APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I: EL ARTE GÓTICO. TEMA 7

1.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
I.
TEMA
7.
ARTE
EN
LA
EDAD
MEDIA
(III):
EL
GÓTICO

2. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
2
TEMA
7.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
I.
ARTE
EN
LA
EDAD
MEDIA
(III):
EL
GÓTICO
1.Introducción
al
arte
gótico
2.
La
arquitectura
gótica.
3.
La
pintura
y
la
escultura
gótica.
4
Indumentaria
de
la
etapa
gótica.
1.INTRODUCCIÓN
AL
ARTE
GÓTICO
El
arte
Gótico
se
desarrolla
en
la
etapa
llamada
Baja
Edad
Media
(el
“otoño
de
la
Edad
Media”),
es
decir,
después
del
desarrollo
del
arte
Románico
y
antes
del
Renacimiento.
El
marco
cronológico
abarca
los
siglos
XIII,
XIV
y
parte
del
XV,
aunque
sus
comienzos
podemos
situarlos
ya
desde
la
segunda
mitad
del
siglo
XII.1
En
algunas
regiones
perdura
incluso,
hasta
el
XVI.
El
marco
geográfico
es
la
Europa
occidental
cristiana.
Surge
en
Francia
y
de
ahí
se
extenderá
al
resto
de
Europa.
El
surgimiento
del
arte
gótico
coincide
con
un
determinado
contexto
histórico-­‐cultural,
especialmente
patente
a
lo
largo
del
siglo
XIII.
Se
producen
grandes
transformaciones
políticas,
sociales,
y
económicas:
aumento
de
la
población;
fortalecimiento
del
poder
real
(monarcas
con
poder
absoluto)2
y
crecimiento
de
la
economía.
Económicamente,
se
produce
un
aumento
de
la
producción
agrícola
gracias
a
los
avances
técnicos.
La
generación
de
excedentes
agrarios,
reactiva
el
comercio,
y
el
crecimiento
de
las
ciudades
(burgos).
Europa
se
vuelve
a
poblar
de
ciudades.
Se
produce
el
avance
de
las
comunicaciones.
El
gótico
se
ve
favorecido
por
una
intensa
actividad
urbana
y
comercial,
que
convertirá
a
las
ciudades
en
potentes
focos
culturales.
Surgen
las
primeras
universidades
(Bolonia,
Oxford,
Paris,
Palencia,
Salamanca)
donde
se
estudia
Filosofía,
Leyes,
Medicina,
Teología
(en
latín).
Aparece
una
burguesía
urbana,
una
nueva
clase
triunfante
que
desarrollará
un
arte
urbano,
de
una
sensibilidad
más
realista
y
más
naturalista.
A
pesar
de
los
avances
que
se
producen
en
la
etapa
del
Gótico,
hay
épocas
de
grandes
calamidades
propiciadas
por
epidemias
y
guerras.
En
concreto,
en
el
siglo
XIV
la
Peste
Negra
de
1348
causará
efectos
devastadores
en
la
1
Por
ejemplo,
cuando
se
está
construyendo
la
catedral
de
Segovia,
a
no
muchos
kilómetros
se
está
edificando
el
renacentista
Monasterio
de
El
Escorial.
2
Las
cortes
europeas
(nobleza
o
aristocracia
ligada
al
monarca)
cada
vez
tiene
mayor
importancia:
se
busca
hacer
ostentación
de
lujo
y
boato
como
símbolo
del
poder
del
reino.

3. 3
3
población
europea
que
se
verá
diezmada
en
más
de
un
tercio
de
sus
habitantes.
También
durante
ese
siglo
sacudirá
a
Europa
la
Guerra
de
los
Cien
Años.
Se
ha
definido
al
arte
gótico
como
un
arte
episcopal
ya
que
es
un
arte
ligado
a
las
ciudades
y
a
sus
obispos,
mecenas
y
comitentes
esenciales
de
esta
etapa.
El
edificio
religioso
más
emblemático
de
las
ciudades
góticas
será
la
catedral,
pero
junto
a
ella
aparecen
edificios
de
arquitectura
civil
como
palacios
urbanos,
ayuntamientos
y
lonjas.
Si
el
románico
era
agrario,
feudal
y
monástico,
el
gótico
va
a
ser
eminentemente
urbano.
Es
una
etapa
de
esplendor
cultural
y
artístico.
En
el
arte
gótico
no
sólo
vamos
a
encontrar
un
gran
auge
de
la
arquitectura
sino
también
del
resto
de
las
Bellas
Artes
(pintura
y
escultura)
y
las
Artes
Decorativas
(vidrieras,
orfebrería,
cerámica,
artes
textiles…).
Los
artistas
de
esta
etapa
eran
considerados
como
meros
artesanos
y
se
agrupaban
en
asociaciones
muy
jerarquizadas
denominadas
gremios.
El
artista
gótico
trabajaba
principalmente
para
la
Iglesia,
para
los
reyes
y
sus
cortes
que
en
muchas
ocasiones
se
convierten
en
sus
protectores.
Sin
embargo,
uno
de
sus
principales
promotores
será
la
“nueva
burguesía”,
que,
con
una
economía
creciente
encargó
obras
de
importancia.
El
cristianismo
era
por
aquel
entonces
el
elemento
unificador
de
toda
Europa
en
plena
época
del
desarrollo
de
las
Cruzadas
contra
los
musulmanes
(Tierra
Santa).
La
sociedad
del
Gótico
era
teocéntrica,
es
decir,
todo
giraba
en
torno
a
Dios,
pero
ahora
con
una
nueva
mentalidad
que
tendrá
su
correlato
en
un
arte
más
naturalista
y
“humanizado”.
Se
hace
hincapié
en
valores
como
la
humildad,
la
generosidad,
la
ayuda
a
los
menesterosos…
gracias
al
auge
de
nuevas
órdenes
religiosas,
las
denominadas
mendicantes
(franciscanos
y
dominicos).
Se
difunde
muchísimo
el
culto
a
la
Virgen
María
que
será
figura
capital
de
la
pintura
y
la
escultura
gótica
europea.
El
principal
ideólogo
o
factótum
del
arte
gótico,
el
creador
de
todo
un
programa
teológico
y
simbólico
que
sustenta
un
nuevo
ideal
místico-­‐estético
fue
el
Abad
Suger
(1081-­‐1151).
No
es
casual
que
la
primera
obra
genuinamente
gótica
sea
la
Abadía
de
Saint
Denis
(París),
donde
el
fue
Abad
desde
el
año
1122.3
3
En
la
segunda
parte
de
su
Liber
de
rebus
in
administratione
sua
gestis,
redactado
poco
antes
de
1150,
Suger
expone
su
programa
estético
y
filosófico
y
explica
como
pretende
convertir
su
abadía
en
una
plasmación
de
la
teoría
de
corte
neoplatónico
que
defiende
que
el
mundo
visible
participa
de
alguna
forma
de
las
cualidades
divinas
(la
verdad,
la
bondad,
la
belleza)
y
que
a
través
de
la
contemplación
de
lo
material,
debidamente
dispuesto,
el
creyente
puede
elevarse
hacia
la
contemplación
de
lo
celestial.

4. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
4
La
denominación
de
arte
gótico
surgió
en
el
XVI
por
humanistas
florentinos,
al
creerlo,
erróneamente,
de
origen
germánico
(así,
gótico
sería
el
“arte
de
los
godos”).
Esa
denominación
se
utilizó
por
primera
vez
en
el
Renacimiento
para
referirse
peyorativamente
al
arte
de
la
Edad
Media,
considerado
bárbaro
e
inferior
en
comparación
en
el
de
la
Antigüedad
Clásica.
No
será
hasta
mediados
del
siglo
XVIII
cuando
se
dará
en
Europa
una
justa
y
positiva
valoración
de
este
movimiento
artístico
y
cultural.
2.
LA
ARQUITECTURA
GÓTICA
La
arquitectura
gótico
nace
en
Francia,
concretamente
en
torno
a
la
zona
de
París
–Saint
Denis
y
la
Île
de
la
Cité
-­‐
pues
es
allí
donde
surgirán
las
primeras
catedrales
góticas.
Su
difusión
abarcará
la
Europa
occidental
cristiana.
Para
algunos
países
como
Inglaterra
o
Alemania,
el
estilo
Gótico
pasó
a
ser
el
estilo
nacional
por
antonomasia.

5. 5
5
Cronológicamente,
la
arquitectura
gótica
abarca
desde
la
segunda
mitad
del
siglo
XII
hasta
el
siglo
XV
y
dependiendo
de
las
zonas,
incluso
podemos
encontrar
edificios
góticos
en
el
siglo
XVI,
en
pleno
auge
del
Renacimiento4
.
Por
otro
lado,
en
el
siglo
XIX,
época
de
revivals
e
historicismos
históricos,
surgirá
una
vuelta
al
Gótico
que
se
denominará
Neogótico
y
que
tendrá
ejemplos
representativos
por
todo
Europa5
,
y
cuya
influencia
pervivirá
incluso
a
inicios
del
siglo
XX.6
La
arquitectura
gótica
coincide
con
una
época
de
crecimiento
urbano
debido
a
la
expansión
de
las
actividades
comerciales
y
artesanales.
Este
desarrollo
propiciará
la
construcción
de
grandes
catedrales,
aunque
también
encontraremos
otras
tipologías:
casas
consistoriales
(ayuntamientos),
lonjas
de
comercio,
palacios,
hospitales,
etc.
En
definitiva,
encontraremos
edificios
de
arquitectura
religiosa
y
de
arquitectura
civil.
La
arquitectura
gótica
se
basaba
en
la
geometría,
buscando
crear
obras
llenas
de
armonía
y
proporción.
Los
materiales
son
los
mismos
que
en
la
etapa
del
Románico
(piedra,
madera,
vidrio,
mármoles
de
colores
en
la
Toscana
(Italia)
etc.).
Hay
un
gusto
por
la
policromía
(vidrieras,
relieves
policromados
en
las
fachadas…).
La
luz
hecha
color.
El
color
lo
llenaba
todo
tanto
en
el
exterior
–portadas,
vidrieras-­‐
como
en
el
interior.
Los
conjuntos
policromados
de
las
portadas
eran
la
plasmación
del
universo
y
la
representación
de
la
vida
real.
4
Como
por
ejemplo,
la
catedral
de
Segovia,
la
catedral
de
Las
Palmas
de
Gran
Canaria,
etc.
5
Ejemplo:
el
Parlamento
de
Londres.
6
Ejemplos:
Basílica
de
Arucas
(Gran
Canaria,
España);
Parlamento
de
Budapest
(Hungría).

6. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
6
Precedentes
de
la
arquitectura
gótica:
el
Protogótico
La
fase
inicial
del
arte
gótico
es
llamado
protogótico
y
corresponde
el
arte
CISTERCIENSE.
Utilizan
ya
arcos
apuntados,
y
bóvedas
de
crucería.
Elementos
identificativos
de
la
catedral
gótica
La
arquitectura
gótica
tiene
en
las
catedrales
a
sus
edificios
más
emblemáticos.
Además
de
ser
la
sede
episcopal,
del
poder
y
la
administración
eclesiásticos,
la
catedral
gótica
es
también
un
importante
centro
a
nivel
cultural
e
intelectual.
Estas
grandes
iglesias,
en
cuya
elaboración
colaboraba
toda
la
ciudad,
ya
que
eran
fruto
del
esfuerzo
colectivo,
se
caracterizaban
por
el
gusto
por
la
verticalidad,
es
decir,
el
sentido
ascensional.
Las
proporciones7
,
muy
armoniosas,
son
diferentes
al
románico.
Encontraremos,
ligado
a
lo
anterior,
el
predomino
del
vano
sobre
el
muro,
destacando
la
presencia
de
grandes
vidrieras
que
crean
una
luz
coloreada
que
determina
un
espacio
atemporal,
irreal
y
simbólico.
El
gótico
es
ante
todo
la
arquitectura
de
la
luz,
luz
coloreada
que
cambia
según
las
diversas
horas
del
día.
La
importancia
que
se
concede
a
la
luz
en
la
arquitectura
no
tiene
precedente
ni
paralelo.
Es
un
símbolo
divino
de
connotaciones
neoplatónicas.
La
planta
suele
ser
de
cruz
latina,
de
tres
o
cinco
naves,
crucero
destacado
en
planta
y
una
cabecera
con
girola
y
capillas
radiales
o
absidiolos.
Las
naves
siempre
en
número
impar
presentan
una
central
más
ancha
y
alta
que
las
laterales.
Terminan
a
los
pies
con
una
monumental
fachada
flanqueada
por
dos
torres.
Los
tres
elementos
esenciales
de
la
arquitectura
gótica
son:
la
bóveda
de
crucería,
el
arco
apuntado,
y
los
arbotantes.
a)
la
bóveda
de
crucería:
supone
una
novedad.
Deriva
de
la
bóveda
de
arista
del
románico,
pero
formada
por
arcos
ojivales
o
apuntados.
Tiene
un
fin
muy
claro:
concentrar
las
fuerzas,
dando
sensación
de
ligereza.
Bóvedas
7
Ya
señalaba
Platón,
que
el
mundo
es
proporción.
En
la
época
medieval
se
acentúa
la
idea
de
Dios
constructor
del
universo
a
partir
de
la
geometría
y
los
números.

7. 7
7
de
crucerías
encontramos
ya
en
la
etapa
protogótica,
en
las
bóvedas
de
ojivas
o
crucería
que
se
utilizan
en
el
arte
cisterciense.
Se
puede
ir
observando
la
evolución
de
las
bóvedas
de
crucería
a
través
de
los
siglos.
Al
principio,
es
bóveda
de
crucería
sencilla
(formada
por
dos
nervios
cruceros
que
se
cruzan
en
el
centro).
La
bóveda
sexpartita
es
típica
del
protogótico
(finales
del
XII-­‐inicios
del
siglo
XIII).
La
bóveda
barlonga
es
la
bóveda
de
crucería
simple
que
cubre
un
espacio
rectangular.
También
pueden
ser
bóvedas
estrelladas
(cuando
los
nervios
se
cruzan
formando
estrellas),
etc.
b)
el
arco
apuntado:
da
una
bella
sensación
estética
de
esbeltez
y
ayuda
a
transmitir
el
peso
de
las
bóvedas.
Otros
arcos
que
se
utilizan
son
el
arco
conopial,
el
carpanel,
etc.
c)
los
arbotantes:
son
“ramas
arqueadas”,
son
los
arcos
que
descargan
sobre
un
contrafuerte
exterior
al
edificio
el
empuje
de
las
bóvedas.
Dicho
sencillamente,
es
un
sistema
de
contrarresto
o
descomposición
de
fuerzas.
La
arquitectura
gótica
es
muy
simbólica
(la
luz,
la
cabecera
como
símbolo
de
la
cabeza
del
cuerpo
de
Cristo;
columnas:
los
obispos
como
soporte
de
las
iglesias,
etc.).
Recordemos
que
las
imágenes
de
pinturas
y
esculturas

8. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
8
que
se
concentran
en
iglesias
y
conventos
siguen
siendo
la
“Biblia
de
los
iletrados”.
La
orientación
de
las
iglesias
era
muy
importante:
solían
estar
orientados
hacia
el
Este,
por
donde
sale
el
sol
(Cristo
como
luz).
Por
lo
que
se
refiere
a
los
elementos
sustentantes,
en
el
gótico
el
muro
pierde
en
gran
parte
su
función
sustentante.
Son
puntos
de
apoyo
esenciales
de
los
edificios
góticos:
los
pilares
con
columnillas
adosadas8
que
sirven
para
recibir
los
empujes
de
cada
uno
de
los
nervios
que
sostienen
la
cubierta
y
los
arbotantes,
cuya
función
es
transmitir
los
empujes
de
las
bóvedas
hacia
los
contrafuertes.
Los
contrafuertes
recorren
exteriormente
el
templo
y
reciben
el
empuje
de
los
arbotantes.
Suelen
aparecer
coronados
por
pináculos.
Todos
estos
elementos
serán
los
que
permitan
una
mayor
luminosidad
al
poder
construir
edificios
más
elevados,
con
la
nave
central
mucho
más
alta
que
las
laterales
y
con
grandes
vanos
que
serán
cubiertos
con
vidrieras.
En
alzado:
suele
haber
tres
pisos
o
cuerpos,
incluso
más.
Normalmente
están
formados
por
un
primer
cuerpo
de
arcadas
o
arquerías,
a
continuación
un
triforio
–las
tribunas
tienden
a
desaparecer-­‐
y
por
último
el
claristorio
(vidrieras).
Suele
haber
una
diferencia
notable
entre
la
nave
central
y
las
laterales.
La
nave
central
es
mucho
más
elevada
y
ancha
que
las
laterales.
El
triforio
es
una
estrecha
galería
o
meramente
decorativa
que
se
sitúa
sobre
las
arcadas
o
arquerías.
En
la
fachada
suele
haber
dos
torres-­‐campanario
flanqueando
la
entrada.
Las
torres
pueden
terminar
en
superficie
plana
o
con
altísimos
coronamientos
llamados
chapiteles.
8
Cada una de esas columnillas se llama “baquetones”, de ahí que esos pilares se conozcan con el nombre de “pilar baquetonado”.

9. 9
9
Los
motivos
decorativos
presentes
en
las
catedrales
góticas
son
de
carácter
geométrico,
vegetal,
figurativo
y
animalístico.)
Estas
decoraciones
aparecen
en
los
retablos,
sillerías
de
coro,
portadas
y
sepulcros.
La
fortuna
crítica
del
arte
va
a
ser
valorado
muy
negativa
en
distintas
épocas,
sobre
todo
va
a
ser
menospreciada
en
el
Renacimiento.
Durante
el
siglo
XIX,
incluso
a
inicios
del
XX,
se
producirá
una
etapa
de
revivals
e
historicismos
que
propiciarán
la
vuelta
al
estilo
gótico,
denominándose
neogótico.
Los
Parlamentos
de
Londres
y
de
Budapest
son
claros
ejemplos
del
arte
neogótico.
Encontramos
muchos
ejemplos
de
la
arquitectura
gótica
en
Francia,
Italia,
Gran
Bretaña,
Alemania,
Bélgica,
Portugal,
Gran
Bretaña,
España,
etc.
El
arte
gótico
en
España
tuvo
una
gran
difusión
como
muestran
las
catedrales
de
Burgos,
León,
Toledo,
Ávila,
Palencia,
Barcelona,
Gerona,
Las
Palmas
etc.
Ejemplos
Los
especialistas
se
muestran
de
acuerdo
al
considerar
que
la
primera
construcción
gótica
es
la
cabecera
de
la
iglesia
de
la
abadía
de
Saint
Denis,
en
las
afueras
de
París.
Era
de
mediados
del
siglo
XII
siguiendo
el
proyecto
del
abad
Suger,
pero
fue
derribada
en
el
siglo
XIII
siendo
reemplazada
por
la
actual.
*Notre-­‐Dame
de
Paris:
va
a
ser
modelo
para
muchas
catedrales
góticas.
Esta
catedral
responde
a
un
ambicioso
proyecto
del
rey
Luis
VII.
Su
primera
piedra
fue
colocada
por
el
obispo
Mauricio
de
Sully
en
1163.
Es
uno
de
los

10. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
10
primeros
edificios
donde
aparecen
los
arbotantes.
Presenta
cinco
naves
y
crucero
que
no
destaca
en
planta
pero
si
en
altura.
En
alzado
presenta
arcos
apuntados,
luego
tribuna
y
después
vano
(vidrieras).
Las
vidrieras
son
del
siglo
XIII,
inspiradas
en
las
de
Chartres.
Presenta
pilares
de
fuste
cilíndrico.
Está
dedicada
a
la
Virgen
María
como
la
de
Chartres,
Reims,
Amiens…La
fachada,
con
impresionantes
esculturas,
es
en
forma
de
H.
*Saint
Chapelle
de
Paris:
la
realización
de
esta
obra
maestra
del
gótico
radiante
ha
sido
atribuida
a
Pierre
de
Montreuil.
Fue
mandada
construir
por
el
rey
francés
Luis
IX
(San
Luis)
–hijo
de
Blanca
de
Castilla
y
de
Luis
VIII-­‐
para
albergar
diversas
reliquias
que
trajo
de
Tierra
Santa
durante
las
Cruzadas
(la
corona
de
Cristo,
un
gran
trozo
de
la
cruz
y
la
lanza
con
la
que
le
atravesaron
el
costado).
Está
fechada
o
datada
en
torno
a
los
años
1243-­‐1248.
Así,
podemos
definirla
como
una
especie
de
gran
relicario
arquitectónico,
en
la
que
hay
un
predominio
total
del
vano
sobre
el
muro,
presentando
unas
impresionantes
vidrieras.
Se
define
como
una
obra
de
gran
ligereza,
luminosidad
y
espiritualidad.
Es
una
capilla
palatina
ya
que
se
construyó
al
lado
del
palacio
del
rey.
Se
divide
en
dos
cuerpos
o
pisos
y
una
sola
nave,
con
bóvedas
de
crucería.
La
temática
de
las
vidrieras
hace
referencia
a
los
tesoros
allí
venerados.
Es
una
de
las
obras
más
representativas
del
gótico
radiante.
*La
catedral
de
Burgos
es
uno
de
los
principales
ejemplos
del
gótico
español
junto
con
la
de
León
y
Toledo.
Las
tres
son
de
influencia
francesa
y
las
tres
fueron
realizadas
en
el
siglo
XIII).
La
catedral
de
Burgos
fue
la
primera
que
se
realizó
en
España.
Es
del
año
1222.
Fue
hecha
bajo
la
iniciativa
del
Obispo
Mauricio
y
el
Rey
don
Fernando.
Se
realizó
sobre
una
antigua
iglesia
románica.
El
maestro
Enrique
es
quien
la
realiza.
Esta
catedral,
de
grandes
dimensiones,
presenta
planta
de
cruz
latina
de
tres
naves
separadas
por
pilares
compuestos.
La
nave
central
es
más
ancha
y
elevada
que
las
laterales.
Las
naves
se
encuentran
separadas
por
los
arcos
apuntados
que
enlazan
los
pilares
situados
longitudinalmente
a
lo
largo
de
las
naves.
Tiene
girola
y
capillas
radiales
y
transepto.
Las
naves
se
cubren
con
bóvedas
de
crucería
incluso
en
la
girola,
adaptándose
a
su
forma
semicircular.
Aparecen
bóvedas
estrelladas
en
el
crucero
y
alrededor
del
mismo.
En
el
exterior,
el
crucero
se
cubre
con
un
cimborrio
realizado
en
el
siglo
XV.
En
alzado
encontramos
tres
pisos
o
cuerpos:
arquerías,
triforio
y
vidrieras.
Esta
catedral
en
estructura
es
del
siglo
XIII
pero
en
decoración
es
completamente
del
siglo
XV.
Esta
catedral
muestra
bellísimas
portadas
escultóricas
(como
la
del
Sarmental,
la
Coronería,
etc.).
Este
edificio
presenta
añadidos
barrocos.

11. 11
11
La
fachada
se
configura
con
un
cuerpo
central
en
medio
de
dos
torres,
al
estilo
francés.
En
el
espacio
central
se
abre
un
gigantesco
rosetón
calado
y
sobre
él,
un
tercer
cuerpo,
una
gran
celosía
de
arcos
de
tracería
que
se
rematan
en
una
cresta
calada.
Las
robustas
torres
llevan
contrafuertes
adosados
en
sus
vértices
terminados
en
pináculos
piramidales
decorados
profusamente
y
se
abren
en
amplios
y
esbeltos
ventanales.
Los
pilares
son
gruesos
y
se
les
adosan
columnillas
para
recibir
la
descarga
de
los
arcos
y
de
los
nervios
de
la
bóveda.
Parte
del
peso
lo
reciben
los
arbotantes
que
apuntalan
y
refuerzan
el
edificio
contrarrestando
el
empuje
de
las
bóvedas
y
transmiten
el
mismo
a
los
contrafuertes
en
el
exterior,
y
éstos,
a
la
tierra.
Algunos
arbotantes
se
utilizan
como
canales
de
desagüe
de
las
lluvias
y
terminan
en
figuras
fantásticas
llamadas
gárgolas.
Adosado
a
la
Catedral
aparece
un
claustro:
patio
cuadrangular
rodeado
de
galerías
porticadas
con
arquerías
que
se
apoyan
en
columnas
y
se
encuentran
cubiertas
con
bóvedas
de
crucería.
Es
un
lugar
de
recogimiento
donde
se
puede
pasear
o
leer
y
que
da
acceso
a
diversas
dependencias.
*Catedral
de
León:
es
la
más
pura
y
limpia
de
toda
ornamentación
exterior.
Muy
parecida
a
Reims
y
Chartres.
Se
levanta
sobre
un
antiguo
edificio
románico
que
estaba
a
su
vez
sobre
termas
romanas.
En
planta
copia
a
Reims
en
reducido.
Fue
hecha
por
el
maestro
Enrique
y
Juan
Pérez.
Es
totalmente
de
influencia
francesa,
sin
ninguna
concesión
a
los
elementos
locales.
Presenta
planta
de
3
naves,
transepto,
girola,
capillas
radiales
(poligonales).
Presenta
triforio
y
sus
vidrieras
son
las
más
importantes
del
gótico
español.
Destaca
el
gran
rosetón
francés.
De
construcción
frágil,
se
vio
afectada
por
terremotos.
*La
catedral
de
Santa
Ana
de
Las
Palmas
de
Gran
Canaria
es
el
principal
monumento
arquitectónico
de
la
ciudad.
Es
un
templo
de
tres
naves
de
igual
altura
con
capillas
laterales
en
cada
costado.
Su
construcción
comenzó
a
inicios
del
siglo
XVI.
En
su
conjunto,
la
catedral
ofrece
un
modelo
constructivo
que
en
su
interior
se
corresponde
con
el
gótico
tardío
de
la
Península
Ibérica.
La
fachada,
hoy
desaparecida,
tenía
dos
torres
y
denotaba
influencias
del
gótico
de
la
región
levantina
y
también
de
la
zona
portuguesa.
Su
modelo
más
próximo
es
la
catedral
de
Palma
de
Mallorca.
En
cuanto
a
los
soportes,
presenta
elegantes
pilares
y
columnas
de
piedra.
Adosado
a
la
catedral
se
encuentra
un
claustro
llamado
de
los
Naranjos.
Por
lo
menos,
cinco
arquitectos
y
maestros
dirigieron
sucesivamente
las
obras
de
la
catedral
en
el
siglo
XVI.
Durante
su
periodo
de
construcción,
las
obras
conocieron
diferentes
interrupciones
producidas
por
la
escasez
de
recurso
o
de
materiales
para
continuarlas.
En
1599
esta

12. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
12
catedral
y
sus
tesoros
artísticos
fueron
centro
del
furor
de
los
piratas
holandeses
que
invadieron
la
ciudad:
se
perdieron
retablos,
pinturas
y
obras
de
arte
que
se
habían
ido
acumulando
durante
el
siglo
XVI.
Esta
catedral
ha
sufrido
muchas
transformaciones
y
añadidos
al
cabo
de
los
siglos,
siendo
su
fachada
actual
de
estilo
neoclásico.
Las
vidrieras
góticas
El
vidrio
se
había
utilizado
ya
desde
la
antigüedad
(Egipto,
Roma…)
pero
es
ahora
en
la
etapa
gótica
cuando
se
le
da
un
nuevo
sentido
gracias
a
su
uso
en
las
vidrieras
o
vitrales.
Las
vidrieras
y
el
simbolismo
de
la
luz
es
una
de
las
grandes
aportaciones
del
arte
gótico,
no
tiene
precedentes
ni
parangón.
La
base
filosófica-­‐mística
sobre
la
que
se
asienta
su
uso
en
las
catedrales
es
la
idea
de
Dios
como
luz
que
ilumina
a
los
creyentes.
De
hecho,
las
vidrieras
fueron
definidas
como
“escrituras
divinas”.
Seguimos
por
lo
tanto,
con
la
idea
medieval
que
considera
al
arte
como
“la
biblia
de
los
iletrados”.
Tienen
por
tanto,
una
fuerte
carga
simbólica.
Frente
a
la
luz
blanca
del
románico
–con
interiores
en
penumbra-­‐
encontramos
la
luz
coloreada
de
las
vidrieras
góticas.
La
luz
hecha
color.
Sustituyen
a
las
pinturas
murales
características
del
románico,
aunque
en
el
románico
ya
hubo
un
incipiente
desarrollo
de
las
vidrieras.
Hay
que
señalar,
que
desgraciadamente
a
las
vidrieras
se
las
conoce
como
“arte
perdido”
ya
que
fruto
de
las
guerras,
incendios
o
actos
vandálicos
(como
apedrearlas
que
todavía
hoy
ocurre
en
el
caso
de
las
vidrieras
de
la
catedral
de
León)
muchas
fueron
destruidas.
Se
calcula
que
el
80%
de
las
vidrieras
que
hoy
vemos
en
las
catedrales
góticas
son
reconstrucciones
de
los
siglos
XIX
y
XX.
La
inmensa
mayoría
se
han
perdido.
En
el
caso,
por
ejemplo,
de
Notre-­‐Dame
de
Paris,
la
mayoría
son
reconstrucciones
del
siglo
XX.
En
cambio
las
espectaculares
vidrieras
de
la
catedral
de
Chartes
el
80%
son
originales
de
la
primera
mitad
del
siglo
XIII.
En
el
caso
de
las
vidrieras
de
la
catedral
de
León,
quedan
la
mitad
de
los
vitrales
originales.
El
resto
son
del
siglo
XVI
y
de
otros
siglos.

13. 13
13
El
trabajo
de
los
vidrieros
se
realizó
en
estrecha
colaboración
con
los
pintores.
Estos
últimos,
como
en
otros
campos
artísticos,
proporcionaron
los
cartones
que
sirvieron
como
base
a
la
decoración.
Estos
modelos
responden
a
la
sensibilidad
de
cada
momento.
En
sus
inicios
la
labor
del
vidriero
consistió
en
ensamblar
cristales
de
colores
por
medio
de
plomo,
pero
con
el
tiempo
las
vidrieras
acabaron
pintándose.
Fuente
sobre
la
grisalla:
J.
V.
Patiño;
Dibujos
sobre
vidrieros
MET,
Nueva
York.
La
belleza
de
las
vidrieras
góticas
procede
de
su
estructura
colorista
y
su
composición
a
base
de
planchas,
que
forman
una
especie
de
rompecabezas
multicolor.
Esas
planchas
iban
unidas
con
plomo.
Las
vidrieras
más
antiguas
–ya
desde
el
Románico-­‐
se
realizadaban
con
vidrios
sin
pintar,
pero
pronto
se
empezará
a
utilizar
un
pigmento
gris,
llamado
grisalla,
para
realzar
los
volúmenes
y
dar
tridimensionalidad
a
las
figuras.
Con
el
tiempo
se
fueron
introduciendo
otras
tonalidades,
como
el
amarillo.
Los
colores
de
las
vidrieras
presentan
un
valor
simbólico,
es
el
triunfo
de
la
luz
y
el
color:
*El
rojo:
la
violencia,
pero
también
la
fuerza
y
el
poder.
*El
azul:
es
el
color
que
implica
calma
y
sosiego.
Está
considerado
como
el
color
más
bello
de
todos.
*El
verde:
caos
y
desorden.
*El
amarillo:
transgresión
y
lo
diferente.
A
partir
del
siglo
XIV
se
comenzó
a
usar
el
amarillo
de
plata9
gracias
al
cual
se
modulaban
tonalidades
y
se
realzaba
el
claroscuro.10
En
Francia
descuellas
las
vidrieras
de
la
Sainte
Chapelle
de
Paris
y
de
Chartes
y
en
España,
las
vidrieras
góticas
más
sobresalientes
son
las
conservadas
en
la
catedral
de
León.
9
Procede
del
sulfuro
de
plata.
10
A
partir
del
Renacimiento
se
empezaron
a
usar
planchas
sin
cortar
que
se
pintaban
con
esmaltes
en
superficies
separadas
por
líneas
grasas
que
desaparecían
con
la
cocción.

14. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
14
Los
temas
que
aparecen
en
las
vidrieras
son
relativos
al
Antiguo
y
Nuevo
Testamento,
así
como
historias
de
santos
o
relativas
a
personajes
históricos
(reyes,
eclesiásticos,
etc.).
Los
colores
son
planos
y
luminosos,
existiendo
no
solo
perspectiva
jerárquica
en
cuanto
al
tamaño,
sino
también
con
respecto
a
su
importancia:
los
lugares
preferentes
muestran
las
figuras
escenas
sagradas
mientras
que
en
niveles
inferiores
aparecen
escenas
cotidianas
como
labores
agrícolas,
artesanos
trabajando,
las
diversas
estaciones
etc.
PROCESO
DE
ELABORACIÓN
DE
LAS
VIDRIERAS
1-­‐Obtención
de
la
pasta
vítrea:
el
vidrio
se
obtiene
a
unos
1500
°C
a
partir
de
arena
de
sílice,
carbonato
de
sodio
y
caliza.
A
esa
pasta
se
le
añadía
color
(con
manganeso,
cobalto,
etc.)
2-­‐Para
la
obtención
de
planchas
de
vidrio
se
utilizaba
la
técnica
del
soplado:
el
maestro
vidriero
soplaba
un
cilindro
que
luego
cortaba
y
aplanaba,
y
a
partir
de
él
obtenía
las
planchas.
Previamente,
se
hacía
un
cartón
a
tamaño
real,
que
se
colocaba
bajo
un
bastidor
plano
y
servía
de
guía
para
las
construcción
de
la
vidriera.
Las
piezas
de
cada
color
se
cortaban
a
medida
usando
una
punta
de
hierro
al
rojo,
aunque
mucho
después,
a
partir
del
siglo
XVIII,
ya
se
usaría
el
diamante
para
cortarlas.
Cuando
se
tenían
las
piezas
por
separado,
se
pintaban
con
grisalla
para
darles
volumen,
se
cocían
por
separado,
y
posteriormente
se
ensamblaban
con
los
listeles
de
plomo.
3-­‐Realización
de
la
vidriera:
cortados
los
distintos
vidrios
de
colores
siguiendo
un
dibujo
preparado
previamente,
comenzaba
la
pintura,
haciéndose
esto
mediante
la
grisalla.
Esta
era
un
compuesto
de
vidrios
pulverizados
mezclados
con
óxidos
metálicos
diluidos
en
sustancias
líquidas,
llegándose
incluso
a
utilizar
vino
como
disolvente.
Su
uso
consistía
en
realizar
los
contornos
de
las
figuras
a
realizar,
haciéndolo
frecuentemente
por
la
parte
interior
de
la
vidriera
para
protegerla
de
las
inclemencias
del
tiempo,
siendo
sus
colores
más
habituales
el
marrón,
negro
y
verde.
Una
vez
aplicada
la
grisalla
se
sometían
las
piezas
aisladas
de
vidrio
a
un
nuevo
proceso
de
cocción
a
temperaturas
un
poco
más
bajas
para
fijar
los
componentes
vítreos
de
la
grisalla.
Una
vez
enfriados
se
montaban
las
piezas
sueltas
siguiendo
el
diseño
original.
Utilizando
una
tira
de
plomo
flexible
que
seccionada
tiene
forma
de
doble
T.
El
último
paso
consistía
en
colgar
cada
vidriera
en
una
estructura
de
hierro.
Fuente:
Redondus
y
J.
V.
Patiño
Fuente:
Redondus.

15. 15
15
Vidrieras
catedral
de
León;
El
Tratado
del
Monje
Teófilo
llamado
“Diversis
Artibus”
describe
las
vidrieras
medievales
(1140)
3.
LA
PINTURA
Y
LA
ESCULTURA
GÓTICA
La
escultura
gótica
La
escultura
gótica
hereda
el
carácter
monumental
y
grandioso
del
románico
pero
se
produce
una
evolución
del
feísmo
y
antinaturalismo
románico
hacia
una
mayor
expresividad
y
humanización.
Es
fruto
de
una
nueva
espiritualidad
que
pone
el
acento
en
un
mayor
sentimentalismo
y
en
la
belleza
material
como
forma
factible
de
propiciar
la
experiencia
religiosa.
La
base
ideológica
que
sustenta
esta
evolución
la
encontramos
en
el
ideólogo
del
Gótico,
el
Abad
Suger,
quien
basándose
en
textos
del
Antiguo
Testamento
(en
concreto
del
profeta
Ezequiel)
abogaba
por
cambiar
“un
corazón
de
piedra
por
uno
de
carne”.
En
esta
nueva
estética
son
fundamentales
también
los
ideales
neoplatónicos
–que
aúnan
la
Antigüedad
con
el
Cristianismo-­‐
y
las
doctrinas
de
las
órdenes
mendicantes
de
dominicos
y
franciscanos
que
fomentan
valores
como
la
humildad
o
el
amor
por
la
naturaleza.
Se
hace
menos
hincapié
en
el
infierno
y
más
en
la
Salvación.
No
pierde
su
carácter
docente-­‐catequético
como
“biblia
para
iletrados”.
La
temática
oscila
entre
obras
de
carácter
religioso
o
profano.
Entre
las
primeras
encontramos
a
la
Virgen
María
con
el
Niño,
en
escenas
muy
tiernas
que
acentúan
el
carácter
maternal
de
María,
quien
en
la
etapa
del
Gótico,
sobre
todo
a
partir
de
los
siglos
XII
y
XIII
experimentará
un
gran
culto
hacia
su
persona.
De
hecho
la
mayoría
de
las
catedrales
góticas
están
dedicadas
a
ellas,
y
es
habitual
que
en
las
portadas
de
las
mismas
aparezca
su
representación,
algunas
veces
basadas
en
relatos
que
encontramos
en
los
Evangelios
Apócrifos,
como
la
“Coronación
de
la
Virgen
María”.
Aparece
la
sonrisa
en
sus
rostros,
algo
impensable
en
el
Románico.
Al
parecer
en
etapas
anteriores
la
sonrisa
podía
tener
connotaciones
diabólicas.
También
se
produce
una
evolución
de

16. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
16
Cristo
en
la
Cruz,
mucho
más
sufriente
que
en
el
Románico.
Se
hace
hincapié
en
lo
anecdótico
y
secundario,
en
ocasiones
se
tocan
temas
satíricos
o
incluso
obscenos
–alguno
que
ya
aparecía
en
el
románico-­‐.
Abundan
las
representaciones
de
santos
con
sus
símbolos
parlantes
característicos.
Tipológicamente,
podemos
diferenciar
entre
escultura
de
bulto
redondo
o
exenta
–ya
sea
religiosa
o
profana-­‐
y
escultura
en
relieve,
que
la
encontraremos
fundamentalmente
en
las
portadas
de
las
catedrales.
Merece
mención
especial
el
desarrollo
de
la
escultura
funeraria
-­‐sepulcros
escultóricos-­‐,
realizados
con
gran
virtuosismo
técnico
y
realismo.
Abundan
también
las
esculturas
retratísticas
de
reyes,
nobles
y
burgueses.
Surgen
en
esta
etapa
los
retablos
y
las
sillerías
de
coro,
en
las
que
abundan
las
representaciones
escultóricas.
Podemos
distinguir
varias
etapas
en
el
desarrollo
escultórico
del
Gótico,
siendo
la
primera
de
composiciones
grandiosas
y
claras,
con
escasos
pliegues
angulosos
en
los
ropajes.
A
mediados
del
siglo
XIV
las
figuras
se
hacen
más
alargadas
y
estilizadas,
aumentando
las
posturas
en
curva
de
clara
influencia
praxiteliana
griega-­‐.
Ya
en
el
siglo
XV
encontramos
cierta
reacción
hacia
la
curva
y
la
figura
humana
se
hace
más
naturalista,
convirtiéndose
los
rostros
en
auténticos
retratos.
En
definitiva,
progresivamente
se
constata
una
evolución
hacia
un
mayor
naturalismo
y
dinamismo.
El
siglo
XV
–a
caballo
entre
la
Edad
Media
y
el
Renacimiento-­‐
ve
surgir
obras
escultóricas
de
gran
perfección
técnica,
que
preludian
el
estilo
renacentista.

17. 17
17
En
los
relieves
se
introduce
paulatinamente
el
paisaje.
Las
figuras
comienzan
a
liberarse
del
marco
arquitectónico
–la
ley
del
marco
que
veíamos
en
el
Románico-­‐
y
ganan
en
dinamismo,
gesticulan
y
huyen
de
la
frontalidad.
El
hieratismo
geométrico
de
la
figura
escultórica
románica
se
va
perdiendo.
Se
aprecia
un
mayor
volumen
y
se
abre
paso
una
mayor
riqueza
gestual
y
verismo.
Este
mayor
naturalismo
se
consigue
rechazando
la
esquematización
geométrica
propia
de
la
escultura
románica,
y
a
unas
figuras
más
proporcionadas
y
que
adquieren
un
mayor
volumen.
Continua
en
el
Gótico
la
fascinación
por
seres
monstruosos,
fantásticos
y
quiméricos,
acrecentándose
así,
la
iconografía
y
recursos
formales
en
las
representaciones
de
los
bestiarios.
Son
habituales
sobre
todo
en
las
gárgolas
de
las
catedrales.
La
PORTADA
sigue
siendo
el
lugar
preferente
para
colocar
la
escultura:
la
temática
varía
aunque
sigue
adoptando
una
intención
didáctica:
•
En
el
tímpano
suele
situarse
el
Juicio
Final
o
Cristo
triunfante;
a
veces
a
parece
la
Virgen.

18. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
18
•
En
las
arquivoltas,
los
coros
de
ángeles
o
los
ancianos
del
Apocalipsis.
•
En
las
jambas,
suelen
aparecer
figuras
de
santos.
En
general
las
figuras
se
alargan
y
se
perfeccionan
técnicamente.
Y
en
lugar
del
Pantocrátor
severo
del
románico,
aparece
un
Cristo
más
humano
o
una
Virgen
con
el
Niño,
sonriente.
Un
buen
ejemplo
de
portada
gótica
española
es
la
puerta
del
Sarmental11
de
la
Catedral
de
Burgos.
Aunque
en
gran
parte
se
ha
perdido
la
policromía,
tanto
esculturas
exentas
como
en
relieve
iban
vivamente
coloreadas.
Los
sepulcros
escultóricos
son
ricos
en
referencias
simbólicas
y
anecdóticas
con
motivos
ornamentales
llenos
de
horror
vacui.
Se
acentúa
la
individualización
en
la
representación
de
los
personajes
como
se
puede
apreciar
en
el
espectacular
Doncel
de
Sigüenza.
La
búsqueda
del
verismo
propició
el
desarrollo
de
diversas
técnicas
como
la
carnación
y
el
estofado.
La
carnación
consiste
en
imitar
con
la
máxima
fidelidad
posible
la
piel
humana
(textura,
tonalidad)
así
como
la
sangre
o
las
lágrimas.
Las
carnaciones
son
técnicas
de
enmascaramiento
con
fin
naturalista
y
realista
que
intentan
imitar
con
la
mayor
fidelidad
posible
la
piel
humana.
En
el
centro
del
tímpano
aparece
Cristo
en
Majestad
en
actitud
de
bendecir
con
la
mano
derecha,
mientras
con
la
izquierda
sujeta
el
libro
de
los
evangelios,
que
apoya
en
la
rodilla.
A
su
izquierda
y
derecha,
escoltándole,
y
superpuestos
de
dos
en
dos,
aparecen
los
cuatro
evangelistas
y
sus
símbolos
o
Tetramorfos.
Dos
de
ellos,
San
Marcos
al
lado
del
león,
y
San
Lucas
al
lado
del
toro,
van
sentados
en
amplias
banquetas,
se
inclinan
sobre
sendos
pupitres
y
escriben
al
dictado
del
Redentor
el
Nuevo
Testamento.
Los
otros
dos
van
colocados
en
un
nivel
superior,
encima
de
su
símbolo
-­‐el
águila-­‐
San
Juan,
y
encima
del
ángel
–que
porta
un
libro-­‐
San
Mateo;
los
dos
también
sentados
y
escribiendo
sobre
atriles.
Esta
manera
de
representar
a
los
evangelistas
escribiendo
es
una
tradición
que
se
puede
rastrear
en
el
arte
bizantino
y
en
el
carolingio.
El
tamaño
de
los
evangelistas
es
inferior
al
de
Jesús,
de
acuerdo
con
el
precepto
de
la
perspectiva
jerárquica
y
parecen
escribanos
afanados
con
sus
plumas
entre
los
dedos
y
los
cuernos
de
la
tinta
donde
mojar
a
su
derecha.
Por
debajo
del
tímpano
se
sitúan
los
doce
apóstoles.
Aparecen
sentados
y
portando
libros.
Mientras
algunos
conversan,
otros
meditan.
El
tímpano
va
delimitado
dentro
del
muro
por
tres
arquivoltas.
La
primera
decorada
por
una
hilera
de
ángeles
y
serafines
que,
portando
cirios,
adoran
al
Creador,
mientras
en
las
dos
restantes
encontramos
a
los
ancianos
del
Apocalipsis
(sólo
veintitrés
y
un
serafín)
tañendo
instrumentos,
reyes
bíblicos
y
santos.
Todas
estas
esculturas
se
asientan
sobre
peanas.
Las
jambas
de
la
portada
se
componen
de
un
zócalo
y
dos
galerías
superpuestas
de
arcos
ciegos.
La
inferior,
sin
decoración
escultórica,
lleva
dobles
columnas
adosadas,
mientras
que
en
la
superior
son
simples
y
la
decoran
esculturas
de
Moisés,
Aarón,
San
Pedro,
San
Pablo
y
otros
dos
personajes
no
identificados.
En
el
parteluz,
aparece
la
figura
de
un
obispo
con
mitra
estrellada
en
la
que
popularmente
se
ha
visto
la
representación
del
obispo
don
Mauricio,
bajo
cuyo
pontificado
se
inició
la
construcción
de
la
Catedral.

19. 19
19
El
estofado
es
una
técnica
en
madera
policromada.
El
origen
del
nombre
se
cree
que
se
encuentra
en
la
palabra
italiana
"stoffa",
cuyo
significado
es
tela
gruesa.
El
material
principal
es
el
pan
de
oro
(también
pan
de
plata
o
de
cobre),
unas
láminas
del
metal
que
imprimen
esta
tonalidad
sobre
las
superficies
en
las
que
se
aplica.
Luego,
con
diferentes
pigmentos
se
cubren
esas
láminas,
y
finalmente
mediante
el
raspado
de
estas
últimas
capas,
se
hacen
dibujos
dejando
al
descubierto
el
oro
subyacente.
Esta
técnica
tuvo
un
gran
desarrollo
ya
en
la
época
Moderna
durante
el
Barroco,
especialmente
en
la
elaboración
de
imágenes
procesionales.
Conocemos
ya
desde
el
siglo
XIV
los
nombres
de
grandes
escultores
entre
los
que
descuella
el
holandés
CLAUS
SLUTER,
que
trabajó
en
la
corte
del
duque
de
Borgoña
(Felipe
el
Atrevido).
Entre
sus
impresionantes
obras
destaca
las
que
realizó
para
el
monasterio
cartujo
de
Champmol
(Dijon,
Francia):
detallismo,
patetismo
y
realismo
a
partes
iguales.
Allí
realizó
la
portada,
el
calvario
y
la
tumba.
En
la
portada
retrató
al
duque
y
la
duquesa
de
Borgoña
(donantes)
entre
santos
protectores
y
la
Virgen
María
en
el
parteluz.
La
pintura
gótica
La
pintura
es
uno
de
los
grandes
capítulos
del
arte
Gótico.
Comparte
muchas
de
sus
características
con
la
escultura,
en
especial
la
evolución
que
experimenta
del
hieratismo
y
antinaturalismo
hacia
un
mayor
verismo,
belleza,
expresividad
y
sentimentalidad.
Se
tiende
a
utilizar
el
claroscuro,
es
decir,
utilizando
diversos
tonos
desde
los
claros
a
los
más
oscuros
se
consigue
modelar
los
volúmenes
de
las
figuras.
Es
una
pintura
delicada
y
elegante,
en
la
que
se
tiende
al
detalle
y
lo
anecdótico,
dando
gran
importancia
a
la
indumentaria
(diferentes
texturas,
etc.)

20. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
20
La
pintura
gótica
se
desarrolla
con
gran
auge
por
toda
Europa
y
cronológicamente
se
extiende
durante
los
siglos
XIII,
XIV
y
XV.
El
siglo
XV
con
respecto
a
la
pintura
será
una
etapa
bisagra
entre
el
Gótico
y
la
irrupción
del
Renacimiento,
en
especial
en
Italia
y
en
Flandes
(actual
Bélgica).
Gracias
al
desarrollo
urbano
y
económico
y
la
proliferación
de
gremios
además
los
pintores
aparecen
asociados
en
estas
antecedentes
remotos
de
los
sindicatos
y
cada
vez
abandonan
más
el
anonimato,
aunque
se
les
consideraba
más
artesanos
que
artistas.
Entre
los
pintores
más
reconocidos
del
gótico
descuellan
Simone
Martini,
Giotto,
Van
Eyck,
el
Bosco,
etc.
Mecenas
y
comitentes
de
los
pintores
del
gótico
fueron
la
Iglesia
y
burgueses
y
aristócratas
adinerados
como
el
Duque
de
Berry
en
Francia
o
Scrovegni
en
Italia.
A
diferencia
del
Románico,
en
el
Gótico
predomina
la
pintura
sobre
tabla
–fundamentalmente
la
encontramos
en
los
retablos
utilizando
la
técnica
del
temple-­‐,
los
códices
miniados
y
las
pinturas
de
caballete
del
gótico
final
en
las
que
ya
aparece
el
óleo
(en
Flandes)
que
será
característico
del
Renacimiento.
En
Italia
se
sigue
produciendo
la
pintura
mural
al
fresco.
La
técnica
del
temple
consiste
en
utilizar
como
aglutinante
–también
llamado
temple-­‐
algún
tipo
de
grasa
animal
como
por
ejemplo
la
yema
de
huevo
o
incluso
cola
de
pescado,
entre
otros
productos.

21. 21
21
La
policromía
es
de
vivos
colores
y
el
simbolismo
sigue
estando
presente.
Prolifera
el
uso
de
dorados,
sobre
todo
en
los
fondos
que
nos
remite
a
influencias
bizantinas.
El
dorado
se
realizaba
con
finísimas
láminas
de
oro
llamadas
“pan
de
oro”.
Estos
panes
de
oro
se
utilizaban
para
cubrir
grandes
superficies
de
las
pinturas
incluso
los
marcos
de
las
mismas.
También
se
usaba
en
la
escultura
y
en
los
retablos.
Para
adherir
el
pan
de
oro
al
soporte
bastante
humedecerlo
con
el
aliento
o
aplicarle
una
cola
obtenida
de
los
cartílagos
de
los
animales
(pescado,
pezuñas
de
las
vacas,
etc.).
Después
se
pulía
utilizando
piedras
como
el
granate
o
las
ágatas
o
incluso
con
colmillos
de
animales
(lobos,
perros,
etc.)
Aparte
de
los
dorados,
en
la
pintura
gótica
eran
frecuentes
los
estucados.
El
término
estucado
procede
del
italiano
stucco. El
estuco
es
una
pasta
de
grano
fino
compuesta
por
cal,
mármol
pulverizado,
yeso,
pigmentos
naturales,
etc.
El
estuco
admite
numerosos
tratamientos,
entre
los
que
destacan
el
modelado
y
tallado
para
obtener
formas
ornamentales.12
En
el
gótico
se
solían
empastar
las
figuras
con
estuco
y
después
se
pintaba,
consiguiéndose
así
sensación
volumétrica.
Se
aplicaba
sobre
todo
en
elementos
arquitectónicos
como
arcos,
columnas,
gabletes,
doseletes,
etc.
La
temática
oscila
entre
los
motivos
religiosos
y
los
profanos.
Entre
la
temática
religiosa,
abundan
las
representaciones
de
la
Virgen
María
con
el
Niño
–las
denominadas
en
italiano
Madonna-­‐y
también
el
Pantocrátor
en
la
almendra
o
mandorla
mística
con
los
tetramorfos.
En
la
temática
profana
encontramos
retratos
y
escenas
de
corte
aristocrático.
El
gusto
por
los
fondos
dorados
nos
remite
a
influencias
bizantinas.
Fuente
de
este
texto:
Jesús
Vicente
Patiño
La
pintura
gótica
es
muy
compleja
pues
muestra
diferentes
tendencias
y
escuelas
pictóricas
(conjunto
de
artistas
vinculados
a
una
ciudad
en
una
determinada
etapa).
Entre
las
diversas
escuelas
de
la
pintura
gótica
descuellan
la
sienesa
(Duccio,
Simone
Martini
y
los
Lorenzetti),
flamenca
(de
Flandes),
francesa,
aragonesa,
castellana,
etc.
12
El
estuco
más
famoso
es
el
veneciano,
también
llamado
“lustro
veneciano”.
Es
un
revestimiento
que
se
inventó
en
Venecia
(Italia)
a
comienzos
del
siglo
XV.

22. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
22
En
la
pintura
gótica
podemos
observar
una
evolución
distinguiéndose
varias
tendencias
estéticas:
*Inicios:
GÓTICO
LINEAL.
Abarca
todo
el
siglo
XIII
y
los
comienzos
del
XIV.
Se
denomina
Lineal
ya
que
manifiesta
una
especial
atracción
hacia
las
líneas
negras
que
marcan
los
contornos
con
trazos
gruesos.
Los
fondos
son
neutros
o
dorados
y
las
figuras,
muy
esquemáticas
y
estereotipadas,
muestran
influencias
del
arte
de
las
vidrieras
y
las
miniaturas
así
como
de
la
pintura
mural
románica.
Se
desarrolla
sobre
todo
en
Francia
–en
las
cortes
borgoñona
y
parisina-­‐
pero
se
extenderá
por
toda
Europa
occidental
cristiana,
especialmente
en
Castilla.
Este
estilo
ha
sido
denominado
también
Estilo
1200
o
francogótico.
*Estilo
ITALOGÓTICO
(siglos
XIII
y
XIV):
se
caracteriza
por
las
influencias
bizantinas
que
se
aprecia
en
los
fondos
dorados,
la
monumentalidad,
y
la
belleza
delicada
aunque
un
tanto
hierática
de
las
figuras.
Son
pinturas
murales
al
fresco
muy
expresivas
y
elegantes
enmarcadas
en
someras
referencias
paisajísticas
o
arquitectónicas.
Este
estilo
triunfó
en
Italia,
fundamentalmente
en
la
escuela
sienesa
–con
Simone
Martini,
Duccio
y
los
Lorenzetti
a
la
cabeza-­‐
y
en
la
escuela
florentina–con
Cimabue
y
Giotto
como
principales
representantes-­‐.
Son
los
llamados
primitivos
italianos.
Giotto
ya
preludia
el
Renacimiento
con
el
naturalismo
idealizado
que
otorga
a
sus
figuras,
de
grandes
volúmenes,
elegancia
y
profundidad.
Sus
frescos
de
la
Capilla
Scrovegni
de
Padua
son
sencillamente
espectaculares.
Este
estilo
también
se
difundió
con
gran
éxito
en
la
Corona
de
Aragón.
*Gótico
INTERNACIONAL:
se
desarrolla
a
partir
del
siglo
XIV
y
a
lo
largo
del
siglo
XV
en
todas
las
cortes
europeas,
especialmente
en
Francia.
Esta
pintura
exquisita
y
refinada
se
caracteriza
también
por
el
realismo
y
detallismo
minucioso
en
las
figuras
(retratos,
indumentaria,
etc.).
Todavía
en
ocasiones
perviven
los
fondos
dorados,
pero
van
paulatinamente
apareciendo
los
paisajes
y
las
referencias
arquitectónicas.
Se
busca
crear
cierta
profundidad
y
volumen.
La
viva
y
brillante
policromía
no
impide
el
que
las
imágenes
sean
muy
dibujísticas.
Las
escenas
suelen
tener
carácter
narrativo
con
un
aire
un
tanto
infantil.
Dentro
de
este
estilo
descuellan
los
códices
iluminados
como
el
bellísimo
Libro
de
Horas
del
Duque
de
Berry,
ilustrado
por
los
hermanos
Limbourg.
Entre
los
pintores
de
este
estilo,
muy
abundantes
en
toda
Europa,
destacan
Robert
Campin
(también
llamado
Maestro
de
la
Flémalle),
Bernat
Martorell
(Cataluña),
Luis
Borrassá
(Cataluña),
etc.
El
Libro
de
Horas
del
Duque
de
Berry

23. 23
23
En
la
imagen
de
la
derecha
vemos
un
detalle
del
mes
de
enero:
el
duque
de
Berry,
sentado
a
la
derecha,
con
la
espalda
cerca
de
la
chimenea
va
vestido
de
color
azul
y
lleva
un
bonete
de
piel.
Hace
un
gesto
de
invitar
a
que
se
acerquen
a
los
personajes
de
la
escena
(familiares
y
servidores).
Por
encima
de
la
chimenea
figura
el
escudo
de
armas
del
duque
en
el
que
vemos
el
color
azul
con
flores
de
lis
de
oro,
con
pequeños
osos
y
cisnes
heridos.
Aparecen
varios
animales
de
compañía
como
perritos
en
la
mesa,
o
al
lado
de
ella.
El
tapiz
del
fondo
representa
episodios
de
la
guerra
de
Troya.
La
indumentaria
nos
muestra
a
la
perfección
la
moda
cortesana
del
gótico.
Es
probablemente
el
códice
miniado
más
bello
de
Francia.
Su
comitente
fue
el
poderoso
mecenas
Juan
I
Duque
de
Berry,
hijo
del
rey
Juan
II
de
Francia.
Está
fechado
circa
1411-­‐1416.
Está
realizado
con
la
técnica
del
temple
sobre
vitela.
Escrito
en
latín,
los
ilustradores
fueron
tres
hermanos
holandeses
llamados
Limbourg.
Tiene
206
hojas
o
folios.
Los
Libros
de
Horas
eran
libros
de
oraciones
para
cada
hora
del
día.
En
este
caso,
se
representan
escenas
simbólicas
sobre
los
doce
meses
del
año,
el
resto
son
escenas
bíblicas.
El
Duque
de
Berry
se
murió
de
peste
sin
llegar
a
ver
el
libro
terminado
en
1416,
el
mismo
año
en
que
posiblemente
de
esa
enfermedad
murieron
los
miniaturistas.
No
llegaron
a
terminar
las
ilustraciones
que
fueron
acabadas
en
1490
por
Jean
Colombe.
El
brillo
y
riqueza
de
la
policromía,
la
suntuosidad
de
las
vestimentas,
las
referencias
paisajísticas
y
arquitectónicas,
el
detallismo
naturalista
y
los
consumados
retratos
que
aparecen
en
las
escenas,
hacen
de
este
libro
una
obra
maestra
del
gótico
internacional.
Se
conserva
en
el
castillo
de
Chantilly,
al
norte
de
París.
Rara
vez
se
muestran
al
público
por
los
cuidados
extremos
que
precisa
la
obra.
Ha
propiciado
una
imagen
idealizada
de
la
Edad
Media
frente
a
la
terrorífica
de
Siglos
Oscuros.
*Etapa
final:
SIGLO
XV:
etapa
bisagra
entre
el
Gótico
y
el
Renacimiento.
En
Italia
ya
encontraremos
en
el
siglo
XV
el
surgimiento
del
Renacimiento
(Quattrocento)
y
en
Flandes
se
innova
con
la
técnica
del
óleo
que
será
unos
de
los
grandes
avances
del
Renacimiento.
El
óleo
usa
como
aglutinante
aceite
(linaza,
nuez)
que
permite
un
secado
más
lento
de
la
pintura,
correcciones
en
la
ejecución
de
la
misma
y
una
excelente
estabilidad,
brillantez
y
transparencia
así
como
conservación
del
color.
La
técnica
al
óleo
propicia
que
con
los
barnices
se
apliquen
veladuras
que
permiten
traducir
las
distintas
calidades
y
texturas
de
lo
representado.

24. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
24
Los
denominadas
pintores
“primitivos
flamencos”
evolucionaron
del
Gótico
internacional
hacia
el
Renacimiento.
Por
lo
tanto
están
a
caballo
entre
dos
épocas:
todavía
mantienen
pervivencias
goticistas
como
el
sentimentalismo
extremo,
el
escaso
dinamismo
y
los
pliegues
ampulosos
y
acartonados
de
las
telas,
pero
avanzan
en
el
uso
del
óleo,
el
estudio
anatómico,
los
volúmenes,
la
búsqueda
de
la
perspectiva,
y
un
naturalismo
donde
prima
lo
anecdótico
y
el
detalle.
Son
consumados
artistas
en
el
arte
del
retrato.
Destacan
entre
los
pintores
flamencos:
los
hermanos
Van
Eyck
(Hubert
y
especialmente
Jan),
autores
del
Políptico
del
Cordero
y
del
icónico
Matrimonio
Arnolfini;
Robert
van
der
Weyden,
autor
del
Descendimiento
conservado
en
el
Museo
del
Prado
y
el
genial
Hieronymus
van
Aeken
Bosch,
más
conocido
como
El
Bosco,
del
que
contamos
en
el
Museo
del
Prado
con
la
mejor
colección
de
obras
de
este
artista
flamenco
(El
Jardín
de
las
Delicias,
las
Tentaciones
de
San
Antonio,
etc.)
Por
último,
pero
no
menos
importante,
hay
que
destacar
que
la
pintura
española
del
siglo
XV
va
ligada
al
Gótico
internacional.
En
España
habrá
un
gran
desarrollo
de
los
retablos.
La
pintura
flamenca,
como
la
italiana,
ejercieron
una
notable
influencia
en
los
pintores
españoles
(escuela
hispano-­‐flamenca).
Ejemplos
de
pintores
españoles
del
siglo
XV:
Luis
Dalmau,
Jaime
Huget,
Fernando
Gallego,
Bartolomé
Bermejo,
el
Maestro
de
Miraflores,
Maestro
de
los
RRCC
“La
virgen
de
los
RRCC”,
c.
1491-­‐93,
Martín
Bernat
“Traslado
del
cuerpo
de
Santiago
el
Mayor
ante
el
palacio
de
la
reina
Lupa”,
c.
1480-­‐90,
etc.
La
reina
lleva
un
tocado
impresionante.
4
INDUMENTARIA
DE
LA
ETAPA
GÓTICA
La
indumentaria
de
la
Baja
Edad
Media
se
desarrolla
durante
los
siglos
XIII,
XIV
y
XV
por
toda
Europa
y
coincide
por
tanto,
con
el
desarrollo
del
arte
gótico.
Los
atuendos
de
aquella
época
son
un
espejo
de
la
sociedad
estamental
medieval.
La
indumentaria,
a
través
de
las
calidades
y
colores
de
los
tejidos
se
convirtió
en
un
signo
de
distinción
social.
Los
tejidos
teñidos
eran
mucho
más
caro
que
el
resto,
por
ello,
el
campesinado
utilizaba
colores
apagados
y
pardos,
frente
a
la
aristocracia
y
realeza
que
hacía
gala
de
colores
suntuosos
como
rojos
y
azules.
Los
tejidos
más
valorados
eran
las
sedas,
rasos,
terciopelos,
brocados
y
damascos
y
los
más
habituales
eran
de
paño
–lana-­‐
así
como
algodón.
Las
pieles
más
valoradas
eran
el
armiño,
visón,
lobo…El
pueblo
solía
utilizar
piel
de
cabra,
incluso
pieles
de
perros
y
gatos.

25. 25
25
Los
artesanos
–sederos,
pañeros,
costureros,
tintoreros,
sombrereros…
-­‐se
agrupaban
en
gremios
muy
bien
organizados.
Se
llevaron
a
cabo
leyes
suntuarias
que
regulaban
el
uso
de
tejidos
y
colores
según
diferencias
sociales
e
incluso
religiosas.
Los
colores
se
extraían
de
plantas
como
el
guasto
–que
daba
lugar
al
color
azul
oscuro,
azul
índigo-­‐
o
insectos
como
el
kermes
del
que
se
extraía
el
color
naranja-­‐rojo
carmesí.
El
púrpura,
uno
de
los
más
valorados
y
muy
ligado
a
la
monarquía,
procedía
de
un
molusco
denominado
murex.
Los
principales
centros
textiles
europeos,
aparte
de
Bizancio
–situada
entre
oriente
y
occidente-­‐
eran
localidades
italianas
como
Lucca,
Florencia,
Sicilia
o
Génova;
españolas
como
Toledo,
Burgos,
Segovia
o
Granada;
inglesas,
flamencas,
etc.
Durante
esta
etapa
se
produjeron
interesantes
y
útiles
inventos
como
los
botones
y
las
gafas.
Las
tendencias
en
el
traje
europeo
del
Gótico
son
muy
similares
por
toda
Europa
aunque
con
diferencias
regionales,
sociales
y
económicas.
Francia
marca
la
pauta.
La
nomenclatura
de
las
prendas
es
muy
compleja
y
en
ocasiones
confusa.
Podemos
establecer
una
evolución
de
la
sencillez
del
románico
a
la
mayor
complejidad
de
la
etapa
gótica
(Baja
Edad
Media)

26. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
26
La
indumentaria
del
siglo
XIII
se
caracteriza
por
la
sencillez
y
el
naturalismo.
Los
códice
iluminados
producidos
por
el
importantísimo
monarca
de
Castilla
y
León
del
siglo
XIII,
Alfonso
X
el
Sabio,
con
más
de
4000
imágenes,
constituyen
un
testimonio
de
excepcional
calidad
histórica
y
artística
sobre
la
sociedad
de
su
tiempo,
en
particular
las
Cantigas
a
Santa
María
y
el
Libro
del
Ajedrez.
En
ellos
encontramos
con
todo
detalle
dibujados
los
indumentos
característicos
de
la
época.
Muy
relevante,
y
única
en
el
mundo
es
la
colección
de
indumentaria
del
siglo
XIII
que
conserva
el
Museo
de
Telas
Reales
del
Monasterio
de
las
Huelgas
de
Burgos,
desgraciadamente
en
parte
saqueado
por
las
tropas
francesas
durante
la
Guerra
de
Independencia
del
siglo
XIX.
Aún
así,
conservamos
ejemplos
muy
representativos
de
la
vestimenta
gótica
en
España
desde
sayas,
birretes,
calzas,
cinturones,
anillos…
En
los
siglos
XIV
y
parte
del
XV
aumenta
el
lujo,
la
suntuosidad,
la
extravagancia
y
la
fantasía
en
las
cortes
reales
y
principescas,
a
pesar
de
guerras
y
pestes
negras.
Durante
el
siglo
XIV
surge
el
concepto
de
moda,
con
el
deseo
irrefrenable
de
adquirir
nuevas
y
variadas
prendas.
Aparece
también
el
traje
anatómico,
de
carácter
claramente
antropomorfo,
que
marca
la
anatomía
humana.
Será
una
verdadera
revolución
en
el
ámbito
de
la
indumentaria
de
la
Baja
Edad
Media.
La
variedad
de
“ropas
de
encima”
era
enorme
(tabardos
con
mangas
perdidas,
etc.)
como
lo
eran
los
tocados,
cada
vez
más
fantasiosos
y
extravagantes.

27. 27
27
En
el
caso
de
España
tenían
influencia
islámica
como
los
trenzados
o
tranzados
con
cofia,
que
luego
influirán
en
diversos
países
europeos
durante
el
Renacimiento
–como
Italia
por
ejemplo-­‐.
Son
particularmente
destacables
como
característicos
de
la
etapa
bajomedieval
los
tocados
mariposa
y
los
tocados
de
cuernos
así
como
el
hennin
que
va
acompañado
de
un
velo
de
gasa.
Este
último
es
un
tocado
de
influencia
oriental.

28. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
28
Por
lo
que
respecta
a
la
ropa
interior,
la
camisa
era
habitual
tanto
para
hombres
como
mujeres.
Es
la
prenda
interior
básica.
Con
el
tiempo,
en
la
mujer
tiende
a
ser
más
corta.
Las
calzas
también
las
llevaban
hombres
y
mujeres.
Y
los
calzones,
también
llamados
braies
o
bragas
en
español,
las
portaban
los
hombres.
Entre
los
accesorios,
destacan
cinturones,
joyas,
bolsitos-­‐monederos,
etc.

29. 29
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