Arquitectura y escultura del Quattrocento italiano

11/05/17 Pilar Morollón 1Quattocento italiano

11/05/17 Pilar Morollón 2
Características de la arquitectura
• Proporción, medida, simetría, estudio matemático.
• PLANTAS: utilización de formas simples: cuadrado, círculo,
triángulo equilátero. Perspectiva lineal.
• ELEMENTOS SUSTENTANTES:
– Muro de piedra. Aparejo de sillares isódomos y
almohadillado.
– Columnas y pilares clásicos: dórico, jónico, corintio,
compuesto, toscano. Superposición de órdenes y de arco
y dintel
• ELEMENTOS SUSTENTADOS: Arco de medio punto.
Bóveda de cañón (a veces con lunetos), de arista, cúpula
sobre pechinas. Cubiertas planas.
• ELEMENTOS DECORATIVOS: Grutescos, laureas,
casetones, medallones, guirnaldas.

Prototipos de plantas renacentistas

Perspectiva lineal
En esta perspectiva
lineal se divide el
espacio en un cubo, con
un suelo cuadriculado,
paredes y techo. Todas
las paralelas (recesivas)
que van disminuyendo
convergen hacia el
punto de fuga central
(PF) situado en la línea
del horizonte (LH).

Perspectiva lineal

Sección áurea.
• La proporción
áurea es una
relación entre
longitudes. Se
representa con
la letra griega Φ,
su valor
aproximado
Φ ≈ 1,618...

Lunetos
Tambor
Casquete
Linterna

Elementos decorativos

Filippo Brunelleschi. Florencia 1377-1445
•Arquitecto, escultor y orfebre. Participó en el concurso de
1401, para la realización de las puertas del baptisterio, perdió
ante Ghiberti. Decidió dedicarse a la arquitectura. Aprendió de
las ruinas romanas junto al escultor Donatello.
•A partir de los monumentos clásicos creó un estilo
arquitectónico con base en las matemáticas, las proporciones y
la perspectiva lineal, que él crea.
•Formas simples.
•Predominio de los elementos estructurales:muro, columnas y
pilastras compuestas con 8 volutas, arcos de medio punto,
bóvedas de cañón, vaídas, artesonados, cúpulas sobre pechina.
Superposición de arco y dintel
•Decoración limitada al mínimo: alternancia de color blanco del
enfoscado y gris de la piedra. Relieves cerámicos de Lucca
della Robbia

Cúpula de la catedral de
Florencia 1417
•Cubierta para la
catedral realizada por
Arnolfo di Cambio en el
s. XIII.
•Influencia del Panteón

Técnica de
construcción
•Fue levantada sin
armaduras desde el suelo, a
través de una atrevida
técnica, derivada de
ejemplos romanos, apoyada
sobre una estructura en
espiral con ladrillos
dispuestos a "espina de
pescado" y doble bóveda
con intersticio.
• La cúpula tiene un
diámetro de 45,52 metros y
una altura – sin linterna – de
91 metros.

Brunelleschi: San
Lorenzo.
•Interior de tres naves separadas por
arcos de medio punto sobre columnas
compuestas de ocho volutas a las que
superpone un tramo de entablamento.
•Planta de cruz latina con cabecera plana
y cúpula sobre pechinas en el crucero.
•Cubierta plana con casetones en la nave
central y bóvedas vaídas en las laterales.
• Perspectiva lineal. Remarcada por los
elementos estructurales.
•Horizontalidad se refuerza con
entablamento, cubierta.
•Armonía: Establece formas cúbicas: la
altura de las columnas es igual ala
distancia entre columnas contiguas y
entre éstas y los muros de las naves
laterales.

Brunelleschi. Hospital de los inocentes.
•Edificio de gran horizontalidad encargado por el gremio de
sederos.El pórtico determinó el urbanismo de la plaza.
•En el cuerpo inferior se dispone de un pórtico con arcos de
medio punto sobre columnas compuestas. El prórtico se cubre
con bóvedas vaídas sobre ménsulas
•Las enjutas se decoran con tondos o medallones de cerámica
vidriada, policromados con figuras blancas (bebés que piden)
sobre fondo azul de Luca y Andrea della Robbia.

Brunelleschi. Capilla Pazzi.
Seis columnas compuestas sustentan un entablamento y se
abre un gran arco de medio punto como arco de triunfo

Capilla Pazzi 1441
•Planta de cruz griega
con brazos poco
desarrollados.
•Cubierta con cúpula y
bóvedas de cañón
•Búsqueda de la
armonía, claridad
geométrica y
proporcionalidad
empleando la
proporción áurea.
•Medallones de Luca
della Robbia y
alternancia cromática.
•Casetones y molduras
en forma de arcos.

Leon Battista Alberti. Génova 1401-Roma 1472
•Hijo natural de un mercader florentino, se educó en Padua y
Bolonia, antes de trasladarse a Roma en 1432 para
desempeñar un cargo en la corte pontificia.
•Arquitecto teórico, matemático y poeta, lingüista, filósofo,
músico, arqueólogo. Escritor: en De statua expone las
proporciones del cuerpo humano, en De pictura proporciona la
primera definición de la perspectiva y en De re ædificatoria
subraya la importancia del proyecto, los diversos tipos de
edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar.
•Búsqueda de proporciones y rigor matemático.
•Gran influencia de la arquitectura clásica.

Alberti. San Andrés de Mantua. 1470
•Construida por Fancelli sobre un
proyecto de Alberti
• De una nave, con capillas laterales
y transepto. La cúpula realizada por
Juvara en el s. XVIII.
•La fachada simétrica, está
concebida como un gran arco triunfal
de un solo vano, como el de Tito, y
tanto en el exterior como en el
interior tenía un riguroso sistema de
proporciones.
•Pilastras compuestas, arcos de
medio punto, superposición de arco y
dintel, rematada en frontón.

Interior de San Andrés de Mantua

Alberti. Templo de Malatesta en Rimini.

Templo de Malatesta 1450 Rímini
•Encargada por Segismundo Malatesta, señor de Rímini.
Reestructuración del templo gótico para que sirviera de
mausoleo. No se terminó.
•En la fachada sobre un podio, coloca una estructura de arco
de triunfo, cuyo ático quedó inconcluso. Es un arco triple, con
la entrada principal con luz y los laterales ciegos. En las
enjutas de los tres aparecen óculos y la entrada se remata en
frontón. Su modelo es el arco de Constantino.
• Para las fachadas laterales diseñó profundos nichos, de los
cuales los del lado sur albergan sarcófagos de personajes de
la corte de Malatesta. Tiene influencia de la estructura de los
acueductos.

Santa María Novella. Florencia

Alberti. Santa María Novella
•Iglesia y convento de los dominicos del s. XIII.
•Alberti proyectó su fachada hacia 1450. por encargo de Paolo
Rucellai, mercader florentino.
•Superposición de dos cuerpos: el inferior rectangular, articulado
mediante arcos de medio punto ciegos y cuatro columnas de
mármol compuestas, sobre los que discurre un entablamento con
un arquitrabe de tres franjas, un friso decorado con velas de
barco, tomadas del escudo del donante, rematándose con un
ático corrido decorado con cuadrados de mármol.
•El segundo cuerpo, de menor proporción, también rectangular
con cuatro pilastras decoradas con franjas de colores, sostienen
un entablamento que termina en un frontón triangular.
•Ambos cuerpos se unen mediante volutas de decoración de
taracea de mármol.

Alberti. Palacio Rucellai. 1466
•Se organiza entorno a un
patio central siguiendo la
disposición de una domus
romana.
•Fachada organizada en
tres pisos separados por
sendos entablamentos.
• Separación de vanos
mediante pilastras:
toscanas en el bajo,
jónicas en el primero,
corintias en el segundo,
inflenciado por el Coliseo.

Michelozzo (1396-1472)
•Hijo de un sastre borgoñón, creció en un ambiente
humilde.
• Trabajó como escultor para Ghiberti y Donatello.
•Fue el arquitecto preferido de Cosme de Medici.
•Creó el prototipo de palacio renacentista toscano: un
cubo con un patio interior.
• Fue el primero en utilizar aparejo almohadillado que
en el caso del palacio es rústico, que era un material
costoso y se convirtió en símbolo de poder y prestigio
social.

Michelozzo.
Palacio Medici-
Ricardi

Palacio Medici-
Ricardi. Patio

Michelozzo. Convento de San Marcos.
•Encargado por Cosme el Viejo para la orden de los Dominicos.
•Su intención es reflejar en las formas y en las severas proporciones
arquitectónicas el austero modo de vida y de estudio de los dominicos.
• La biblioteca es cálida y desnuda, su gran valor reside en la larga perspectiva
de columnas y en el ritmo de los intervalos de los arcos. Capitel jónico.

Benedeto de Maiano. Palacio Strozzi

Palacio Strozzi
•La familia Strozzi se había exiliado de Florencia en
por su oposición a los Médici, pero gracias a la
fortuna acumulada como banquero en Nápoles,
Filippo Strozzi pudo volver a la ciudad en 1466 y
encargó su palacio a Benedetto da Maiano el
arquitecto preferido de Lorenzo de Medici. Nada se
dejó al azar, e incluso se hizo llamar a astrónomos
para decidir cuál era el día más propicio para poner la
primera piedra.
•Los trabajos comenzaron en 1489. A la muerte de
Benedetto da Maiano, cuando el edificio en obras
había llegado ya al segundo piso, los trabajos fueron
confiados a Simone del Pollailolo, que realizó el
coronamiento de la fachada y el patio porticado.

Escultura del Quattocento

Características
• Se pierde la integración de la escultura en la arquitectura ya no solo
sirve para decorar una obra arquitectónica, sino que son objetos bellos
presentes en el espacio.
• Naturalismo, búsqueda de la representación de la realidad pero
pasada por el racionalismo. Interés por el hombre, por su anatomía, sus
expresiones. Perfeccionismo técnico.
•Neoplatonismo: escultura como idea y creación de modelos ideales.
• En los relieves, representación espacial mediante la perspectiva lineal.
• Influencia decisiva del mundo clásico. (Contraposto, estatuas
ecuestres)
• Composiciones simples en base a figuras geométricas‚ simétricas‚ y
equilibradas. Suelen ser composiciones cerradas.
• Proporcionalidad en las anatomías y entre las figuras, en las escenas
narrativas. Se evita lo demasiado pequeño y lo demasiado grande.
•Toman sus modelos de las artes plásticas antiguas pero también de
las fuentes literarias que, son traspasadas literalmente a la escultura.
•Influencia de la escultura del Trecento (Los Pisano y su imitación de
los sarcófagos para los púlpitos de la catedral de Pisa -1269).

Lorenzo Ghiberti 1378-1455
•Orfebre.
•En 1403, en competencia con Filippo Brunelleschi y Jacopo della Quercia,
obtuvo la realización de la puerta de bronce del baptisterio de la Catedral
de Florencia (las primeras puertas habían sido realizadas a comienzos del
siglo XIV por Andrea Pisano). Cada puerta contiene catorce escenas de
marco cuadrifolio sobre la vida de Cristo, los evangelistas y los padres de la
iglesia.
• Le encargaron en 1425 otras puertas que acabó en 1452.
 Formato cuadrado entre marcos con medallones y hornacinas.
 Naturalismo lineal. Volumen. Movimiento. Proporción. Medida.
 Las escenas se desarrollan en paisajes rurales y urbanos idealizados.
 Diez pasajes del Antiguo Testamento.
 Miguel Ángel las llamó Puertas del Paraíso.

Ghiberti. Sacrifico de
Isaac
•Muestra todos los elementos
del relato bíblico
•Las figuras están vestidas a
la antigua.
•El frontal del altar presenta
un friso clásico.
•Isaac, presenta las
proporciones perfectas de
una anatomía desnuda, como
un Apolo clásico.
•Existe una separación entre
la escena del sacrificio y la
de los criados mediante la
cresta de roca que corta
diagonalmente el campo
visual
•. El paisaje y las figuras
guardan proporción entre sí y
los personajes se mueven en
un paisaje naturalista y están
integrados en él.

Puertas del Paraíso
Paraíso Caín y Abel
Noé Sacrificio Isaac
Esaú y Jacob
José
Moisés
David
Salomón
José

Ghiberti. El Paraíso

Esaú y Jacob

Donatello. 1386 – 1466
• Hijo de un cardador de lana. Trabajó durante un
corto periodo de tiempo en el taller de Lorenzo
Ghiberti. Fue a Roma con Brunelleschi donde
realizó estudios y excavaciones en tierra, lo que
le dio la reputación de buscador de tesoros, los
dos jóvenes vivían a base de trabajar en talleres
de orfebrería.
• Preocupado por el movimiento y el naturalismo,
en 1410 se le encargan las estatuas de Or San
Michele donde le interesa representar prototipos
de edades humanas de un modo clasicista. Es el
creador del relieve aplastado.

Donatello. David
•Estatua en bronce realizada por encargo
de los Medici en 1440.
•Aire clásico por su desnudez, y
composición praxiteliana: contraposto y
perfección anatómica.
•Representa a un David adolescente que
ha derrotado a Goliat, sostiene en sus
manos la espada de Goliat y la honda con
que le dejó inconsciente. Rostro sereno y
casi sorprendido.
•Significado simbólico: conmemora las
victorias de Florencia frente a su rival
Milán.

Donatello. San Jorge.
•Esculpida por encargo del gremio de los
armeros.
• Encarna una dimensión humana
ejemplar, ideal. Posee el aplomo y la
soberana autoridad de la juventud
desafiante. Se levanta con firmeza sobre
el suelo, con los pies pegados a tierra. Su
rostro es todo energía y concentración.
Parece esperar la llegada del monstruo
para enfrentarse a él; las manos
descansan sobre el escudo, pero es
totalmente tensa su actitud en una
determinación de desafío.
•Es un símbolo del valor y la intrepidez
juveniles.

Donatello. San Juan
•Estuvo situado en el exterior del Duomo.
•Sirvió como modelo al Moisés de Miguel
Ángel con su cuerpo enorme y en tensión.
• Potente bóveda craneana influida por la
cabeza del Júpiter Capitolino, rostro de
rasgos regulares y muy humanos, sosegada
robustez del cuerpo que recuerda la solidez
de las estatuas antiguas.
•Hombros y torso geométricamente
simplificados de acuerdo con la concepción
semicircular. Las manos son realistas.
• Ropaje muy plástico con mucho volumen,
movimiento y profundidad.

Donatello. Habacuc.
•Representación de un
profeta como si fuera
un filósofo del arte
romano.
•Hay un estudio del
cuerpo, el rostro es
real mostrando incluso
su fealdad: rostro
anguloso, nariz
aguileña, cejas
levantadas y boca
abierta.

Donatello. Habacuc. Detalle.

Donatello Cantoría del Duomo

Donatello. Cantoría.
Detalle.
•Muestra una serie de niños
danzantes detrás de una hilera
de columnas sobre ménsulas
adornadas con volutas. Otras
decoraciones: jarrones, hojas
de acanto, friso de conchas..
•Le interesa la plasmación del
movimiento, la vivacidad de las
figuras.
•La composición es novedosa
por prolongarse más allá del
ancho de la tribuna y el corro
de niños detrás de las
columnas que crea sensación
de profundidad espacial

Relieve aplastado entierro de Cristo

Madonna delle Nuvole. Boston

•Estatua ecuestre fundida
en bronce inspirada en la
estatua ecuestre de Marco
Aurelio.
•Naturalismo y serenidad
del jinete y captación
psicológica del retrato del
personaje.
•Fue realizada para
glorificar al personaje y
resaltar sus virtudes como
la autoridad, remarcada
ésta por la posición del
bastón de mando. El rostro
es el de un hombre
avanzado en años.
Condotiero Gattamelata

Andrea Verrocchio 1435-1488
•Se formó en el taller de Donatello.
•Su mayor actividad la dedicó a la escultura en bronce,
mármol y terracota.
•Sus obras más conocidas son un David de 1475 y la
estatua ecuestre del Condottiero Colleoni, fundida en
1481. Ambas son réplicas de dos estatuas famosas de
Donatello, aunque pueden apreciarse fácilmente las
diferencias de estilo: un mayor refinamiento del
Verrocchio frente a una mayor intensidad heroica y
grandiosa de Donatello. Respecto a su faceta como
pintor, en su taller se formó Leonardo da Vinci.

David Verrochio
•Encargo de Lorenzo y Juliano de
Medicis en 1476.
•El David es menor de edad, y
está vestido con modestia, en
contraste con el provocativo
David de Donatello.
•La belleza algo gótica, idealista,
de los rasgos está más cercana
en espíritu a Ghiberti que al
innovador Donatello

Condottiero Colleoni 1478
•La obra fue un encargo de la
República de Venecia. Fue el primer
intento de representar el caballo con
una de las patas en el aire.
•La estatua destaca por la expresión en
el rostro de Colleoni, que obedece a
una observación cuidadosa, y que
refleja un mando severo.
•Representación del movimiento.

LUCA DELLA ROBBIA (1400-1482)
•Es el inventor de la técnica de la terracota vidriada y
policromada, que reúne las cualidades de la plásticas y del
color, instaurando un nuevo artesanado de alto nivel que toma
sus modelos del arte y los reproduce a un bajo costo,
difundiendo entre las capas medias el gusto por el objeto
decorativo y devocional.
• Decoración de guirnaldas, festones de frutas y flores. Figuras
de color blanco y el fondo azul, aunque, a veces, el color
invade los ropajes y sobre todo la decoración vegetal.
•Ve el lado amable de la vida, representando figuras bellas,
idealizadas y en actitudes elegantes. Con esta técnica realizó
tanto el pequeño relieve hasta el retablo de numerosas
figuras.
•También funde en bronce y esculpe en mármol: cantoría de la
catedral de Florencia, donde es importante la gradación del
relieve para representar el espacio, y donde los personajes
están representados de un modo verista tanto en sus
fisonomías como en sus actitudes.

Lucca Della Robbia. Cantoría de la catedral de
Florencia 1431

Andrea Della Robbia

Pintura: características
•Interés por la figura humana que es naturalista idealizada. Algunos autores se
decantan por la "poesía" estilizada, cortesana y elegante del gótico
internacional (Fray Angélico), otros por la experimentación racional,
matemática de estricta proporcionalidad ( Masaccio, P. Ucello, Piero della
Francesca), y otros por la idealización neoplatónica de la belleza (Boticelli).
•Se estudia la anatomía, conociendo las funciones del cuerpo y el proceso
orgánico del movimiento. Representación del desnudo.
•Búsqueda de un espacio tridimensional por medio de la perspectiva lineal.
Representación del paisaje natural o arquitecturas ideales basadas en la
nueva arquitectura y en las ruinas romanas.
•Predominio de la línea. Las figuras se recortan en el fondo y ocupan el lugar
que les corresponde dentro del juego de la perspectiva lineal. Los colores
están supeditados a ese efecto de recreación del espacio.
•Estudio de la luz, que envuelve las figuras y las dota de volumen que ocupa
un espacio. Representación del volumen mediante el modelado.
•Composiciones racionales matemáticamente calculadas y equilibradas.
Esquemas de composición elementales: circunferencia, cuadrado, triángulo.
• Se siguen representando temas religiosos, pero dotándolos de un sentido
clasicista y aparecen otros temas nuevos : retratos, pinturas conmemorativas,
retratos colectivos y temas mitológicos que suelen ser además alegóricos, o
que reproducen textos sobre pinturas antiguas. Se rompen los estrictos límites
de lo sagrado y lo profano. Retrato en principio de perfil, luego de frente.

Fray Angélico 1400-1455. Anunciación. Museo del Prado

Fray Angélico
•Es un artista religioso, místico que pinta visiones celestes.
•Es goticista: importancia del oro en sus fondos, alargamiento de
sus figuras, disposición curvilínea de las mismas, sentido
"poético" y elegante de los gestos cortesanos aunque se trate de
pinturas religiosas, tonos pastel de sus colores y su sentido del
volumen, nada rotundo, ni enclavado en el espacio, como si fuera
etéreo y flotara en el aire. En su pintura todo es espiritual.
•Prefiere los temas gozosos a los trágicos, y cuando se sirve de
estos últimos, los inunda de un sentido místico. Aunque conoce
perfectamente el nuevo lenguaje renacentista renuncia totalmente
a él, introduciendo solamente algunas arquitecturas tratadas con
perspectiva lineal, pero bastante anticlásicas.

Fray Angelico.
Transfiguración.
Convento de San Marco
Florencia
•Las celdas del
convento están
decoradas con
frescos.
•Predominio de la
línea. Colores pastel
y precisión de la
representación de la
naturaleza y la
arquitectura

Sandro Botticelli 1445-1510
•Era hijo de un curtidor. En 1475 recibió el primer encargo de los Medici, un
estandarte para torneos. Su mecenas fue Lorenzo de Pierfrancesco, primo de Lorenzo
el Magnífico. Viajó a Roma y pintó para el Papa diversos frescos para la capilla
Sixtina, regresando a Florencia en 1482. Cuando murió Lorenzo de Medici en 1492,
Botticelli entró en crisis, también propiciada por las predicaciones de Savonarola que
destruyeron el mito neoplatónico con el que Sandro creía poder conciliar la fe cristiana
y la leyenda pagana. También que en 1501 tuvo que afrontar un proceso por sodomía.
Su pintura se hará más dramática y sus colores más oscuros. Se le ha considerado
que es el pintor de la belleza y a ello supeditará toda su obra.
•Era hijo de un curtidor. En 1475 recibió el primer encargo de los Medici, un estandarte
para torneos. Su mecenas fue Lorenzo de Pierfrancesco, primo de Lorenzo el
Magnífico. Viajó a Roma y pintó para el Papa diversos frescos para la capilla Sixtina,
regresando a Florencia en 1482. Cuando murió Lorenzo de Medici en 1492, Botticelli
entró en crisis, también propiciada por las predicaciones de Savonarola que
destruyeron el mito neoplatónico con el que Sandro creía poder conciliar la fe cristiana
y la leyenda pagana. También que en 1501 tuvo que afrontar un proceso por sodomía.
Su pintura se hará más dramática y sus colores más oscuros. Se le ha considerado
que es el pintor de la belleza y a ello supeditará toda su obra.
Características:
•Predominio del dibujo, sus figuras se recortan sobre el fondo.
•Línea ondulante .
•Estilización melancólica y enfermiza de sus figuras
•Idealización poética de evasión y estética del sentimiento.
• Renuncia a la utilización, en casi todas sus obras, de la perspectiva lineal.
• Valoración de la belleza ideal que se configura en una atención por los modelos
religiosos que se ofrecen como una paganización y orientación profana de lo sagrado,
al mismo tiempo que los temas profanos, como el mito, se configuran como visiones
místicas.
Todas estas características son góticas. Se puede considerar como un
antirrenacentista, ya que en la época en la que el pinta, el último tercio del siglo XV, el
lenguaje renacentista de captar la naturaleza de un modo racional y objetivo, estaba
plenamente configurado.

Botticelli. La primavera. Ufizzi. Florencia

La Primavera 1478
•En el jardín de Venus de la eterna primavera, los naranjos rodean a Venus
que aparece de frente, conforme al mito clásico del jardín de las
Hespérides‚ como diosa del amor. Vestida con un traje nupcial blanco con
bordados de oro. Venus señala a las tres gracias con su mano derecha,
mientras que cupido tensa su arco. Las gracias están plasmadas en un suave
movimiento de danza circular, a su lado, Mercurio ahuyenta las nubes que
oscurecen el jardín de Venus. En primer plano, a la derecha, avanza Flora, con
la mano derecha entre las rosas que lleva entre los pliegues de su túnica
florida. A su lado, la ninfa Cloris (desnuda como la tierra en invierno) trata de
escapar de Céfiro, el viento del oeste que puede acabar con la primavera
temprana.
El cuadro fue pintado para el dormitorio de Lorenzo Pierfrancesco y
podría tratarse de un cuadro de boda (el vestido de Venus).También la alusión
al amor por el erotismo de las Gracias. Pero tendría otro sentido alegórico
basado en los textos de Policiano que equipara Venus con Humanitas. Por lo
tanto tendría tres significados: mitológico, filosófico y matrimonial.

Botticelli. Nacimiento de Venus. Ufizzi

Nacimiento de Venus 1485
•Basado en textos de la Metamorfosis de Ovidio y de Poliziano
•. Exaltación de la belleza femenina.
• Tema mitológico del nacimiento de Venus del agua del mar, tema
cristiano del nacimiento del alma por el bautismo y tema humanístico:
simbólicamente expresaría el nacimiento de la "Venus Humanitas", es decir,
de la unidad, la armonía, encuadrada dentro de los tres elementos: tierra,
mar y aire. Al lado de Venus, los vientos (Céfiro y Cloris) abrazados entre las
flores, y al otro lado, una ninfa con el manto hinchado por el viento.
•El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una
concha que flota en un mar verdoso. Tiene la actitud de una Venus púdica:
una mano sobre el pecho y otra sobre el sexo. El cabello se representa con
curvas y contracurvas que rozan el cuerpo de Venus. Su postura curvilínea
sigue siendo propia del gótico, pero el contraposto está inspirado en el
Helenismo e igualmente el color claro de su piel recuerda el mármol de las
esculturas. Su expresión melancólica es propia del gótico cristiano

Botticelli. Madonna de la Magnificat. Ufizzi

Botticelli. Calumnia de Apeles. Ufizzi

La Calumnia 1495
•Basada en una pintura del pintor helenístico Apeles: el pintor es
denunciado en falso al rey de Egipto Ptolomeo IV. Uno de los
acusadores confesó la inocencia de Apeles salvándole de la
muerte. El pintor se vengó pintando un cuadro alegórico .
• Un rey con orejas de asno, tiende su mano al odio que
antecede a la calumnia. A los lados del rey, la Ignorancia y la
Sospecha. La Calumnia es una mujer hermosa peinada por la
Envidia y la Estafa, con una antorcha encendida en una mano,
mientras que en la otra arrastra por el cabello a un joven. Detrás
se sitúa a la Penitencia, con los rasgos de una vieja afligida, que
mira a la Verdad desnuda.
•Las pinturas del final de su etapa son dramáticas, con colores
apagados y oscuros, reflejo de su crisis personal y la crisis
social que atacó a Florencia a fines del siglo XV. El espacio
arquitectónico en perspectiva lineal, es el símbolo del mundo
antiguo, en el cual sabiduría humana no puede alcanzar la
justicia porque no está iluminada con la fe católica.

Masaccio 1401-1428
•Influenciado por Giotto en la monumentalidad de los
personajes en la ausencia de todo lo anecdótico,
ordenación compositiva y expresividad de los rostros y
de Brunelleschi y Donatello, en el sistema de
perspectiva que introdujo en sus composiciones.
• Creó un nuevo sistema de representación basado en
el estudio y la aplicación de la perspectiva, la
proporción y la recreación de modelos antiguos
escultóricos.
•Rompe totalmente con el gótico y su pintura es una
síntesis unitaria basada en los principios de la
geometría, el estudio armónico de las proporciones, el
análisis de la incidencia de la luz sobre los cuerpos
para articular volúmenes y la composición como
fundamento regulador de la estructura de cada obra.

La Trinidad. Santa María Novella.
Florencia
•Fresco que simula una capilla funeraria.
•Elementos arquitectónicos tomados de
Brunelleschi.
• El tema evoca la idea del triunfo sobre la
muerte, situada en la parte inferior y el
acceso a la gracia.
•Los donantes están representados a la
misma escala que los personajes sagrados.
•El fresco representa a la Trinidad, cuyo
símbolo es el triángulo y la composición
queda rigurosamente inscrita en el
triángulo.
• Composición basada en círculos, triángulo
y balanza, totalmente equilibrada.
• Predominio de la línea.

Masaccio. Frescos de la capilla Brancacci.

Capilla Brancacci. Florencia
•La capilla pertenecía a la familia desde 1366.
•Felice Brancacci, comerciante y embajador florentino
en El Cairo, encargó a Masaccio y Masolino la
decoración de la capilla con frescos dedicados a San
Pedro. El comerciante aparece en El Tributo. Masaccio
murió y los frescos los terminó Masolino.
•Las composiciones se ordenan en dos cuerpos
superpuestos como si fueran cuadros trasladados al
muro enmarcados por pilares cl clásicos con capiteles
corintios pintados. Se elige la vida de San Pedro por
orden del comitente, ya que San Pedro era patrón de
los marineros y los comerciantes del mar.

Masaccio. Tributo de la moneda.

Tributo de la Moneda
•Representa un milagro cuyo protagonista es Cristo y en el que Pedro no
hace más que obedecer. Las escenas son simultaneas, no sucesivas
porque todos los hechos dependen del gesto imperativo de Cristo. El anillo
humano se ve circundado por un arco de montes desnudos, con unos
pocos árboles muertos que marcan perdidas direcciones de perspectiva.
Solo la puerta de la ciudad presenta un volumen definido y su arco se
relaciona con Pedro: sólo a Pedro como jefe de la iglesia le corresponde
tratar con el mundo.
•El paisaje es árido. Toda la luz se concentra sobre las figuras. Utiliza
colores cálidos en primer término, y fríos en el paisaje del fondo, a la vez
que las formas del fondo se desdibujan paralelamente a la disminución de
la escala de las figuras y al juego innovador de los escorzos como la figura
de espaldas del recaudador de impuestos. Con ello configura el espacio, y
también con el tratamiento de la luz que incide sobre las figuras
destacando su monumentalidad clásica.

Piero Della Francesca 1420-1492
•Se formó en Florencia: allí aprende a reproducir la realidad, el
espacio, el movimiento y la claridad en la composición.
•Fue influenciado la perspectiva de Brunelleschi, por el volumen
de Masaccio y por el naturalismo de Donatello. De Roger Van
der Weyden, el detallismo de sus paisajes.
•Su obra se caracteriza por una dignidad clásica. El tratamiento
de las figuras es muy volumétrico, geométrico y monumental.
Estudio anatómico.
•Inexpresividad y frialdad de los personajes, con figuras
estáticas, como estatuas, situadas en un espacio racional
matemático representado con perspectiva lineal.
•La luz diáfana, con tratamiento uniforme, sin gradación lumínica
, dando la sensación de que las figuras tienen luz propia.

Bautismo de Cristo
•Figuras representadas resaltando el
aspecto escultórico y anatómico de los
personajes gracias a la luz.
•Detallismo en detalles secundarios
como las hojas de los árboles y el
reflejo de las montañas en el agua,
fruto de la observación de la
naturaleza.
•Las figuras están modeladas con luz
blanca uniformemente distribuida.
• Composición basada en el cuadrado
y el círculo (tierra y cielo).
Horizontalmente dividido en tercios y
verticalmente en cuartos (alas de la
paloma y manos de los ángeles las
líneas horizontales. vestido rosa del
ángel, Cristo y la espalda de San
Juan, líneas verticales).

Piero della Francesca. La Flagelación.

Flagelación 1450
•Perspectiva lineal y arquitectura influida por Alberti
• El tema podría ser una alegoría de la toma de
Constantinopla por los Turcos (1453) y los
sufrimientos de la iglesia cristiana por ese hecho.
Pues el hombre con barba es un prototipo de griego
culto,
• Utiliza la perspectiva lineal y una rígida
proporcionalidad matemática, cuya medida es la
línea de mármol negro que se superpone a la cabeza
del griego.
•Las figuras son geométricas, de monumentales
volúmenes acentuados por la luz clara y uniforme
que las envuelve. Detallismo "flamenco" de las telas.

Salomón y la reina de Saba: El fresco está dividido en dos mitades, a la izquierda, la
reina de Saba y su corte van caminando al palacio del rey Salomón, quien ha mandado
cortar un árbol (el del bien y del mal) que había conseguido Set, hijo de Adán y que
había crecido en la tumba de este. De este árbol saldrá la cruz de Cristo .

Sueño de Constantino.
Leyenda de la Santa Cruz
•Es el primer nocturno de la
Historia del Arte. Fresco de la
iglesia de San Francisco de
Arezzo, encargados por la
familia Bacci. El tema es la
historia de la Vera Cruz
extraída de la Leyenda
Dorada de Santiago de la
Vorágine.

Díptico de los duques de Urbino. Ufizzi

Díptico de los duques de Urbino
•Representan al duque de Urbino y a su mujer, Battista
Sforza. Los dos perfiles quedan frente a frente sobre
un paisaje idealizado y en perspectiva. La luz que
proviene de la espalda de Federico da Montefeltro
ilumina el rostro de Battista y lo hace parecer más
blanco. Se aprecia un potente sentido de volumen,
especialmente en el perfil de Federico, gracias al gorro
del mismo color rojo que las ropas.
• La colocación de las figuras en una posición
sobreelevada con un amplio paisaje en el fondo es
influencia flamenca como el gran detallismo por
ejemplo la forma de la nariz, que el duque se rompió
en un torneo en el que perdió un ojo, o la verruga y las
telas y joyas de la mujer.

Reverso del díptico de Urbino

• Reverso que representa sendas carrozas
triunfales. El duque coronado por la
Victoria, de pie tras él, y asistido por las
virtudes fe, esperanza y caridad. Los
caballos son conducidos por el amor
• La duquesa es asistida por diez figuras
femeninas. Su carro lo llevan unicornios,
símbolo de la castidad, que preceden la Fe
y la Caridad.
• Es la marcha triunfal de los duques al modo
antiguo.

Paolo Ucello 1397-1475
•Trabaja en Florencia con Ghiberti. Después
de una estancia en Venecia, vuelve a su patria
y es entonces (hacia 1430) cuando inicia sus
investigaciones sobre la perspectiva.
•Entendía la representación tridimensional del
espacio como un escenario, un espacio
fingido en el que se desarrolla la acción. Por
ello, Ucello recurrió al teatro como fuente de
inspiración para alguna de sus composiciones.
• Geometrización de sus figuras, a las que la
luz les da su concreción volumétrica‚ que sirve
para articular el espacio tridimensional.

Batalla de San Romano Galería Nacional de
Londres

Batalla de San Romano. Ufizzi. Florencia

Batalla de San Romano. Louvre

Batallas
•Son tres tablas, pintadas en 1456. Representan
tres episodios de las luchas entre florentinos y
sieneses. Se entienden como la escenificación
de un torneo.
•Los suelos de las batallas son como el tablado
de un escenario, y los fondos de paisaje, se trata
de la simulación de telones de fondo integrantes
en la escenografía de la representación.
•No se trata de la representación literal de un
tema teatral, sino de la escenificación pictórica
de un tema histórico y conmemorativo.

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