Artez208 ok

Carlos Gil Zamora
Número: 208 - año 20 · Enero / Febrero 2016 | Depósito Legal: SS-1154/97
Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com
Portada | Foto de la obra ‘Julio César, fragmentos’, de Romeo Castellucci por Socìetas Raffaello Sanzio
16 enero
febrero
En el epicentro del sueño de
cambios para lograr que la
Cultura sea fundamental
E
mpieza un tiempo de turbulencias
que no tiene que tener consecuen-
cias negativas para la Cultura si no
todo lo contrario. Si nos atenemos
a lo leído en los programas electorales
después de los necesarios pactos y ajus-
tes, tras atender a las urgencias sociales
y económicas, se tendrá que establecer
alguna estrategia política que libere de las
actuales ataduras y esquemas caducos
todo lo referente al amplio mundo de la
creación, la producción, la exhibición de los
valores culturales.
Volver a definir el concepto, su utilidad
y su relación con la educación que vie-
ne a significar volver a reactivar el valor
absoluto de lo cultural como elemento
identitario y de significación democrática
y ciudadana. Lo cultural por encima de lo
mercantil y lo turístico. Sin necesidad de
adjetivarlo, no utilitario. Un cambio total en el rango de prioridades
para que vuelva a ser la Cultura, en todas sus expresiones, algo que
reconstruya lo individual desde una socialización del arte, haciendo
que desaparezca el estigma de entretenimiento a todo aquello que
es mucho más que un rato de ocio, y que se considere la categoría
del creador, del artista, como un bien común. Equiparable al de edu-
cador o sanitario, por dejarlo claro.
Los ajustes mencionados más arriba tienen que ver con todo lo que
es el mapa cultural, especialmente en el apartado institucional con
respecto a la constitución y los respectivos estatutos. Sin una revisión
profunda de esta situación estructural que viene de los primeros años
ochenta, sin avanzar en decisiones políticas que desbloqueen el ac-
tual estado de colisiones y que diseñen un marco de funcionamiento
reglamentario nuevo, todo lo que se ha prometido, quedará en buena
voluntad, pero sin posibilidades de llevarse a buen término.
Es urgente definir el marco competencial estatal en asuntos de
las artes escénicas, ver qué sentido tiene
hoy el INAEM, cómo se puede justificar el
despilfarro centralista, madrileñista de las
unidades de producción de este ente, su
relación con las autonomías y eso solamen-
te se puede hacer, a mi entender, iniciando
un proceso constituyente en lo general,
pero especialmente en lo que nos atañe,
que bien pudiera ser a través de un buena
ley y de unos buenos presupuestos, y con
la mirada puesta en crear el instrumento
referencial que ayude a funcionar de la me-
jor manera en los próximos años.
Hay que tener la suficiente inteligencia
política y cultural para aprovechar todo lo
existente, los centenares de teatros, salas
y auditorios de titularidad publica que son
contenedores gestionados con criterios de
mercado, comprometer a todo el mundo
creativo y de producción no funcionarial
con esos bienes comunes, buscar el equilibrio territorial, no solamente
a base de números, sino de letras, de calidades y de planes de futuro,
no de chapuzas clientelistas urgentes para dar un pan duro hoy que
seguirá siendo hambre o mala alimentación mañana.
Quizás todo lo que se pueda proclamar desde este papel, no sea
otra cosa que un acto dogmático sin valor alguno. La influencia que
tienen en estos momentos los medios especializados en artes escé-
nicas se circunscribe a un uso perverso de su supuesta capacidad
para difundir, es decir como simple acto de propaganda. Se busca al
público, a los públicos, como si fuera algo homogéneo, y en ciertos
sectores del sistema de producción sí se logra ese producto para un
tipo de consumidor específico, que se confirma con la sospechosa
unanimidad en las programaciones de demasiados teatros de titula-
ridad pública y programación comercial.
Todos hemos caído en mayor o menor medida en ese pozo sin fon-
do, en esa confusión. Quizás una revista especializada independiente

Editorial
índice41.65(41º38’)|-4.73(-4º43’)
16enero
febrero
Opinión
4 - 5 Editorial
6 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias
7 Desde la Caverna – David Ladra
70 Luz Negra – Josu Montero
71 Vivir para contarlo – Virginia Imaz
72 - 73 Postales argentinas – Jorge Dubatti
74 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán
75 El lado oscuro – Jaume Colomer
76 Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud
77 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado
78 Las lejanías – Carlos Be
79 El método griego – María Chatziemmanoui
Estrenos
10 - 11 El Retablo de las Maravillas de Miguel de
Cervantes por Morfeo Teatro
12 - 13 El florido pensil Niñas - Neskak de Andrés
Sopeña por Tanttaka Teatroa
14 ¿Por qué Jamil? de Patxo Telleria por Tartean
Teatroa
15 Oskara de Jon Maya y Marcos Morau por
Kukai Dantza
16 - 20 Resto de estrenos
Festivales
22 - 24 XII MADferia
26 - 27 XXIII Festival Internacional Santiago a Mil / V
Festival Internacional Santiago Off
28 - 29 XVII Festival Escena Abierta de Burgos
30 XXXIII Festival de Teatro de Málaga / Kultur
Maratila 2016
56 - 57 XXXIX Jornadas de Teatro de Eibar
58 Miscelánea de festivales
Suplemento
31 - 54 FETEN 2016 - XXV Feria Europea de Artes
Escénicas para Niños y Niñas
En gira
60 - 64 Programaciones varias
Teatro amateur
66 - 67 Teatro Estudio de San Sebastián
68 Noticias y convocatorias
Zona abierta
80 - 81 Escaparate
debería servir, también, para marcar tendencias estéticas, para dar
a conocer movimientos, autores, directoras que estén proclamando
algo nuevo. El día que escribo estas líneas, en un periódico barcelo-
nés se recalca que de los escenarios catalanes ha desaparecido el
riesgo estético. Es algo obvio. Es una tendencia de mucho antes de
la crisis, pero que con su excusa se ha cronificado. Es un síntoma
más de un deterioro general, de una falta de criterios, de asumir un
discurso imperante en los gremios que controlan hoy en día todo
el movimiento más visible del teatro que lleva a ese estancamiento,
a esa subrogación de los deberes cuando hablamos de teatros de
titularidad pública que sostiene la programación producida por los
teatros privados. Esto no es una opción, sino una constatación.
Si quienes están al frente de todas las asociaciones, gremios,
sindicatos, redes y academias, son los mismos de siempre, va
a ser muy difícil que se introduzcan nuevas ideas, que se acepte
como hipótesis de trabajo la imperiosa necesidad de cambiar de
paradigma, de estudiar otras posibilidades de organización para
aprovechar mejor los recursos y crear vínculos diferentes con la
ciudadanía. Hay experiencias notables. No quiero estigmatizar a
nadie por su edad, porque veo, leo, escucho a jóvenes gestores y
directores con discursos decimonónicos, pero con esa soberbia del
adanismo cultural tan nefasto porque las esperanzas creadas se
pueden volver frustraciones y desencanto en pocos meses.
Nosotros vamos a seguir buscando nuestro lugar. Quizás con otro
tipo de relación. De momento quedamos a la espera, nos metemos
en los veinte años, una bonita edad para replantearse todo. No es-
peramos mucho de los nuevos tiempos, simplemente conque se nos
quite de encima la bota de la indiferencia y del desprecio ya senti-
remos alivio. No estamos para dar lecciones, queremos acompañar,
como hasta ahora, a una parte de las artes escénicas vascas, es-
pañolas, europeas e iberoamericanas. Lo hacemos con muy pocos
recursos, pero nuestra labor ahí está. Hemos llegado hasta aquí
después de muchas fases y circunstancias diversas. Continuar es un
reto que tiene que ver más con la ilusión, las fuerzas, el sentimiento
de pertenencia y utilidad que de una cuestión meramente económica,
que influye, calor que sí, y mucho, porque el año pasado, el 2015,
ha sido glorioso, ya que por unas circunstancias u otras, no hemos
recibido ni un ayuda ni subvención de ninguna institución pública o
privada para la edición de esta revista, ni de nuestro periódico digital,
www.artezblai.com, que sigue con unas estadísticas verdaderamente
destacables, superando la media de diez mil visitas diarias, ni para la
edición de libros, en este caso con alguna salvedad de colaboración
puntual, ni mucho menos para la Librería Yorick, que curiosamente
es algo que funciona por sí misma, lo que nos coloca ante una con-
tradicción, lo único que es estrictamente mercantil, pues se trata de
comprar y vender, es lo único solvente, que se mantiene gracias a su
especialización y al trabajo profesional constante y las relaciones con
Iberoamérica. Se ha convertido en una suerte de consulado teatral. Y
no solo para los amigos americanos, también para muchos teatreros
de la península ibérica. Lo que nos honra

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w w w . a r t e z b l a i . c o m
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febrero
Rondas escénicasMaría-José Ragué-Arias
16 enero
febrero
Personajes femeninos
de la tragedia griega
e permitirán hoy que aborde mi comentario con
más subjetividad de lo que ya es habitual en todo
artículo de estas características. Es para hablar
de Tragedia que es para mí lo más profundo que nos ha dado el
teatro de todos los tiempos –incluido Shakespeare–. De hecho,
el teatro surge justamente de la tragedia, la tragedia griega,
claro está. Y sus orígenes están en el ditirambo y en los mitos.
Porque la tragedia surge de las esencias de la humanidad y de
su proyecto de colaboración humana, de ese adoctrinamiento
del pueblo que se hace partiendo de las grandes representacio-
nes trágicas, de esos mitos y esos personajes tan por encima de
los humanos. Especial interés tienen los personajes femeninos
que en sus encarnaciones se ligan a las esencias de la mujer,
a la maternidad, o a la virginidad, en ocasiones al amor… Si
contemplamos los grandes mitos femeninos podemos agrupar
los más profundos en torno a la maternidad. Clitemnestra es
asesinada por sus hijos Orestes y Electra; Medea, despechada
por su marido Jasón, es asesina de sus hijos; Yocasta se acuesta
con su hijo Edipo, Fedra quiere acostarse con Teseo, el hijo de
su marido, Hécuba es la madre de todos los hijos muertos en las
guerras. La maternidad en la tragedia griega está en el núcleo
de lo trágico… Pero en nuestra contemporaneidad, si no es
para dar relieve a las ruinas y vestigios de los teatros griegos
en algunos festivales de verano, la tragedia suele estar ausente
de nuestros escenarios.
Me ha proporcionado gran satisfacción comprobar que tres de
nuestros mejores directores de escena, y con el apoyo del Tea-
tro de la Abadía, que regenta José Luis Gómez siempre abierto a
propuestas de entidad, se ha creado Teatro de la Ciudad formado
por Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol. Su primer pro-
yecto- “Mito y razón” ha sido la puesta en escena de tres grandes
tragedias, Y tras estrenar en Madrid y girar por otros teatros, las
ha presentado en el Lliure de Barcelona, donde he podido ver las
tres en una única sesión, lo que también me parece un acierto
porque la duración de cada una de ellas se ha concentrado aproxi-
madamente en hora y media. El objetivo de Teatro de la Ciudad
es investigación, reflexión, producción, exhibición… y apertura a
nuevas propuestas. Son tres nombres que han demostrado ya la
creatividad de sus espectáculos. En Barcelona pude ver “Delica-
das” dirigida por Sanzol, “Urtain” dirigido por Lima, “La función
por hacer” y “La violación de Lucrecia” dirigidas por Miguel del
Arco. Para ellos, revisitar la tragedia es un gesto político impor-
tante. Ahora han puesto su creatividad al servicio de los trágicos
conflictos de “Edipo”, “Antígona” y “Medea”.
Me entusiasmó el “Edipo Rey” que dirige Alfredo Sanzol, un di-
rector cuyos éxitos hasta ahora, no habían abordado el tono trági-
co. Me entusiasmó su aparente sencillez, su nivel de comprensión
emotiva, su tratamiento poco enfático de los personajes sentados
en una mesa, la diáfana claridad del coro,… Sentada en mi butaca
sentía revivir las emociones del gran texto clásico, del gran mito
de Edipo, casado con su madre Iocasta y asesino de su padre. Nos
cuenta una historia, un mito, y podemos comprenderlo, reconocer
las palabras trágicas de la tragedia, reconocer a sus personajes,
sentados todos en la misma mesa y revivir la emoción de sus
esencias, de su tragedia. Es una puesta en escena clara, con el
acento puesto en las interpretaciones que nos permiten escuchar
las palabras y revivir el mito.
“Medea” que dirige Angel Lima, es la tragedia de la hija del rey
de la Colquide que traiciona a su padre y da el Vellocino de Oro al
extranjero Jasón con quien huye a costa de matar a su hermano
y luego al rey Pelias y que ya en la Cólquide, cuando se ve aban-
donada por Jasón, interesado siempre por el poder y que va a
dejarla para casarse con la hija del rey, su gran venganza es matar
a sus hijos. Es el deseo de hacer todo el daño posible al culpable
de su desdicha. Una escenografía desbordante llena el espacio
presidido por el cuerpo juvenil de Medea presa de alaridos entre
las flores de su cuerpo semidesnudo, una estupenda Aitana Sán-
chez Gijón; y “miles” de niño al fondo esperan la muerte… en
una suave coral. Al fondo, una corifea canta y desgrana los sones
de un contrabajo. Es un bello espectáculo, quizá demasiado bello
pero impactante.
Finalmente tenemos a “Antígona”. El núcleo de la tragedia se
basa también en la familia y en la igualdad que en ésta deben te-
ner los hermanos. En la Guerra de Tebas, uno de sus hermanos,
Polínices, lucha contra la ciudad, gobernada por Creonte, her-
mano de Iocasta, quien prohibe darle sepultura. Antígona desa-
fiará al tirano, cubrirá el cuerpo de su hermano y será castigada
y conducida a su muerte en una cueva. Espectacular escenogra-
fía que nos la representa por un gran globo transparente que
sube hasta “el cielo” del escenario. Es la guerra civil, y en este
sentido ha sido reutilizado el mito en el teatro del siglo XX en-
tre la Guerra Civil y la Democracia Como ejemplo representativo
podemos citar la “Antígona” de Salvador Espriu en catalán. Aquí
Miguel del Arco ha creado una versión propia. Lo más innovador
es el cambio en la figura del poder que será un Creonte femenino
encarnado magistralmente por Carmen Machi, sobria y segura
en su protagonismo. Antígona debe atenerse a su propia iden-
tidad. Creonte mantiene su ser esencial. la identidad de ambos
está en juego pero no se destruye.
Y el espectáculo –excelente–, la trilogía, nos permite reflexio-
nar. Son tres personajes, tres mitos, tres tragedias...
Ojalá el Teatro de la Ciudad prosiga por el camino iniciado.
Revivir y repensar la tragedia griega me parece importante para
el teatro actual y para nuestra contemporaneidad.
M

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16enero
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Desde la caverna David Ladra
El teatro independiente
l pasado noviembre se ha celebrado en el Museo Reina
Sofía el primer seminario de los tres que están previs-
tos sobre “El teatro independiente en España: 1962-
1980”. Participan en dicho proyecto, que se va a extender durante
los próximos tres años, el Centro de Documentación Teatral del INAEM
que ha organizado este primer encuentro, el Institut del Teatre de la
Diputación de Barcelona y el Centro de Documentación de las Artes
Escénicas de Andalucía. Una plataforma digital (http://teatro-indepen-
diente.mcu.es) llevará a cabo un seguimiento continuado del proyecto
en el que se incluirán tanto la documentación objeto de los seminarios
como los materiales aportados desde el exterior.
Con el declinar del teatro de cámara y la desaparición de los teatros
universitarios al abolir el gobierno franquista el SEU en 1965 que-
daba prácticamente practicable aquel espacio “no profesional” que
ya habían empezado a invadir desde principios de los sesenta unos
cuantos grupos de teatro que alardeaban de ser “independientes”. Y
en realidad lo eran puesto que, aun atrapados por las circunstancias
históricas en las covachas de una dictadura, se tuvieron que inventar
a sí mismos tanto en sus aspectos organizativos como en lo referente
a su repertorio, relación con el público, recursos escénicos y forma de
actuación. De buscar un fin último que todos persiguieron ése sería
la profesionalización. No en el sentido, que más tarde se daría en la
Transición, de dar el salto al teatro “profesional” que ellos despre-
ciaban, sino de crear un medio propio que lo sobrepasara en fuerza,
entrega, calidad, y sentido social. Una vez planteados estos objetivos,
cada grupo de los más de los cien que llegaron a existir tuvo que
resolverlos a su manera aunque inspirados todos en fuentes comunes
como el recuerdo de La Barraca lorquiana o de las misiones peda-
gógicas de la Segunda República, el ejemplo del teatro radical que
se llevaba a cabo en los USA, la irrupción en toda Europa del teatro
épico de Bertolt Brecht o la lectura de revistas que como Primer Acto,
además de la información del teatro más avanzado, proporcionaban
muchos de los textos que se ponían en escena.
Aparte del afán por profesionalizarse, una segunda característica
de los grupos del teatro independiente fue su carácter colectivo. Obli-
gados por la legislación, que limitaba a tres el número de funciones
que se podían dar en una sola localidad, los grupos se hicieron itine-
rantes y sus miembros se convirtieron, como en la época del teatro
áureo, en cómicos “de carretera y manta” que recorrían el país de
arriba abajo. Ahora bien, esta itinerancia no sólo se convirtió en su
manera de vivir sino que fue determinante a la hora de concebir sus
medios de producción y su trabajo artístico. Por primera vez en nues-
tro teatro moderno, se puede hablar de una creación colectiva que
atañe no sólo a la materialidad de las artes escénicas (todos hacen de
todo) sino también a los dos aspectos que el teatro tradicional siem-
pre consideró fundamentales: la interpretación y la autoría. Partiendo
de la base de que lo principal consiste en llegar al público sin trabas,
sus actores no se suelen perder en los matices sino que acuden a
los medios tradicionales del teatro popular: el gesto, el movimiento,
el juego de la voz, la expresión corporal… Y uno de los primeros
afectados por esta manera de actuar va a ser el propio texto y, como
consecuencia, el autor. Un autor que será a veces todo el colectivo o
que incluso, en ciertas ocasiones, no será. Y es aquí donde se estable-
ce la gran diferencia entre los grupos independientes: aquellos que,
aunque modernicen las formas, confían el contenido a los renglones
del texto de un autor y aquellos otros que, plenamente colectivizados,
prescindirán de él.
Profundamente antifranquistas y opuestos al teatro de la burgue-
sía, todos se refirieron a aquel gran sueño de la época que fue la
cultura popular. Pero así como muchos aspiraban a reunir al pueblo
en torno suyo, pocos fueron los que lo consiguieron. Entre ellos se
encuentran el Teatro Estudio Lebrijano de Juan Bernabé y La Cuadra
de Sevilla de Salvador Távora, ambos con un título inaugural, Oratorio
y Quejío respectivamente, que era puro teatro popular. Un grupo de
los más baqueteados en número de prohibiciones gubernamentales
y kilómetros recorridos fue Tábano, por el que pasaron gentes como
Juan Margallo, José Luis Alonso de Santos, Guillermo Heras, Enriqueta
Carballeira o Gloria Muñoz. Su montaje de Castañuela 70 constituyó
un excelente ejemplo de lo que fue el teatro político de oposición,
teniendo el público que abrirse paso por entre un muro de falangis-
tas, secretas y guerrilleros de Cristo Rey para acceder al teatro de
la Comedia en el que se daba la función. Casi hermanos gemelos de
los miembros de Tábano, los Goliardos de Jesús Cracio siguieron un
camino paralelo. Más que a la creación colectiva a la que tanto recu-
rrió Tábano, los Goliardos montaron autores de vanguardia: Arrabal,
Beckett, Mrozek, Brecht, cuya Boda de los pequeños burgueses fue
uno de sus mayores éxitos. Otro grupo madrileño de impacto fue el
Teatro Experimental Independiente (T.E.I.), dirigido por William Layton
y José Carlos Plaza, que se inaugura con dos piezas, Historia del zoo
de Edward Albee y Proceso por la sombra de un burro de Dürrenmatt,
que dan fe de su vocación por autores extranjeros contemporáneos.
Barcelona fue un verdadero hervidero en lo que a creación de
grupos respecta: Els Joglars de Albert Boadella trabajando siempre
con argumentos y textos propios; la Escola d´art dramàtic Adrià Gual
fundada por Ricard Salvat y Maria Aurèlia Capmany, que puso en es-
cena hasta ciento cincuenta montajes de autores tan relevantes como
Espriu (Ronda de mort a Sinera, Primera historia d´Esther), Brecht,
Sartre, Peter Handke, Pirandello, Adrià Gual, el propio Salvat o Santia-
go Rusiñol; el grupo Cátaros del dramaturgo Alberto Miralles, ligado al
Institut del Teatre de Barcelona y en el que participaron gentes como
Joan de Segarra, Lluìs Racionero, Carlos Ballesteros, Mario Gas o Al-
bert Boadella; y otros grupos volcados en la creación de espectáculos
de calle de corte popular como son todavía Comediants o Dagoll-Da-
gom. Pero no sólo los independientes se dieron en las dos capitales
teatrales del país sino que se extendieron por toda su geografía con
grupos como Akelarre de Bilbao, Esperpento de Sevilla, La Cazuela
de Alcoy, el Teatro de la Ribera de Zaragoza, el Teatro Universitario de
Murcia dirigido por César Oliva… y tantos más.
Las fichas de los grupos, sus espectáculos y sus miembros junto a
los lugares en que representaron, sus encuentros y festivales y una
extensa bibliografía se pueden encontrar en el portal indicado al prin-
cipio. De su revisión se hace patente que el del teatro independiente
fue el fenómeno teatral más importante en el país durante la segunda
mitad del siglo XX.
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febrero16 enero
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espués de presentar títulos como
‘La Escuela de los Vicios’, ‘El co-
loquio de los perros’ o ‘El Buscón
de Quevedo’, Morfeo Teatro lle-
va a escena un nuevo montaje, El Retablo
de las Maravillas, obra que en este año
cervantino pretende rendir homenaje al
pensamiento más humanista del autor. Se
trata así de una cruel sátira basada en
una selección de varias obras de Cervan-
tes, que teniendo como pieza principal el
mencionado entremés, recoge también una
selección de fragmentos de diversas obras
del propio autor, que darán coherencia dra-
mática al conjunto de la obra. Entre ellas se
encuentran ‘La elección de los alcaldes de
Daganzo’, ‘El juez de los divorcios’, ‘El co-
loquio de los perros’, ‘Pedro de Urdemalas’
y ‘Don Quijote de la Mancha’, además de
aforismos, cartas y singularidades poéticas
de Cervantes. Según Morfeo Teatro, “es uno
de los proyectos que prometen ser más sin-
gulares y ambiciosos de la compañía”.
El Teatro Principal de Burgos acogerá el
30 de enero el estreno de la última produc-
ción de Morfeo Teatro, compañía que tiene
el objetivo de adaptar o rescatar piezas
poco habituales en el repertorio clásico,
asumiendo un vanguardista sentido de la
puesta en escena. Su último reto es por
tanto ‘El Retablo de las maravillas’, uno de
los ocho entremeses escritos por Miguel de
Cervantes y publicados en el tomo “Ocho
comedias y ocho entremeses nunca repre-
sentados” de 1615. En la obra, donde el
autor opina sobre la sociedad de su época,
se presenta el denominado metateatro o
“teatro dentro del teatro”. De esta manera,
se verá una historia con la particularidad
de que no puede ser vista por hijos bas-
tardos o por gente de sangre no pura, es
decir, por aquel que no fuese cristiano vie-
jo y tuviese ascendencia mora o judía (tan
de acuerdo con los estatutos de limpieza
de sangre de la época). Los mandatarios
del pueblo simularán así ver lo que no ven
para demostrar que son “gentes de bien
nacer”. El espectador, consciente de que
están timando a los asistentes, incluyendo
a las autoridades, se divierte por la crítica
de costumbres que supone esta trama. La
obra presenta por tanto un engaño de có-
micos, una divertida sátira sobre las hipo-
cresías de la España de la época.
Morfeo Teatro estrena El Retablo de las Maravillas
Un cuarto cubista, escenario
de un Cervantes muy actual

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El Retablo de las Maravillas cuenta con la
dramaturgia y dirección de Francisco Negro.
El elenco está formado por siete intérpretes,
entre los que se encuentra el propio Negro,
además de otros actores habituales de la
compañía (Mayte Bona, Felipe Santiago,
Adolfo Pastor, Santiago Nogués y Mamen
Godoy). Por otra parte, destaca la partici-
pación como actor invitado de Joan Llaneras
(Premio Ercilla de Teatro), que protagoniza-
rá el personaje de Cervantes, quien se mos-
trará indignado por aquellos que aspiran a
gobernar, denunciando su ignorancia y falta
de preparación. El autor jugará, dentro de
su propia obra, un papel crucial a la hora de
destapar el mencionado engaño.
Tras el estreno en Burgos, el monta-
je tiene ya programada una extensa gira
nacional dentro del Programa Platea, así
como el Teatro Principal de Zaragoza, La
Coruña, Aranda de Duero, Motril, Toledo o
Donostia, además de su participación en
las Jornadas del Siglo de Oro de Almería
y el Festival Internacional de Teatro Con-
temporáneo de Badajoz. En opinión de la
compañía, “este montaje rinde homenaje a
Cervantes, a la figura literaria más univer-
sal que dieron nuestras letras, a un genio
sin precedentes, que tras una azarosa,
y a veces contradictoria vida, nos regaló
los más bellos y profundos escritos de la
lengua castellana sobre la condición hu-
mana, sobre el carácter de los españoles.
Cervantes fue un hombre de su tiempo, de
sólidas convicciones ante la decadencia
de su época; murió viejo, pobre, y desen-
cantado por el olvido en que le tenían sus
compatriotas. Fue un hombre que creía en
el honor, los principios y la justicia, en la
importancia de ser honesto, de repudiar la
avaricia, de tener un corazón noble capaz
de denunciar los abusos de los poderosos
y compadecerse de los débiles. Un hom-
bre que criticó la rapiña en los negocios,
el engaño, la prevaricación, la hipocresía,
el premio a los necios y el olvido de los
honrados, la envidia como pecado nacio-
nal. Un hombre que creyó en la ilusión de
un mundo mejor y en la necesidad de pe-
lear contra gigantes... un hombre de su
tiempo, y ojalá lo fuera del nuestro”.
metáfora del presente
La obra resalta con crudeza anhelos
y bajezas de la sociedad de la época del
autor, dentro de un juego de ilusiones tea-
trales que permite que el ácido discurso de
Cervantes se exprese “como metáfora de
nuestros días, para criticar la mediocridad
de los gobernantes de su tiempo, así como
la decadencia ética de sus coetáneos, en
claro paralelismo con la nuestra”, afirman
desde Morfeo Teatro.
En cuanto a la estética, el montaje se
presenta como “una provocación visual e
intelectual”. En una búsqueda de un espa-
cio atemporal, la pieza se escenifica en un
cuarto en el que se ha realizado una re-
interpretación del ‘Guernica’ de Picasso. El
famoso cuadro cubista se muestra en una
gigantesca pared, esta vez vacío de perso-
najes, ya que han sido sustituidos por los
personajes de El Retablo de las Maravillas.
En vez de la tragedia picassiana, la estancia
sirve, en tres dimensiones, como espacio
de conflictos para representar la obra de
Cervantes. De esta manera, Morfeo Teatro
pretende equiparar a dos “grandes” de la
creación en España: “el viejo autor inventó
‘la novela’, una nueva forma de contar la
realidad; el pintor ‘el cubismo’, una revo-
lución que pretendía mostrar la esencia de
las cosas, la realidad no aparente”.

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¿Otra vez ‘El florido pensil’? Pues
mire usted, qué quiere que le con-
teste... sí y no. Sí, porque volvemos
a la misma escuela; aquella cuyas
aulas estaban presididas por la Santísima
Trinidad del Crucifijo, la foto del Caudillo y la
de José Antonio. No, porque esta vez vamos
a entrar por la puerta que tenía grabado en
el dintel un cartel que rezaba ‘NIÑAS’. Eran
dos mundos paralelos tan cercanos como
distantes, dos universos encerrados en el
mismo edificio con dos propósitos (des)
educativos muy diferentes.”
Los creadores de ‘El florido pensil’, uno
de los grandes éxitos del teatro vasco, nos
abren ahora, de par en par, la puerta de
aquella escuela nacional-católica por la que
accedían las “Niñas” al colegio con el fin de
formarse para el destino unívoco de ma-
dre abnegada y esposa sumisa. Se trata de
“la premeditada barbarie de la educación
femenina confiada a aquellos feroces y ser-
viles ‘profesores’, puesta en escena, desde
una mirada actual e irónica, por cinco de
sus angelicales víctimas, hoy día mujeres
hechas (y no tan derechas)...”.
El Teatro Arriaga de Bilbao presentará
del 18 al 21 de febrero el estreno, tanto
en euskera como en castellano, de El flo-
rido pensil. Niñas, producción de Tanttaka
Teatroa que propone una mirada diverti-
da, liberadora y contemporánea sobre la
absurda e ilógica brutalidad del sistema
educativo que dominó la España de la
posguerra donde la escuela, cincel de la
sociedad, y su ideología dominante había
decidido poner al día el más profundo pa-
triarcado medieval, y llevarlo a sus últimas
consecuencias. “Desde el mismo estreno
de ‘El Florido pensil’ en 1996 éramos
conscientes de que habíamos contado
una parte importante de la (des)educa-
ción practicada por la escuela nacional-
católica, pero no todo. La obra se ceñía
al punto de vista masculino. Nos faltaba la
otra parte del curriculum, el otro lado del
patio de recreo, la mirada desde la puerta
de al lado; el mundo de las niñas”, afirman
desde la compañía. Serán las actrices Loli
Astoreka, Gurutze Beitia, Teresa Calo, Ele-
na Irureta e Itziar Lazkano las encargadas
de dar vida a las cinco muchachas prota-
gonistas de la historia creada por Andrés
Sopeña. Fernando Bernués y Mireia Gabi-
londo son los directores de la obra, que
cuenta con la adaptación teatral de Kike
Díaz De Rada. “Siempre hemos querido
hablar de esa doble tenaza que aprisionó
ideológica y moralmente a la mujer en la
España de Franco. Las circunstancias han
hecho que se retrasara el momento. Pero
ahora que nos han pedido la reposición
de ‘El Florido’ con motivo de su vigésimo
cumpleaños, hemos rescatado la idea de
hacer la versión femenina”.
En ella se puede observar que la mu-
Tanttaka Teatroa estrena El Florido Pensil Niñas-Neskak
Había dos tipos de mujeres:
las decentes y las otras

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jer fue el principal objetivo de la empresa
moralizadora, pues resultaba que la mujer
estaba naturalmente destinada para el
matrimonio y para las labores domésticas.
Su carrera profesional venía a ser formar
una familia y tener prole. Y en eso se po-
nían de acuerdo prácticamente todas y
todos: la maestra, el cura, los padres, los
moralistas, las cupletistas, las escritoras
de novelas rosas... “En todos los escena-
rios de la acción se verá reflejada, a veces
a las claras, a veces mediante retorcidos
rodeos, que solo existían dos tipos de mu-
jeres: las decentes y las otras”.
Serán una docena los personajes los
que interpretarán las mencionadas actri-
ces, entre los que se encuentra un único
personaje masculino: el cura Secundino.
El resto de las protagonistas serán chi-
cas que provienen de diferentes familias:
la emigrante, la proletaria, la de caserío,
la acomodada o la rica. “Ellas sufrieron
doblemente esa (des)educación, primero
como alumnas y después como mujeres,
ya que lo que la escuela pretendió con
ellas fue industrializar la producción de
amas de casa a base de materias como
‘Labores’ u ‘Hogar’”. Para impartir esa
materias estarán precisamente las distin-
tas profesoras que también tendrán su es-
pacio en el espectáculo, como la solterona
o la retorcida catequista. La compañía ha
contado para la puesta en escena con la
participación de Edi Naudò, creador de la
escenografía del montaje, Xabier Lozano,
autor de la iluminación y Ana Turrillas,
quien se ha encargado de realizar las la-
bores de vestuario.
En cuanto al estreno, será el día 18 de
febrero cuando el público tendrá la primera
oportunidad de ver la versión en euskera de
El florido pensil Niñas-Neskak, con dos fun-
ciones programadas. Del 19 al 21 se reali-
zarán, por su parte, las representaciones en
castellano, también en el Teatro Arriaga. A
partir de entonces, el montaje tiene ya pro-
gramada una extensa gira durante práctica-
mente todo el año, visitando así numerosas
localidades vascas. Las citas más próximas
serán Ordizia (23 de febrero), Tolosa (26) y
Basauri (27). El montaje formará parte tam-
bién de la programación de dFERIA, feria de
artes escénicas que se celebra en el mes de
marzo en Donostia.

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febrero16 enero
febrero
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l pasado mes de octubre la com-
pañía Tartean Teatroa estrenó el
montaje ‘Zergatik, Jamil?’ en Do-
nostia, el cual sigue ofreciendo sus
representaciones en euskera y cuya versión
en castellano se podrá ver por primera vez
los días 4 y 5 de marzo en el Teatro Arria-
ga. La compañía ofrecerá además el día 3
dos funciones de su versión en euskera,
también en el mencionado teatro bilbaíno.
Jamil, interpretado por Eneko Sagardoy,
es un joven de origen magrebí que parece
haber asesinado a sangre fría a un inválido
indefenso postrado en su cama. El hecho
de ser inmigrante alimenta la indignación
popular. Por otro lado se presenta Xabier,
personaje al que da vida el actor Mikel
Martinez. Se trata de un hombre que sufre
una parálisis progresiva, y que ha sabido
encarar su enfermedad con valor y alegría
de vivir. Un hombre casado con una mujer
que le quiere pero que no sabe o no quiere
comprender su voluntad.
“Con esta materia prima se podría cons-
truir un drama social en toda su crudeza.
Pero he preferido crear una estructura que,
sin renunciar a la hondura que los conflictos
requieren, resulte un estimulante y activa-
dor ejercicio de suspense teatral. Como en
todo suspense, el espectador hace desde
un principio sus propias cábalas, que, si la
estructura está bien armada, resultarán re-
futadas por la realidad. El espectador rea-
lizará sus juicios previos, cayendo, segura-
mente en las mismas trampas que cae la
sociedad que refleja la pieza. Los prejuicios
del espectador son los prejuicios sociales”,
explica Patxo Telleria, autor del texto.
¿Por qué Jamil? plantea por tanto un
conflicto, un asesinato sin explicación. Esa
es la trama de la historia dirigida por Jokin
Oregi y el propio Patxo Telleria. Forman
también parte del equipo artístico de la
obra Pascal Gaigne (música) y Xabier
Lozano (iluminación), entre otros. El es-
pectáculo ofrecerá diversas funciones en
euskera durante estos meses de enero
y febrero, en localidades como Lekeitio,
Arrasate, Errenteria, Durango, Bermeo y
Zumaia, entre otras. A partir de marzo,
por tanto, el público tendrá la oportuni-
dad de ver el montaje en su versión en
castellano. “Al cerrarse el telón sabremos
que además de haber presenciado un in-
genioso juego de intriga y suspense, he-
mos sido capaces de descubrir cuánto de
bueno hay en el género humano”.
Tartean Teatroa estrena ¿Por qué Jamil?
Dos personajes y un conflicto
a resolver
© Guillermo Casas

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K
ukai Dantza presenta un proyecto de
danza que navega entre la raíz más
popular y la expresión más vanguar-
dista: Oskara. Jon Maya (Kukai) es el
director del espectáculo, que cuenta con la
coreografía de Marcos Morau (La Veronal).
La pieza se presentará los días 30 y 31 de
enero en el Teatro Victoria Eugenia de Do-
nostia. Como anticipo del proyecto, los men-
cionados artistas ofrecieron del 17 al 20 del
pasado diciembre en el Museo Guggenheim
Bilbao ‘Oskara in Progress’, en homenaje a la
ancestral cultura vasca reflejada en las obras
de escultores como Eduardo Chillida y Jorge
Oteiza, y diseñada en torno a la exposición
‘Obras maestras de la Colección del Museo
Guggenheim Bilbao’. Así, el Atrio del Museo
acogió la propuesta en cuatro pases diarios
de 15 minutos, además de una masterclass
dirigida por ambos bailarines, en torno a los
orígenes del proyecto Oskara, compartiendo
con el público su proceso de trabajo. “Oskara
es la unión entre dos universos coreográficos
y dos miradas hacia la danza que navegan
entre la raíz más popular y la expresión más
vanguardista, planteando un nuevo universo
escénico en el panorama nacional”.
Eneko Gil, Urko Mitxelena, Ibon Huarte,
Alain Maya y Martxel Rodriguez son los bai-
larines del montaje, que ofrecerá también
la voz en directo de Erramun Martikorena.
Se trata de un trabajo instalativo que re-
corre algunos pasajes de la cultura vasca,
mitos, desde su origen hasta la época con-
temporánea y dibujan un recorrido plástico
y emocional de símbolos e iconografía de
fuerza ambigua y desconcertante que, de la
manera más absoluta, contiene dentro de sí
la historia de la experiencia humana. El có-
digo dramático apunta hacia un espectáculo
articulado por un lenguaje de abstracción
acentuado, casi violento, donde solo el orden
en las composiciones puede aportar cierta
lógica sensorial.
Para Oskara, La Veronal continúa sus in-
vestigaciones sobre el poder de la imagen a
través de la oposición entre las propias imá-
genes en un trazo laberíntico que generan
en la audiencia una atractiva experiencia de
tropiezos y hallazgos a través del encuen-
tro explosivo de danza, texto e imagen, y en
la que cada individuo encontrará su propia
representación. “Enriqueciéndonos mutua-
mente, descubriendo nuevos espacios, com-
partiendo territorios comunes... Creando un
imaginario que se sostiene en las raíces de
la cultura vasca”, expresa Jon Maya.
Después del estreno y durante los próxi-
mos meses, el espectáculo tiene ya diversas
funciones programadas, de manera que re-
correrá ciudades como Bilbao (febrero, 3),
Valladolid (marzo, 19), Gasteiz (abril, 15) o
Iruñea (abril, 30). Oskara ha sido, por otra
parte, seleccionado para el catálogo del cir-
cuito ‘Danza a Escena 2016’, un programa
promovido por el Instituto Nacional de las
Artes Escénicas y la Música (INAEM) y co-
ordinado por La Red Española de Teatros,
Auditorios, Circuitos y Festivales de titulari-
dad pública.
Kukai Dantza estrena Oskara
Una pieza que indaga en las
raíces de la cultura vasca

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febrero
“Las cartas sirven para expresar las palabras que no pueden salir de nues-
tra garganta. Las cartas nos traen los ecos de las palabras que anhelamos
escuchar; pero en ese camino pueden ocurrir muchas cosas y a menudo ese
camino, ese viaje, se convierte en lo realmente importante, en el verdadero
protagonista”. Letter (el viaje de una carta) es la sexta producción de Malas
Compañías Zirko Taldea, y la primera creada para representarse en sala.
Diego Aimar, Mikel Pikaza y Aritza Rodríguez son los intérpretes que trabajan
bajo la dirección de Agurtzane Intxaurraga. Desde la compañía confiesan que
aunque han mantenido su forma de trabajar y entender la escena, el trabajo
de creación ha sido diferente para ellos esta vez: “nos hemos alejado del que
es nuestro ámbito ‘natural’ y hemos tenido que entender e interiorizar el ritmo,
lenguaje y la energía de la sala, lo cual ha supuesto un bonito reto”. Letter es
un cuento lleno de melancolía, que nos recuerda aquellos tiempos en los que las personas escribíamos cartas, “un pa-
saje que nace al mezclar la fantasía con la realidad”. El verdadero protagonista de la obra es el viaje que la carta realiza
desde que nace del pensamiento del protagonista, hasta que la escribe, la manda y llega a su lugar de destino. Para ello,
la compañía ha seguido el camino y el estilo abordado en sus trabajos precedentes, profundizando en un modo propio
de trabajar el circo y el teatro, poniendo todas las habilidades del circo (acrobacia, equilibro...) a servicio de la drama-
turgia para contar una historia, entendiéndolas como un lenguaje escénico que ayuda a transmitir ciertas emociones.
A la hora de crear los personajes, la compañía afirma tener claro que “el payaso es la base de nuestros personajes, no
porque tengamos que ser graciosos, sino porque tenemos que ser de verdad”. Por ello, la conexión con el público y la
transmisión de emociones son los elementos más importantes que buscan con sus personajes. Este montaje sin texto y
con música de Carlos Imaz se estrena el 7 de enero dentro de los denominados ‘Cuartitos del Arriaga’ de Bilbao, con el
objetivo de suponer un paso firme para que el circo vasco sea programado de un modo más estable en sala.
m i s c e l á n e a
Letter
Ladydi (Prayers for the stolen) de Jennifer Clement ha
sido premiada con el NEA Felloship for Literature y el
premio humanitario Sara Curry. A pesar de estar recién
publicada, los derechos de edición de la novela han sido
vendidos a diecisiete países. La historia muestra la rea-
lidad del tráfico de drogas a través de Ladydi García
Martínez, una muchacha que se hace pasar por un chi-
co para evitar que los narcotraficantes la secuestren.
En la propuesta de Ados Teatroa, su discurso será un
hilo conductor que dará paso a las distintas escenas
en las que intervienen el resto de personajes, directa-
mente, sin transiciones. Garbi Losada es la encargada
de la adaptación y dirección del montaje, que será in-
terpretado por cinco actrices y en el que no aparecerá
nunca ningún personaje masculino. El espectáculo se
estrenará el día 19 de febrero en la Casa de Cultura de
Villava (Navarra).
El Teatro Arriaga de Bilbao acoge el 20 de enero el estre-
no de Heroiak, pieza en euskera que llega de la mano
de Txalo Produkzioak. La dirección corre a cargo de
Begoña Bilbao Lejarzegi, quien afirma que se trata de
un espectáculo que “mezcla el humor, lo absurdo y la
tristeza”. Joxe Ramon Soroiz, Kandido Uranga y Ramon
Agirre son los intérpretes de la obra de Gérald Sible-
yras, que hasta ahora no ha sido representada en el Es-
tado español. Los protagonistas de la historia, situada
en Francia, son tres veteranos de guerra que pasan sus
últimos días en una residencia enzarzados en batallas
verbales de olvidadas campañas militares. Uno de ellos
tiene una pierna lisiada, otro sufre de agorafobia y el
último tiene desmayos ocasionados por un pedazo de
metralla alojado en su cerebro. La obra muestra la rela-
ción que se establece entre los tres, sobre todo cuando
deciden huir de la residencia.
LadydiHeroiak

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La Compañía Nacional de Teatro Clásico y
Ron Lalá estrenan Cervantina, compuesta
por piezas breves que reúnen sobre el es-
cenario las adaptaciones de algunas novelas
ejemplares y entremeses, además de frag-
mentos de piezas menos conocidas de Miguel
de Cervantes, como el ‘Persiles’, ‘La Galatea’
o el ‘Viaje del Parnaso’. Se trata de “una ce-
lebración del mejor Cervantes, eterno y cer-
cano, con sabor al inconfundible sello de Ron
Lalá”. Yayo Cáceres es el director del montaje, que expresa: “¿Cómo se
le ocurre a nuestro buen Cervantes poner a los personajes leyéndose a
sí mismos? ¿Cómo puede hacer decir a una mujer que es libre hace cinco
siglos? ¿Cómo crea a dos perros que hablan con discurso, a una gitana
defendiendo a su pueblo o a un licenciado que cree que es de vidrio? La
respuesta es: con imaginación, que solo existe con libertad”. Juan Ca-
ñas, Miguel Magdalena, Álvaro Tato, Daniel Rovalher y Íñigo Echevarría
son los encargados de dar vida a esos personajes en una obra que cuen-
ta con el mencionado Álvaro Tato como director literario. “Es tiempo de
Cervantes. Su defensa de la libertad de acción, identidad y pensamiento,
su ironía permanente, su lucidez generosa, tan necesaria en cualquier
lugar y época, da fondo a sus mejores páginas, que parecen escritas
hoy, casi mañana. Cervantina propone una inmersión en esas páginas,
con respeto pero sin reverencia, para reabrir junto al espectador el arca
de tesoros que guardan”, afirma Tato. El espectáculo se podrá ver en el
Teatro de la Comedia (Madrid) del 14 de enero al 6 de febrero.
Miguel del Arco versiona y dirige Hamlet,
obra de William Shakespeare que presentan
en coproducción la Compañía Nacional de
Teatro Clásico y Kamikaze Producciones.
En palabras de Miguel del Arco: “enfrentarse
a Hamlet tiene algo suicida, lo que no es una
mala premisa de partida ni para mí, que soy
un Kamikaze, ni para el Príncipe, cuya con-
ciencia anhela en no pocas ocasiones darse
muerte para dejar de sufrir. Pero como dice
Harold Bloom, Hamlet «tiene una mente tan poderosa que las actitudes,
los valores y los juicios más contrarios pueden coexistir dentro de ella
coherentemente». El ser y el no ser a un mismo tiempo y de forma tan
ilimitada como él mismo es capaz de pensarse, el sueño de una con-
ciencia infinita. Un poema ilimitado habitado por un personaje ilimitado
sobre un escenario que es puro espacio mental. ¡Alto! Si lo sigo pensan-
do, tal vez sea incapaz de seguir adelante… O tal vez siga adelante y no
sea capaz de pensar. La contradicción no ha hecho más que empezar. Me
agarro a la frase de Nietzsche: «¡Contradícete a ti mismo! Para vivir es
necesario permanecer dividido”.
El espectáculo cuenta con un elenco formado por intérpretes como Is-
rael Elejalde, Ángela Cremonte, José Luis Martínez y Cristóbal Suárez.
Forman también parte del equipo artístico, entre otros, Eduardo Moreno
(escenografía), Juanjo Llorens (iluminación), Arnau Vilà (música) y Ana
López (vestuario). La obra estará en cartel del 18 de febrero al 20 de
marzo en el Teatro de la Comedia de Madrid. El 10 de marzo realizarán
un encuentro con el público.
Cervantina
Hamlet
©David Ruano
©David Ruiz

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rnesto Caballero es el director de Vida de Galileo de Bertolt
Brecht, montaje que cuenta con las labores de traducción
de Miguel Sáenz. La obra, producida por el Centro Dramá-
tico Nacional, se podrá ver del 29 de enero al 20 de marzo
en el Teatro Valle-Inclán de Madrid.
Ambientada en 1609, la pieza se centra en los últimos años
de vida del investigador italiano. En su hogar en Florencia, que
comparte con su hija Virginia, tiene ocasión de transmitir parte de
sus conocimientos a Andrea, el hijo de su casera, la Señora Sarti.
Cuando Galileo hace públicos sus descubrimientos sobre el siste-
ma solar recibe la condena de la jerarquía eclesiástica. Ni siquiera
el acceso a la silla de San Pedro del cultivado Cardenal Barberini
hace disminuir la presión. Bajo presión de la Inquisición, Galileo
renuncia a propagar sus tesis. En su aislamiento, recibe la visita
de Andrea, convertido ya en estudiante universitario, al que hace
entrega de su documento Dos nuevas ciencias en el que resume
sus descubrimientos, pidiéndole que lo difunda más allá de las
fronteras de Italia.
En cuanto al reparto de la obra, está formado por los siguien-
tes intérpretes: Chema Adeva, Marta Betriu, Paco Déniz, Ramón
Fontserè, Alberto Frías, Pedro García de las Heras, Ione Iarazabal,
Borja Luna, Roberto Mori, Tamar Novas, Paco Ochoa, Macarena
Sanz, Alfonso Torregrosa y Pepa Zaragoza. Por otra parte, la obra
cuenta con la escenografía de Paco Azorín, el vestuario de Felype de
Lima, la iluminación de Ion Anibal, la composición musical de Hanns
Eisler y la música y el espacio sonoro de Javier Coble.
‘Vida de Galileo’ y ‘Cocina’,
nuevas propuestas del CDN
La Sala de la Princesa del madrileño Teatro María Guerre-
ro acogerá del 13 de enero al 21 de febrero el estreno de
la obra Cocina de María Fernández Ache. “Nos encon-
tramos en una cocina; a través de la puerta escuchamos
una animada conversación. La luz y el ronroneo de un
horno nos indican que algo se está cocinando... El buen
vino fluye, la conversación es brillante, competitiva: arte,
literatura, la vida, la muerte, budismo... Los comensales
rezuman éxito (¿también los anfitriones?)... A medida que
Antonio y Emma entran y salen de su cocina empezamos
a conocer sus rostros público y privado y a percibir gé-
lidas corrientes subterráneas de envidia, amargura, des-
dén... Antonio no puede soportarlo más; en un absurdo
acto reflejo de ira, gasta una broma pesada cuyas con-
secuencias escaparán a su control...”. A partir de aquí, la
obra hace al público testigo de una serie de desayunos
y cenas en los cuales asistirá al desmantelamiento de un
matrimonio, una carrera, y, probablemente, todas las re-
laciones sociales que rodean a esta pareja. La liturgia del
cocinar y comer se repite una y otra vez, mientras, a tra-
vés de lo que hacen los personajes, crean y se convierten
en lo que son.
Will Keen dirige este espectáculo producido por el Centro
Dramático Nacional, que cuenta con las interpretaciones
de Sonia Almarcha, Bruno Lastra, Luis Martínez-Arasa y
Manolo Solo, además de las voces de María Fernández
Ache, Mamen Camacho, Pilar Castro, Mercedes Castro y
Cristobal Suárez. Forman también parte del equipo artísti-
co, entre otros: Esmeralda Díaz, encargada de la esceno-
grafía y el vestuario; Pedro Yagüe, autor de la iluminación;
Luis Miguel Cobo, creador de la música y el espacio sono-
ro; y Esther Gázquez, en las labores de caracterización.
Cocina explora los diferentes niveles de responsabilidad
con los que nos enfrentamos a la hora de encarar las con-
secuencias de nuestras acciones y nos pregunta: ¿cuál es
la relación entre la ley y la moral?.
©marcosGpunto

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16enero
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Nuria Mencía, Gloria Muñoz, Pietro Olivera, Pau Durà, Martiño Rivas y Camila Viyuela son los
intérpretes de La respiración, obra de Alfredo Sanzol producida por el Teatro de La Abadía
y Lazona que se podrá ver en el mencionado espacio madrileño del 20 de enero al 21 de febre-
ro. La obra cuenta, en clave de comedia, las alegrías y penas de una mujer separada, Nagore,
en trance de recuperar su autoestima y de rehacer su vida. Gracias a los consejos de su madre,
que tiene una intensa vida amorosa, este proceso se convierte en una verdadera aventura. “La
respiración teje una red de relaciones familiares y afectivas, que ayudarán a Nagore a encon-
trar un nuevo equilibrio”. Contrario a su costumbre de terminar de escribir una obra y después
iniciar su labor como director de escena, en este caso Sanzol ha querido desarrollar el texto
en estrecho contacto con los actores del reparto, al hilo de las improvisaciones en dos talleres
previos. Alfredo Sanzol expresa sobre la obra: “La respiración es un regalo para Lucía, para mí, y para todos los que como
nosotros han visto el pabellón de su autoestima en lo más alto gracias al amor. Para todos los que como nosotros han
visto el pabellón de su autoestima en lo más bajo gracias al amor. Para todos los que han conseguido que la posición del
pabellón de su autoestima no dependa de nadie. Para todos los que sienten y piensan que, a pesar de lo que hagas con el
pabellón de tu autoestima, cuando te enamoras te la juegas. Para todos los que se la juegan. Para todos los que ganan.
Para todos los que pierden. Para todos los que han conseguido aprender a empatar con la vida”.
Con dramaturgia de Alberto Conejero, Salva Bolta se encarga de dirigir a los actores Santiago
Molero y Rulo Pardo en la obra de Miguel de Cervantes Rinconete y Cortadillo que presenta
la compañía SeXpeare. El texto de Cervantes narra la aventura de dos pícaros de la España
del siglo XVII que emprenden juntos un viaje a Sevilla, donde se verán rodeados de rufianes
y farsantes. Allí vivirán situaciones de lo más extremo y pintoresco. “Rinconete y Cortadillo
es una comedia sobre la picaresca, los niños prodigio, la amistad, la lucha entre la realidad y
la ficción y sobre los parias con los que Cervantes dio paso a la modernidad”. En la propuesta
de SeXpeare, los verdaderos Pedro del Rincón y Diego Cortado quieren ajustar cuentas con
Cervantes por haber publicado a sus espaldas un episodio fugaz de sus vidas pero que les ha
condenado por siempre a responder a la imagen de pícaros. “Como El gordo y el Flaco o Los
Pecos, Rinconete y Cortadillo están condenados a seguir juntos para sobrevivir. Pero quizá ahora ha llegado la ocasión
de limpiar su nombre”. El montaje cuenta con el vestuario de Tatiana de Sarabia, la escenografía de Arte & Ficción y la
iluminación de Marino Zabaleta. La obra ofrecerá su primera representación el día 8 de enero en el Teatro Echegaray,
en el marco del Festival de Teatro de Málaga. Del 17 de febrero al 13 de marzo el espectáculo estará en cartel en los
Teatros del Canal de Madrid.
La respiración
Rinconete y Cortadillo
©Javier Naval

20
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Coproducción del Teatre
Lliure y La Brutal, La llis-
ta es un monólogo de Jen-
nifer Tremblay, premio Go-
vernor General’s Performing
Arts 2010. En él se presenta
una mujer que elabora lis-
tas aparentemente banales
de las cosas por hacer. Se
trata de un texto de alcance
universal en el que se refleja una sociedad cada vez
más alejada de lo esencial, perdida en las obligaciones
cotidianas y desconectada de los hechos más simples.
Laia Marull es la intérprete de la obra, dirigida por la
actriz Allegra Fullton, protagonista del montaje origi-
nal, que afirma que “es un monólogo riguroso, exigente
y atractivo que cuenta, de manera poética, la historia
de alguien que sufre una terrible situación en nuestro
ajetreado mundo moderno. Mientras hace equilibrios
para hacer compatible la vida familiar, el matrimonio,
el deber y el placer, un hecho pone en duda su mundo
cuidadosamente construido”. Este espectáculo en cata-
lán estará en cartel del 21 de enero al 14 de febrero en
el Teatre Lliure de Barcelona, siendo la primera vez que
se estrene la obra en el Estado español.
Gerardo Vera es el director
de La reina de la belle-
za de Leenane, primera y
más representada obra del
autor anglo-irlandés Martin
McDonagh. El escritor ofre-
ce una mirada perpleja al
mundo rural y enrarecido de
su Irlanda familiar, realzan-
do el humor negro, ácido e
irónico que destilará el resto de su obra dramática. La
pieza está ambientada en el pequeño pueblo irlandés
de Leenane, en la comarca de Connemara, donde vi-
ven Mag Folan y su hija Maureen, interpretadas en este
caso por Terele Pávez y Ariadna Gil, respectivamente.
La anciana mantiene sujeta a su hija con todo tipo de
chantajes y manipulaciones. Maureen ve cómo la ju-
ventud se le va sin poder encontrar ese hombre con
quien formar una familia. Pato Dooley, también en el
límite de establecer una familia o emigrar a los Estados
Unidos de América, se acerca a ella. La madre intenta-
rá por todos los medios deshacer este acercamiento y
cualquier posibilidad de futuro para su hija que no sea
con ella. El montaje se podrá ver del 4 al 28 de febrero
en la Sala Verde de los Teatros del Canal de Madrid.
La reina de la belleza...
El fill que vull tindre
La llista
La compañía Pata Teatro
estrena su nueva come-
dia para público familiar,
Frankenstein, no soy un
monstruo, que cuenta la
historia del joven doctor
Victor Frankenstein y que
se presentará en el Teatro
Cánovas de Málaga los días
16 y 17 del mes de ene-
ro. Se trata de la decimoséptima obra de la compa-
ñía malagueña, la décima de su producción que está
dirigida a un público familiar. Esta nueva adaptación
de ‘Frankenstein’ es una versión libre de la obra de
Mary Shelley, más centrada en la visión de la criatura y
en la humanidad del personaje, rompiendo los clichés
convencionales del cine o del teatro. “A través de una
tierna comedia, las emociones salen a flote, para dar
paso a una obra que nos toca el corazón y nos sopla
el cerebro”, afirman desde la compañía. El espectáculo
está dirigido por Josemi Rodríguez y Macarena Pérez
Bravo e interpretado por el propio Josemi Rodríguez y
Carlos Cuadros. Pata Teatro, Premio Feten 2015 con su
montaje ‘El Árbol de mi vida’, participará, entre otros,
en la vigésima edición de Teatralia, el Festival Interna-
cional de Artes Escénicas para Niños y Jóvenes de la
Comunidad de Madrid.
Se trata de la primera pro-
ducción propia de Las Na-
ves (Valencia), que surge
de un laboratorio intergene-
racional organizado por El
Pont Flotant en el que han
experimentado con perso-
nas de diferentes edades no
vinculadas necesariamen-
te al teatro, para recoger
sus opiniones, reflexiones y experiencias en sus vidas
respecto al tema de la educación y la formación. La
compañía valenciana ha trabajado entre noviembre y
diciembre con un grupo de individuos divididos en tres
segmentos: de cinco años, de quince y de más de 65.
Para ello han localizado voluntarios en colegios, insti-
tutos, asociaciones y centros de día, cercanos a Las
Naves. Los distintos puntos de vista han servido de ma-
terial para el montaje final de El fill que vull tindre,
que se estrenará en el Espai Mutant de Las Naves el 11
de febrero y en el que se pretende que estén reflejadas
algunas cuestiones como las expectativas de los padres
con sus hijos, el conflicto generacional, el proceso de
reeducación o las alternativas a una enseñanza con-
vencional. El montaje, que se podrá ver hasta el día
14 del mismo mes, está interpretado por Àlex Cantó,
Jesús Muñoz y Pau Pons.
Frankenstein, no soy...
©Felipe Mena

22
16 enero
febrero16 enero
febrero
L
a décima segunda edición de Madfe-
ria, Feria de Artes Escénicas de Ma-
drid se celebra del 19 al 22 de enero
en la sala Cuarta Pared y diversos
espacios de Matadero, una nueva edición
organizada por ARTEMAD, la Asociación de
Empresas Productoras de Artes Escénicas
de Madrid que este año estrena director ar-
tístico, Javier Pérez-Acebrón quien recoge el
testigo de Eduardo Pérez Rasilla.
Dieciséis espectáculos conforman la pro-
gramación de este año entre los que se
podrá disfrutar con único espectáculo de
danza, Pollen Paradise de Cía Mar Gómez.
Dos piezas complementarias conforman
este espectáculo creado, dirigido e inter-
pretado por Mar Gómez y Xavier Martínez
que dan vida a cuatro personajes en movi-
miento que junto a un invernadero, flores y
plantas y proponen “un viaje humorístico y
poético hacia los imperfectos paraísos que
creamos los humanos, empujados por el
amor y el deseo” dos piezas en las que sus
respectivos personajes “trazan sus propios
caminos en la aventura de construir su pa-
raíso emocional”.
Circo y teatro
Las artes circenses toman protagonismo
en Vincles de Tiá Jordá, un espectáculo en el
que a través de las cañas de bambú, los cua-
tro artistas en escena transmiten la elegan-
cia y la técnica del circo. Circ Bover estrenala
versión de sala de esta obra en la que los
elementos escénicos primarios se transfor-
man con las emociones dando lugar a dife-
rentes números de circo contemporáneo.
Junto con las dos obras mencionadas, la
programación de adultos se conforma con
espectáculos de teatro como el que lleva a
escena Atresbandes, Locus Amoenus, una
obra escrita, dirigida e interpretada por Mò-
nica Almirall, Miquel Segovia y Albert Pérez
una pequeña ficción ubicada en el vagón
de un tren con destino incierto en el que se
pone de relieve los paraísos prometidos a
todas las generaciones y en consecuencia
sus contradicciones.
La Rota Producciones presenta Lo
que no te digo una reflexión sobre cómo
el lenguaje entre los seres humanos se ha
convertido en una comunicación y unas
relaciones perversas donde nunca o casi
nunca se dice lo que se piensa. Nur Levi
–autora del texto– da vida a un personaje
inmerso en una situación paranoica inten-
tando descifrar los constantes mensajes
“ocultos” tras las palabras, un personaje
cómicamente obsesivo, única protagonista
XII MADferia - Feria de Artes Escénicas de Madrid
La docena como muestra de
una feria viva
Matadero y Cuarta Pared repiten como sedes de esta edición y
acogen un total de dieciséis espectáculos
Taxidermia de un gorrión es de L´Atelier

16enero
febrero
23
16enero
febrero
de esta obra dirigida por Cristina Rota.
Taxidermia de un gorrión es una obra es-
crita por Ozkar Galán que ha subido a los
escenarios L´Atelier bajo la dirección de Fer-
nando Soto. Garbiñe Insausti, Lola Casama-
yor y Alberto Huici ponen en escena el una
entrevista ficticia entre Camile Schultz, una
reportera especializada en fotografiar ani-
males y una gran diva, Edith Piaf. A partir de
este controvertido encuentro la obra disec-
ciona el origen, la naturaleza y la necesidad
de creer y crear mitos convirtiéndose en un
viaje emocional a través de los acontecimien-
tos que han propiciado el nacimiento y ocaso
de una estrella, de una Diosa.
Carolina África es la autora y directora
de Vientos del levante una propuesta de
La Belloch Teatro que lleva al público a
un verano en la bahía gaditana. Hasta allí
ha viajado Ainhoa, una escritora inmersa
en una crisis personal para visitar a su
amiga Pepa, psicóloga que desarrolla su
labor con enfermos mentales y en el área
de cuidados paliativos de un hospital. Una
historia sencilla llena de humor y amor en la
que las protagonistas compartirán la frágil
frontera (o el cruel muro) que nos separa
de la locura y afrontar la muerte como algo
natural y cercano.
Actualidad y geopolítica
La actualidad política es el tema central de
varias propuestas de esta edición, entre ellas
la que presenta Meridional Producciones,
Los esclavos de mis esclavos, una obra es-
crita por Julio Salvatierra y dirigida por Álvaro
Lavín que explora el día a día de los rehenes
en oriente medio. El propio Lavín junto con
Elvira Cuadrupani, Inés Sánchez y Fran Can-
tos dan vida a varios cooperantes secuestra-
dos en las montañas de Afganistán y a uno
de sus captores. Una obra protagonizada
por cuatro víctimas de la situación geopolí-
tica actual que la compañía aprovecha para
“plantear cuestiones a las que quizás no to-
dos demos las mismas respuestas”.
Julio Salvatierra es también el autor de
Éxodo un proyecto de investigación con idea
y dirección de Roberto Cerdá que parte de
la narrativa visual de las imágenes del libro
“Éxodos” del fotógrafo brasileño Sebastiâo
Salgado y de testimonios actuales de refu-
giados. A partir de todo esto 181grados /
mutisAEscena ha creado un espectáculo
teatral que narra la historia de un grupo
de niños de diferentes nacionalidades y re-
La petita malumaluga

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16 enero
febrero
ligiones que viven en una situación de gue-
rra y buscan un lugar donde refugiarse.
El proyecto Hard Candy parte del texto
de Brian Belson que dirige Julián Fuentes
Reta y presenta LaZonaKubik se vertebra
en torno a un laboratorio escénico de
creación en el que se han explorado diver-
sos temas como el impacto y la viabilidad
pragmática de la inclusión de elementos
mágicos de los cuentos de hadas de la
tradición europea, la investigación de los
conflictos familiares y sexuales a través de
textos clásicos de la literatura universal
y la profundización en los conceptos de
violencia y juventud. Todo ello ha llevado a
poner sobre el escenario “un pulso a vida
o muerte entre víctima y verdugo. Un jue-
go de roles en el que es difícil diferenciar
quién es el depredador y quién la presa”.
De actualidad es también la propuesta
de la compañía En Proceso, Periodo de
reflexión, una obra que narra la historia de
Joy, una mujer africana víctima de trata en
un prostíbulo español. Camilo Vásquez es
el director y autor de la idea de esta obra
creada sobre un texto de Sergio Martínez
Vila e interpretada por Fabia Castro, Caro-
lina Clemente, Marta Malone, Viridiana Mo-
reno y Mikeka N’Shimbi.
Tiempo para el humor
El humor tendrá su lugar en esta edición
de la mano de Desde aquí veo sucia la plaza
una obra escrita y dirigida por Chiqui Cara-
bante. Club Caníbal parte de una tradición
festiva real, el lanzamiento de una cabra del
campanario de una iglesia, para desde el
humor negro neorrealista, absurdo y surreal
realizar una crítica descarnada de la idiosin-
crasia española con esta obra , la primera,
que integra su trilogía ‘Crónicas Ibéricas’.
Y el humor es también protagonista de
Las alegres casadas, versión libre de varias
obras de William Shakespeare escrita y di-
rigida por Andrés Lima que trata con gran
sentido del humor temas que el bardo inglés
desarrolla en Othello, romeo y Julieta o Enri-
que IV. Esta producción de Tdiferencia tiene
como conflicto central la burla de dos acau-
daladas casadas a Falstaff. Pero en el tra-
blado taberna que se convierte el escenario
cinco intérpretes dan vida a otros persona-
jes en una historia llena de humor y enredo.
La innovación, la mezcla de géneros, el
sentido del humor, la provocación y la in-
teracción con el público son las señas de
identidad de De La Puríssima cuarteto
musical que completa las propuestas es-
cénicas para público adulto de esta edi-
ción. Julia de Castro (voz y letras), Miguel
Rodrigáñez (contrabajo), Gonzalo Maestre
(batería) y Jorge Vera (piano) presentan su
espectáculo homónimo caracterizado por la
música y el humor desenfadado.
Público familiar
Y la música es también la protagonista
principal de Bitels para bebés, un concier-
to tributo a The Beatles dirigido a los más
jóvenes que pone en escena La petita ma-
lumaluga. Cuatro músicos en movimiento y
una bailarina realizan un homenaje al gru-
po capitaneado por John Lennon y Paul Mc-
Cartney en una propue sta con un lenguaje
no infantilizado, respetuoso y artísticamen-
te contemporáneo.
El público infantil y familiar podrá disfrutar
también con un espectáculo de danza actual,
Eva y Adán creada a partir de la adaptación
del mito y desde el cuerpo y sus posibilida-
des. Esta pieza de la compañía OtraDanza
“vuela por encima de cualquier cliché de
sexo o de género”. En ella “origen, encuen-
tro, ingenuidad, curiosidad, descubrimiento,
juego, desarrollo y progreso” son las bases
con las que adentra al público en la comuni-
cación y en las relaciones humanas.
La tercera y última propuesta para el pú-
blico familiar llega de la mano de Escena
Miriñaque que pondrá en escena Iglú un es-
pectáculo teatral que cuenta la historia de
Nuka y Malik dos inuits que se verán obliga-
dos a abandonar sus blanca tierra debido
a los cambios que se venían insinuando
desde hace tiempo pero a los que nadie ha
hecho caso... y es que cada vez hay menos
hielo y más mar, el cielo es diferente y las
montañas están cambiando...
Un año más MadFeria será lugar de en-
cuentro de asambleas y juntas de varias
entidades del sector de las Artes Escéni-
cas, todas ellas reuniones cerradas aunque
también se ofrecerán encuentros abiertos
para todos los asistentes. Es el caso de las
XI Jornadas ADGAE tituladas ‘La gestión del
arte 2015’ o el encuentro ‘Las Artes Es-
cénicas y la cualificación específicas de los
profesionales del sector’. También se lleva-
rán a cabo las presentaciones de proyec-
tos como IETM Valencia Plenary Meeting a
cargo de la Red de Teatros Alternativos, los
Laboratorios de creación de Lazonakubik o
de Tuescena, buscador inteligente para las
artes escénicas a cargo de Gestionart.
En el marco de MadFeria tendrá lugar la presentación de Tempo de Circo un pro-
yecto de 23Arts que tiene como objetivo llenar los teatros de circo es decir que los
teatros, incluyan dentro de sus programaciones, espectáculos de Circo adaptados
a sala. Para ello 23Arts ha apostado por 5 espectáculos de otras tantas compañías
profesionales, son los siguientes: Vincles de Circ Bover (y con el que se podrá disfru-
tar en MadFeria), F.Í.R.A. de Colectivo Tierra, Petita Mort de Colectivo 9,8 y L´avant
premiere de D´Click.
El 21 de enero, dos representantes de 23Arts presentarán este proyecto concebido
para teatros medianos y grandes teatros. Con el dossier que recoge este nuevo pro-
yecto, los y las profesionales encargadas de la programación de salas y teatros podrán
conocer los ya citados espectáculos, cada uno con sus condiciones escénicas par-
ticulares y de diversas posibilidades económicas. Todo ello con un único fin: que las
artes circenses de calidad tomen protagonismo en los escenarios de todos los teatros
del Estado Español.
Pollen Paradise de Cía Mar Gómez

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16 enero
febrero16 enero
febrero
L
a edición de 2016 del Festival Inter-
nacional Santiago a Mil se presenta
con la consigna ‘La vida es puro
teatro’ que en palabras de Carmen
Romero, Directora Ejecutiva de la Funda-
ción Teatro a Mil –entidad encargada de su
organización–, “nos hace presente que el
teatro es parte nuestras vidas y, al mismo
tiempo, que son las artes vivas las que nos
hablan de lo que somos y, de manera antici-
patoria, nos conectan con lo que podríamos
llegar a ser”.
Espectáculos de teatro, danza, circo, mú-
sica, fotografía y performance conforman
la programación de este año que vuelve
a caracterizarse por ofrecer creaciones
de vanguardia tanto chilenas como de la
dramaturgia internacional. Como se viene
realizando desde 2014 el festival tiene
también como objetivo “ser una instancia
de homenaje para los creadles chilenos” y
este año será el turno del actor y director
Héctor Noguera que estrena en coproduc-
ción con la Fundación Teatro a Mil su adap-
tación en verso popular chileno de Sueño
de una noche de verano de Shakespeare.
Mucho Shakespeare
Y es que esta edición rinde homenaje
al genial dramaturgo inglés motivo por
el que se han programado nueve espec-
táculos a partir de sus obras, cuatro de
ellas llegadas desde diversos puntos del
planeta como The tempest una adapta-
ción desde la cultura y folklore coreano
XXIII Festival Internacional Santiago a Mil
Chile marca el paso y es
vitrina de la creción escénica
Chile se convierte en centro de todos los focos con
la celebración del Festival Internacional Santiago a Mil
que este año cumple su vigésima tercera edición del
3 al 24 de enero de 2014 con unas cifras que hablan
solas: 66 espectáculos provenientes de 20 paises que se
podrán ver en 22 recintos culturales. Esta edición viene
caracterizada por el homenaje que se rinde a William
Shakespeare en el 400 aniversario de su muerte y por
la relevancia que adquiere el espacio público con la pro-
gramación de diversos espectáculos de artes de calle.
Destacan a su vez las actividades de la tercerea edición
de ‘Laboratorio Escénico’ con una línea de formación
constituidda por los ejes: Escuela de Verano –con talle-
res y clases magistrales–, Foro Público –diálogos entre
creadores y público– y Pequeñas audiencias –programa
de acercamiento al teatro para niñas y niños–, y ‘Platea
16’, plataforma de intercambio para la internacionali-
zación del teatro chileno y latinoamericano. Además.
del 21 al 30 se celebra la quinta edición del Festival
Internacional Santiago Off, que bajo el lema ‘La unión
hace la fuerza’ ha preparado una programación con 50
espectáculos y 10 bandas musicales que tendrá lugar en
Santiago Centro, en 6 comunas de la región Metropoli-
tana y en Puerto Montt.
Still life de Dimitris Papaioannou ©Miltos Athanasiou

16enero
febrero
27
16enero
febrero
a cargo de Cía. Mokwha Repertory
Company; Canciones de Lear, crea-
ción del polaco Grzegorz Bral y Song
of the Goat Theatre, Julio César,
fragmentos, una batalla entre texto,
cuerpo y poder de Romeo Castellucci
a cargo de la italiana Socìetas Ra-
ffaello Sanzio y la versión en tono
burlesco de Otelo de la mano del ar-
gentino Gabriel Chamé Buendía.
La creación chilena estará repre-
sentada por una única propuesta de
sala, La tempestad en versión de Juan
Radrigán ya que las cuatro restantes,
todas ellas coproducciones del festival,
se realizarán en la calle respondien-
do a la apuesta que la organización
ha realizado para esta edición con
el objetivo de “conquistar el espacio
público”. A Reinas de la calle, pasa-
calle creado por La Gran Reyneta y
Mariana Muñoz que inaugurará esta
edición y a la ya mencionada ‘Sueño de
una noche de verano’ de Noguera hay que
sumar el estreno de 31 minutos: Romeo y
Julieta dirigida al público familiar y Yorick, la
historia de Hamlet unipersonal interpretado
por Francisco Reyes que cuenta la tragedia
del príncipe danés.
Entre los denominados ‘Grandes Es-
pectáculos’ llegados desde otros países
destacan la propuestas de danza m¡ilonga
del belga Sidi Larbi Cherkaoui a cargo de
Sadler’s Wells London o Political mother
del coreógrafo israelí Hofesch Shechter.
Y desde EE.UU. El Select (El sol también se
levanta), escenificación de la novela ‘Fies-
ta’ de Ernest Hemingway dirigida por John
Collins a cargo de Elevator Repair Service
o Cabaret Brecht - Weill una coproducción
chleno-argentina de teatro musical dirigida
por Marcelo Lombardero.
Dentro la sección denominada ‘Escena
Experimental’ el coreógrafo y performer
griego Dimitris Papaioannou presenta
Still life, pieza inspirada en el mito de Sí-
sifo; el coreógrafo francés Aurélien Bory
ha creado Plexus una singular obra de
teatro visual y danza mientras que desde
Portugal llega Compañía Bomba Suicida
con Paraíso-colección privada de la coreó-
grafa y directora Marlene Monteiro Freitas
y desde Japón Un cuerpo en lugares de la
artista Eiko Otake pieza que se presenta
acompañada con una exposición fotográfica
sobre el desastre nuclear de Fukushima.
Por último cabe destacar que además de
toda la programación escénica y por quinto
año consecutivo, el festival incluye el ciclo
‘Tocatas Mil’ evento musical en el que par-
ticiparán 14 artistas y bandas selecciona-
dos que aportarán con un gran abanico de
estilos y géneros musicales. Tampoco hay
que olvidar las actividades de ‘Laboratorio
Escénico’ que gira en torno al trío Encuen-
tro - Formación - Reflexión con los creado-
res que participan en este edición y ‘Platea
16’ plataforma de diálogo, intercambio y
comercialización que reúne a profesionales
de las artes escénicas con el objetivo de ser
un escaparate para la internacionalización
del teatro chileno y el latinoamericano.
Festival Santiago Off
Santiago de Chile es también la ciudad en
la que tendrá lugar la quinta edición del Fes-
tival Internacional Santiago Off que entre el
21 y el 30 de enero y bajo el lema “La
unión hace la fuerza” ofrece una pro-
gramación de cincuenta espectáculos
de artes escénicas 42 de ellas chilenas
y las ocho restantes llegadas desde
otras latitudes.
El enfoque temático de esta edición
ha propiciado que las propuestas se-
leccionadas defiendan “discursos y len-
guajes que invitan a reflexionar sobre
los sucesos y cambios de la sociedad
chilena después del plebiscito de 1988.
De esta manera vemos cómo esta nue-
va generación de creadores nacionales,
expresa desde diversos lenguajes una
nueva mirada sobre cómo ha cambia-
do nuestra sociedad, preguntándose
sobre la política, el amor y la subsis-
tencia diaria dentro de las interacciones
humanas y familiares actuales” explican
desde la organización.
Con el Centro Cultural Matucana 100
como sede oficial, los espacios Centro Cul-
tural Gabriela Mistral, la Universidad de las
Américas, el Departamento de Teatro de la
Universidad de Chile, el Auditorio Universidad
San Sebastián, el Teatro Puente y el Edificio
de Correos de Chile serán los espacios en
los que tendrán lugar las representaciones
además de en diversas comunas como Inde-
pendencia, El Bosque o Peñalolén además
de “un intercambio de circulación con la Cor-
poración Municipal de Puerto Montt a través
de los Temporales Teatrales de la ciudad”
aclara la organización.
Entre los espectáculos de compañías
chilenas que conforman esta edición
se encuentran 3X6, informe sobre una
vivienda de emergencia de Colectivo Al
Margen, El viejo y el mar de Nómades,
Los justos de Teatro Sur, Yo te parí mujer
de Colectivo Elena o Peligro de mi de
Nación Resiliente. Desde otros estados
de América llegan las compañías Nada
de los rusos (Argentina), El Masticadero
(Bolivia), Naranjazul (México) o Compañía
de Teatro Físico (Perú) y desde el Estado
español viaja al festival Javier Liñera que
presentará ante el público chileno su
unipersonal Barro Rojo.
Barro rojo de Javier Liñera

28
16 enero
febrero16 enero
febrero
L
a décima séptima edición del Festival
Escena Abierta de Burgos que se cele-
bra del 9 al 17 de enero “apuesta por
artistas que desde su individualidad
y de maneras muy distintas han reacciona-
do ante las fuerzas ideológicas, económicas,
sociales y políticas que ocupan nuestra rea-
lidad en la última década. Arte escénico de
contenido social, realizado desde la libertad
y la capacidad de analizar y transformar su
visión artística en una experiencia contempo-
ránea con vocación de activar nuestro espíri-
tu crítico”. Así presentan esta nueva edición
sus organizadores, el Instituto Municipal de
Cultura y Turismo, el Vicerrectorado de Es-
tudiantes y Extensión Universitaria desde su
Aula de Teatro y la Fundación Caja de Burgos.
Una programación compuesta por “un teatro
con contenido que podríamos enunciar, en
esta nueva edición, como: Contenidos en los
Contenedores Escénicos o Contenedores Es-
cénicos con Contenido”, una frase con la que
quieren “conferir singularidad” al programa
ofrecido este año.
Dos coproducciones
Con el fin de “potenciar la creación de artis-
tasemergentesdelarteescénico,conespecial
interés si además son de nuestra Comunidad”
la programación de esta edición incluye dos
coproducciones del propio festival, ambas con
el tema de la memoria como nexo de unión.
La propuesta de Mercedes Herrero, Acunar
al viejo árbol presta atención a la memoria
perdida de los mayores. La obra de la actriz,
directora y dramaturga palentina es “un do-
cumento de vida creado a partir de la obser-
vación de personas viejas y los testimonios de
personas que acunan a personas viejas”, una
pieza en la que se pone sobre el escenario
“un hecho básico en el ser humano: el giro
universal. Cuidar a quienes nos cuidaron”.
La segunda coproducción Inventario. Me-
morias de una aspiradora ha sido realizada
por la burgalesa Bárbara Bañuelos y ofrece
al público “un recorrido inusual por parte
de la memoria, los objetos, y la intuición”.
A través de la recolección de objetos que la
creadora ha llevado ha llevado a cabo du-
rante los últimos 18 años, afirma que “he
ido constituyendo, a partir de fragmentos
autobiográficos un mapa de ramificaciones
infinitas, una intención de juego posible que
se desplaza entre la ficción y la realidad, una
apropiación de estos materiales e imágenes
residuales a partir de los cuales comienzo a
reconstruir mi historia personal”.
Del tema de la memoria, en este caso de
la memoria histórica se ocupa Pablo Fidalgo
XVII Festival Escena Abierta de Burgos
Teatro con contenido en el
Festival Escena Abierta
Cuatro espacios serán los contenedores de los siete espectáculos
con contenido de la edición de 2016
El Sur de Europa. Días de amor difíciles de La Tristura

16enero
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febrero
Lareo en Habrás de ir a la guerra que empieza hoy. En este uni-
personal Claudio Da Silva da vida a Giordano Lareo, tío bisabuelo
del propio Fidalgo encarcelado durante la Guerra Civil, exiliado tras
escapar de una ejecución y también profesor, traductor, tesorero de
la República en el exilio etc. Una propuesta escénica con la que el
autor y director realiza una reconstrucción de la historia de su familia
y de España a través del reencuentro con la figura de Lareo.
Veteranía y juventud
CambaleoTeatroacudeporvezprimeraalfestivalconsuúltimoes-
pectáculo, 1 día, una obra que la veterana compañía presenta como
“un panfleto poético-visual sobre algunos aspectos que acontecen
en estos oscuros que vivimos”. Carlos Sarrió se ha encargado de la
dramaturgia y dirección de esta obra que parte de los textos escritos
por el propio Sarrió, Begoña Crespo y Antonio Sarrió que fieles a su
estilo continúan creando un teatro necesario y comprometido.
La Tristura por su parte será la encargada de inaugurar esta
edición del festival con El Sur de Europa. Días de amor difíciles
“tres historias de amor y rabia que tienen lugar, tal vez incluso
al mismo tiempo, en alguna bella y dolorosa ciudad del sur de
Europa”. Tras un tiempo alejada de los escenarios la compañía
vuelve con esta obra que tal y como afirman y al igual que sus
espectáculos anteriores son “casi como retratos, como una forma
poética y política de concretar nuestra visión del mundo y nuestras
inquietudes en ese momento”.
La ternura y la rabia de la vida llega con Hostiando a M, primera
pieza de creación en solitario de Agnés Mateus realizada en compa-
ñía del artista Quim Tarrida. Una pieza que refleja la violencia de la
sociedad actual: “la vida cotidiana se ha convertido en una ficción,
solo puedo decir lo que de verdad pienso desde el escenario, pero
qué más da... no me va a creer nadie. El escenario es la realidad, el
día a día es una pantomima. Violencia para despertarse como único
camino que el mundo entiende. Sin metáforas. Simplemente. Con al-
guna canción que hable de amor de vez en cuando” explica Mateus.
La séptima propuesta escénica de esta edición de Escena
Abierta llega de la mano de Fundación Collado-Van Hoestenberg-
he, Constructivo. Acción demoledora para inversores utópicos de
Piero Steiner y Ernesto Collado. El humor es uno de los lenguajes
utilizados en esta obra que ahonda en la realidad de la construc-
ción y de los denominados “arquitectos estrella”, “un juego perfor-
mativo donde dos auténticos trabajadores de la construcción (los
únicos que realmente pueden construir algo) te invitan a repensar
cuestiones universales mientras buscan respuestas personales al
vacío ético que los rodea con la ayuda de su delirante humor y una
desbordante humanidad”.
Acunar al viejo árbol de Mercedes Herrero

30
16 enero
febrero
La 33 edición del Festival de Teatro de Málaga dará
comienzo el 8 de enero con el estreno de Rinconete y
Cortadillo de Sexpeare, un comienzo de altura de una
edición que hasta el 14 de febrero propone 87 funcio-
nes de 39 montajes además de exposiciones y diversos
talleres que tendrán lugar en los Teatros Cervantes y
Echegaray, en el Centro de Cultura Activa Pedro Apara-
cio junto a diversos espacios alternativos de la ciudad.
Obras universales como la producción realizada por el
Festival Internacional de Teatro Clásico de Méri-
da, Medea o Marat/Sade de Peter Weiss en una pro-
puesta de Atalaya se intercalan en la programación del
Teatro Cervantes junto con obras protagonizadas por
figuras conocidas como Lluvia constante de PTC con
Roberto Álamo y Sergio Peris-Mencheta, Atchússs!!!
de Pentación con Malena y Ernesto Alterio y Adriana
Ozores o Buena gente, también de PTC y protagoni-
zada por Verónica Forqué. El mismo escenario acoge El
triángulo azul de Laila Ripoll, espectáculo galardona-
do con el Premio Nacional de Literatura Dramática 2015
en coproducción de Micomicón y el CDN o Reikiavik
espectáculo escrito y dirigido por Juan Mayorga que
presenta Entrecajas Producciones. El último trabajo
de Rafael Álvarez ‘El Brujo’, Teresa o el sol por
dentro, Bits de Tricicle, Windermere Club, versión
de la obra de Oscar Wilde a cargo de Juan Carlos Rubio
o Páncreas de Patxo Telleria en una coproducción de
Concha Busto y el CDN son algunas de las propuestas
con las que se encontrará el público. El Teatro Eche-
garay acogerá varios estrenos además del de Sexpea-
re. Chácena presenta por vez primera ante el público
Los amores diversos, Tick… tick… boom! de NTM
Producciones, Hacia el amor de Cía. Agua en el
desierto, Perras de Sala Chela Mar y Artesano de
la Escena y Amor… según, sin, sobre, tras de De
Puntillas TeatroDanza. El humor llegará de la mano
de Chirigóticas y su Juanita Calamidad, la compañía
La Teta Calva hará “doblete” al llevar a Málaga dos
obras: Penev, dirigida al público adulto y El oro de
Jeremías para público familiar. Y para público familiar
son también el delicioso Pinocchio de La Baldufa, el
particular Quijote de Bambalina Teatre Practicable
o Teatruras de Imrpomadrid que vuelve a Málaga
con otra propuesta de improvisación para público adul-
to, Soup buey.
Del 25 al 28 de febrero se celebra una nueva edición
de Kultur Maratila en Kultur Leioa, un ciclo de artes
escénicas basado en la creación artística en euskera
que este se presenta con una programación compuesta
por tres espectáculos de teatro, uno de danza, otro en
el que se fusionan la música y la literatura y un con-
cierto. Inaugura esta edición Anodino Teatroa con la
obra Zerura eroria de Mikel Fernandino –galardonado
en la segunda edición de las Jornadas de Teatro Breve
de Pabellón 6 de Bilbao (año 2014)–. A partir de esta
pieza breve Fernandino ha creado este montaje en el
que tres intérpretes dan vida a unos personajes inmer-
sos en un particular universo absurdo, histriónico con
mucho humor negro. En la línea de trabajos anteriores
Khea Ziater presenta su último creación, Malmö una
propuesta que incide “en la búsqueda de códigos de
relación entre el teatro y el arte cinematográfico, tanto
en el plano estético como en el plano narrativo”. Alex
Gerediaga dirige esta obra escrita por Mikel Somiñona
que pone ante el público una historia sobre la traición y
posterior venganza entre dos amigas, Claudia y Saga,
a las que dan vida las actrices Maria Urcelay y Ainhoa
Jauregi. Un intenso viaje desde la exposición del rencor
y los sentimientos más infectos, a la comprensión y
el perdón. “Muchas veces la relación entre dos perso-
na cambia de color de una forma inesperada o súbi-
ta; unas palabras, un hecho concreto y puntual puede
transformarla” y es esta realidad sobre la que incide la
nueva obra de Khea Ziater. La tercera obra de teatro es
Heroiak (‘Héroes’ en castellano) de Gerald Sybleiras a
cargo de Txalo Produkzioak.
La danza esta presente en Kultur Maratila de la mano
de Idurre Azkue Joseba Irazoki una pieza con coreo-
grafía y dirección de Azkue en la que “el cuerpo se pone
a las órdenes de la música a la vez que la música y el
sonido giran en torno al cuerpo. El cuerpo se convierte
en instrumento musical creando sonidos y ritmos gol-
peándose contra el suelo o al golpearse entre si”. El
escritor Harkaitz Cano (voz), el cantante Petti (voz y
guitarra) y el músico Joxan Goikoetxea (voz y piano)
se han unido para crear Gau beranduan una propues-
ta de poesía y música noctámbula en la que atraen y
ahuyentan historias, personajes, fantasmas y sueños.
La programación de este año se completa con el con-
cierto a cargo de Joseba N. Lenoir Gang.
Festival de MálagaKultur Maratila
©Sergio Parra

Este suplemento acompaña a la revista
Artez 208 de Enero / Febrero 2016
3 Sumario y saludo
4-5 Presentación
6-7-8 Estrenos
9 Teatro para bebés
10-11-12 Teatro
13 Danza
14-15-16-17 Títeres,
marionetas y objetos
18 Circo, magia
19 Musicales
20-21 Internacionales
22 En la calle
Pasan los años. Pasa la vida. Hacemos la vida.
Creamos teatro. Iniciamos a los niños y niñas en
mundos creativos, en imaginativos territorios
para la sensibilidad, la memoria emotiva, el en-
trenamiento afectivo y el descubrimiento de la
belleza del arte. Veinticinco veces reuniendo en
Gijón lo mejor, más novedoso, lo consolidado y
lo emergente, lo tradicional y lo renovador. Eso
ha sido FETEN, ese lugar en donde no caben
las demagogia sin las frases hechas.
Aquí hemos ido creciendo y siendo testigos del
crecimiento de las artes escénicas dirigidas a
los públicos más exigentes. Desde los bebés a
esa edad incierta de la primera juventud, esa
pubertad que tantas mariposas anidan en los
estómagos y las cabezas. Aquí se han visto
nacer propuestas y tendencias. Directoras y
autores que han dedicado toda su fuerza de
trabajo y creación a renovar y dignificar el tea-
tro para niños y niñas.
Por todas estas cosas, además del carácter
acogedor de la ciudad, de la delicadeza del
equipo organizativo, FETEN es la referencia
para saber en qué punto estamos en este be-
llo rubro de la creación, producción y distribu-
ción de las artes escénicas dirigido al público
familiar. Por eso celebramos esta veinticinco
edición como si fuera la primera. Y así lo es,
la primera de una nueva etapa que se augura
fecunda y larga.
Carlos Gil Zamora
25
3
artez

4
artez
Marián Osácar Gallego y Humberto Fernández
son las dos personas que en los últimos años
han estado al frente de FETEN desde el De-
partamento de Promoción de las Artes de la
Fundación Municipal de Cultura, Educación y
Universidad Popular del Ayuntamiento de Gi-
jón/Xixón. Es la directora del evento quien nos
recuerda que “desde que en 1991 comenzó
vinculado al pricipado de Asturias, se hicieron
cuatro ediciones, se perdió un año y desde 1996
que se creó la Fundación Municipal de Cultura
y asumió la organización se ha ido avanzando
y hemos sido testigos de la evolución de todas
las artes escénicas dedicadas a niños y niñas.
Todavía recuerdo la sorpresa cuando empe-
zamos a programar danza. O la incursión del
circo en este terreno”.
Año a año han ido incorporando novedades
que se han consolidado, que han ayudado a
constituir un estilo, un esquema que se ha
demostrado que funciona de manera efectiva. Las represen-
taciones programadas con niños y niñas de los centros do-
centes, o las obras abiertas han ido conformando un activo
público familiar en la ciudad. Las actividades paralelas para
profesionales tienen este año un añadido para todos, una
magna exposición de fotografía y carteles de estas veinticinco
ediciones.
El espectáculos inaugural será Vuelos con idea y dirección de
Enrique Cabrera y Coreografía de Aracaladanza (Premio Na-
cional de Teatro para la Infancia y la Juventud) , que se adentra
en la imaginación del genio visionario de Leonardo de Vinci.
Sus máquinas, sus diseños, sus planos así como su pintura
y escultura son el punto de partida de la inspiración para un
trabajo escénico en el que se explora el sueño universal del
Hombre: poder volar, con un reparto compuesto por Jimena
Trueba Toca, Jonatan de Luis Mazagatos, Pedro Dorta y Nadia
Vigueras Moreno. La doble visión de la realidad experimentada
por el artista del Renacimiento —sabido es que Leonardo es-
cribía de derecha a izquierda— ofrece posibilidades escénicas
que, mediante espejos, cobrará vida en ‘Vuelos’.
FETEN llega a su vigésima quinta
edición con ilusiones renovadas
Los organizadores recalcan lo de celebrar las veinticinco ediciones porque sienten y con razón que
estamos ante un hito. Desde su nacimiento, y sus cuatro primeras ediciones que se realizaron desde
la iniciativa privada, un año que se perdió y después ya desde la Fundación Municipal de Cultura de
Gijón, hasta hoy en día el crecimiento de esta Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas
ha sido reconocido por todos. Por eso no han tenido que hacer muchos cambios estructurales este
2016, simplemente reforzar sus esquemas programáticos, esforzarse en realizar la mejor selección
de los centenares de propuestas que les llegan, preparar una exposición de lo sucedido durante
estos años y realizar un encuentro con otros directores de festivales internacionales dedicados al
mismo apartado de las artes escénicas.

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artez
Sorprendidos y admirados, Aracaladanza pre-
tende con este nuevo espectáculo —tras su
trilogía basada en artistas plásticos, que ha
girado por todo el mundo— dar alas a la imagi-
nación con el impulso creador que multiplicó,
sin tregua, el hombre renacentista interesado
por todos los campos del saber y la creación.
Se celebrará un encuentro a nivel internacio-
nal en el que se concitan expertos internacio-
nales en el campo de las artes escénicas para
niños y jóvenes. “A través de algunos análisis
de caso de festivales para niños analizaremos
el papel que tienen hoy este tipo de aconteci-
mientos culturales y los retos que deben de
abordar en su futuro próximo”.
Para ello se ha diseñado un marco común de análisis con
el objetivo de poder comparar la función social, artística y
educativa de los diferentes casos. Así, los temas y carac-
terísticas que se tratarán en las conferencias y las mesas
redondas son, Tipo de organismo que organiza el festival:
Publico/Privado/No lucrativo. Forma/estilo de gobernanza
del festival; Financiación de los festivales: Estructura pre-
supuestaria y principales partners / financiadores; Papel
de las asociaciones de stakeholders teatrales: Compañías,
espacios escénicos, distribuidores en el Festival; Grado de
compromiso de las instituciones artísticas educativas y cul-
turales de la región o país en el festival; Objetivos sociales,
artísticos, educativos, y mercantiles de la Feria. ¿Cuáles
ponderan más?; Con qué indicadores y de qué tipo se anali-
za la calidad del Festival: pertinencia y éxito del festival; En
el caso de que los haya, cómo se mide el impacto del festival
en las audiencias de los niños y jóvenes; Qué retos son los
que marcarán la agenda el futuro de los Festivales de artes
escénicas para niños y niñas.
Los ponentes confirmados son: Yvette Hardie - ASSITEJ South
África; Gerdt Taubé - Festival AugenblickMal (Alemania); Pe-
ter Manscher - Aprilfestival. Theatre for Young Audiences (Di-
namarca); Kim Sookhee - ASSITEJ Korea; Dagmar Domros
- FRATZ Festival (Alemania) con la coordinación académica
de: Ph D Juan Arturo Rubio Arostegui (Vice- chancellor for Re-
search de la universidad Antonio de Nebrija).
El espectáculo de cierre, que se ofrece previamente a la
proclamación de los cada vez más cotizados premios FE-
TEN, será el recientemente estrenado Aire, un espectáculo
producido por Caribe Teatro, con la dirección y autoría de
Fernando Bernués y Patxi Barco y un reparto con un apellido
común: Alejandro Aragón, Alonso Aragón, Gonzalo Aragón,
Rodrigo Aragón, Punch Domínguez Aragón que forman una
“bojov”, para todos los públicos y haciendo de la música
creada con más de ciento cincuenta elementos un lenguaje
universal a través de una cuidada estética y contemporánea
convierte a la música y el ritmo en su propuesta vital trepi-
dante y muy divertida.

6
artez
25FERIAEUROPEADEARTESESCÉNICAS
PARANIÑOSYNIÑAS
del21al26defebrerode2016
Como un clown, un bufón, un showman... en
definitiva como un Payaso se define Marcel
Gros un payaso con mayúsculas si reparamos
a su fructífera carrera a la que añade ahora un
nuevo espectáculo, Universario nombre que
nombra “un lugar muy particular en el que
vocales gigantes se convierten en edificios y
al que ha llegado un payaso como caído de un
sueño” explica Gros, encargado de escribir,
dirigir e interpretar esta obra que “reflexio-
na del espectáculo del mundo y del mundo
del espectáculo llegando a confundir incluso
la línea que divide a ambos mundos” añade.
En ‘Universario’ su protagonista “vive como en un sueño del
que hace partícipe al público trasformando el encuentro en-
tre payaso y público en un oasis de paz” recalca el veterano
creador para añadir que además “el payaso insta al público al
Universario que nace del juego de palabras entre Aniversario
y Universo” para concluir diciendo que “cada día hay algo que
celebrar, y no debemos perder la oportunidad de disfrutarlo,
hay que celebrarlo”.
La Rous, la compañía de Rosa Díaz vuelve a Feten con una
nueva creación, Hilos, una obra que aúna los hilos con la vida.
“Venimos al mundo unidos por un cordón umbilical que nos
entrelaza de una manera única a nuestra madre. El cordón
se corta al nacer, pero el vínculo se crea entre las dos par-
Estrenos como escaparate de toda
una programación
Los nueve espectáculos que se estrenan en esta edición son un fiel reflejo del basto abanico de propuestas que
existe hoy día en lo que a las artes escénicas para niñas y niños y público familiar se refiere. En clave de clown,
Marcel Gros, teatro de actores, en este caso de actriz de la mano de La Rous y la poesía, esta vez la de Rafael
Alberti, es la protagonista de la obra de Teatro de Malta. El teatro negro es el lenguaje del que se vale La Carreta
Teatro mientras que los objetos tornan vida de la mano de La Canica. El teatro para la primera infancia o para
bebés estará presente con Teloncillo, la danza, la música y el teatro con LaSal y la danza es también el lenguaje
de Mons Danza mientras que es la música el motor de la propuesta de La Familia Scalofrini. Estas son las nueve
compañías que estrenan espectáculo en Fetén: la veteranía y calidad de gran parte de ellas confiere a los estre-
nos una importancia porque además hay de todos los estilos, y para todos los gustos.
Universario de Marcel Gros

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artez
tes como un hilo invisible” explica. “Se cuenta
la historia de una mujer que dio luz a cator-
ce hijos unidos a ella por un hilo: la historia
de mi madre” añade. “Se habla de los hilos
de sus trenzas cuando fue niña y de los hilos
deshilachados con el tiempo (...) de los hilos
indisolubles y los vínculos que tenía hacia su
familia” aclara. “De los hilos que creó entre
ella y sus hijos, del legado que nos dejó a
cada uno para ser capaces de tejer nuestros
propios hilos” concluye Hilos y más hilos con
Rosa Díaz sobre las tablas del escenario con
su nueva creación.
Poesía y Teatro Negro
La poesía se impregna en el movimiento, en
el gesto, en las emociones, en los ritmos y en
las imágenes que conforman Alberti, un mar de versos es-
pectáculo realizado a partir del poemario de Rafael Alberti
que sube a los escenarios Teatro de Malta. Con dramaturgia
y dirección de Marta Torres, música, danza, dramaturgia y
video creación se funden para acercar el legado de Alberti
a los más jóvenes a través de la historia que protagonizan
Alba y Ostro. Ostro es el viento que busca a Alberti en el mar.
Alba no comprende ese mundo pero ella pinta la poesía con
un pincel. Alba y Ostro juegan con músicas y con colores, con
los colores y las emociones de Alberti.
El Sol y el Girasol es el nuevo trabajo de La carreta Teatro
que se vale de la técnica del Teatro Negro para presentar al
público una “imaginativa historia llena fantasía, acompaña-
da de una banda sonora original”, que “cuenta la historia del
Sol y el Girasol, dos inconformes personajes, que finalmente
y gracias a la solidaridad y complicidad de unos pajaritos
muy revoltosos logran cumplir sus sueños. Un entrañable
cuento que trata sobre el derecho a ser diferente”.
La sirenita de La Canica Teatro de Títeres

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