo superior, se distribuyen en los pedestales
y las ventanas están rematadas por frontones y
guardapolvos, que alternativamente coronan los
vanos. Completando el conjunto una decoración
de guirnaldas, putti y emblemas imperiales.
La planta está formada por un
cuadrado con un patio circular
inscrito en su interior. Esta
disposición, principal rasgo
manierista del palacio, no tiene
precedentes en la arquitectura del
Renacimiento, y sitúa la
construcción en lo que se considera
la vanguardia artística del
momento.

4. El patio circular también muestra dos pisos. El inferior está presidido por una columnata
dórica con un entablamento formado por triglifos y metopas con motivos de guirnaldas y
bucráneos. El superior lo forma una columnata jónica con entablamento liso. Esta
estructura del patio se encuadraría en el más puro Renacimiento de no ser por su
disposición curva, que provoca en el espectador cierto desconcierto cuando se penetra
por sus fachadas principales. Más tarde Miguel Ángel y Palladio construirán edificios con
soluciones análogas, bajo la etiqueta de Manierismo.

5. Pedro Machuca (h. 1490- 1550). Se formó en
Italia, donde se relacionó con Miguel Ángel y
Rafael. Esta circunstancia hizo de él un caso Fue más brillante como
excepcional en la España de su tiempo, ya que arquitecto que como pintor,
cultivó en arquitectura un estilo italianizante, de pero en este campo desplegó
líneas severas y puras, que se encuentra en las una amplia actividad con obras
antípodas del estilo plateresco por entonces en religiosas de estilo manierista.
boga. Desde 1520 residió en Granada, donde Destacan en su obra pictórica
realizó sus obras más importantes, en particular el la Virgen de la leche y el
palacio de Carlos V en la Alhambra y la Puerta de retablo de Nuestra Señora de
las Granadas, también en el recinto del palacio la Consolación, en Jaén.
nazarí.

6. Palacio Real-Monasterio de El Escorial. Juan de Herrera. Segunda mitad del
siglo XVI. Renacimiento español. Estilo herreriano.
El Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, Monasterio de San Lorenzo El Real o El
Escorial es un monasterio de la Orden de San Agustín, histórica residencia de la Familia Real
Española y lugar de sepultura de los reyes de España. Se concibió como un gran complejo
multifuncional, monacal y palaciego.
La obra la inició Juan Bautista de Toledo cuando muere le sucede Juan de Herrera en la
dirección de las obras. Herrera modifica los planos, ampliándolos y cambiando la
ornamentación del interior de la iglesia y la traza de la fachada, haciendo un edificio
singular que llama la atención por su austeridad. Basa su diseño en la horizontalidad, la
uniformidad compositiva y una sobria decoración.

7. Construye la monumental fachada occidental, la gran basílica de planta centralizada y el
templete del patio de los Evangelistas. Además cambia las técnicas constructivas y modifica
las cubiertas. Destaca la maestría con que realiza las bóvedas planas de la estructura.

8. La planta definitiva del edificio, con sólo cuatro torres en las esquinas y el Palacio Real
haciendo de «mango», recuerda la forma de una parrilla, por lo que tradicionalmente se ha
afirmado que se escogió esta traza en honor a San Lorenzo, martirizado en Roma en una parrilla,
ya que el 10 de agosto de 1557, día de la festividad del santo, tuvo lugar la batalla de San
Quintín. De ahí el nombre del conjunto y de la localidad creada a su alrededor. Aunque hoy se
piensa que no fue algo buscado, sino que la forma de “parrilla” surgió del resultado final.
El resultado final guarda reminiscencias de los tres dominios de Felipe II: el rectángulo de la
planta con sus cuatro torres en las esquinas, típico de los alcázares castellanos, la arquitectura
clásica italiana en la basílica y las portadas, y los típicos tejados apizarrados flamencos.

9. cúpula
trasdosada,
la primera
realizada
sobre un
tambor en
España
templo
cuadrado basado
en la planta del
Vaticano
sobrepuesto a
una planta
basilical
tradicional con el
Fachada de la basílica
altar al final de la
El orden arquitectónico predominante es
nave principal.
el toscano, el más sencillo del clasicismo, y
el dórico en la iglesia.

10. El edificio destaca por: el orden, la jerarquización y la perfecta relación entre todas las
partes de la composición, integrando monarquía, religión, ciencia y cultura en el eje
principal: las estatuas de la Portada, la Biblioteca, los Reyes de Judá, la Basílica y el Palacio
privado del rey.
Unidad de estilo
Cuidada perfección de sus proporciones
Elegancia de la articulación arquitectónica entre las distintas piezas
Valores simbólicos

11. Fachada sur
la única decoración es la piedra y la repetición de ventanas en un único
lienzo

12. Fachada principal
Patio de los Evangelistas
dos órdenes superpuestos a la
manera romana y su espléndido
ejercicio de bramantismo del
templete central

13. Juan de Herrera (1530-1597)
Fue arquitecto, matemático y geómetra.
Considerado uno de los máximos
exponentes de la arquitectura
renacentista hispana.
Su sobrio y severo estilo arquitectónico,
llamado herreriano en su honor, fue
representativo del reinado de Felipe II e
influyó notablemente en la arquitectura
española posterior, principalmente a lo
largo del siglo XVII.
Como figura del Renacimiento, se
interesó en diferentes ramas del saber, su
"Discurso sobre la figura cúbica" revela
sus conocimientos de geometría y Al acabar los estudios, de Humanidades y
matemáticas. Copia las figuras Filosofía, se incorpora al séquito de caballeros
astronómicas del Libro del saber de de Felipe II, por entonces todavía príncipe, y
astronomía. Fue instructor del príncipe viaja por Flandes, Alemania e Italia, donde
Carlos de Austria. También participó en entra en contacto con las corrientes
algunas de las campañas militares de renacentistas del momento.
Carlos I (en Alemania, Flandes e Italia). Funda la Academia de Matemáticas y
Delineación (antecedente de la Real Academia
de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales) y se
convierte en su primer director.

14. Palacio Real de Aranjuez
Fachada sur del Alcázar de
Toledo

15. Catedral de Valladolid
Lonja de Sevilla

16. Miguel Ángel
La Piedad
El Moisés

17. Piedad de Miguel Ángel (1498-99). Basílica de San Pedro del Vaticano.
Mármol. Cinquecento
Obra de bulto redondo, pero el punto de
vista, preferente, es el frontal.
Representa a una Virgen joven, bella y
piadosa cuyas vestiduras se expanden
con numerosos pliegues, que sostiene al
Hijo muerto, con una actitud sosegada y
llena de ternura. La juventud de la
Virgen es muestra del idealismo
renacentista: se trata de representar el
ideal de belleza y juventud, una Virgen
eternamente joven y bella.
La obra fue encargada por el cardenal
de Jean Bilhères de Lagraulas o de
Villiers, benedictino embajador del
monarca francés ante la Santa Sede. El
primer emplazamiento fue la tumba del
prelado en la Capilla de Santa Petronila
del Vaticano. La Piedad fue trasladada en
1749 a su ubicación actual en la Basílica
de San Pedro.

18. Líneas compositivas:
•La composición triangular.
•Los cuerpo de Jesús está
realizado con líneas quebradas
que se contraponen a los pliegues
curvilíneos y angulados de los
vestidos de la Virgen María.
•El brazo derecho de Jesús cae
inerte. Éste se contrapone al brazo
izquierdo de la Virgen, que está
lleno de vida.
•Los pliegues de la Virgen con
oquedades forman contrastes de
claroscuro. Estos se contraponen a
las superficies claras y lisas del
cuerpo de Jesús.
Orgulloso de su obra la firmó en la
banda que cruza el pecho de la
Virgen, siendo esta la única
firmada del artista.

19. Fue la primera vez que el artista
aborda este tema iconográfico,
luego repetido a lo largo de su
vida con diversos tratamientos,
que ponen de manifiesto su
evolución artística y espiritual. La
última de esta serie de Piedades
sería la denominada Piedad
Rondanini, que dejó inacabada al
caer enfermo y morir, y cuyo
patetismo, que anticipa el
barroco, nada tiene que ver con
la serenidad clásicamente
renacentista de esta obra de
juventud.

20. Moisés. Miguel Ángel Buonarroti. 1513-
1515. Mármol. Iglesia de San Pietro in
Vincoli. Cinquecento.
Originariamente concebida para la tumba del papa
Julio II en la Basílica de San Pedro, pero el Moisés y
la tumba se colocaron en la iglesia de San Pietro in
Vincoli.
La estatua representa a Moisés con cuernos en su
cabeza, que simbolizan rayos de luz. Sentado, con
las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que
con la otra mano acaricia los rizos de su barba.
La figura está llena de terribilità. Destaca el vigor
físico y su poderosa constitución: la protuberancia
de los músculos, la hinchazón de las venas, las
grandes piernas, pesadas al empezar a moverse. Su
rostro vuelto posee una gran intensidad emocional
con una expresión de tremenda ira que se refleja
en sus ojos.
Miguel Ángel representa la cólera sagrada de
Moisés. Está tenso, viendo como su pueblo ha
caído en la idolatría. Parece que está a punto de
estallar y empezar a gritar, frunce el ceño, su psique
se puede captar a través de su gesto y su mirada.

21. Miguel Ángel Buonarrotti (1475 - 1564) Se
reconoce a Miguel Ángel como la gran figura
del Renacimiento italiano, un hombre cuya
excepcional personalidad artística dominó el
panorama creativo del siglo XVI y cuya figura
está en la base de la concepción del artista
como un ser excepcional.
Durante los cerca de setenta años que duró su
carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la
pintura, la escultura y la arquitectura, con
resultados extraordinarios en cada una de
ellas.
La vida de Miguel Ángel transcurrió entre
Florencia y Roma, ciudades en las que dejó
sus obras maestras. Aprendió pintura en el
taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín
de los Médicis, que habían reunido una
excepcional colección de estatuas antiguas.
Dio sus primeros pasos haciendo copias de
frescos de Giotto o de Masaccio que le
sirvieron para definir su estilo.

22. Sus obras están llenas de terribilità, dicho
término se refiere a aspectos como el vigor
físico, la intensidad emocional y el entusiasmo
creativo.
Entre sus obras de juventud destaca la Piedad
de San Pedro. Al cabo de cinco años regresó a
Florencia, donde recibió diversos encargos,
entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro
metros de altura que representa la belleza
perfecta y sintetiza los valores del humanismo
renacentista.
El papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba;
Miguel Ángel sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos
Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se
cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más
admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía de los
bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya
contenidas en ellos.

23. También para él decoró el techo de la Capilla
Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a
aceptar, puesto que se consideraba ante todo un
escultor, pero que se convirtió finalmente en su En 1534, Miguel Ángel se estableció
creación más sublime. Alrededor de las escenas definitivamente en Roma, donde realizó
centrales, que representan episodios del Génesis, el fresco del Juicio Final en la capilla
se despliega un conjunto de profetas, sibilas y Sixtina y supervisó las obras de la
jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado basílica de San Pedro, en la que
por dos cualidades esenciales: belleza física y modificó sustancialmente los planos y
energía dinámica. diseñó la cúpula, que es obra suya. Su
otra gran realización arquitectónica fue
la finalización del Palacio Farnesio.

24. De nuevo en Florencia proyectó para San Lorenzo dos obras magistrales: la
Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. En la escalera de
acceso a la biblioteca es capaz de crear un particular efecto de
monumentalidad en el escaso espacio existente. La capilla Medicea alberga dos
sepulturas que incluyen la estatua del difunto (Lorenzo y Juliano Médici) y las
figuras del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.

25. Bramante. Templete San Pietro in
Montorio
Palladio. Villa Capra o La Rotonda

26. Templete de San Pietro in Montorio . Bramante. (1502 – 1510) Patio del
convento franciscano homónimo en Roma. Cinquecento
Fue encargado por los Reyes Católicos
para conmemorar la Toma de Granada
en 1492, levantándose en el lugar
donde según la tradición fue
martirizado San Pedro. Justo debajo
del altar mayor está la cripta, donde
supuestamente estaba clavada la cruz
de San Pedro.
El conjunto simboliza la condición del
Apóstol Pedro como Primer Pontífice
y fundamento de la Iglesia. La cripta
simboliza el martirio del apóstol, el
peristilo a la iglesia militante, la
cúpula a la Iglesia Triunfante y el
crepidoma, a modo de tres escalones,
Fue realizado en granito, mármol, con acabados representa las tres virtudes
de estuco y revoco. teologales: fe, esperanza y caridad.
Es de planta circular e imita a los martyria
orientales.

27. Se considera esta obra el manifiesto de la
Dispone de una arquitectura clasicista renacentista, por su
columnata que La decoración se
pureza de líneas y austeridad decorativa.
envuelve a la cella, dispone
cubierta por una rítmicamente en
cúpula semiesférica. dos
Esta columnata cuerpos, ambos
conforma un peristilo. están decorados
También hay una clara con nichos de
referencia a la cultura remate
griega en la forma semicircular, de
circular, como un concha de
tholos griego. venera, que
alternan con
Se erige sobre una vanos
escalinata seguida de adintelados, sepa
un corto podio sobre rados por
el que se eleva la pilastras, cada
columnata de orden una de las cuales
dórico, rematado por se corresponde
un entablamento de con una de las
metopas y triglifos, columnas del
coronado por una peristilo.
nichos
balaustrada. pilastras vanos

28. Donato d'Angelo Bramante (1444-1514) Fue el
mayor arquitecto del Renacimiento italiano, a
caballo entre los siglos XV y XVI, heredero de
Brunelleschi y Alberti e inspirador de muchas de
las grandes figuras de la arquitectura posterior
(Sansovino, Antonio de Sangallo el Joven…)
Aprendió de Brunelleschi y Alberti el arte de la
creación de espacios armoniosos y
proporcionados, y añadió al estilo de aquéllos un
interés nuevo por la perspectiva que le llevó a
crear singulares efectos de profundidad y espacio
en sus obras. Un ejemplo emblemático de ello es
el templete de San Pietro in Montorio, en Roma,
una pequeña construcción circular en el centro de
un patio rectangular, proyectada para ser el centro
de un recinto porticado que debía acentuar sus
efectos escenográficos.

29. Se formó probablemente en Urbino. En
Bérgamo trabajó en la decoración al fresco
del palacio del Podestà. En Milán desplegó
una gran actividad como pintor y arquitecto
que puede sintetizarse en el impactante
Cristo a la columna y, sobre todo en la
construcción de Santa Maria presso San
Satiro, donde dotó al coro, de pocos
centímetros, de una gran sensación de
profundidad.
En Roma trabajó principalmente al servicio del
papa Julio II, donde proyectó el patio del
Belvedere y la nueva basílica de San Pedro.
Ninguna de las dos obras se llevó a cabo tal como
Bramante había previsto, pero la genialidad de las
soluciones por él propuestas imprimió una nueva
orientación, más monumental y escenográfica, a
la arquitectura del Renacimiento. Intervino
también en la sistematización de algunos barrios
de Roma, ofreciendo con su palacio Caprini un
nuevo prototipo de residencia urbana.

30. Villa Capra o villa rotonda. Autor Andrea Palladio. Renacimiento italiano.
Cinquecento. Vicenza.
planta cuadrada, que tiene
los dormitorios en los
ángulos y en el centro una
gran sala circular cubierta
con una gran cúpula.
La casa se erige en la cima de una colina sobre
un basamento, al que se sube por cuatro
monumentales escaleras orientadas a cada uno
de los puntos cardinales.

31. Las cuatro escalinatas cuentan con sus correspondientes columnatas jónicas
hexástilas, que sostienen sendos frontones triangulares, decorados con esculturas
que representan divinidades griegas clásicas.

32. La altura y la longitud
del edificio están
perfectamente
delimitadas por un
sistema de proporción
que deriva de Alberti y,
en última instancia de
Vitrubio.
La combinación de
cuadrado (la planta) y
círculo (cúpula) es
característica del
Renacimiento, aunque
como resultado final se
obtiene, gracias a los
pórticos, la forma de
cruz griega.

33. Andrea Palladio (1508-1580)
La preocupación de
Palladio fue adaptar las
formas de la Antigüedad a
las necesidades modernas,
para ello realizó un gran
repertorio de obras civiles,
en Vicenza, cuya imagen
urbana renovaría.

34. Realizara un tratado sobre arquitectura titulado “los Cuatro Libros de
Arquitectura”, dedicados respectivamente a los órdenes, los edificios
domésticos, los edificios públicos y los templos, que tendrán una gran
repercusión en Europa, convirtiéndose en la modelo de los arquitectos
neoclásicos.

35. Basílica o Palacio de la Razón
Realiza una
fachada de dos
plantas, en la
que se
superponen el
orden dórico y el
jónico, a partir
de la repetición
seriada de un
módulo, que ha
pasado a la
historia del arte
con el título de
“tramo rítmico
palladiano”.
Consiste en inscribir un arco de medio punto y dos dinteles laterales
apeados sobre columnas de orden normal, en un marco
arquitrabado con columnas de orden gigante.

36. Sus realizaciones más características son las villas campestres que construyó en
Vicenza, Verona y Venecia. Realizó treinta y su diseño responde a dos necesidades:
ser lugares de ocio o centros productivos
Villa Badoer
Villa Emo
Villa Bárbaro es el testimonio del centro
de explotación agrícola. Palladio diseña un
cuerpo central de viviendas y dos alas para
incluir almacenes establos, bodegas y
graneros.

37. Teatro Olímpico. Inspirándose en los modelos romanos, construyó una estructura
semielíptica cerrada por un escenario con decoración en perspectiva, que ofrece
permanentemente las calles de Tebas, tal como se concibió para representar la
tragedia inaugural de Edipo Rey.
Sus obras religiosas se concentran en Venecia, desarrollando plantas de cruz latina y
fachadas articuladas por dos frontones: San Francesco de la Vigna, el Redentore y el
monasterio de San Giorgio Maggiore.

38. Escuela de Atenas. Rafael Sanzio

39. Escuela de Atenas. Rafael Sanzio. (1510 y 1511) Fresco en las estancias de Rafael
(Vaticano). Cinquecento.
Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los
filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica.
Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas termas, que
recuerda el proyecto de la basílica de San Pedro elaborado por Bramante

40. En el centro de la composición están: Platón (14), anciano de barba blanca, llevando el
“Timeo”, con una de sus manos señalando al cielo, al mundo de las Ideas, como pura
expresión del idealismo filosófico, que va acompañado de Aristóteles (15), más joven, de
figura arrogante, cubierto con manto azul, que lleva un tomo de su obra “Ética”, cuya mano
mira hacia el suelo, marcando lo palpable, lo visible. A la izquierda hay otro grupo de filósofos
reunidos con Sócrates (12), que marca silogismos con los dedos ante un grupo de jóvenes,
entre los que se distingue uno que lleva casco y va armado, lo que se ha interpretado como
una representación de Alejandro Magno (7). Más abajo, otro anciano, tal vez Pitágoras (6)
escribe números sobre un grueso libro. Justo delante Heráclito (13) aparece reflexionando
sentado mientras escribeTambién se encuentra Hipatia de Alejandría (9).
A la derecha, Arquímedes o Euclides (18), explica marcando con un compás la figura. Un
grupo más arriba aparece el autorretrato de Rafael (R)) y a su lado Perugino.

41. Rafael tomó como modelo a destacados artistas de la época: Platón, se representa con la
imagen de Leonardo, Euclides, con la de Bramante y Heráclito con la de Miguel Ángel.
La composición está dispuesta de manera ordenada y simétrica. El arco que sirve de marco a la
escena contribuye a aumentar la sensación de profundidad en una perspectiva perfectamente
lograda, que supone la consagración de Rafael como pintor clasicista del Renacimiento. Conoce
y se deja influenciar por la pintura miguelangelesca de la Sixtina, lo que vemos en los escorzos y
el tratamiento escultórico de las figuras. Éstas se vuelven preguntando, indagando, buscando,
puesto que se trata de la incesante búsqueda de la verdad y del progreso que ha de guiar a los
filósofos y sabios.

42. Rafael de Sanzio fue uno de los
grandes artistas del Renacimiento del
siglo XVI. El artista que más va a influir
en su estilo fue Perugino. Trabajó
durante cuatro años en Florencia,
estudiando las obras de Leonardo y
Miguel Ángel. Por recomendación de
Bramante pasó a trabajar en Roma,
donde reside hasta su muerte. Allí
recibe el encargo de la decoración de
las estancias que el Papa Julio II
preparaba como parte de sus
habitaciones, estancias que hoy se
denominan “de Rafael”. Uno de los
murales pintados en la Cámara de la
Signatura del Palacio Vaticano, es “La
Escuela de Atenas”, situada enfrente
de otra obra suya, “La Disputa del
Santísimo Sacramento”, resumiendo
así su idea de reunir la filosofía
natural, la ateniense, con la teología
revelada, la ciencia y las artes, todo
bajo la suprema protección de la
Iglesia.

43. Sacrificio Isaac. Alonso Berruguete

44. Sacrificio Isaac. Retablo mayor de la iglesia
monástica de San Benito el Real ( Valladolid). Entre
1527 y 1532. Alonso Berruguete. Renacimiento
español. Madera policromada. Museo Nacional
Colegio de San Gregorio.
Originalmente esta obra contenía pinturas, relieves y
grandes esculturas. Los temas centrales
representaban la infancia de Cristo y la vida de San
Benito, alrededor una serie de pequeñas estatuas de
profetas, apóstoles, evangelistas y
santos, destacando dos figuras:
El martirio de San Sebastián en el momento de ser
gravemente herido por los flechazos.
El Sacrificio de Isaac: Abraham a punto de degollar a
su hijo, antes de ser detenido por la mano de un
ángel enviado por Yahveh.
Están talladas en madera, ricamente policromada y
dorada. Berruguete era aficionado al dorado, que
aplicaba tanto a ropajes, como a fondos e incluso al
pelo, aumentando, así, el efecto irreal y expresivo de
las escenas.
Utiliza dos técnicas el estofado y el encarnado

45. El Martirio de San Sebastián y el
Sacrificio de Isaac son ejemplos de
la integración de las formas
manieristas e italianizantes con un
punto de vista personal:
• Forma Serpentinata del
Manierismo Italiano
• La monumentalidad y la fuerza
recuerda a los tres escultores
italianos que él más admiró:
Donatello, Jacopo della Quercia y
Miguel Ángel.
• Aporta su propia personalidad,
eligiendo un canon alargado, enjuto
y nervudo, la estatura de sus
personajes equivale a diez cabezas.
Su estilo nervioso, donde la pasión y
el movimiento se desatan, sacrifica
la perfección técnica en favor del
dramatismo, dando más
importancia a su interpretación
personal de los temas que a la mera
reproducción de la naturaleza.

46. La Adoración de los Magos
Museo Nacional Colegio de San Gregorio
Alonso Berruguete (1490-1561) se educó
en Italia, donde conoció personalmente a
Miguel Ángel, así como la obra de
Donatello y Della Quercia. El San Sebastián
es recuerda a los «Esclavos» que Miguel
Ángel realizó para la tumba del papa Julio
II. El Sacrificio de Isaac tiene influencia del
Sacrificio de Isaac de Donatello. La
preocupación por el desnudo de canon
alargado y enjuto, recuerda la María
Magdalena de Donatello. El
apasionamiento y las composiciones
inestables se inspiran en Miguel Ángel.
Sus obras reflejan la pasión, el movimiento,
los sentimientos, más que la percepción
técnica.
Sus obras fundamentales son el Retablo de
San Benito el Real y la sillería del coro de
la Catedral de Toledo, que talla a medias
con Felipe Vigarny. En mármol esculpió la
Transfiguración de la Catedral y la Tumba
del Cardenal Tavera, ambas en Toledo.

47. El Greco
Entierro del Conde Orgaz
El Expolio
Martirio de San Mauricio

48. El entierro del conde de Orgaz
(1586–1588). Doménikos
Theotokópoulos, “El Greco”.
Santo Tomé (Toledo).
Manierismo español. Óleo
sobre lienzo
El cuadro, realizado para la
iglesia de Santo Tomé en
Toledo, se encuentra todavía en
su lugar. Muestra el sepelio de
un noble toledano, que según
una leyenda local fue enterrado
por los santos Esteban y
Agustín
Muestra ya su característica de
alargamiento de las figuras, así
como el horror vacui (miedo al
vacío). Estos rasgos provenían
del manierismo

49. En la parte inferior, el centro lo ocupa el cadáver del conde, que va a ser depositado en su
sepulcro. Para tan solemne ocasión han bajado los santos del cielo: el obispo san Agustín,
uno de los grandes padres de la Iglesia, y el diácono san Esteban, primer mártir de Cristo.
El pintor representó en la comitiva a personajes locales de su tiempo: el niño
semiarrodillado en primer término es Jorge Manuel, el hijo del Greco, cuando tenía 10
años. Un pañuelo que sale de su ropa lo testifica, puesto que indica la fecha de su
nacimiento. El personaje de barba canosa, al otro lado de la escena, con la cara casi de
perfil es Alonso de Covarrubias, un clérigo íntimo del Greco.

50. En la parte superior, el pintor
describe el cielo. Aparece
Jesucristo glorioso, luminoso,
vestido de blanco, entronizado
como juez de los hombres y
rodeado de los bienaventurados y
de ángeles. Juzga con misericordia,
como lo demuestra su rostro
sereno. Con su mano derecha
manda al apóstol Pedro, jefe de su
iglesia, que abra las puertas del
cielo al alma del difunto, para que
la Virgen María la acoja.
El cuadro representa las dos dimensiones de la existencia humana: abajo la muerte,
arriba el cielo, la vida eterna. El hombre cuando ha de traspasar el umbral de la
muerte, no lo hace en solitario, sino que junto a él para ayudarle está Jesucristo, su
Madre y todos los santos del cielo.

51. El expolio (1577–1579). Doménikos Theotokópoulos, “El Greco”.
Manierismo español. Óleo sobre lienzo. Catedral de Toledo.
Una figura en la parte trasera
apunta acusadoramente a
Cristo, mientras otros dos
Representa el momento discuten sobre sus
del expolio. vestiduras.
Cristo en el centro, Otro hombre vestido de
mirando al cielo con verde a la izquierda de Cristo
una expresión de lo sujeta con una cuerda y va
serenidad, vestido con a proceder a desnudarlo para
una túnica de color rojo su crucifixión.
intenso que domina el
resto de la Otro vestido de amarillo en
composición; y a su la parte inferior derecha se
alrededor, una masa de inclina hacia la cruz y perfora
figuras dispuestas a un agujero.
desnudarlo para
comenzar la Pasión. En la parte inferior izquierda
aparecen las tres Marías
contemplando la escena con
angustia.

52. El rostro melancólico Introduce dos episodios
del Salvador se diferentes pegados a
contrapone con el de Cristo y cerrando la
las figuras de sus escena inferiormente.
ejecutores, que se Se trata del hombre
amontonan en torno a que prepara la cruz y
él, creando una enfrente las tres Marías
impresión de desorden que con tristeza lo
con sus movimientos, observan.
gestos, picas y lanzas.
Rodea a Cristo de un
Tanto el modelado de grupo apretado de
las figuras como el cabezas cada una con
cromatismo provienen personalidad propia,
de su época veneciana. que sirven de fondo al
rostro de Cristo.

53. Establece una composición en círculo alrededor
de Jesús. Las masas no están sólo a derecha e
izquierda, se encuentran también al fondo para
que sobre ellas se destaque el protagonista, lo
perfilan por todos los lados, incluso en el primer
plano en la parte inferior para cerrar
completamente la escena.
La escena representada es únicamente humana.
Hombres y mujeres llenan todo el espacio. La
naturaleza solo aparece en una porción de cielo
nuboso y algo de tierra bajo el pie de Cristo.

54. Martirio de San Mauricio. El Greco.
1580-82. Monasterio de San Lorenzo
de El Escorial. Óleo sobre lienzo.
Manierismo
Felipe II encarga a El Greco una obra para
uno de los altares laterales de la Basílica
del Escorial. El tema elegido es el Martirio
de San Mauricio y la Legión Tebana, al
estar considerado como uno de los santos
principales en la lucha contra la herejía y
debido a la existencia de reliquias en la
iglesia.
La historia del cristianismo cuenta que San
Mauricio y su legión fueron martirizados
ante la negativa a ofrecer sacrificios a los
dioses romanos.
El estilo es manierista como se observa en
las figuras de espaldas, los escorzos o las
diagonales que forman la escena.

55. En la parte superior del lienzo hay
un rompimiento de Gloria formado
por ángeles músicos, mientras otros
portan palmas y coronas de triunfo.
De aquí parte un foco de luz que
ilumina el martirio.
En un segundo plano contemplamos el
episodio más importante: el martirio. Los
legionarios se sitúan en fila, vestidos con
túnicas semitransparentes o desnudos, que
esperan el turno para ser ejecutados. El
verdugo se sitúa de espaldas, sobre una
roca, y junto a él vemos de nuevo a San
Mauricio, reconfortando a sus hombres y
agradeciendo su decisión. Un hombre
degollado refuerza la idea del
martirio, exhibiendo un fuerte escorzo.
El hecho de relegar el martirio a un segundo
plano y colocar la decisión más cercana al
espectador provocó el rechazo de Felipe
II, quien adujo la falta de devoción que
inspiraban las figuras

56. En primer plano está San
Mauricio (vestido con una
coraza azulada y barbado)
acompañado de sus
capitanes decidiendo si
efectúan el sacrificio a los
dioses paganos.
Entre las figuras de los
capitanes se distinguen
retratos de personajes de la
época como el Duque
Enmanuel Filiberto de
Saboya, comandante de las
tropas españolas en San
Quintín y Gran Maestre de
En los planos del fondo, donde se desarrolla el la Orden Militar de San
martirio, encontramos el retrato de Don Juan de Austria, el Mauricio o Alejandro
hijo natural de Carlos V y vencedor de la batalla de Lepanto. Farnesio, duque de Parma,
Todas las figuras visten uniforme militar del siglo XVI. que estaba luchando en los
Al contemporaneizar la historia del cristianismo pone de Países Bajos contra los
relevancia la lucha de los generales españoles contra la holandeses.
herejía y el paganismo, igual que lo hizo San Mauricio.

57. El Greco (Doménicos Theotocópoulos
1541- 1614). Aunque nacido en Creta, El
Greco desarrolló su trayectoria artística
en España. Se formó en su isla natal
como pintor de iconos, antes de
trasladarse a Venecia, donde conoció la
obra de Tiziano y Tintoretto, artistas
que, junto con Miguel Ángel, fueron los
que más influyeron en su pintura.
A partir de 1570, tras una estancia de
siete años en Roma, El Greco se trasladó
a Toledo. Llevaba diez años en Toledo
cuando Felipe II le encomendó una obra
para el monasterio de El Escorial; pero
El martirio de san Mauricio no gustó al Retrato de caballero anciano,
soberano español, quien ya nunca considerado autorretrato
volvió a contar con el artista.
Ello supuso una decepción enorme para El Greco, ya que aspiraba a convertirse
en pintor de corte, pero no entorpeció su carrera, puesto que era ya un pintor
solicitadísimo tanto por los aristócratas como por los eclesiásticos toledanos.

58. Detalle de San
Andrés y San
Francisco
Se conocen algunas de sus creaciones anteriores a su llegada a España, lo cual permite
afirmar que El Greco creó su peculiar estilo después de establecerse en Toledo,
seguramente influido por el fervoroso ambiente religioso de la ciudad.
Sus figuras alargadas, pintadas con pincelada fluida, parecen criaturas inmateriales,
carentes de solidez física e imbuidas de una intensa espiritualidad. A ello hay que añadir su
paleta originalísima, de colores fríos, que consigue efectos sorprendentes con los rojos, los
azules y en particular los blancos, de una rara intensidad y nitidez.

59. Pinturas religiosas
La Trinidad El bautismo de Cristo Adoración de los pastores

60. San Andrés San Juan

61. Retratos
Dama del armiño El caballero de la mano en el pecho

62. Laooconte
Paisaje de Toledo

63. Leonardo Da Vinci
Virgen de las Rocas
La Gioconda

64. La Virgen de las Rocas.
Leonardo da Vinci. 1483-
1486. Óleo sobre lienzo.
Cinquecento
Museo del Louvre National Gallery de Londres

65. La Virgen está sentada en el suelo de un
refugio rocoso entre montañas. Las
figuras se agrupan formando una
pirámide, envueltos por un paisaje
salvaje de rocas y aguas.
Uso del sfumato leonardesco que
deshace los contornos de las figuras,
creando un ambiente misterioso e
irreal. Es reseñable también la precisión
del dibujo, que se detiene en las plantas
del primer plano reproduciendo
exactamente las variadas especies
vegetales, fruto sin duda de los
conocimientos botánicos de Leonardo.

66. Leonardo pintó
un momento
La Virgen está en de la infancia
el centro, con la de Cristo,
mano derecha cuando Juan el
sostiene a Juan el Bautista niño
Bautista, al cual (San Juanito),
está mirando. A huérfano,
su izquierda hay refugiado
un ángel sentado dentro de una
más abajo que gruta y
ella. Más abajo el protegido por
niño Jesús un ángel ,
sentado y encuentra a la
mirando a Juan Sagrada
Bautista. Familia en su
huida a Egipto.

67. La Gioconda o La
Mona Lisa. Es la última
Leonardo da Vinci. gran obra de
Óleo sobre tabla. Leonardo, si
1503 y 1506. se tiene en
Cinquecento cuenta que
El título oficial de la siguió
obra es Gioconda, retocándola
que se justifica hasta sus
debido a que últimos años.
Giocondo era el Después de
apellido del esposo terminar el
de la retratada. Este cuadro, Leona
título aparece
rdo llevó su
documentado
después de la
obra a Roma y
muerte de su autor. luego a
Con respecto al Francia, donde
nombre de Mona se conservó
Lisa, Mona es el hasta su
diminutivo en fallecimiento.
italiano de
Madonna.

68. Leonardo utilizó la técnica del
Sfumato, la cual consiste en prescindir
de los contornos precisos y envolverlo
todo en una especie de niebla que
difumina los perfiles y produce una
impresión de inmersión total en la
atmósfera, lo cual da una sensación
de tres dimensiones a la figura.
La dama está sentada en una galería,
y posa sus brazos en los apoyos del
asiento. En sus manos y sus ojos
puede verse un claro ejemplo
característico del esfumado, y
también puede destacarse el juego
que hace con la luz y la sombra para
dar sensación de volumen. La galería
se abre a un paisaje que posee una
atmósfera húmeda y acuosa que
parece rodear a la modelo.

69. muestra una sonrisa considerada
enigmática.
El personaje dirige la
mirada ligeramente a la
izquierda

70. Leonardo da Vinci se formó en el taller del
pintor florentino Andrea Verrochio, donde
estudió junto a Sandro Botticelli y Perugino.
Desarrolló el estudio de las matemáticas, la
geometría, la perspectiva y todas las ciencias
de la observación del medio natural, también
estudió arquitectura e ingeniería. Leonardo
fue un humanista renacentista, destacado en
múltiples disciplinas.
Sirvió a personas tan distintas e influyentes
como Lorenzo de Médici, al duque de
Sforza, a los soberanos de Mantua y al rey
Francisco I de Francia.
Entre sus obras más destacadas están La
Virgen de las Rocas, La batalla de
Anghiari, La última cena, La Gioconda.

71. Tiziano
La Bacanal de los Andrios

72. La Bacanal de los Andrios. Tiziano. Óleo sobre lienzo.
1519-1520. Museo del Prado. Cinquecento. Escuela
veneciana. Esta obra fue un encargo
de Alfonso d'Este, duque
de Ferrara, para la
decoración del Camerino
de Alabastro, una
estancia del castillo
ducal. Formaba conjunto
con otras dos pinturas
del mismo artista, La
Ofrenda a Venus (Museo
del Prado) y Baco y
Ariadna (National Gallery
de Londres).
Representa una escena
mitológica, una bacanal,
fiesta en honor al dios
Dionisos/Baco.
Constituye un canto a los
placeres de la vida.

73. Baco y Ariadna (National Gallery
de Londres).
Ofrenda a Venus (Museo del
Prado)

74. La inspiración La exaltación
literaria de esta obra del vino se
proviene de la obra muestra en
de Filostrato. una jarra de
Representa a cristal llena
Ariadna en el de este
momento en el que líquido que se
al despertar recorta contra
descubre que ha el cielo
sido abandonada en blanquecino.
la isla de Naxos por El resultado
Teseo, que se aleja de todo este
en un velero. La desenfreno lo
ninfa no tendrá podemos ver
tiempo de en el sileno
reaccionar puesto derrumbado
que se ve por la bebida.
sorprendida por la
llegada de los Las bacantes son las verdaderas protagonistas del cuadro. En el centro
habitantes de dos muchachas se embriagan después de haber acompañado con sus
Andros, que forman flautas una melodía cuyo texto aparece en una nota en el suelo:
el cortejo de "Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber". Unos
Dionisio, que beben faunos revolotean sirviendo y bebiendo. Otro grupo baila, la mujer de
y bailan junto a ella. en medio muestra sensualmente una pierna desnuda.

75. Los personajes
Línea diagonal. se agitan por
toda la parte
El viento agita las inferior de la
ramas tela, unas se
inclinan
Las nubes crecen hablando, otras
amenazantes beben vino,
desde el fondo otras bailan,
con brazos y
El suelo se piernas
convierte en una formando
cuesta. líneas curvas
Todo el cuadro
Todo esto unido desprende una
al juego de alegría sensual,
luces que con gran
anticipa el protagonismo
barroco. de los cuerpos
Tiziano se muestra como un maestro de las calidades de los desnudos.
objetos. Los árboles, los ropajes, las copas de vidrio, loza o metal
le interesan con el mismo detalle que los cuerpos.
La tradición veneciana del color es enriquecida por Tiziano con
sus tonos cálidos, brillantes e intensos.

76. Tiziano. Recibió su primera formación en el taller de Giovanni
Bellini y posteriormente se integró en la escuela de Giorgione. La
influencia de éste resulta evidente en sus obras de juventud. Fue
pintor oficial de la República de Venecia y pintor de la corte
española. Los príncipes italianos solicitaron sus servicios, para el
duque de Urbino pintó la Venus de Urbino.
Fue un maestro del desnudo femenino y de la plasmación del
paisaje. Repite los esquemas dinámicos. Su estilo pictórico
evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas,
y hacia colores mucho más claros. Tras un viaje a Roma, su obra
adquiere un nuevo tratamiento del color a base de pinceladas
Autorretrato largas y de manchas que deshacen las formas.
Venus de Urbino.
Es uno de los artistas que
más influencia ha ejercido
en la historia de la
pintura. De su taller
salieron Tintoretto, a El
Veronés y a los hermanos
Bassano entre otros. Dejó
huella en la obra de
Rúbens o Velázquez.

77. El emperador Carlos V en Mühlberg
Emperador Carlos V
Gran retratista dando una visión idealizada del retratado (retrato de
Federico II Gonzaga, Autorretrato...)

78. Sus obras más conocidas son las
de tema alegórico y mitológico
Venus y Adonis
Dánae y la lluvia de Oro

79. Pinturas religiosas
Santo Entierro
La Piedad