Tarea de samuel_ramos

Filosofía de la vida artística – Samuel Ramos
Alumna: Laura E. Treviño Riojas

En el desarrollo de esta tarea estoy involucrando a varios personajes conforme sea el
caso de lo que se está tratando, pero mis personajes principales: Siqueiros, Jorge
Negrete artista mexicano, que lo ejemplifico en el tema del espectador por la
comunicación estrecha que siempre hubo entre Negrete y su público la comunicación
entre ambos, como lo menciona Ramos es una necesidad para estar en contacto el
espectador con el artista pues sino hubiera existido esta estrecha relación, simplemente
no se tuviera al JORGE NEGRETE artista o el charro de México como se le tiene
clasificado y algunos más según sea el caso (El Greco, Van Gogh, Miguel Àngel).
Intérprete: Luciano Pavarotti. Critico: Diderot, por ser considerado el padre de la crítica,

Características del artista:

Arte = mímesis, o representación del modelo. (Estética griega)

La obra de arte es una forma especial del “espíritu objetivado”. Sorprende que una
teoría filosófica (Collingwood) se ciegue a la evidencia de estos hechos.

El arte no es pues una mera reproducción de la naturaleza, sino, una creación del
hombre que determina la aparición de un mundo que se superpone al mundo natural;
resulta improcedente confrontarlo con la realidad. El arte no puede darse a sí mismo un
contenido. Un interés vital es lo que dirige siempre la atención del artista.

Para Ramos el objeto de la estética es el fenómeno del arte observado en ese extenso
dominio de la existencia humana que es la vida artística, y que se manifiesta en
múltiples formas históricas que hacen problemático encontrar un concepto unitario; así
dice: “lo más prudente es contentarse con la estética particular relativa a un tipo
concreto de arte”. El arte es un lenguaje, un medio de comunicaciòn y por lo tanto tiene
una funciòn social.

La personalidad del artista requiere para su desarrollo el medio ambiente de la sociedad
en que se desenvuelve, la sociedad es parte de la personalidad del individuo, la
personalidad se muestra en los hombres en medio de los cuales actúa. La personalidad
es concebida como fenómeno general humano, pero se actúa siempre de distinto modo
en cada individuo

Desinterés por el artista. En este apartado explica el desinterés por el artista, su falta de
sentido práctico. Algunos artistas en sus inicios de sus carreras pasan penurias, están


llenos de sacrificios, adversidades, artistas que en su vida no han vendido ninguna obra
como en el caso de Vicent Van Gogh, vivió a expensas de su hermano, sufrió hambre,
menosprecio, sin embargo él nunca desistió de su arte, emanaba en él una vocación por
la pintura.

En lo personal, tengo un amigo que es pintor y solo se dedica a pintar, su mundo es la
pintura y ese es su trabajo. Algunas personas que no están inmersas en el mundo del
arte, les parecerá poco productivo el trabajo del arte y precisamente que ese sea su
medio de ganarse la vida; la pintura o el arte, el artista que solo vive como artista.

Las vivencias del artista (alegría-dolor, éxito-fracaso) con todas sus manifestaciones,
contribuyen poderosamente a su formación espiritual, afirma Ramos y desde luego que
son expresiones que plasma en la tela de su obra.

Para el artista la palabra burgués significa algo despectivo, es el prototipo del mal gusto,
como diríamos en términos mundanos “el naco” el tipo que compra arte por comprar, el
nuevo rico que nada sabe de arte pero tiene dinero y trata de llenar su falta de cultura
con arte de cualquier tipo.

El artista se aparta de la muchedumbre. Ramos nos dice que es propio del artista que
forme élites dentro de la sociedad, existen círculos de artistas, de pintores, músicos, etc.
Afirma Ramos que el artista esta condicionado por el ambiente físico y social en que se
forma. El arte de todos los tiempos está determinado siempre por la totalidad de las
circunstancias sociales en que florece.

La libertad es para el artista como el aire que respira, resulta parte de la personalidad
del sujeto, pues trata de ser el mismo, es la liberación del ser a través del arte. La
personalidad del artista y la forma de concebir el arte y el estilo, derivan de la forma de
cómo el artista siente la vida en el interior de su ser. Ramos nos dice quela relación
entre el sentido de la vida y la personalidad se muestra en toda evidencia en la división
que hace Schiller de los artistas en poetas ingenuos y sentimentales. Identifica a los
poetas ingenuos con la naturaleza y su pensar; no es extraño a la naturaleza, vive lleno
de simpatía y comprensión; sin embargo el poeta moderno sigue amando a la
naturaleza; pero la siente más lejana como un paraíso perdido. También menciona a los
poetas realistas e idealistas que corresponden con el estilo artístico, el clásico y el
romántico.


En cuanto al Arte y la religión: Ramos Afirma que existe un parentesco que une desde
tiempos remotos al arte y a la religión. Desde los artistas medievales, el sentimiento
religioso y el arte van de la mano. Podemos observar la obra de Miguel Ángel casi toda
es con respecto a la religión. Lo mismo obra de El Greco con representaciones
religiosas un ejemplo San Juan Evangelista, representado de medio cuerpo, llevando en
la mano derecha el cáliz del dragón. El Greco reiteró el tema en varias versiones del
Apostolado a los que dotó de extraordinaria expresividad. Triunfó igualmente en el
retrato como en la composición, en el tema de parejas de santos San Andrés, Francisco
de Asís. Sin embargo no pasa lo mismo en el artista moderno. En el artista laico, el arte
se convierte en devoción que llena su espíritu. El arte es para el hombre moderno un
remedio para atenuar o curar su angustia metafísica ante la nada. Porque el hombre
siempre aspira a rebasar el ámbito de su mera existencia materia, ennoblece y alegra la
vida con el arte, que constituye una razón de vivir.

Se ha discutido la relación de la carrera artista y su actividad política. Ejemplos
palpables los tenemos con David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera, ambos artistas
muralistas de renombrado prestigio (en lo personal me inclino por Siqueiros) y
pertenecientes al Partido Comunista, los cuales tuvieron un gran impacto social tanto
nacional como internacionalmente y un carácter transcultural. Con sus propuestas
estéticas y sus consignas políticas recorrieron varios países del continente americano
con un mensaje y un propósito determinado. En el caso de Siqueiros fue de los pocos
pintores revolucionarios forzados a dejar México por sus cuentas pendientes con la
justicia a causa de la virulencia de su activismo en las filas del Partido Comunista. Esta
filtración política sumada a su prestigio artístico, diferenciaron su expatriación de la de
otros colegas y correligionarios suyos, quienes tuvieron que dejar el país a causa de la
crisis económica y la represión policía desencadenada a lo largo del callismo y del
maximato.

En el caso de Siqueiros, los conflictos con sus patrocinadores estatales y el carácter
internacional de su labor profesional, se potenciaron debido a su filtración el PC. La
injerencia de fuerzas externas implícitas en esta relación, sumada al ya de por sí
agresivo sentido de su labor partidista, hacían que Siqueiros fuera doblemente peligroso,
por su actividad política y por el amplio prestigio que tenía en su carrera artística. Sin
embargo la valía de su labor artística le permitió recibir un trato especial por parte del


gobierno mexicano, que en vez de encarcelarlo lo exilió. En el exilio de Siqueiros
México se beneficio con su ausencia y también con el prestigio del artista en el
extranjero, tomando la actividad artística un tinte transnacional. Participó en la
fundación del Sindicato Obreros Técnicos Pintores y Escultores (SOTPRE). Desempeño
un importante papel en este proceso que tuvo que ver con la definición de los principios
artísticos de los agremiados, sus funciones sociales y con la redefinición de las
relaciones con los grupos de poder.

El arte mexicano tuvo un impacto internacional, debido a que los artistas
estadounidenses dieron en su propio país al llamado renacimiento artístico mexicano.
Con todo esto el arte y los artistas mexicanos ocuparon un lugar central en la alta cultura
estadounidense, esto sucedió a pesar de la crisis económica. La labor artística de los
muralistas, con la de los otros miembros de la elite mexicana, tuvo un carácter
transcultural dado que el bagaje artístico y su cultura netamente moderna les permitió
ocuparse de asuntos de interés común para el público cultivado. Siqueiros su vida artista
como política se potenció debido a sus ligas con el Partido Comunista y a la audacia y
actualidad de sus experimentos plásticos. Tanto en EU como en Sudamérica, el pintor se
dio a la tarea de fundar bloques de artistas. Inició esta actividad en México,
posteriormente en Nueva York, Los Ángeles, Buenos Aires, Montevideo, Chile, Cuba,
Bolivia, etc. La capacidad de Siqueiros para conjugar ambas actividades fue ejemplar
para los artistas y los intelectuales; una meta poca veces lograda, conjugar el mundo de
la política con el de la plástica. Siqueiros pintó su último mural californiano en
colaboración con Luis Arenal y otros, tituló la obra Retrato actual de México, y en ella
hizo una fuerte crítica a entonces presidente Plutarco Elías Calles y el Maximato:
símbolo “del México sometido al imperialismo. A pesar de la censura y desempleo que
Calles ocasionó a los artistas, Siqueiros se dedicó a ganar adeptos en sus exilios a la
causa comunista en la comunidad artística del continente americano, así como a apoyar
y encauzar las actividades artísticas y políticas de los mismos. Es invitado a la URSS a
la celebración del cincuentenario de la Revolución de octubre. Se le otorga el Premio
Lenin por la Paz. Publica el mensaje "A un joven pintor mexicano". Siqueiros pasó
penurias en su vida, pero sus principios, valores y sobre todo su creación artística fueron
parte de su vida, inseparables hasta el final.


ESPECTADOR: La comunicación es una necesidad para poder estar en contacto con la
sociedad y el arte no está excluido, el arte no es para el artista un monologo sino un
dialogo que sostiene común espectador real o imaginario y por lo tanto constituye una
pieza vital en el movimiento de la vida del artista. Dice Ramos que la relación simpatía
entre el artista y su público es permanente, esta relación se rompe cuando el artista crea
o experimenta nuevos valores que chocan con lo tradicional o cuando se sale de lo
“normal”.

El artista tiene que educar al público, el público en general es lento en cuanto a los
gustos, la sociedad en general es costumbrista o sea prefiere ciertas obras a las
innovaciones. La sociedad relega a ciertas artistas que salen de lo establecido; el artista
tiene que trabajar mucho para ganarse al público, existen artistas que su voz es para
soprano o barítonos y terminan cantando ranchero que es lo que le gusta al público o al
espectador, tal es el caso de Jorge Negrete.

En el caso de Jorge Negrete como se menciona arriba, Ramos habla sobre la simpatía
entre el artista y su público, este caso es muy evidente pues Negrete hoy en día existe
una gran entrega del público hacia su persona, lo mismo pasa con el ídolo Pedro Infante.
En el caso de estos ídolos del cine mexicano ambos protagonizaron una imagen
estereotipada de galán solícito, atento y cortés con las mujeres, y también de duro
castigador si la ocasión o el guión lo exigían, tras esta imagen comercial y publicitaria,
destinada a no defraudar a un público siempre creciente.

La comprensión del arte no puede reducirse a simple recepción pasiva de las
impresiones estéticas, pues el sentido estético no se ofrece al descubierto sino que hay
algo de místico algo oculto donde le espectador tiene que descubrir o interpretar lo que
el artista quiere decir o el mensaje que desea enviar, exigiendo al espectador el esfuerzo
de la comprensión del artista, es por eso que muchos artistas no pasan de “cotón azul”.
En el caso de las películas de Jorge Negrete, cantante y actor mexicano cuyo atractivo
personal y voz inconfundible le elevaron a la categoría de mito de la eran películas que
proyectaban el mundo del pueblo de México. En un México que aún padecía las
secuelas de los enfrentamientos civiles de la Revolución, el estilo patriótico de las
canciones de Jorge Negrete, en las que se ensalzaban valores como la virilidad, el valor
o la familia, cuajó en el seno de una sociedad necesitada de mitos sobre los que
reconstruir una identidad nacional.


Dentro de todo este mito, se escondía un Jorge Negrete desconocido, maduro y
consciente de la dimensión de su carrera. Se ha hablado mucho de lo que la industria
cinematográfica mexicana debe a Jorge Negrete. Efectivamente, interpretó la primera
película mexicana que incorporó el color en la pantalla (Así se quiere en Jalisco) y
estuvo dirigido por directores famosos como Luis Buñuel y Chano Urueta, además de
Fernando de Fuentes, uno de los directores cinematográficos más importantes del cine
mexicano de los años treinta y cuarenta.

Ahora bien, pasando a otro punto como lo explica Ramos, la comprensión estética
exige una participación activa del espectador. Por ejemplo en la obra El Túnel de
Ernesto Sábato donde Juan Pablo Castel mató a la única persona que podía entender su
arte: María. Su cuadro llamado Maternidad, describe que era por el estilo de muchos sin
importancia, explica como dicen los críticos en su insoportable dialecto, era sólido,
estaba bien arquitecturado, tenía los atributos específicos, incluyendo “cierta cosa
profundamente intelectual”. Pero arriba, a la izquierda, a través de una ventana, se ve
una escena pequeña y remota: una playa solitaria y una mujer que miraba al mar. Era
una mujer que miraba como esperando algo, quizá algún llamado apagado y distante. La
escena sugería, en mi opinión, una soledad ansiosa y absoluta. Nadie se fijó en esta
escena: pasaban la mirada por encima, como por algo secundario, probablemente
decorativo. Con excepción de una sola persona, nadie pareció comprender que esa
escena constituía algo especial. Una muchacha desconocida estuvo mucho tiempo
delante de mi cuadro sin dar importancia, en apariencia, a la gran mujer en primer
plano, la mujer miraba jugar al niño. En cambio, miró fijamente la escena de la ventana
y mientras lo hacia tuve la seguridad de que estaba aislada del mundo entero; ni vio ni
oyó a la gente que pasaba o se detenía frente a mi cuadro. Cito todo este párrafo para
dar realce a lo que explica Ramos en el apartado del Espectador. Todo cuadro es una
invitación a dar un salto y a penetrar en su interior. El pintor nos toma de la mano y nos
acompaña a través de su obra. Contemplar un cuadro es intentar recrear todo lo que el
pintor puso en él; desde los aspectos más técnicos (perspectiva, materiales, etc.) a los
más sensuales. En ocasiones, el artista quiere que sintamos viva su obra, que la
“toquemos”, hacernos acariciar una manzana, una tela o la piel. Cada cuadro es como
un encuentro entre la obra y el espectador. La función principal o fundamental de un
artista es enseñarnos a mirar la realidad con otros ojos.


INTERPRETE:

EL INTÉRPRETE: Se entiende por artista intérprete o ejecutante a la persona que
represente, cante, lea, recite, interprete o ejecute en cualquier forma una obra. El
director de escena y el director de orquesta tendrán los derechos reconocidos a los
artistas en este Título. Corresponde al artista intérprete o ejecutante el derecho exclusivo
de autorizar la fijación de sus actuaciones.

La interpretación es un arte especial que debe estudiarse con sus cultivadores más
autorizados, se han establecido escuelas destinadas a tal objeto. El teatro y la música son
tipos de arte que imponen, la necesidad de ser interpretados por artistas idóneos. Cabe
mencionar que el intérprete no es autónomo, se debe de someter a los designios del
autor expresados en su obra.

La interpretación en la música se tiende a redescubrir el estilo de interpretación de cada
momento histórico y aun a ejecutar la música en los instrumentos pretéritos para los
cuales fue escrito. La inspiración del artista e intérprete es esencial para la culminación
de la obra, la ambientación de la época, es imprescindible para tener un marco “adoc” a
la época en que se vivió, o sea la escenificación e inspiración del artista es vital para
lograr un éxito en la obra puesta en escena.

El teatro nació en Grecia y tuvo un origen religioso (ritual que tenía lugar en las fiestas
atenienses en honor a Dionisio). Estuvo relacionado con un coro que ejecutaba una
danza, ya que la esencia del teatro consiste en que la acción no se narra, sino que se
representa. El teatro antiguo era un espectáculo total donde se combinaban el recitado,
la música y la danza. Los dos géneros teatrales más importantes fueron la tragedia y la
comedia.

EL TEATRO GRIEGO: La palabra drama significa, en su origen, hacer, actuar,
moverse. Las primeras formas teatrales son un drama, es decir, la escenificación, con
personajes, voces y movimientos, de un hecho generalmente extraordinario, desgarrador
y trágico de la vida humana. Es curioso que la palabra griega hipócrita significara
también actor, es decir, el que finge. La palabra tragos, raíz de tragedia, es el nombre
que se daba al macho cabrío sacrificado en honor de Dionisios.

La escenografía o pintura de escena tiene sus raíces en el teatro griego. Los griegos
usaron el periacto, artificio especial que empleaban en sus teatros para cambiar


decoraciones. Consistía en un aparato prismático de revolución con un paisaje diferente
pintado en cada una de sus tres caras. Había un periacto en cada lado del escenario, y al
girar quedaba cambiada la decoración. . El periacto es el origen de los bastidores,
usados por primera vez en 1620, en el teatro Farnesio de Parma. El bastidor es un
armazón de listones sobre el cual se aplica un lienzo o papel y se utiliza pintándolo
sobre las dos caras: cada una corresponde al paisaje o arquitectura que debe representar
el escenario.

Afirma Ramos que no es fácil describir al intérprete ideal, pues la interpretación es
distinta dependiendo el género del arte que interpreta. Teatro, el interprete y la materia
expresiva se confunden, es la acción humana el lenguaje propio del arte dramático que
solo puede ser encarnado por el ser físico y psíquico del hombre. Nietzsche, menciona
que en la danza, el bailarín se convierte en obra de arte. Lo mismo se puede decir de
todos los actores teatrales.

En lo que se refiere a la música la función del intérprete es de otra magnitud; produce la
obra de arte sin confundirse con ella y es un mero intermediario para el público. ¿Cual
sería el intérprete ideal en la música? Sería o es aquel que no deja su personalidad
propia penetrar en el ámbito de la obra, para que sea ésta, la música la que se presente
con sus rasgos genuinos. El intérprete es solo el instrumento que le da vida a la música,
se hace transparente para que emane de él la autenticidad de la obra musical.

La música es una historia, no una gramática; no hay que esterilizarla, sino escucharla,
comprenderla e interpretarla vinculada a una concepción global de la vida.
Elementos tan importantes como el ritmo, el tiempo o la respiración son valorados
desde esta perspectiva.

Para el intérprete tanto de la música como del teatro resulta ser un verdadero desafío
que para abordar estos repertorios y que sepa utilizar las herramientas para
comprender el trabajo que debe realizar como intérprete. Debido a la gran complejidad
aplicada en música, pues se requiere de un estudio sólido, racional y concienzudo.

El papel del interprete sobre todo en la música clásica hay que saber decir que no
cuando corresponde, o sea que papeles se puede interpretar y cuales no. Este apartado se
lo voy a dedicar al gran ídolo y tenor italiano, el conocido tenor de barba voluminosa y
recordado por su interpretación de Nessun Dorma, el tenor de todos los tiempos y en lo


personal me declaro fans de PAVAROTTI de Luciano Pavoratti; por ser el mes de
Septiembre el mes de su fallecimiento. Lamentablemente las estrellas también se
apagan, pero no su trabajo, su música, su voz, su sonrisa, su mirada, en fin vive a través
de la música cada vez que se le escucha.

(Módena, 1935 - 2007) Tenor italiano, considerado uno de los mejores del siglo XX,
cuya popularidad contribuyó a la difusión de la lírica fuera del ámbito estrictamente
operístico. Luciano Pavarotti dio sus primeros pasos en el mundo de la lírica como
cantante de coro. Después de trabajar durante dos años como profesor de una escuela
elemental, realizó estudios de canto en su ciudad natal con Arrigo Pola, y años después
perfeccionó su técnica en Mantua con Ettore Campogalliani.

Entre sus interpretaciones destacadas figuran también la grabación de Madame
Butterfly (en la que trabajó con su gran amiga la soprano Mirella Freni y con Von
Karajan), su interpretación del duque de Mantua en Rigoletto de Verdi y su Nemorino
de L'elissir del amore de Donizetti. En 1991 cantó Otello en versión de concierto con la
Orquesta Sinfónica de Chicago bajo la dirección de Sir Georg Solti. De sus numerosos
trabajos discográficos, cabe citar el de Arnold (Guillaume Tell, de Rossini), Orombello
(Beatrice di Tenda, de Bellini) y el rol principal de la ópera L'amico Fritz, de Pietro
Mascagni.

Su arrolladora personalidad y sus grandes dotes de comunicación posibilitaron que, a
partir de la década de los años ochenta, Pavarotti se hiciera popular en todo el mundo a
través de grabaciones, vídeos y conciertos. Con un repertorio no muy extenso, pero
escogido, centrado en los grandes títulos de la ópera francesa e italiana románticas, de
Bellini y Donizetti a Verdi y Puccini, este tenor supo hacerse con un amplio grupo de
admiradores, merced también a sus incursiones en la música popular y a sus recitales en
grandes espacios, en ocasiones en compañía de Plácido Domingo y José Carreras bajo
el apelativo común de Los Tres Tenores. Con ellos dio recitales en lugares como las
Termas de Caracalla, con motivo del Mundial de Fútbol de 1990, además de participar
en conciertos benéficos para contribuir a la reconstrucción de los teatros de La Fenice
(Venecia) y del Liceu (Barcelona). En 1996 interpretó de nuevo a Rodolfo de La
bohème en Turín, junto a Mirella Freni, para la celebración del centenario del estreno de
dicha ópera.


El tenor italiano también dedicó parte de su tiempo a impartir clases magistrales en
diversos conservatorios del mundo. Su apoyo a los jóvenes cantantes se materializó en
el concurso de canto que lleva su nombre, Luciano Pavarotti International Vocal
Competition, cuya primera edición se celebró en 1980.

Su compromiso social como cantante se tradujo en múltiples actuaciones solidarias,
como la que tuvo lugar en 1992 a favor de la Fundación Berloni, que lucha contra la
anemia mediterránea. Tras este concierto, Pavarotti participó en una serie de recitales
titulados War Child junto a estrellas de la canción como Bono (de U2), Elton John o
Liza Minnelli. En 1997 se inauguró en Mostar (Bosnia-Herzegovina) el centro musical
Pavarotti Music Centre, gracias a los beneficios obtenidos en las giras del espectáculo
Pavarotti & Friends en 1995 y 1996. Posteriormente, y mediante el citado proyecto
musical, Pavarotti aportó ayudas a proyectos en Guatemala y Kosovo (1999), y en
Camboya y el Tibet al año siguiente.

Pavarotti se mantuvo activo en los últimos años, pero paulatinamente empezó a reducir
su presencia en los escenarios. Los rumores acerca de su retirada se acrecentaron en
julio de 2006, cuando canceló todos sus compromisos por una convalecencia provocada
por una intervención de un tumor maligno en el páncreas. El 5 de Septiembre de 2007,
el Gobierno italiano concedió a Pavarotti el Premio Excelencia en la Cultura de Italia.
Un día después fallecía a causa de su enfermedad.

Me permito plasmar en esta página con un tema popular no clásico, el original esta
escrito en italiano, pero con algo de dificultad este canto lo pude encontrar traducido al
español.

La Hora De Partir
(Interpretación)

La noche aquí no vuelve más,
desde el día que nos dejaste.
Y el cielo ha dejado de jugar,
con las estrellas y con la luna.
Y las nubes aquí se aguantan,
como lágrimas que no caen.


Mira como el tiempo,
también pierde el recuerdo.
Queda sólo el canto
de un amor que no muere.
Prendida a mi mano,
bailamos con el viento.
Se abren mis alas,
es la única manera para amarte.
Ven, ven, vayamos juntos.

Resta sólo el canto
de un amor que no muere.
Prendida a mi mano,
bailamos con el viento.
Abriéndose mis alas,
es la única salida para amarte.
Ven, ven, partamos juntos.

Interpretación escrita por: Antonio Ayora
http://www.ideasnopalabras.com/

EL CRÍTICO:

Crítica = inteligencia = pensamiento.

Critico = artista = filosofo.

Crítico: mi personaje es Diderot, por ser considerado el padre de la crítica y por
trayectoria como artista, por su madurez en el arte o en la conciencia artística en general
como lo marca Ramos en su apartado. Tiene un espíritu reflexivo, analítico en cada
obra. Reúne cualidades o capacidades que lo colocan por encima del espectador, posee
conocimiento del arte, para poner en claro sus valores y hacer una interpretación justa a
las condiciones objetivas de la obra, además posee una consciencia vigilante que sabe


distinguir en sus reacciones estéticas lo que depende de las condiciones subjetivas
personales y lo que es propiamente la percepción de las cualidades del objeto analizado.

Diderod fue escritor y filósofo francés, importante figura de la Ilustración, editor de la
primera enciclopedia, fue un intelectual polivalente. Debe su fama a haber dirigido de
1751 a 1772 la redacción de la primera enciclopedia universal editada en Francia. Y sus
obras o sus primeros trabajos desde traducciones Historia de Grecia, Diccionario
médico, su primera obra Pensamientos Filosóficos, donde presenta su pensamiento
deísta, otra de sus obras fue La Religiosa, donde critica la vida en los conventos, El
sobrino, donde critica a la sociedad de la época y además creó una revista de arte de
crítica. Un diario en donde publica sus críticas de las exposiciones artísticas. Aclaro
que todas las consultas las hice en Internet en Wikipedia y algunas monografías, en
libros que he leído como es el caso El Túnel, Enciclopedias de Arte Miguel Ángel y el
libro de Los Grandes Miguel Ángel.

Este es el exponente de una cierta madurez de la conciencia artística general; tiene su
origen en el desarrollo de un espíritu reflexivo que no se satisface con vivir el arte, sino
aspira a comprender racionalmente el sentido de cada obra. El arte no se conforma con
experimentar sensaciones: aprende, critica, estudia, repasa la historia de la humanidad.

A continuación cito a Gombrich la opinión de un crítico famoso “No existe, realmente
el Arte. Tan solo hay artistas. Éstos eran en otros tiempos hombres que cogían tierra
coloreada y dibujaban toscamente las formas de un bisonte sobre las paredes de una
cueva; hoy comparan sus colores y diseñan carteles para las vallas publicitarias; han
hecho y hacen muchas otras cosas los artistas. No hay ningún mal en llamar arte a estas
actividades, mientras tengamos en cuenta que tal palabra puede significar muchas cosas
distintas, en épocas y lugares diversos, y mientras advirtamos que el Arte, escrita la
palabra “A” con mayúscula, no existe, pues el Arte con “A” mayúscula tiene por
esencia ser un fantasma y un ídolo.

Un buen crítico del arte nos abre los ojos a la contemplación de las obras de arte. El
crítico informa, orienta, selecciona en el conjunto y valora. Pasea por las exposiciones, a
veces antes de que éstas se abran al público. Habla con los artistas, con las personas que
dirigen instituciones, como museos y fundaciones, y crea opinión. Su trabajo es
relativamente reciente. El primer crítico de arte fue Diderot, (quien es considerado el


padre de la crítica de arte), que escribió sus salones, incitado por un amigo para que la
aristocracia europea tuviera noticia de la actividad artística que tenía lugar en París en el
siglo XVIII. El historiador del arte es un crítico, solo que se refiere a lo pasado, el
crítico del arte tiene que auxiliarse de la historia para comprender y valorar la obra
nueva.

El crítico de arte o crítico de arte y cultura, es un profesional que puede ser técnico o
licenciado, profesor, maestro o con maestría, o autodidacta, en las áreas principales de
Historia del arte, crítica del arte, y todo lo referente al ambiente artístico-plástico y
cultural de un país o región. El crítico de arte tiene un perfil capacitado para analizar
todo lo referente al Arte y la Cultura, por lo que incluye un análisis de las obras de artes
en espacio, tiempo y tendencia, de ahí el nombre de 'crítica' de arte, por las
descripciones que debe hacer tanto oral como escrita. El crítico de arte puede extender
aún más sus conocimientos o deducciones, y ser un escritor del arte, estudiar fragmentos
literarios de otros críticos de arte, e historiador de la cultura. Es por eso que el crítico de
arte y cultura puede ser un artista visionario, literario, y animador cultural, responsable
de las rutas que pueden tomar las tendencias y Movimientos artísticos.

El crítico debe tener un conocimiento general del arte, ya que la tarea previa a todo
análisis crítico es la inclusión o exclusión de una obra determinada dentro de la
categoría de lo artístico. Menciona Ramos que el crítico inteligente no puede censurar a
un artista porque no ha realizado en su obra lo que no se propuso realizar, pues cada
artista tiene su propia personalidad y su propio ideal artístico y el trabajo del crítico es
enjuiciar si cumple o no con ese propósito.

Crítica es un conjunto de opiniones o juicios que responden a un análisis de algo. El
crítico en sí es o son las personas que se dedican profesionalmente a emitir juicios sobre
los artistas y sus obras.

Al igual que la Historia del Arte, la crítica de Arte como disciplina en sentido estricto
surge en los albores de la modernidad y están considerados como sus textos
fundacionales los escritos críticos de Denis Diderot sobre los Salones de París desde
1759 a 1781,... Este nacimiento no se debe entender en sentido radical, pudiéndose
rastrear con anterioridad juicios de valor sobre Arte desde el mundo griego, incluidos


sin carácter sistemático en los tratados, en las biografías artísticas o en los textos
estéticos.

La primera crítica de Denis Diderot sobre el Salón de 1759 tiene forma de carta dirigida
a su amigo Friedrich Melchior Grimm y fue publicada en la Correspondance Littéraire
el 1 de noviembre de 1759. Se trata, pues, de una actividad periodística especializada,
de una crónica artística de actualidad. El crítico se enfrenta con la actualidad, con las
novedades artísticas de la temporada, o sea, con la moda artística, cuyas notas
primordiales son la inmediatez, la temporalidad y la concreción. En consecuencia, el
juicio crítico es subjetivo, de carácter improvisado, aleatorio y relativo. Así, la crítica de
Arte consiste en expresar por escrito la opinión individual sobre una obra de arte actual.

Se habla del Salón y nos preguntaremos que es eso del Salón, Gonzalo M. Borrás.-
Teoría del Arte.- Historia 16, Conocer el arte. Madrid 1996. págs. 14-16 menciona lo
siguiente: “Aunque el término <Salón>haya caído hoy en desuso, ha sido una de las
"instituciones" artísticas más destacadas de la modernidad; el nombre deriva del "Salón
Carré" del palacio del Louvre, lugar retomado en 1725 por la Academia Real Francesa
de Pintura y de Escultura para celebrar las exposiciones de Arte (que tuvieron carácter
público desde 1737 y celebración bienal desde 1751). De manera que el término Salón
hay que referirlo a exhibición pública de Arte.

El artista que exponía en el Salón ya no sólo tiene que enfrentarse a la Academia, que
selecciona las obras, y cuyos criterios se atienen a los principios intemporales del ideal
de belleza del clasicismo, sino que tiene que someterse posteriormente al juicio del
público, cuyo criterio de valoración es el de la novedad y con cuya adquisición de obras
nace el mercado anónimo burgués. Como afirma Francisco Calvo Serraller, (...), son los
ideales burgueses revolucionarios los que promocionan la difusión democrática de los
valores culturales, así como su distribución a través de un mercado libre. Los conceptos
de "Salón" y de "Exposición" son complementarios con los de "público", "consumo
anónimo" y "mercado".

La crítica es simplemente la explicación de una obra de arte para facilitar su
comprensión. Siempre debe adoptar como norma de juicio, la que se deriva de la propia
obra que valora.


El crítico de Arte ha de ser un buen escritor, con una extraordinaria capacidad retórica
de sugestión literaria, condición a la que Charles Baudelaire sumará la necesidad de
estar dotado de temperamento artístico. Precisamente en los comentarios dedicados por
Baudelaire al Salón de 1846 se contiene la conocida introducción, en la que se perfilan
con rotundidad las características de la crítica de Arte: "Creo sinceramente que la mejor
crítica es la divertida y poética; no esa otra, fría y algebraica que con el pretexto de
explicarlo todo, carece de odio y de amor, se despoja voluntariamente de todo
temperamento... En cuanto a la crítica propiamente dicha, espero que los filósofos
comprenderán lo que voy a decir: para ser justa, es decir, para tener su razón de ser, la
crítica debe ser parcial, apasionada y política; esto es, debe adoptar un punto de vista
exclusivo, pero un punto de vista exclusivo que abra al máximo los horizontes". (...)

Por ejemplo la obra-escultura de La Piedad, de Miguel Ángel, el rostro de la Virgen,
algunos críticos han señalado que el rostro parece demasiado joven para ser la madre de
Cristo, sin embargo Miguel Ángel argumentó que la Virgen no podía envejecer por su
pureza. Lo maravilloso de esta obra o de la capacidad de Miguel Ángel para hacer que
la composición fuera realista, sin que el espectador cuestione las proporciones relativas
a la Virgen y Cristo, es un indicador de su genio. De manera brillante, Miguel Ángel ha
envuelto a la Virgen en ropajes voluminosos que disimulan su ancho regazo y que sería
mucho más alta que su hijo si estuviera de pie. Pero nada de esto importa porque el
espectador es atraído inmediatamente por el patetismo de la obra. La cabeza inclinada
de la Virgen, cubierta parcialmente por su velo, y el brazo extendido, con la palma de la
mano abierta, son infinitamente expresivos, al igual que su hijo muerto sobre su regazo.

Miguel Ángel es reconocido como un artista que produjo un cambio en el curso del arte.
No se conformó con aprender las técnicas del arte cuando era un joven aprendiz, sino
que luchó para comprender totalmente la complejidad del tema que más le gustaba: el
cuerpo humano. Incluso disecó cuerpos para poder apreciar y representar la forma
humana en cualquier posición. Esta maestría le dio fama y riqueza crecientes mientras
los ricos comerciantes y los papas peleaban por sus servicios, pero Miguel Ángel
también elevó la pintura y la escultura del estatus de artesanías al de bellas artes.
Muchos historiadores lo consideran el más grande pintor, escultor y dibujante de todos
los tiempos, un prototipo del artista como genio. Cuenta una historia que Bramante y
Rafael, rivales de Miguel Ángel, conspiraron para que le encargaran los frescos de la


Capilla Sixtina, sabiendo que se negaría, pues él se consideraba escultor y no pintor. Así
se ganaría la desaprobación del papa y perdería su favor. Este trabajo es un último
legado al que los críticos e historiadores del arte han colmado de alabanzas.

El papa Julio II encargó al arquitecto Bramante construir una nueva Catedral de San
Pedro en Roma. Cuando Bramante murió, en 1514, la catedral no se había terminado, y
no dejó planos o modelos para completarla. Los sucesores de Bramante no hicieron
ningún progreso, y en 1547 el papa Julio II pidió a Miguel Ángel que se encargara del
proyecto. Éste accedió a hacerlo sin recibir pago, por su “bien espiritual”. Rechazó el
diseño de Sangallo, su predecesor, e hizo el suyo, que le parecía más fiel al original de
Bramante (a pesar de que habían sido enemigos). Reprobó el diseño de Sangallo al decir
que era como “proporcionar pastura a las ovejas y bueyes, que no saben nada de arte”.
En respuesta, los seguidores de Sangallo criticaron a Miguel Ángel a tal punto que el
papa tuvo que intervenir. En la actualidad críticos y estudiantes consideran las
invenciones de este artista como una de las principales influencias en el desarrollo de la
arquitectura occidental.

CONCLUSIONES: Para el desarrollo del presente trabajo he tenido que leer el tema
elegido por la maestra pero además, tuve que leer e investigar algunos otros temas para
poder complementar este trabajo; el cual le he dedicado muchas horas y no me lamento
haber estado embebida en una consulta y otra y otra, lo más importante es el
conocimiento que me queda y que decir del autor que nos obligó a desarrollar e
investigar tantos otros autores, me refiero a Samuel Ramos, donde el autor ha plasmado
sus ideas sobre los diversos temas que se han desarrollado en la elaboración de este
trabajo. Lo que me ha impresionado es la variedad y multiplicidad de las
manifestaciones artísticas. Y como lo menciona Ramos el arte no es pues solo un
recurso de salvación, es un descanso y un consuelo, es liberación en la apariencia y
revelación de la vida espiritual por una intuición que no se apela a la razón sino a la
evidencia de los sentimientos. Es “Katarsis” de las pasiones y objeto para colmar
aspiraciones insatisfechas. En sí, el arte es el fruto de una creación humana, y a su vez
promueve la creación del hombre. Cuanta razón tiene Ramos en decir que el arte
constituye la liberación de algo reprimido en nuestro espíritu, por medio del arte el
hombre aflora sus sentimientos y la imaginación, bueno ya me estoy repitiendo
nuevamente, esto ya lo mencione en los inicio del trabajo.


Reafirmo que me ha parecido muy interesante la lectura de Samuel Ramos y las
aportaciones que hace al arte y lo ilustrativo de los personajes de Espectador, Crítico,
Artista e Intérprete. Y la enseñanza de Ramos es que el hombre no puede vivir sin el
arte, todos los pueblos ricos o pobres poseen su propio arte, y que triste sería un pueblo
sin arte, imaginemos un día sin poesía, sin música, sobre todo sin música!!! mi Oscar
moriría, pues él despierta con la música y anochece escuchando música, que triste que
en nuestras casas no hubiera ninguna pintura o cuadro con que hermosear las paredes de
nuestras casas, nuestras vidas serían afligidas. Recuerdo un hecho de mi vida, hace
algunos años cuando aún estaba soltera, estaba discutiendo con mi hermana más
pequeña y estaba la discusión muy acalorada y mi mamá interviene y nos dice toda llena
de angustia: “mira las pinturas, mira las pinturas…” y cada vez que me encuentro en
situación difícil volteo a ver una pintura que representa una marina, y recuerdo las
palabras de mi madre … “mira las pinturas” ; me digo a mí misma, mí misma: cuanta
razón tienen sus palabras, pues al observar esta pintura desaparece tal o cual
preocupación o simplemente mi espíritu se tranquiliza y vuelve a la normalidad.
Cualquiera que sea la condición y el nivel de vida de un hombre, el arte siempre la
ennoblece y la alegra; por eso constituye una razón de vivir.

Agradezco a la maestra por las acertadas aportaciones que me hizo en cada uno de los
trabajos y las lecturas que tan atinadamente nos recomendó y por las enseñanzas que
nos deja Samuel Ramos en su libro Filosofía de la vida artística. GRACIAS…


REFERENCIAS

http://es.wikipedia.org/wiki/Denis_Diderot

http://jvillavisencio.blogspot.com/2009/09/historiografia-del-arte-y-la.html

http://www.ejournal.unam.mx/ehm/ehm35/EHM000003504.pdf

http://www.sgae.es/recursos/juridicos/html/asesjuri/legislacion/propiedadintelectual/nac
ional/prinnac0040201.htm

http://porlosdiosesdelolimpo.blogspot.com/2008/04/teatro.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Escenograf%C3%ADa

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pavarotti.htm

Los Grandes Migue Ángel, editorial Tomo

Los Grandes Vicent Van Gogh, editorial Tomo

Ramos, Samuel; Filosofía de la Vida Artística

Sábato Ernesto; El Túnel

SEP, Por Amor al Arte

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