Comentario sobre esta obra para Historia del Arte de 2º bachillerato

1. COMENTARIO DE UN RETRATO
ECUESTRE: EL CONDOTIERO COLLEONE
DE VERROCCHIO
Catalogación: Es una fotografía de un
retrato ecuestre, del escultor florentino
del siglo XV, Andrea Verrocchio. La
escultura fue encargada, en su
testamento, por el propio condotiero,
para ser colocada en el lugar donde
todavía se encuentra, en la Plaza de san
Giovani y san Paolo, en Venecia.
Descripción: el jinete y el caballo
aparecen sobre un alto pedestal de
mármol, de estilo clásico, en actitud de
avance, vestidos con sus armas, como si
se encontraran en medio de la batalla.
Andrea Verrocchio. Estatua ecuestre del Condotiero Bartolomeo Colleoni. Bronce
sobre pedestal de marmol. 1478-1488. Campo San Paolo y San Giovani. Venecia.

2. Análisis formal: la obra está hecha en
bronce, mediante la técnica del vaciado,
que en esta época los artistas empezaban
a dominar, pero todavía con bastantes
dificultades.
El naturalismo típico del Renacimiento es
en esta obra muy evidente, tanto en el
caballo, al que intenta dotarse de un gran
parecido con la realidad, con una
musculatura muy bien trabajada,
marcándose los tendones, y captando
muy bien el movimiento, gracias al gesto
de levantar la pata, que Donatello no
había podido realizar en su Gatamelata.
También el condotiero presenta un
naturalismo idealizado, al mostrar una
imagen ideal del guerrero, si no bello, sí
fuerte y arrogante en el gesto, aunque el
rostro es algo tosco, de ojos un poco
espantados, pero de innegable energía.
Arriba e izquierda El Condotiero Colleone, abajo
derecha el Condotiero Gattamelata de Donatello,
1447-1453. Plaza del Santo. Padua.

3. La composición es más dinámica que la de
otras obras ecuestres anteriores, no solo
por el gesto de avance del caballo, también
por el contraposto que marcan la cabeza y
el cuello del caballo y del jinete, que se
giran en sentidos opuestos, y por el gesto
del jinete, que se levanta sobre los estribos
de la silla.
El tema del retrato había ganado
importancia desde el final del periodo
gótico, primero en los sepulcros, y más
adelante en pinturas y retablos, aunque lo
frecuente era que el comitente fuera
acompañando a personajes religiosos. A
medida que avanza siglo XV el
individualismo, el interés por representar al
individuo concreto, hace que el retrato se
convierta en un género independiente de
la obra religiosa, y alcance el protagonismo
que había tenido en la Antigüedad.

4. Izda: Condotiero
Gattamelata .
Donatello,
1447-1453. Plaza
del Santo.
Padua.
Emperador
Marco Aurelio.
176 d.C. Roma.
Museo
Capitolino.
Precisamente de la Antigüedad se conserva
el retrato del emperador Marco Aurelio, que
Donatello conoció en su viaje a Roma, y que
imita en su Gattamelata, aunque le da, tanto
al caballo como al caballero, un aire más
sosegado, no exento de autoridad. Cuadriga de San
Marcos.
Verrocchio sigue este modelo heredero de la
Helenismo.
Antigüedad, y también el de los caballos de la Venecia. Museo
plaza de San Marcos, en Venecia, traídos por de la Basílica de
los cruzados desde Constantinopla en el siglo San Marcos.
XIII, en gesto de avance con la pata levantada
(decoraban el hipódromo de Constantinopla y
son anteriores al siglo V).

5. En pintura también son frecuentes las
representaciones ecuestres, primero dentro del
marco de la obra religiosa (la Adoración de los
Magos, es una buena excusa), pero también en
las escenas de batallas, y, finalmente, en un
retrato independiente, como el de Carlos V en
Mülberg, de Tiziano, modelo que seguirán otros
pintores del Barroco, como Rubens o Velázquez,
realizando retratos que se convierten en la
mejor expresión de la Monarquía Absoluta.
Carlos V en la batalla de Mülhberg, Tiziano,
1548. Museo del Prado.
Comentario: En el comentario de esta obra podemos desarrollar muchos aspectos del
Renacimiento, generalmente debemos empezar por lo más particular, y después vamos
avanzando hacia lo más general: primero hablamos de Verrocchio, su taller, de otras obras suyas,
después del ascenso social del artista, de la Antigüedad como modelo, del antropocentrismo y
del humanismo, y por último de Florencia como gestora del Renacimiento. Algunos de esos
aspectos ya han salido en el análisis, por eso es mejor no insistir mucho sobre ello. Todo eso está
en los apuntes. Lo voy a desarrollar en la siguiente pagina, pero solo haciendo recorta y pega.

6. En otra sus obras, Verrocchio, representa a David (Florencia
1473), un tema que también Donatello había tratado
recientemente. En estas dos obras vemos esa distinta forma
de tratar el tema de los dos artistas: Verrocchio lo representa
en actitud desafiante, con más fuerza, y en una composición
más dinámica, con alguna línea diagonal y cierto contraposto,
pues este artista florentino exalta la dignidad del hombre
dando mucha importancia a los valores expresivos. El de
Donatello es más sereno, más delicado y reposado.
David de Donatello, 1440. David de
Verrocchio, 1473. Museo Nazionale
del Barguello. Florencia.
El tema de David es muy querido para los Florentinos pues
simboliza la lucha contra la opresión, y la victoria de la razón
sobre la fuerza bruta. El condotiero representa precisamente lo
contrario, y no es casual que estas obras fueran encargadas a
artistas florentinos pero para ser colocadas en ciudades del
norte de Italia (Venecia, Padua o Milán, donde Leonardo recibió
el encargo de hacer una escultura ecuestre del duque Francesco
Sforza, que no se terminó, y cuyo modelo no se ha conservado).
Leonardo da Vinci. Dibujo preparatorio para el Monumento a Francesco
Sforza en Milán. 1497. Royal Library of Windsor castle. Londres.

7. Ya hemos visto en el análisis como en esta obra se ponen de manifiesto dos de los rasgos más
peculiares del arte del Renacimiento, la imitación de la antigüedad, tanto de las obras de
arquitectura y escultura que se habían conservado, como de las obras escritas que se estudian
desde un punto de vista humanista, no teológico.
El otro rasgo que también vemos en esta obra es el interés por el hombre, por el individuo, es
pues una manifestación del humanismo, pensamiento dominante durante el Renacimiento, que
pone al hombre en el centro del universo, interesándose por todos los aspectos relacionados con
él. Se tiene una visión optimista del hombre y del mundo, y de su capacidad de progreso. El
hombre ya no es un ser hecho para el pecado sino un ser lleno de dignidad. Todo lo que rodea al
hombre merece el interés de los humanistas, y eso justifica la autonomía y la importancia del
retrato como genero artístico.
Andrea del Verrocchio (1435-88) Tiene una de los talleres más activos de la ciudad de Florencia
donde trabajan y aprenden artistas como Leonardo o Boticcelli. Durante el Renacimiento se
produce una transformación en la situación social del artista, que pasa de ser un artesano
encuadrado en el taller medieval al artista individual que se interesa por todas las disciplinas del
conocimiento y que van a luchar por ser tratados como trabajadores del intelecto y no manuales,
que piensan y realizan sus obras sin la ayuda de los teólogos. Este taller representa muy bien esta
transformación, y Leonardo es el mejor ejemplo de este avance, pues educado manualmente en
este taller, acabó viviendo como protegido del rey de Francia. Esto contribuye a la autonomía del
arte respecto a la religión; las obras no se valoran por su contenido religioso sino por la belleza de
sus formas. Este cambio en la concepción del arte y del artista favorece su ascenso social,
iniciándose en la época un gran debate sobre la nobleza del arte.

8. La Florencia de Verrocchio, en pleno Quattrocento, es el centro del nuevo estilo artístico,
donde trabajaran los artistas más importantes de la época. Allí gobierna la familia de los
Medici, destacados mecenas que protegen a los mejores artistas de la época, que encuentran
en Florencia el ambiente adecuado para el desarrollo de las nuevas ideas. Lorenzo de Medici
(llamado Lorenzo el Magnífico) funda la academia Neoplatónica y encarga numerosas obras
para la ciudad. Pronto es imitado por otras grandes familias patricias que reforman sus
viviendas, pagan capillas, encargan esculturas, frescos, retratos. Este ambiente tan propicio
para el arte queda interrumpido cuando el fraile Savonarola impone en la ciudad una república
teocrática (1494) tras la expulsión de los Medici. Aunque fue quemado en la hoguera (1498), la
misma hoguera donde él arrojó tantos libros y obras de arte, aunque los Medici retornaron a
Florencia, Roma se convierte en el centro artístico del Renacimiento.
Conclusión: Verrocchio, representante del Renacimiento florentino, muestra ya en esta obra
los nuevos valores imperantes en el clasicismo del siglo XVI, al alejarse de la grácil delicadeza
del primer Renacimiento que representa Donatello, y avanzar hacia una monumentalidad más
expresiva, típica del Renacimiento maduro de un Leonardo o un Miguel Angel.
Para saber más sobre esta obra podéis consultar esta pagina web:
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2011/02/los-condotieros-del-norte-de-italia.html