Para Fundamentos del Arte II

1. POP ART

2. Surgió como reacción al expresionismo
abstracto. Su nombre deriva de Popular Art,
acuñado por el crítico Lawrence Alloway para
designar un movimiento artístico desarrollado
simultáneamente en el Reino Unido y EEUU
desde mediados de los 50 a comienzos de los
70. Un precedente del Pop Art se ha hallado en
los ready -made dadaístas de Marcel Duchamp.
Sus características son:
- marcado carácter figurativo, basado en la
iconografía del consumo y de la cultura
popular: anuncios, revistas, periódicos,
cómics, personajes famosos, objetos
cotidianos de consumo, películas…
- fascinación por la cultura de EEUU
- Arte fácil de comprender, que se
contrapone a la excesiva intelectualización
del expresionismo abstracto. Representa la
visión agradable de la sociedad de
consumo.

3. Aunque se considera un movimiento genuinamente estadounidense, tuvo su
origen en Londres, con artistas como Eduardo Paolozzi y Richard Hamilton.
EDUARDO PAOLOZZI
RICHARD HAMILTON

4. Se hizo conocido por sus collages de los años
40-50, en los que se adelantó a su tiempo en el
interés por la iconografía de la sociedad de
consumo y las estrellas de cine y, sobre todo,
por sus esculturas, semejantes a androides
maquinistas. Paolozzi fue uno de los
fundadores, junto a Richard Hamilton, del
Independent Group en 1952, del que surgió el
movimiento pop británico.
Una de sus obras más conocidas es el collage
Yo fui el juguete de un hombre rico (1947),
collage hecho de imágenes recortadas de
revistas que le regalaron unos soldados de
EEUU en París, en el que aparece la palabra
“Pop”.
EDUARDO PAOLOZZI

5. DR. PEPPER, 1948
SACK-O-SAUCE, 1948

6. REAL GOLD, 1949
MEET THE PEOPLE, 1948
http://www.taringa.net/posts/arte/17782698/Eduardo-Paolozzi-El-Origen-del-Pop.html

7. Su obra escultórica evolucionó desde las formas casi robóticas
de los años 50-60, con esculturas en las que en algunos casos
incorporaba el movimiento y un colorido chirriante, hasta las
formas más vegetales y ondulantes de sus últimos tiempos.
CÍCLOPE
NEWTON
THE CITY OF THE CIRCLE AND THE SQUARE

8. Entre sus últimas obras figura un
gran mosaico cerámico para la
estación de metro Totenham
Court Road, en pleno centro de
Londres, ciudad en la que
también puede verse su
escultura pública Piscator en
Uston Square.
PISCATOR

9. Fundador del Independent Group junto a
Paolozzi, logró construir un incisivo y
polifacético discurso iconográfico que, bajo su
aspecto lúdico e irónico, planteaba una
reflexión crítica, pero no exenta de
fascinación, sobre la sociedad de consumo y
el imaginario mediático contemporáneo, al
tiempo que exploraba y desbordaba los
límites entre lo popular y lo culto, lo natural y
lo artificial, lo figurativo y lo abstracto.
Hamilton utilizó gran variedad de medios,
géneros y temáticas a lo largo de su carrera:
desde la fotografía, el dibujo o el grabado
hasta el diseño industrial, la publicidad o la
manipulación digital de imágenes, el retrato y
el autorretrato y los interiores hasta las
indagaciones de carácter metalingüístico, la
crítica política o la reflexión sobre el
consumismo y la cultura de masas.
RICHARD HAMILTON
CUATRO AUTORRETRATOS

10. EXACTAMENTE ¿QUÉ ES LO QUE HACE QUE LAS CASAS DE
HOY EN DÍA SEAN TAN DIFERENTES, TAN ATRACTIVAS?
Entre sus obras más conocidas se encuentra el cartel para la exposición This is
Tomorrow de 1956, titulado Exactamente ¿qué es lo que hace que los hogares de hoy en
día sean tan diferentes, tan atractivos?, imagen de lo que podría ser un hogar del
futuro.

11. STUDY FOR A FASHION PLATE
LAS MENINAS DE PICASSO
INTERIOR II

12. MI MARILYN
SWINGEING LONDON
THE CITIZEN
DESCENDING NUDE

13. También diseñó la portada del
Álbum Blanco de The Beatles en
1968 y realizó series pictórico-
fotográficas como Swingeing
London 67 y My Marilyn e
instalaciones como Growth and
Form, Man Machine and
Motion, Fun House y An Exhibit.
MAN, MACHINE AND MOTION
http://www.elcultural.com/noticias/art
e/Richard-Hamilton-cuando-haces-
Pop/6422
https://moovemag.com/2013/08/ric
hard-hamilton-fundador-de-pop-art/

14. DAVID HOCKNEY
Nacido en 1937, aunque siempre ha rechazado
ser considerado un artista pop, su estilo se
identifica mucho con el Pop Art: plasma su
realidad contemporánea, aparentemente
frívola y superficial, pero cargada de sutiles
matices.
Su obra se inspiró en Dubuffet y
Picasso. Hockney fue uno de los primeros
artistas abiertamente homosexuales y en los
años 60 decidió trasladarse a una sociedad
más desinhibida que la británica,
encontrándola en California.

15. Las características de su pintura son sus
superficies planas, anónimas, brillantes,
pintadas con acrílico y la influencia de
la fotografía que también utilizaría, no sólo
para documentar su proceso pictórico, sino
también en collages compuestos de
fotografías hechas con Polaroid, a las que
llama ensamblajes (joiners), como Henry
Moore (1982) o Pearlblossom
Highway (1986).
PEARLBLOSSOM HIGHWAY
MIS PADRES

16. LA GRAN ZAMBULLIDA NICK WILDER (1966)
Sus obras de la década de 1960, como la serie sobre piscinas de Los Ángeles, están
pintadas en un estilo deliberadamente ingenuo y colorista, con una temática extraída
de la cultura popular. La gran zambullida (1967) es una de sus pinturas más conocidas.

17. RETRATO DE UN ARTISTA (PISCINA CON DOS FIGURAS), 1971
PETER SALIENDO DE LA PISCINA DE NICK, 1966

18. Escena doméstica, Los Ángeles (1963)
AMA DE CASA DE BEVERLY HILLS
Dulcemente irónico y satírico, a finales de la década
de 1960 decantó su obra hacia un estilo más
naturalista, practicado sobre todo en sus retratos.
Sus obras contienen algo de representación del
estado mental del retratado.

19. SR Y SRA CLARK Y PERCY (1970)
MODELO CON AUTORRETRATO INACABADO (1977)
En Matrimonios de estilo extrae
imágenes de revistas populares con
distintas parejas posando en su entorno
doméstico.

21. LATE SPRING TUNNEL, 2006.
LA LLEGADA DE LA PRIMAVERA EN WOLDGATE, EAST YORKSHIRE
NICHOLS CANYON", 1980.
También son muy conocidos los paisajes
de Yorkshire, influidos por Van Gogh y
Monet, y las obras elaboradas desde su
retorno a California en 2003.
Hockney ha cambiado a menudo su estilo
y sus maneras de trabajar, recibiendo con
los brazos abiertos a las nuevas
tecnologías. También ha trabajado como
escenógrafo para diferentes óperas.

22. A BIGGER GRAND CANYON", 1998
THE ROAD ACROSS THE WOLDS", 1997

23. EL BOSQUE DE WOLDGATE” , 21, 23 Y 29 DE NOVIEMBRE DE 2006
TALA DE INVIERNO”, 2009

24. http://arelarte.blogspot.com.es/2017/06/david-hockney-un-paisajista-del-siglo.html

25. En EEUU neodadaístas como Robert
Rauschenberg y Jasper Johns
representaron un papel importante en
la transición desde el expresionismo
abstracto al Pop Art. Quisieron ofrecer
una alternativa al expresionismo
abstracto y trabajando juntos en su
estudio abrieron el camino que luego
seguirían Warhol y Lichtenstein.
Jasper Johns y Robert Rauschenberg en
su estudio

26. Ahondando en el concepto de los ready-
made de Marcel Duchamp, dio una
nueva importancia a objetos ordinarios,
yuxtaponiéndolos con otros con los que
no guardan ninguna relación y
colocándolos en el contexto del arte.
En sus instalaciones mezclaba objetos de
desecho, como fotografías y objetos de
la cultura popular, como señales de
tráfico, focos, bombillas, botellas de
Coca-Cola o aparatos de radio… con
pintura aplicada en gruesos brochazos,
que él llamaba combine paintings. El más
conocido de ellos es Monograma.
Estos trabajos híbridos, enfatizando los
objetos fabricados en serie, tuvieron una
fuerte influencia en el arte pop de la
década de 1960.
ROBERT RAUSCHENBERG
MONOGRAMA
COCA – COLA PLAN

27. RETROACTIVE 1
GILT
BLACK MARKET
http://algargosarte.blogspot.com.es/2015/05/
robert-rauschenberg-el-pop-mas.html

28. JASPER JOHNS
En su amplia obra como pintor,
escultor y artista gráfico destacan sus
reinterpretaciones de la bandera
estadounidense y otros símbolos
como mapas, dianas o números,
además de sus Pinturas grises, obras
completamente dominadas por este
color.
BANDERA
TRES BANDERAS
MAPA

29. DOS LATAS DE CERVEZA
O THROUGH 9
BRONCE
DIANA CON CUATRO CARAS
http://www.alejandradearg
os.com/index.php/es/comp
letas/32-artistas/372-
jasper-johns-biografia-
obras-y-exposiciones
https://moovemag.com/20
16/02/jasper-johns-
abanderado-del-pop-art/

30. MUJER LLORANDO
SCENT
En la década de los sesenta colaboró con
muchos de los artistas más influentes del
momento como Andy Warhol o Bruce
Naumann. En esta década Jasper Johns dio
un giro a su estilo pictórico, pasando a un
estilo más autobiográfico, elaborando
trípticos formados por tres paneles
obsesionado por la repetición de
imágenes mediante distintas técnicas, para
obtener distintos resultados.
En la decada de los 80 volvió a dar un nuevo
giro a su obra, con la presentación de su
serie Seasons, compuesta por cuatro obras,
una por cada estación del año, y en la cual
incluyó por primera vez la figura humana.
SEASONS

31. ANDY WARHOL
Comenzó su carrera como dibujante
publicitario para diversas revistas
como Vogue, Harper's Bazaar,
Seventeen y The New Yorker. Al
mismo tiempo pintó lienzos cuya
temática se basaba en algún
elemento o imagen del entorno
cotidiano, de la publicidad o el
cómic. Pronto comenzó a exponer
en diversas galerías.
Eliminó progresivamente de sus
trabajos cualquier rasgo
expresionista hasta reducir la obra a
una repetición seriada de un
elemento popular procedente de la
cultura de masas, el mundo del
consumo o los medios de
comunicación.
DIBUJOS DE JAMES DEAN Y TRUMAN CAPOTE

32. La serie de piezas inspiradas en los míticos botes de sopa de la marca Campbell es uno de sus trabajos más
famosos. Son 32 lienzos en los que aparecen las famosas latas, consideradas por el artista como un icono
estadounidense que quiso plasmar de forma innovadora en sus obras.
Este camino lo inició con los 32 lienzos de los 32 sabores de las sopas Campbell en 1962. La repetición
era una parodia de los métodos utilizados en la publicidad. Otra de sus aportaciones es la imitación y
la eliminación de la originalidad en la consideración de la obra de arte.

34. Otro símbolo muy estadounidense es el
dólar, asociado mundialmente a la
riqueza. Warhol lo plasmó en sus lienzos
en multitud de ocasiones

35. Su evolución alcanzó su cota
máxima de despersonalización,
cuando pasó a utilizar como
método de trabajo un proceso
mecánico de serigrafía, mediante
el cual reproducía
sistemáticamente mitos de la
sociedad contemporánea y cuyos
ejemplos más representativos son
las series dedicadas a Marilyn
Monroe, Elvis Presley Elizabeth
Taylor o Mao-Tse-tung.

39. El uso de imágenes de difusión masiva,
fácilmente reconocibles por todo tipo de
públicos, se convirtió en uno de los rasgos más
interesantes y estables de toda su producción.
En otras ocasiones plasmó crudamente
situaciones reales, como accidentes, luchas
callejeras, funerales o suicidios. Dentro de esta
temática, Electric chair es una de sus obras
más significativas. En la misma línea se
encuentran Race Riot y Death and Disaster.
RACE RIOT
ELECTRIC CHAIR
DEATH AND DISASTER

40. La anunciación, Leonardo da Vinci
La última cenahttps://www.wikiart.org/en/andy-warhol
Su apropiación de imágenes de la cultura
popular se extendió a obras de arte de
carácter universal y de autores como Giorgio
de Chirico, Edvard Munch o Leonardo da Vinci.

42. Su obra resulta siempre provocadora y, a menudo,
angustiosa, tanto por el uso del color, unas veces
monocromo y otras fuertemente contrastado, pero
siempre vivo y brillante, como por la temática.
Mediante la reproducción masiva consiguió para
convertir a figuras mediáticas en iconos
estereotipados con mero sentido decorativo. Otra
faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza
visual, que en buena parte procede de sus
conocimientos sobre los mecanismos del medio
publicitario.

43. En 1963 creó The Factory, taller en el
que se realizaban sus obras y en el que
se reunieron numerosos personajes de
la cultura underground
neoyorquina. Warhol fue uno de los
primeros creadores en explotar
conscientemente su imagen con
objetivos autopromocionales. Su
peculiar aspecto, andrógino y con un
flequillo característico, acabó por definir
un nuevo icono: el artista mismo.
Warhol adquirió a los ojos del público
significaciones propias de un producto
publicitario más. En 1963 inició una
carrera cinematográfica basada en los
mismos principios que su obra plástica
(como la reiteración visual), en
ocasiones de fuerte contenido sexual y
erótico: Kiss (1963), Empire (1964), Chel
sea girls (1966). En una última etapa
retornó a un formato más tradicional y
rodó The loves of Ondine (1967)
y Women in revolt (1970).
https://www.lemiaunoir.com/andy-warhol-the-factory/

44. Look Mickey! (1961), primera vez que Lichtenstein usó
los puntos Ben-Day para pintar
ROY LICHTENSTEIN
Fue uno de los máximos exponentes del
Pop Art de EEUU. En sus obras representó
temas de la sociedad de consumo, la
vida cotidiana y la cultura de masas, que
sacaba de la publicidad, los cómics y las
revistas populares. A través de estas
composiciones, en apariencia sencillas,
pintadas casi exclusivamente con colores
primarios, hizo una personal crítica del
mundo contemporáneo.
Su obra se caracteriza por su ironía, el uso
de puntos Ben- Day y colores
industriales, el lenguaje del cómic
(onomatopeyas, viñetas, narrativa) y el
dominio de la línea.

45. Inicialmente su obra se inscribió en el expresionismo
abstracto. Más tarde, y tras haber experimentado con una
versión personal del cubismo y el constructivismo, volvió a
mirar a la realidad cotidiana, dominada en aquel momento
por las imágenes prefabricadas de la cultura de masas.
Comenzó un nuevo tipo de pintura inspirada en los temas
y las imágenes de la nueva sociedad que se perfilaba en
EEUU. En 1961 realizó sus primeras obras de gran formato
con imágenes sacadas de los cómics que definirían a partir
de entonces su producción artística.
Su característica técnica imitaba los puntos Ben-Day, un
proceso de impresión industrial usado en los cómics que
con pequeños círculos coloreados representaba las
variaciones cromáticas de una manera muy esquemática.
Era la técnica utilizada por los dibujantes de cómics porque
de esta manera ahorraban dinero en la coloración de los
dibujos.

46. CRYING GIRL
Sus obras son como
ampliaciones de viñetas
de cómic que utilizan
estereotipos de género,
con mujeres muy
preocupadas por
asuntos sentimentales y
hombres interesados en
temas bélicos.

48. PEQUEÑA GRAN PINTURA, 1965,
parodia del expresionismo abstracto
En 1965 pintó Brochazo, en el
que parodiaba el expresionismo
abstracto y convertía el brochazo,
símbolo de la expresión personal en
un objeto impersonal y producido en
serie.

49. PINCELADA, 1996
HABITACIÓN DE ARLES
A partir de la década de 1980 su pintura
se fue haciendo más compleja, y al final
de su vida comenzó también a
experimentar con la escultura.

50. JAMES ROSENQUIST
Empezó a trabajar como pintor de vallas
publicitarias y por la noche sacaba tiempo
para crear sus propias obras, hasta que
entendió que podía fusionar las dos cosas
en una. La técnica que le llevó al éxito
consistía en las pinturas a gran escala.
Con imágenes fragmentadas de
distintas proporciones, creaba
combinaciones y superposiciones que
componían una historia visual que se
narraba al público a través de sus
lienzos.
Sus pinturas y collages tenían
siempre un toque
inquietante. Convertía los objetos más
comunes y jugaba con su textura,
color, líneas y formas para que el
espectador visualizara en lo más
ordinario y abstracto una historia con
auténtico significado. Símbolo, casi
siempre, del contexto político y
cultural americano en el que vivía. PRESIDENTE ELECTO, 1964

51. Entre sus obras más destacadas está F-111, creada en 1964, crítica al militarismo. El
nombre pertenece a un cazabombardero que Estados Unidos utilizó durante la Guerra
de Vietnam. 23 paneles componen una obra que alcanza los 25 metros de longitud.
En esta obra Rosenquist cuestionó la máquina de muerte de Vietnam, el consumismo,
los medios de comunicación y la publicidad.
Era un collage con un bombardero, una niña con
un brillante secador de pelo, espagueti, una
bomba atómica y un neumático de coche. Lo
pintó tras visitar a su amigo Eugene Rukhin en
Leningrado. y se dio cuenta de que, a pesar de
toda la propaganda de la Guerra Fría, los
soviéticos no iban a iniciar una guerra contra
EEUU. Cuando vio la foto del nuevo bombardero
F-111 que no había volado todavía, pensó:
‘Menuda pérdida de tiempo y de dinero’”

52. CÁPSULA FLAMINGO
EL NADADOR EN LA A-BRUMA-DORA ECONOMÍA
Además de dedicarse a la pintura, desde la década de 1960 Rosenquist experimentó con la escultura y
el assemblage. También se interesó por la litografía como medio ideal de difusión de sus propuestas
pictóricas y realizó algunas de las obras más grandes jamás creadas en este medio.

53. Rosenquist se sumergió en un
terreno inexplorado por muchos de
sus contemporáneos pop: los temas
políticos y sociales. Mediante la
yuxtaposición, en apariencia
irracional, de imágenes
procedentes de la cultura popular
de masas, Rosenquist parecía
tomar elementos del surrealismo
para mostrar su mirada crítica e
irónica del mundo que le rodeaba.
CASA INDUSTRIAL
En esta obra Rosenquist se refiere a la pobre
planificación urbanística que ubica polígonos
industriales junto a parques públicos y a la invasión de
la tecnología y las máquinas en zonas residenciales.

54. STAR THIEF
MARILYN
La tecnología ha sido otro objetivo
de críticas en sus obras. Para ello,
incluía elementos mecánicos en
sus cuadros.
FAHRENHEIT 1982
https://www.guggenheim-
bilbao.eus/exposiciones/james-
rosenquist-retrospectiva/

55. TOM WESSELMANN
Pintó sobre todo grandes desnudos femeninos
y naturalezas muertas con objetos de uso
cotidiano.
El erotismo está muy presente en su obra,
sobre todo en los Great American Nudes,
enormes cuadros, cada vez más grandes, de
mujeres desnudas y colores intensos. Evitaba
los detalles, convirtiendo así la representación
del cuerpo de la mujer en un símbolo sexual
despersonalizado. A lo largo de su carrera, el
erotismo de estas imágenes fue haciéndose
cada vez más evidente.
En su serie de naturalezas muertas recreaba
los productos sacados de la vida cotidiana que
caracterizaron al arte pop, a los que presentaba
como símbolos de la sociedad del consumo:
frigoríficos, radios, cajetillas de tabaco, latas de
cerveza, periódicos, helados, botellas.

56. SERIE GRAN DESNUDO AMERICANO

57. NATURALEZAS MUERTAS

58. A principios de la década de los
sesenta empezó a incorporar objetos
tridimensionales a los collages en
obras como el Gran desnudo
americano n° 48 o la serie de Collages
de la bañera, al tiempo que sus
desnudos, al hacerse más realistas,
adquirían una mayor carga erótica
GRAN DESNUDO AMERICANO Nº 48
COLLAGE DE LA BAÑERA Nº 3

59. En los últimos años
trabajó sobre todo
el metal recortado e
incorporó el
ordenador como
herramienta.

60. CLAES OLDENBURG
En 1961 abrió The Store, una tienda
en Nueva York donde vendía réplicas
en escayola de alimentos de comida
rápida y otros objetos
cotidianos, sobre todo de consumo
de masas. Ahí empezó a realizar
sus esculturas blandas de estos
mismos objetos, pero a una escala
gigantesca, monumental, como Dos
hamburguesas con queso, con
todo. Sus esculturas están realizadas
en vinilo relleno de caucho, por lo que
rompe una de las premisas de la
escultura convencional, que tiende al
empleo de materiales duros.

62. DOS HAMBURGUESAS CON TODO

63. Otra de las técnicas utilizadas por él es la de
softness que consiste en vaciar de su
materia a los utensilios tecnológicos, es
decir privarlos de soporte logrando que su
piel se hunda, se encoja. También utiliza la
técnica contraria a esta, el hardness.

64. Oldenburg convierte cualquier
objeto en un símbolo de su época,
destruyendo sus funciones y
significados habituales, y siempre lo
hace con sentido del humor.
El tamaño, los materiales sencillos y
la conversión de la materia (lo
blando es duro, lo duro es blando…)
son dos características del arte de
este escultor, pero también
la sorpresa del público. Los espacios
cerrados no le interesan y
prefiere espacios abiertos como
explanadas, parques o jardines, con
acceso para todos los públicos,
donde su obra es mucho más
eficaz. El autor quiere que el
espectador toque su obra y la
modifique, convirtiéndose así, de
alguna forma, también en creador.

65. En 1977 Oldenburg se casó
con la también artista Coosje
Van Bruggen y desde
entonces, firman las obras
juntos.
https://nodisparenalartista.wordpress.com/2012/12/07/claes-oldenburg/

67. En España destacan las obras de Eduardo Arroyo, Luis Gordillo y el Equipo Crónica.
LOS CUATRO DICTADORES
ANÓNIMO EN ESPAÑA AL REVÉS
EDUARDO ARROYO
EL CABALLERO ESPAÑOL

68. LUIS GORDILLO
PAPELES PINTADOS CON ACRÍLICO Y ESMALTE SOBRE TABLA
CABEZA

69. EL INTRUSOPINTAR ES COMO GOLPEAR
EQUIPO CRÓNICA
LA SALITA
VALLECAS MELODY