Aportes grupo 5

1. Universidad de Los Andes
Facultad de Humanidades y Educación
Escuela de Educación
Educación Básica Integral
Educación Estética
Trabajo Grupo 5
Br. Karen Manrique
V-18.995.294
Marzo-2016

2. Formación Estética Visual
Los niños y niñas siempre han estado influenciados por sus personajes o
superhéroes favoritos a la hora de jugar o dibujar, sin embargo, nunca hasta ahora
esta influencia fue tan poderosa o al menos nunca tuvo, de forma tan clara, esa
voluntad de inundar todos los espacios, públicos o privados, de la vida infantil. La
potencia de la cultura visual en nuestro tiempo se manifiesta por su capacidad
para construirse como gran elemento generador de significados y mediador
simbólico entre los niños y el mundo.
Debemos tener en cuenta que los niños y las niñas no son burbujas, no crecen
aislados de su entorno. Por eso el ideal de un desarrollo creativo natural y
espontáneo, que fluya libremente del niño sin la contaminación del universo
adulto, es su deseo imposible en la sociedad actual.
El Dibujo, además de un medio de expresión, es un medio de conocimiento y de
contaminación, simboliza nuestra relación con el medio, con el entorno cultural. Si
las esferas de los juegos y las fantasías infantiles gira en torno a personajes de la
cultura visual, éstos aparecerán necesariamente en sus dibujos, si bien le
incidencia de estos motivos en cada niño o niña será muy variable, difícil de
generalizar, dependiendo de las características individuales.
El dibujo, en su carácter de sistema simbólico compartido, de manifestación
cultural, puede cumplir una función socializadora, de relación con los iguales. Al
dibujar los mismos personajes que los compañeros o los amigos, niños y niñas
están creando vínculos, se están reconociendo como pertenecientes a un grupo, a
una comunidad, en este caso, podemos decir que incluso aun grupo que engloba
a niños de todos los países.
La escultura es el arte de modelar, tallar y esculpir un material, con el fin de
representar figuras u objetos en tres dimensiones. Esto quiere decir que, a
diferencia de la pintura, que es bidimensional y plana, las esculturas tienen
volumen y pueden ser apreciadas no sólo de frente sino desde distintos puntos.
Técnicamente, la escultura es la rama de las artes plásticas que se ocupa de la
creación de formas artísticas en tres dimensiones, con muy diversos materiales y
formas.
Como la escultura es casi tan antigua como el hombre, en este Icarito solo se
abarcará su desarrollo hasta el estilo denominado Rococó.

3. Desde el comienzo de este arte en tiempos prehistóricos, la principal inspiración
de los escultores ha sido la figura humana, aunque con distintas motivaciones o
connotaciones.
Las representaciones del hombre primitivo estaban relacionadas con la magia, la
religión y también con la utilidad (tallado de herramientas y utensilios). Sin
embargo, con el paso del tiempo, estas figuras perdieron su simbolismo y
funcionalidad, surgiendo la preocupación por reproducir la belleza. Esta finalidad
determinó el nacimiento del “arte de la escultura”.
A medida que se fue desarrollando la civilización, se acentuó la utilización de las
figuras humanas tanto femeninas como masculinas, en algunos casos
mezclándolas con rasgos animales para representar a los dioses (pueblos
mesopotámicos). También es importante la exaltación de los soberanos (egipcios).
Con los griegos se humanizan tanto las esculturas, que dada su perfección parece
como si se tratara de personas congeladas cubiertas de mármol -tipo de piedra,
principal material utilizado en esa época-.
Grecia marcó un hito en las artes. La perfección y la belleza no solo están
presentes en la escultura, sino también en la arquitectura. Su estilo para crear ha
sido denominado clásico, y sus formas y detalles aún son estudiados.
Roma preservó este estilo, introduciendo un mayor realismo en los retratos, sobre
todo en los de los emperadores, y en los relieves históricos.
Durante la Edad Media, las esculturas pasaron a segundo plano respecto a la
arquitectura. Casi fueron exclusivamente un complemento de esta, al estar
destinadas a la ornamentación de grandes construcciones, como, por ejemplo,
castillos, palacios e iglesias. Las figuras estaban relacionadas con los textos
bíblicos, ya que en ese tiempo primaba el teocentrismo; es decir, todos los
aspectos de la vida giraban en torno a la creencia en Dios.
El Renacimiento marcó el retorno al estilo clásico. Un claro ejemplo del brusco
quiebre respecto al período anterior es la reaparición de las representaciones del
cuerpo humano desnudo.
El barroco surgió en Italia a principios del siglo XVII y se caracterizó por su
exuberancia, la bella expresión de emociones, y, en algunos casos, también por
su dramatismo.
Como ya lo señalábamos, terminamos con el Rococó, estilo ornamental
principalmente de interiores, surgido en Francia y que se difundió por Europa
durante el siglo XVIII.

4. El diseño gráfico es una profesión cuya actividad consiste en concebir, organizar,
proyectar y realizar comunicaciones visuales, producidas en general por
medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos
sociales y con objetivos claros y determinados. Esta actividad posibilita comunicar
gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos,
formasycomunicación,factores sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnol
ógicos. También se conoce con el nombre de diseño en comunicación visual,
debido a que algunos asocian la palabra gráfico únicamente a la industria gráfica,
y entienden que los mensajes visuales se canalizan a través de muchos medios
de comunicación, y no solo los impresos.
Dado el crecimiento veloz y masivo en el intercambio de información, la demanda
de diseñadores gráficos es mayor que nunca, particularmente a causa del
desarrollo de nuevas tecnologías y de la necesidad de prestar atención a los
factores humanos que escapan a la competencia de los ingenieros que las
desarrollan.1
Algunas clasificaciones difundidas del diseño gráfico son: el diseño
gráfico publicitario, el diseño editorial, el diseño de identidad corporativa, el diseño
web, el diseño de envase, el diseño tipográfico, la cartelería, la señalética y el
llamado diseño multimedia, entre otros.
La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados
con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se
emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición
pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una
superficie determinada una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un
fragmento de tejido, etc. una técnica determinada, para obtener
una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra
de arte según algunos principios estéticos.
La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de las
siete Bellas Artes. En estética o teoría del arte moderno la pintura está
considerada como una categoría universal que comprende todas las
creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a cualquier
técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo los soportes o las técnicas
efímeras así como los soportes o las técnicas digitales.

5. Una pintura es el soporte pintado sobre un muro, un lienzo, o una lámina. La
palabra pintura se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a
una técnica de pintura; en este sentido es empleado en la clasificación de la
pintura atendiendo a las técnicas de pintar, por ejemplo: «pintura al fresco» o
«pintura al óleo».
La clasificación de la pintura puede atender a criterios temáticos (como la «pintura
histórica» o la «pintura de género») o a criterios históricos basados en los periodos
de la Historia del Arte (como la «pintura prehistórica», la «pintura gótica») y en
general de cualquier período de la historia de la pintura.
Puede decirse que la arquitectura se encarga de modificar y alterar el ambiente
físico para satisfacer las necesidades del ser humano. Los arquitectos no sólo se
encargan de desarrollar construcciones en función de su forma y utilidad, sino que
también siguen preceptos estéticos. Por eso, la arquitectura suele ser considerada
como una de las bellas artes.
En la actualidad, la arquitectura está principalmente asociada al diseño de
espacios que sirven como vivienda. La construcción de casas y edificios forma
parte de la actividad más frecuente del arquitecto, quien debe tener en cuenta una
gran cantidad de preceptos a la hora de desarrollar sus proyectos. Las obras
deben levantarse de modo seguro y respetando las condiciones
medioambientales.
Por otro lado, los arquitectos también dirigen diversos proyectos que trascienden
el ámbito de la vivienda, tales como la construcción de una fábrica, de un centro
comercial, de un colegio o de una iglesia.
De acuerdo al período histórico, es posible hablar de distintos tipos de
arquitectura. La arquitectura gótica, por ejemplo, tuvo su auge entre el siglo XII y el
siglo XV, caracterizándose por la ligereza estructural y la iluminación del interior de
los edificios. La arquitectura renacentista (entre los siglos XV y XVI) y la barroca
(del siglo XVII al XVIII) son otros dos ejemplos de estilos que han trascendido.
Arte en el tiempo
Arte Pre-histórico
Se designa como prehistoria el periodo de desarrollo cultural de la humanidad
anterior a la aparición de la escritura. Esta extensa época se divide en dos

6. grandes etapas, la edad de piedra y la edad de los metales, aunque las
cronologías varían mucho según los continentes y regiones.
El paleolítico
Se inicia unos 25000 años antes de la era cristiana. Durante este período el
hombre lleva una vida nómada, subsistiendo de la caza y la pesca y fabricando
instrumentos de piedra tallada, hueso o madera. Estos huesos grabados o
esculpidos, las decoraciones parietales de las cuevas y abrigos, además de
poseer un innegable interés artístico, plantean muchas posibles cuestiones sobre
la finalidad mágica y religiosa del arte prehistórico. El arte del Paleolítico es muy
elemental en lo referente a materiales y técnicas, y se centra en dos grandes
manifestaciones.
El neolítico
Hacia el sexto milenio se produce la primera revolución tecnológica de la historia,
y sus efectos produjeron una profunda transformación en la vida del hombre. El
desencadenante de esta compleja e imparable dinámica de cambio se halla en el
desarrollo de la agricultura, que permite abandonar progresivamente el
nomadismo y establecer comunidades estables.
Con la sedentarización, las nuevas sociedades humanas adquirieren una
estructuración más compleja, organizada según criterios jerárquicos que se hacen
cada vez más y más rígidos, tendiendo a la fragmentación social en clases cada
vez menos permeables. Paralelamente a este proceso de culturización
desarrollarán el sentimiento religioso, descubrirán la técnica cerámica y
aprenderán a tallar las piedras para utilizarlos como herramientas.
La arquitectura
La aparición de los primero asentamientos estables conlleva el abandono de los
abrigos naturales y de las construcciones provisionales, que son sustituidas por
unas primeras y sencillas edificaciones arquitectónicas. Paralelamente, surge con
fines funerarios o de culto la arquitectura megalítica, monumentos realizados con
grandes piedras toscamente laboradas y con disposiciones diferentes.
La pintura y la cerámica

7. En los abundantes vestigios pictóricos del neolítico se observa una evolución
hacia una mayor esquematización geométrica y abstracta. Sin embargo, la mayor
aportación del periodo es la invención de la cerámica, realizada manualmente, ya
que todavía no se había inventado el torno, y a veces decorada con incisiones o
espirales.
La Edad del Bronce
No existe una clara ruptura entre el Neolítico y la edad de bronce en Europa,
aunque a lo largo del III milenio a.c. se va haciendo cada vez más común el uso
de metales y de sus aleaciones. Todavía se hacía algo de cerámica fina, pero en
líneas generales los artesanos se inclinaron por realizar obras de bronce, oro y
plata, e incluso los objetos en barro empezaron a imitar las líneas suaves y la
ornamentación, barquitas o los llamados discos solares, así como espadas,
hachas, brazaletes y objetos de ornamento, trabajados con la técnica del vaciado
y el cincelado y decorados con motivos geométricos, principalmente círculos y
espirales.
En las islas Baleares se desarrolla durante este periodo una brillante cultura,
representada fundamentalmente por unas originales construcciones megalíticas:
las taulas, formadas por tres grandes losas de piedra a modo de mesa destinada a
la celebración de sacrificios; las navetas, construcciones sepulcrales colectivas, y ,
finalmente, los talayots, parecidos a la nuragas de Cerdeña (torres fortificadas),
construcciones de planta circular con una torres piramidal en el centro.
La Edad del Hierro
La metalurgia del hierro aparece en el próximo Oriente hacia el año 1200 a.c.,
pero solamente fue usada para pequeños objetos de adorno. Paulatinamente se
fue introduciendo en Europa durante la fase inicial del I Milenio a.c. por las vías de
acceso del Oriente y del Mediterráneo. Se divide básicamente en dos periodos,
Hallstatt y la Téne.
El periodo Hallastatt (900-500 a.c.)
Típicas de esta cultura nacida en el norte de los Alpes austríacos, fundada por una
aristocracia guerrera que vivió en ciudades fortificadas, son las armas decoradas
con motivos geométricos y las pequeñas figurillas desnudas de hierro.

8. El periodo La Téne (400-100 a.c.)
Cultura heredera de la de Hallstatt, intensificó el contacto comercial con las
culturas orientalizantes egeo-mediterráneas. En la orfebrería, representada por
armas y objetos de adorno personal, los artesanos emplean los temas
ornamentales de la cultura egea (animales y plantas) pero esquematizados y
estilizados hasta convertirlos en motivos abstractos, principalmente espirales,
círculos, líneas ondulantes. Destacan las obras realizadas con las técnicas del
esmalte. La introducción del torno representó un incremento en la producción
ceramista.
Primera civilizaciones
En la región bañada por los ríos Tigris y Éufrates, nace la civilización
mesopotámica, cuyas raíces se encuentran en dos pueblos bien diferenciados: los
sumerios y los acadios, que desarrollan, en el valle bajo, una civilización urbana y
religiosa, de la que surgirá posteriormente el imperio babilónico, en Assur, en el
valle alto, aparece la civilización guerrera y militar, de la que nacerá el imperio
asirio. La historia de la civilización egipcia comienza hacia el año 3100 a.c., tras la
unificación del Alto Egipcio y el Bajo Egipcio bajo una única autoridad: el faraón.
El arte mesopotámico
Arquitectura
La carencia de piedra obligo a los arquitectos mesopotámicos a utilizar ladrillo y
adobe, y además imposibilito la aplicación de los sistemas arquitrabados y
adintelados, por lo que a la hora de abrir vanos en los muros se vieron obligados a
disponer las piezas de forma radial: así nacieron el arco y la bóveda. Los edificios
más característicos son el templo y el palacio. Los primeros templos presentan
planta rectangular, con la nave central en forma de T y las laterales divididas en
capillas; posteriormente, se edificaron sobre terrazas escalonadas, multiplicándose
el número de patios y dependencias. Hacia 2100 a.c. aparece zigurat, una torre
escalonada formada por terrazas y coronada por el santuario del dios.
Los palacios mesopotámicos son complejas edificaciones sobre terrazas, de
concepciones centralizadas: todas las estancias se disponen en torno a un gran
patio central, que daba acceso a la sala de audiencias y al salón del trono,
además de otras salas y dependencias privadas. Durante el periodo asirio se
edificaron suntuosos palacios reales, como los de Jorsabad y Nínive, ricamente
decorados con relieves.

9. La escultura
Gozó de particular aprecio entre los artistas mesopotámicos. Uno de los géneros
más cultivados fue la estela, un bloque de piedra con inscripciones en bajo relieve,
de las que son magníficos ejemplos la célebre Estela de Naramsin, de época
acadia, y el Código de Hammurabi, obra capital del arte babilónico. Otras piezas
características son los cilindros-sello y las estatuillas votivas neosumerias,
realizadas generalmente en diorita y con inscripciones grabadas, siendo las más
famosas las que representan al rey Gudea de Lagsh.
El arte persa
Continua, en líneas generales, la tradición artística mesopotámica, pero se
distingue de ella por la asimilación de otras culturas. Se distinguen el periodo
aqueménida (560-330 a.c.), anterior a la conquista de Alejandro, y el periodo
sasánida (226-640 d.c.).
Arte Egipcio
Toda la vida egipcia estaba regida por la religión, que otorgaba al faraón un
carácter divino, y por los conceptos de la inmutabilidad de las creencias y la
permanencia del poder. De ahí el monumentalismo arquitectónico, el simbolismo,
el hieratismo y la rigidez de las formas escultóricas que caracterizan su producción
artística.
Tan diversas etapas de esplendor durante el Imperio Antiguo y el Imperio Nuevo,
Egipto entró en un proceso de decadencia a lo largo del cual cayó en manos de
pueblos extranjeros, sucediéndose el imperio saíta, el periodo helenístico u el
periodo romano, que marcaron el final de la civilización del antiguo Egipto.
Arte pre-hispánico
La cultura Azteca
El centro azteca más importante fue la ciudad de Tenochtitlán, sobre la que más
tarde se construyo la actual capital del país. Los pocos restos que quedan de ella
perviven en la ciudad de México, concretamente en la plaza de la Constitución.
Tenochtitlán era un ejemplo perfecto de las formas arquitectónicas típicas de los
aztecas, que constituían una derivación de los toltecas. El templo torteca-azteca,
llamado teocali constaba fundamentalmente de una pirámide central escalonada,
con una escalinata al frente que conducía hasta la plataforma superior, destinada
a la celebración de los sacrificios y en la que se alzaba normalmente un pequeño

10. templo. En las grandes ciudades como Tenochtitlán, la pirámide central solía estar
rodeada de varias pirámides más pequeñas dedicadas a las divinidades menores.
Actualmente, pueden verse interesantes restos de la civilización azteca en la plaza
de las Tres Culturas de Ciudad de México, que corresponde a la antigua
Tlatelolco; en Malinalco, importante santuario de montaña con varios edificios
excavados en la roca y en el centro ceremonial de Teopanzolco.
La cultura Maya
La más original y peculiar de Mesoamérica, presenta una evolución que se divide
en dos periodos: el clásico comprendido entre los años 320 y 983, y el posclásico,
que se desarrolla de 987 a 1697. Las manifestaciones artísticas del primero se
encuentran en los actuales estados de Honduras, Belice, Guatemala y Chiapas
(México), mientras que las del segundo se ciñen principalmente a la península de
Yucatán.
Los mayas destacaron en la edificación en piedra de templos, palacios, canchas
de juego de pelota y acueductos. Al igual que casi todas las culturas
precolombinas, construyeron también templos en forma de pirámide, con una sola
escalera central de acceso al principio y con cuatros escaleras en época más
tardía. Los palacios se levantaban sobre una terraza natural, a la que se
sobreponía una o más terrazas artificiales para darles mayor altura. Constaban de
muchos aposentos, y a veces tenían hasta tres pisos. Las fachadas estaban
decoradas con relieves de piedra. Muy típicas de esta civilización son las canchas
de juego de pelota, que suelen tener planta de doble T.
Las ciudades de más importancia de la cultura maya fueron Copán (circo y plaza
de los ídolos), Palenque (templo del Sol, templo de la Inscripciones), Uxmal
(palacio del gobernador, casa de las Monjas, casa de las Palomas) y, sobre todo,
Chichén-Iza (templo de Kukulkán, templo de los Guerreros y juego de pelota), que
fue el mayor centro político-religioso de esta civilización.
La escultura y la pintura Maya tuvieron su época de esplendor durante el periodo
clásico. Se realizaron finísimos relieves de estuco, como los de Palenque, y
estelas y altorrelieves de técnica muy depurada, como los jaguares rampantes de
Copán. De todo ello, quizá lo más interesantes son las estelas: piedras grandes,
rectangulares generalmente, donde se representa una figura humana ricamente
ataviada y que suelen ir acompañadas de altares esculpidos con formas de
animales. Es famosa la estela de Quirigua, de más de 10 metros de altura. Otros
relieves característicos son los altares de Copán, esculpidos con escritura
jeroglífica, y los ricos frisos del Juego de pelota de Chichén-Iza.

11. Las pinturas mayas más importantes que se conocen son los frescos de
Bonampak. En ellos, las figuras están perfiladas con líneas en negro y los
espacios interiores están pintados con gran riqueza de color, sobre todo algunos
detalles como los penachos de plumas de Quetzal, que dan al conjunto una
vivacidad que resulta extraordinaria.
La cultura Inca
los ejemplos más típicos de la cultura Inca se encuentran en la ciudad que fue su
capital, Cuzco, que estaba protegida por el Sacsahuamán o fortaleza rodeada de
tres murallas en zigzag, formada por bloques ciclopes, que se conserva todavía en
muy buen estado. Otras fortalezas importantes fueron las de Pisac y Machu-
Picchu, que son, junto con Cuzco, los principales centros arqueológicos de la
cultura inca. Machu-Picchu, el más interesante asentamiento urbano del imperio
inca, cuyo nombre significa “La cumbre vieja”, está enclavado en lo alto de los
Andes, a 2045 metros sobre el nivel del mar extendiéndose por cuatro cerros; fue
descubierto en 1911. Entre los templos más importantes que se conservan de esta
civilización, cabe citar el de la Casa del Sol en la isla del lago Titicaca; el templo
del Sol en Cuzco, y el templo de la Tres Ventanas en Machu-Picchu. En cuanto a
los palacios destaca el de Nustas, también localizado en Machu-Picchu.
En cuanto a la escultura incaica, puede decirse que se limita a las
representaciones antropomórficas de la cerámica. En esta y en el arte de los
tejidos es donde su repertorio decorativo alcanzo mayor perfección, con un gran
dominio de las formas geométricas y una gran habilidad en la combinación de
colores. Enorme importancia tiene también los keros o vasos sagrados de
madera., ya que solo en ellos reprodujeron los incas la figura humana.
Entre las artes menores hay que mencionar primero la metalurgia del oro y de la
plata, con la que los incas realizaron magnificas joyas, en la que cabe destacar las
pequeñas llamas en oro y plata, que se utilizaban como ofrenda. Destaca también
el arte plumaria, que les sirvió para realizar bellos adornos de todo tipo con plumas
de ave.
Proyectos
Un proyecto (del latín proiectus) es una planificación que consiste en un conjunto
de actividades que se encuentran interrelacionadas y coordinadas.1 La razón de
un proyecto es alcanzar las metas específicas dentro de los límites que imponen
un presupuesto, calidades establecidas previamente y un lapso de tiempo
previamente definido. La gestión de proyectos es la aplicación de conocimientos,
habilidades, herramientas y técnicas a las actividades de un proyecto para
satisfacer los requisitos del proyecto. Consiste en reunir varias ideas para llevarlas

12. a cabo, y es un emprendimiento que tiene lugar durante un tiempo limitado, y que
apunta a lograr un resultado único. Surge como respuesta a una necesidad,
acorde con la visión de la organización, aunque ésta puede desviarse en función
del interés. El proyecto finaliza cuando se obtiene el resultado deseado, y se
puede decir que colapsa cuando desaparece la necesidad inicial o se agotan los
recursos disponibles. La definición más tradicional «es un esfuerzo planificado,
temporal y único, realizado para crear productos o servicios únicos que agreguen
valor o cause un cambio retroactivo. Esto en definición con la forma más
tradicional de trabajar, sobre la base de procesos, en la cual se opera en forma
permanente, creando los mismos productos o servicios una y otra vez
Características de un proyecto
De acuerdo con antecedente del Project Management Institute (PMI), las
características de un proyecto son:
La capacidad de prestar un servicio como, por ejemplo, las funciones del negocio
que respaldan la producción o la distribución.
Una película como, por ejemplo, salidas o documentos. Por ejemplo, de un
proyecto de investigación se obtienen conocimientos que pueden usarse para
determinar si existe o no una tendencia o si un nuevo proceso beneficiará a la
sociedad.
La singularidad es una característica no tan importante de los productos
entregables de un proyecto. Por ejemplo, se han construido dos edificios de
oficinas, pero cada edificio individual es único: diferente propietario, diferente
diseño, diferente ubicación, diferente contratista, etc. La presencia de elementos
repetitivos no cambia la condición fundamental, única de manejo y propósitos de
un proyecto.
Elaboración gradual.
La elaboración gradual no es una buena característica de los proyectos que
acompaña a los conceptos de temporal y único. “Elaboración gradual” significa
desarrollar en pasos e ir avanzando mediante incrementos. Por ejemplo, el
alcance de un proyecto se define de forma general al comienzo del proyecto, y se
hace más explícito y detallado a medida que el equipo del proyecto desarrolla un
mejor y más completo entendimiento de los objetivos y de los productos
entregables. La elaboración gradual no debe confundirse con la corrupción del
alcance.
Tipos de proyectos

13. Un proyecto también es un esfuerzo temporal que se lleva a cabo para crear un
producto, servicio o resultado único. Por ello, se identifica como proyecto
comunitario al conjunto de actividades orientadas a crear el producto, servicio o
resultado que satisfaga las necesidades más urgentes de una comunidad. Está
orientado fundamentalmente por quienes forman parte de la comunidad, puesto
que son quienes conocen la situación real de la zona.
Existen múltiples tipos de los proyectos, una de ellas los considera como
productivos y públicos.
Proyecto productivo: Son proyectos que buscan generar rentabilidad económica y
obtener ganancias en dinero. Los promotores de estos proyectos suelen ser
empresas e individuos interesados en alcanzar beneficios económicos para
distintos fines.
Proyecto público o social: Son los proyectos que buscan alcanzar un impacto
sobre la calidad de vida de la población, los cuales no necesariamente se
expresan en dinero. Los promotores de estos proyectos son el estado, los
organismos multilaterales, las ONG (organización no gubernamental) y también
las empresas, en sus políticas de responsabilidad social.
Otras formas de realizar la clasificación de los proyectos son las siguientes:
Basándose en el contenido del proyecto
Proyectos de construcción
Proyectos de Informática
Proyectos empresariales
Proyectos de desarrollo de productos y servicios
Basándose en la organización participante
Proyectos Internos
Proyectos de departamento
Proyectos de unidades cruzadas
Proyectos externos (de imagen corporativa)
Basándose en la complejidad.
Proyectos Simples.

14. Proyectos complejos.
Proyectos técnicos.
Proyectos científicos.
Proyectos de vida.
Proyectos escolares.
Proyectos manufactureros.
Proyectos integradores.
Proyectos físicos.
Proyectos médicos.
Proyectos artesanales
Pensadores Filosóficos
Read
Herbert Edward Read (Kirkbymoorside, Yorkshire, 4 de diciembre de 1893 -
Stonegrave, 21 de junio de 1968) fue un pensador inglés, filósofo político, poeta,
novelista, anarquista y crítico de literatura y arte. Realizó más de 1000 escritos
acerca de diferentes áreas del pensamiento. Obtuvo el Premio Erasmus el año
1966.
En su trabajo como crítico de arte se destaca la importancia que le da a lo haptico
como valor estético sobre lo óptico o más "simplemente" visual.
Obras
Sobre arte y estética
El arte ahora (Art now) (1933)
Arte e industria: principios de diseño industrial (Art and Industry) (1934)
Henry Moore: madre e hijo (Henry Moore : mother and child) (1934)
Al diablo con la cultura (To hell with culture) (1941)
Educación por el arte (Education through art) (1943)

15. Arte y Sociedad (Art and Society) (1945)
Las raíces del arte: aspectos sociales del arte en una era industrial. (The grass
roots of art) (1947)
Filosofía del arte moderno (The philosophy of modern art) (1952)
Imagen e idea: la función del arte en el desarrollo de la conciencia humana (Icon
and idea : the function of art in the development of human consciousnes.) (1955)
El arte de la escultura (The art of sculpture) (1956)
Breve historia de la pintura moderna (A concise history of modern painting) (1959)
Carta a un joven pintor (A letter to a young painter) (1962)
Orígenes de la forma en el arte (The origins of form in art) (1965)
Diccionario del arte y los artistas (The Thames and Hudson dictionary and artists)
(1966)
Arte y alienación (Art and alienation) (1967)
El significado del arte (Meaning of art) (1968)
La redención del robot (The redemption of the robot: my encounter with education
through art) (1970)
Arnold Hauser
Arnold Hauser (Temesvár, 8 de mayo de 1892 – Budapest, 28 de enero de 1978)
fue un historiador del arte de origen húngaro.
Después de estudiar en Alemania e Italia entre 1919 y 1924 se trasladó a Viena de
donde tuvo que huir hacia Inglaterra en 1938 por sus orígenes judíos. Permaneció
en Londres hasta un año antes de su muerte a los 86 años, en que regresó a
Hungría.
Siguiendo las investigaciones de la escuela historicista y sociológica alemana y la
doctrina marxista de György Lukács, Hauser elabora una teoría del arte en la que
analiza los fenómenos artísticos en estrecha relación con su contexto histórico y
social y los fenómenos socioeconómicos. En este sentido, se hace heredero del
pensamiento de la Escuela de Viena y su crítica al positivismo: la sociología y el
estudio del medio serán sus principales armas.

16. Rechaza la autonomía de las artes, ya que éstas están formadas por factores
materiales que son interdependientes. En su opinión, cada sociedad tiene un estilo
específico. Por ejemplo, según él, el arte inicia "plano, simbólico, formal, abstracto
y preocupado por los seres espirituales", luego en una sociedad agraria que
socioeconómicamente tiende a ser cerrada y más conservadora su arte reflejará lo
mismo; en la sociedad aristocrática se prefiere un estilo rígido y tradicionalista;
mientras que la sociedad a más mercantil y burguesa menos jerárquica y
autoritaria, prefiriendo elementos más naturales y un arte más naturalista.
Obras
Se pueden encontrar estos planteamientos en sus publicaciones
Historia social de la literatura y el arte (1951)
El manierismo (1965)
Sociología del Arte (1975).