Aprendemos acerca del bodegon y su composicion para realizar estudios de dibujo en base a la valoracion tonal, la linea modulada y la composicion, todo ello acompañado del concepto de bodegon y sus diferentes clases de composicion.
1. La arquitectura griega se caracterizaba por el uso de columnas para soportar los edificios y por tres órdenes arquitectónicos principales (dórico, jónico y corintio).
2. Los griegos construyeron varios tipos de edificios como templos, teatros, estadios y tumbas monumentales, siendo el Partenón el templo más famoso.
3. La escultura griega evolucionó desde figuras rígidas en la época arcaica hasta representaciones naturalistas y expresivas del cuerpo humano en
Este documento describe diferentes aspectos de la escultura como las técnicas, materiales, tipos, temas y estilos. Explica que hay escultura exenta y de relieve, y que se puede hacer con talla, modelado, forja o vaciado utilizando materiales como piedra, madera, metal o escayola. También distingue entre lo realista, irreal, concreto y abstracto, así como lo estático, dinámico, efímero y perdurable.
Este documento resume la arquitectura clásica griega. Comienza describiendo el contexto histórico y cultural de Grecia y luego detalla los principales períodos artísticos. Explica los rasgos generales del arte griego como su enfoque antropocéntrico y búsqueda de belleza y armonía. Describe los tres órdenes clásicos - dórico, jónico y corintio - y sus características. Finalmente, analiza los principales tipos de edificios como el templo griego y presenta ejemplos
Este documento proporciona una introducción general a la escultura griega, describiendo sus características principales, evolución cronológica y obras más representativas. La escultura griega se desarrolló desde el siglo VII a.C. hasta el siglo I d.C., pasando por las etapas arcaica, clásica y helenística. Se caracterizó por principios como el antropocentrismo, la mímesis, el idealismo y la armonía. Los tipos escultóricos más comunes fueron el kouros,
El documento describe las principales técnicas y materiales de la escultura. Explica que la escultura es una forma de expresión artística tridimensional que se puede realizar en materiales como piedra, madera, arcilla, metal y nuevos materiales. También describe las principales herramientas para la escultura como palillos, vaciadores y las técnicas como talla, modelado, forja y vaciado. Por último, explica los diferentes enclaves de la escultura como la arquitectónica, urbana y del paisaje.
El documento resume la escultura griega del período helenístico (siglos IV-I a.C.), caracterizado por una mayor variedad estilística y temática. Se pierde la unidad clásica a medida que surgen nuevas escuelas artísticas. Predominan las obras barrocas con movimiento intenso, aunque algunos artistas conservan los ideales clásicos. Temas como el retrato, la vejez y lo feo ganan popularidad. Obras maestras incluyen la Venus de Milo y el Laocoonte.
El documento describe la evolución del relieve en la escultura renacentista. Durante el Renacimiento, el relieve se caracterizó por el uso de mármol y bronce y temas profanos. Los personajes se representaban frontalmente y con gran expresividad. A partir del siglo XIII, se buscó mayor realismo. Para finales del siglo XVI hubo un avance hacia la elegancia y el interés por motivos naturales. También se desarrolló la perspectiva y se rompieron las convenciones medievales. El documento define los diferentes tipos de relieve y explica cómo lleg
Este documento explora la naturaleza y definición del arte. Explica que el arte ha evolucionado a lo largo de la historia desde ser considerado un oficio artesanal hasta ser visto como una actividad intelectual. También discute las diferentes funciones del arte, incluyendo la imitación de la realidad, la expresión de ideas y sentimientos, y la representación del poder y la riqueza. Finalmente, clasifica las obras de arte y analiza conceptos como la personalidad del artista, las ideas de la época, y el estilo artístico.
1. La arquitectura griega se caracterizaba por el uso de columnas para soportar los edificios y por tres órdenes arquitectónicos principales (dórico, jónico y corintio).
2. Los griegos construyeron varios tipos de edificios como templos, teatros, estadios y tumbas monumentales, siendo el Partenón el templo más famoso.
3. La escultura griega evolucionó desde figuras rígidas en la época arcaica hasta representaciones naturalistas y expresivas del cuerpo humano en
Este documento describe diferentes aspectos de la escultura como las técnicas, materiales, tipos, temas y estilos. Explica que hay escultura exenta y de relieve, y que se puede hacer con talla, modelado, forja o vaciado utilizando materiales como piedra, madera, metal o escayola. También distingue entre lo realista, irreal, concreto y abstracto, así como lo estático, dinámico, efímero y perdurable.
Este documento resume la arquitectura clásica griega. Comienza describiendo el contexto histórico y cultural de Grecia y luego detalla los principales períodos artísticos. Explica los rasgos generales del arte griego como su enfoque antropocéntrico y búsqueda de belleza y armonía. Describe los tres órdenes clásicos - dórico, jónico y corintio - y sus características. Finalmente, analiza los principales tipos de edificios como el templo griego y presenta ejemplos
Este documento proporciona una introducción general a la escultura griega, describiendo sus características principales, evolución cronológica y obras más representativas. La escultura griega se desarrolló desde el siglo VII a.C. hasta el siglo I d.C., pasando por las etapas arcaica, clásica y helenística. Se caracterizó por principios como el antropocentrismo, la mímesis, el idealismo y la armonía. Los tipos escultóricos más comunes fueron el kouros,
El documento describe las principales técnicas y materiales de la escultura. Explica que la escultura es una forma de expresión artística tridimensional que se puede realizar en materiales como piedra, madera, arcilla, metal y nuevos materiales. También describe las principales herramientas para la escultura como palillos, vaciadores y las técnicas como talla, modelado, forja y vaciado. Por último, explica los diferentes enclaves de la escultura como la arquitectónica, urbana y del paisaje.
El documento resume la escultura griega del período helenístico (siglos IV-I a.C.), caracterizado por una mayor variedad estilística y temática. Se pierde la unidad clásica a medida que surgen nuevas escuelas artísticas. Predominan las obras barrocas con movimiento intenso, aunque algunos artistas conservan los ideales clásicos. Temas como el retrato, la vejez y lo feo ganan popularidad. Obras maestras incluyen la Venus de Milo y el Laocoonte.
El documento describe la evolución del relieve en la escultura renacentista. Durante el Renacimiento, el relieve se caracterizó por el uso de mármol y bronce y temas profanos. Los personajes se representaban frontalmente y con gran expresividad. A partir del siglo XIII, se buscó mayor realismo. Para finales del siglo XVI hubo un avance hacia la elegancia y el interés por motivos naturales. También se desarrolló la perspectiva y se rompieron las convenciones medievales. El documento define los diferentes tipos de relieve y explica cómo lleg
Este documento explora la naturaleza y definición del arte. Explica que el arte ha evolucionado a lo largo de la historia desde ser considerado un oficio artesanal hasta ser visto como una actividad intelectual. También discute las diferentes funciones del arte, incluyendo la imitación de la realidad, la expresión de ideas y sentimientos, y la representación del poder y la riqueza. Finalmente, clasifica las obras de arte y analiza conceptos como la personalidad del artista, las ideas de la época, y el estilo artístico.
Este documento presenta una unidad de aprendizaje sobre técnicas pictóricas bidimensionales. Explica definiciones básicas de dibujo y pintura, evolución de técnicas a través de la historia como el arte rupestre y fresco, diferentes géneros como bodegón y paisaje, y conceptos de composición artística. El propósito es desarrollar destrezas en el manejo de técnicas aplicadas en proyectos de diseño, cubriendo contenidos como definiciones, técnicas históric
El documento describe el proceso de producción de cerámica griega antigua, incluyendo la extracción y purificación de la arcilla, la fabricación de vasijas en el torno, la decoración mediante pintura y la cocción en tres etapas controlando la atmósfera, lo que producía figuras negras o rojas. También resume los principales períodos y tipos de vasijas de la cerámica griega.
El documento describe las características de los órdenes arquitectónicos griegos (dórico, jónico y corintio) y menciona algunos de los templos más importantes de la antigua Grecia como el Partenón. También hace referencia a obras de escultura griega clásica y a importantes construcciones y monumentos romanos como el Coliseo, el Panteón y el Arco de Constantino. Finalmente, incluye imágenes de obras de arte y arquitectura griega y romana.
El documento describe la historia del bodegón como género pictórico, desde sus orígenes en el Antiguo Egipto y la Grecia y Roma antiguas, pasando por su desarrollo en el Renacimiento y la liberación del significado religioso, hasta su evolución en los siglos XIX y XX con los impresionistas, cubistas y Andy Warhol.
La dinámica estética de las antiguas culturas y la tendencia rigurosa formalista del arte se mantienen junto a las nuevas formas urbanas, el incremento de la riqueza y la acumulación en unas pocas manos de la tierra, crean necesidades intensas, ya no es el mago inspirado, sino el artesano que cincela esculturas,pinta cuadros, modela vasijas, la perfección artesana de la obra, arte naturalista, al servicio del poder religioso y político. El racionalismo abstracto del arte Babilónico y Asirio,el principio antinaturalista de la frontalidad practicada por los Egipcios; tiene su expresión más marcada en los llamados Guardianes de la Puerta, los leones, los toros alados, que vistos de perfil tienen 4 patas en actitud de caminar, y de frente, dos en reposo, teniendo por tanto cinco patas, que representan la fusión de dos animales, el creador quería que el observador pudiera obtener desde cualquier lado un cuadro completo, perfecto de forma y sentido.Por otra parte los artistas plásticos Griegos tenían una ascendencia mítica, Dédalo podía dar vida a la madera, el artista mágico, luego la concepción profana e individualista de la aristocracia guerrera con su libre e irreverente visión del mundo, de sus continuas victorias, el brusco cambio de las circunstancias culturales comienzan a experimentarse, todo incita hacia un individualismo que deja de lado toda tradición y todo derecho, pues todo se consigue con la fuerza corporal, con el valor, habilidad y astucia, este proceso se extiende hasta que aparece la democracia, apareciendo un cambio de valores en la escala moral, los cantos heroicos deben su origen al afán de gloria de la nobleza guerrera. Hasta cierto punto todo el arte de la antigüedad clásica está condicionado por ese deseo de trascendencia.........
Este documento resume la historia del retrato a través de la historia del arte. Comienza con los primeros retratos en forma de esculturas encontradas en Jericho, y describe la evolución del retrato en diferentes culturas y épocas como Egipto, Grecia, Roma y el Renacimiento. Luego cubre los principales estilos de retrato en el Barroco, Neoclásico, Impresionismo y arte moderno, con ejemplos de artistas representativos. Concluye que el retrato ha sido una forma importante de autoexpresión y
El documento resume los principales movimientos artísticos del periodo medieval en Europa, Oriente Medio y África del Norte entre los siglos V y XV. Describe brevemente el arte paleocristiano, prerrománico, románico, gótico, bizantino e islámico, señalando sus características generales y periodos de desarrollo.
El documento describe el arte griego, dividiéndolo en tres períodos: arcaico, clásico y helenístico. Destaca que los griegos buscaban la armonía y belleza en la arquitectura y escultura, con un tamaño a escala humana. La arquitectura utilizaba columnas dóricas, jónicas o corintias, y los templos solían tener planta rectangular. La escultura evolucionó de figuras rígidas en el período arcaico a más naturales en el clásico, con maestros como
El documento describe conceptos básicos de historia del arte como escultura, pintura y arquitectura. Luego resume el arte en la prehistoria y la época egipcia, destacando que en la prehistoria se realizaron pinturas rupestres y las primeras esculturas femeninas, mientras que en Egipto destacó la arquitectura de monumentos funerarios y de culto, así como la pintura y escultura que mostraban figuras humanas con características estilizadas. Finalmente, resume el arte de la antigua Grecia, donde se
El documento resume las características del arte medieval en Europa entre los siglos V y XV, destacando el arte bizantino, románico y gótico. El arte románico se desarrolló entre los siglos XI y XII con formas romanas como el arco de medio punto. El gótico floreció entre los siglos XII y XV, caracterizado por arcos y bóvedas apuntadas que permitían grandes ventanales.
Arte Griego I. Introducción histórica. Caracteristicas generales de la arquit...Alfredo García
El documento presenta una introducción histórico-geográfica al arte griego. Explica las principales características de la arquitectura griega como la armonía con la naturaleza y la búsqueda de proporción y perfección técnica, ejemplificadas en edificios como el Partenón. Además, resume las diferentes etapas de la escultura griega desde la arcaica hasta la helenística, destacando a escultores y obras representativas.
El documento resume el arte de la Antigua Grecia, incluyendo la arquitectura, pintura, escultura y cerámica. Destaca los principales estilos arquitectónicos griegos como el dórico, jónico y corintio. También describe las limitaciones en el estudio de la pintura griega y los principales temas y técnicas de la escultura, como el bronce y el mármol. Finalmente, menciona algunos de los artistas más importantes de la literatura, filosofía e historia de la antigua Grecia.
La clase observada trató sobre la perspectiva en el arte, en particular la perspectiva de dos puntos de fuga. El maestro explicó el concepto de perspectiva y luego mostró paso a paso cómo crear un dibujo con dos puntos de fuga usando varios materiales como apoyo. Los estudiantes luego practicaron creando su propio dibujo siguiendo las instrucciones. Al final, se resumieron las actividades y se aclararon dudas.
Examen de la nueva selectividad de Dibujo Artístico20minutos
Este documento presenta las instrucciones para una prueba de acceso a la universidad de Dibujo Artístico I. La prueba consta de dos bloques, el primero con cuatro tareas cortas y el segundo con dos tareas más largas de las cuales solo se debe elegir una. Se explican los materiales permitidos y el tiempo máximo de 120 minutos para completar la prueba. Además, se describen los requisitos específicos para cada tarea.
La pintura egipcia se caracterizaba por ser simbólica y emplear técnicas como el fresco y la témpera. Usaba colores vivos pero planos y predominaban los contornos y gamas cálidas. Los personajes se representaban de perfil a excepción del torso y el ojo. Temas comunes eran la vida del faraón, escenas funerarias y de la vida cotidiana.
Este documento presenta la asignatura de Artes Visuales para el primer grado. Contiene cinco bloques con aprendizajes esperados, ejes, contenidos, niveles taxonómicos y reactivos relacionados con conceptos como imagen, fotografía documental, composición visual, producciones bidimensionales y tridimensionales. El objetivo general es que los estudiantes distingan elementos visuales en fotografías y apliquen conceptos de composición en la creación de imágenes y obras.
Los estudiantes aprenden sobre los movimientos artísticos de Impresionismo, Post Impresionismo, Fauvismo y Surrealismo a través de fichas de trabajo. Luego, crean un cartel promoviendo la convivencia escolar aplicando los estilos de uno de esos movimientos artísticos.
Este documento resume varios movimientos artísticos y ejemplos de arte que utilizan materiales reciclados o de desecho como parte integral de sus obras, incluyendo el dadaísmo, surrealismo, neodadaísmo, nuevo realismo, arte povera, petrol art y otros ejemplos contemporáneos. Se destacan artistas pioneros como Marcel Duchamp, Man Ray y Robert Rauschenberg, así como artistas actuales que trabajan con basura, objetos encontrados y materiales reciclados.
Este documento proporciona una introducción a las principales características del arte clásico griego, incluyendo la arquitectura (órdenes, templos, teatros), la escultura (evolución desde el arcaísmo hasta el helenismo) y algunos de los artistas más importantes como Fidias. También se destaca la Acrópolis de Atenas como ejemplo principal de la arquitectura clásica griega.
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
El documento resume la evolución histórica del bodegón como género pictórico. Comienza con ejemplos de bodegones en la antigüedad y su desarrollo en los siglos XVI y XVII, particularmente en España de la mano de artistas como Sánchez Cotán y Zurbarán. Luego describe cómo el impresionismo y el cubismo transformaron el bodegón, con Cézanne, Picasso y Juan Gris como pioneros. Finalmente, analiza algunas características clave de los bodegones de estos diferentes artist
El documento describe la evolución del bodegón desde la antigua Grecia y Roma hasta el Renacimiento y el Barroco. En la Grecia clásica, los pintores trataban de representar la naturaleza de manera realista. En Roma, los bodegones tenían un propósito decorativo y se realizaban mediante técnicas como el fresco y el mosaico. Durante la Edad Media hubo un retroceso del género. En el Renacimiento surgió un gran interés por la naturaleza que llevó al desarrol
Este documento presenta una unidad de aprendizaje sobre técnicas pictóricas bidimensionales. Explica definiciones básicas de dibujo y pintura, evolución de técnicas a través de la historia como el arte rupestre y fresco, diferentes géneros como bodegón y paisaje, y conceptos de composición artística. El propósito es desarrollar destrezas en el manejo de técnicas aplicadas en proyectos de diseño, cubriendo contenidos como definiciones, técnicas históric
El documento describe el proceso de producción de cerámica griega antigua, incluyendo la extracción y purificación de la arcilla, la fabricación de vasijas en el torno, la decoración mediante pintura y la cocción en tres etapas controlando la atmósfera, lo que producía figuras negras o rojas. También resume los principales períodos y tipos de vasijas de la cerámica griega.
El documento describe las características de los órdenes arquitectónicos griegos (dórico, jónico y corintio) y menciona algunos de los templos más importantes de la antigua Grecia como el Partenón. También hace referencia a obras de escultura griega clásica y a importantes construcciones y monumentos romanos como el Coliseo, el Panteón y el Arco de Constantino. Finalmente, incluye imágenes de obras de arte y arquitectura griega y romana.
El documento describe la historia del bodegón como género pictórico, desde sus orígenes en el Antiguo Egipto y la Grecia y Roma antiguas, pasando por su desarrollo en el Renacimiento y la liberación del significado religioso, hasta su evolución en los siglos XIX y XX con los impresionistas, cubistas y Andy Warhol.
La dinámica estética de las antiguas culturas y la tendencia rigurosa formalista del arte se mantienen junto a las nuevas formas urbanas, el incremento de la riqueza y la acumulación en unas pocas manos de la tierra, crean necesidades intensas, ya no es el mago inspirado, sino el artesano que cincela esculturas,pinta cuadros, modela vasijas, la perfección artesana de la obra, arte naturalista, al servicio del poder religioso y político. El racionalismo abstracto del arte Babilónico y Asirio,el principio antinaturalista de la frontalidad practicada por los Egipcios; tiene su expresión más marcada en los llamados Guardianes de la Puerta, los leones, los toros alados, que vistos de perfil tienen 4 patas en actitud de caminar, y de frente, dos en reposo, teniendo por tanto cinco patas, que representan la fusión de dos animales, el creador quería que el observador pudiera obtener desde cualquier lado un cuadro completo, perfecto de forma y sentido.Por otra parte los artistas plásticos Griegos tenían una ascendencia mítica, Dédalo podía dar vida a la madera, el artista mágico, luego la concepción profana e individualista de la aristocracia guerrera con su libre e irreverente visión del mundo, de sus continuas victorias, el brusco cambio de las circunstancias culturales comienzan a experimentarse, todo incita hacia un individualismo que deja de lado toda tradición y todo derecho, pues todo se consigue con la fuerza corporal, con el valor, habilidad y astucia, este proceso se extiende hasta que aparece la democracia, apareciendo un cambio de valores en la escala moral, los cantos heroicos deben su origen al afán de gloria de la nobleza guerrera. Hasta cierto punto todo el arte de la antigüedad clásica está condicionado por ese deseo de trascendencia.........
Este documento resume la historia del retrato a través de la historia del arte. Comienza con los primeros retratos en forma de esculturas encontradas en Jericho, y describe la evolución del retrato en diferentes culturas y épocas como Egipto, Grecia, Roma y el Renacimiento. Luego cubre los principales estilos de retrato en el Barroco, Neoclásico, Impresionismo y arte moderno, con ejemplos de artistas representativos. Concluye que el retrato ha sido una forma importante de autoexpresión y
El documento resume los principales movimientos artísticos del periodo medieval en Europa, Oriente Medio y África del Norte entre los siglos V y XV. Describe brevemente el arte paleocristiano, prerrománico, románico, gótico, bizantino e islámico, señalando sus características generales y periodos de desarrollo.
El documento describe el arte griego, dividiéndolo en tres períodos: arcaico, clásico y helenístico. Destaca que los griegos buscaban la armonía y belleza en la arquitectura y escultura, con un tamaño a escala humana. La arquitectura utilizaba columnas dóricas, jónicas o corintias, y los templos solían tener planta rectangular. La escultura evolucionó de figuras rígidas en el período arcaico a más naturales en el clásico, con maestros como
El documento describe conceptos básicos de historia del arte como escultura, pintura y arquitectura. Luego resume el arte en la prehistoria y la época egipcia, destacando que en la prehistoria se realizaron pinturas rupestres y las primeras esculturas femeninas, mientras que en Egipto destacó la arquitectura de monumentos funerarios y de culto, así como la pintura y escultura que mostraban figuras humanas con características estilizadas. Finalmente, resume el arte de la antigua Grecia, donde se
El documento resume las características del arte medieval en Europa entre los siglos V y XV, destacando el arte bizantino, románico y gótico. El arte románico se desarrolló entre los siglos XI y XII con formas romanas como el arco de medio punto. El gótico floreció entre los siglos XII y XV, caracterizado por arcos y bóvedas apuntadas que permitían grandes ventanales.
Arte Griego I. Introducción histórica. Caracteristicas generales de la arquit...Alfredo García
El documento presenta una introducción histórico-geográfica al arte griego. Explica las principales características de la arquitectura griega como la armonía con la naturaleza y la búsqueda de proporción y perfección técnica, ejemplificadas en edificios como el Partenón. Además, resume las diferentes etapas de la escultura griega desde la arcaica hasta la helenística, destacando a escultores y obras representativas.
El documento resume el arte de la Antigua Grecia, incluyendo la arquitectura, pintura, escultura y cerámica. Destaca los principales estilos arquitectónicos griegos como el dórico, jónico y corintio. También describe las limitaciones en el estudio de la pintura griega y los principales temas y técnicas de la escultura, como el bronce y el mármol. Finalmente, menciona algunos de los artistas más importantes de la literatura, filosofía e historia de la antigua Grecia.
La clase observada trató sobre la perspectiva en el arte, en particular la perspectiva de dos puntos de fuga. El maestro explicó el concepto de perspectiva y luego mostró paso a paso cómo crear un dibujo con dos puntos de fuga usando varios materiales como apoyo. Los estudiantes luego practicaron creando su propio dibujo siguiendo las instrucciones. Al final, se resumieron las actividades y se aclararon dudas.
Examen de la nueva selectividad de Dibujo Artístico20minutos
Este documento presenta las instrucciones para una prueba de acceso a la universidad de Dibujo Artístico I. La prueba consta de dos bloques, el primero con cuatro tareas cortas y el segundo con dos tareas más largas de las cuales solo se debe elegir una. Se explican los materiales permitidos y el tiempo máximo de 120 minutos para completar la prueba. Además, se describen los requisitos específicos para cada tarea.
La pintura egipcia se caracterizaba por ser simbólica y emplear técnicas como el fresco y la témpera. Usaba colores vivos pero planos y predominaban los contornos y gamas cálidas. Los personajes se representaban de perfil a excepción del torso y el ojo. Temas comunes eran la vida del faraón, escenas funerarias y de la vida cotidiana.
Este documento presenta la asignatura de Artes Visuales para el primer grado. Contiene cinco bloques con aprendizajes esperados, ejes, contenidos, niveles taxonómicos y reactivos relacionados con conceptos como imagen, fotografía documental, composición visual, producciones bidimensionales y tridimensionales. El objetivo general es que los estudiantes distingan elementos visuales en fotografías y apliquen conceptos de composición en la creación de imágenes y obras.
Los estudiantes aprenden sobre los movimientos artísticos de Impresionismo, Post Impresionismo, Fauvismo y Surrealismo a través de fichas de trabajo. Luego, crean un cartel promoviendo la convivencia escolar aplicando los estilos de uno de esos movimientos artísticos.
Este documento resume varios movimientos artísticos y ejemplos de arte que utilizan materiales reciclados o de desecho como parte integral de sus obras, incluyendo el dadaísmo, surrealismo, neodadaísmo, nuevo realismo, arte povera, petrol art y otros ejemplos contemporáneos. Se destacan artistas pioneros como Marcel Duchamp, Man Ray y Robert Rauschenberg, así como artistas actuales que trabajan con basura, objetos encontrados y materiales reciclados.
Este documento proporciona una introducción a las principales características del arte clásico griego, incluyendo la arquitectura (órdenes, templos, teatros), la escultura (evolución desde el arcaísmo hasta el helenismo) y algunos de los artistas más importantes como Fidias. También se destaca la Acrópolis de Atenas como ejemplo principal de la arquitectura clásica griega.
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
El documento resume la evolución histórica del bodegón como género pictórico. Comienza con ejemplos de bodegones en la antigüedad y su desarrollo en los siglos XVI y XVII, particularmente en España de la mano de artistas como Sánchez Cotán y Zurbarán. Luego describe cómo el impresionismo y el cubismo transformaron el bodegón, con Cézanne, Picasso y Juan Gris como pioneros. Finalmente, analiza algunas características clave de los bodegones de estos diferentes artist
El documento describe la evolución del bodegón desde la antigua Grecia y Roma hasta el Renacimiento y el Barroco. En la Grecia clásica, los pintores trataban de representar la naturaleza de manera realista. En Roma, los bodegones tenían un propósito decorativo y se realizaban mediante técnicas como el fresco y el mosaico. Durante la Edad Media hubo un retroceso del género. En el Renacimiento surgió un gran interés por la naturaleza que llevó al desarrol
El documento presenta información sobre tres pinturas de bodegones del Museo del Prado y los productos alimenticios que representan. La primera pintura muestra peras y guindas y se relaciona con las peras del Rincón de Soto. La segunda incluye acerolas, frutas, queso y otros recipientes, asociado con el queso Mahón-Menorca. La tercera no se describe. El objetivo es promover los productos alimenticios españoles con denominación de origen a través de su representación en el arte.
La ruta de belenes de la Orotava está organizada por la Asociación belenista Taoro en colaboración con el Ayuntamiento de la Orotava. En este programa de Navidad 2016-2017 podrás encontrar toda la información sobre los belenes expuestos, horarios, rutas guiadas, etc. así como consejos útiles y otra infromación de nuestra Asociación. Este año tenemos 29 belenes a exposición de diferentes estilos. Te invitamos a participar!
El documento resume la historia y características del arte barroco. Surge en Italia en el siglo XVI como respuesta a la Contrarreforma católica contra la Reforma protestante. Se caracteriza por ser dramático, emotivo y recargado para impresionar a las masas. Fue utilizado por la Iglesia católica y monarquías absolutas para reafirmar su poder a través del arte.
El documento describe los antecedentes de la ilustración botánica en América, incluyendo códices prehispánicos como el Códice Badiano y el Códice Borgia. Luego se enfoca en la Expedición Botánica liderada por José Celestino Mutis en Nueva Granada entre 1783 y 1817, durante la cual se recolectaron y documentaron miles de especies de flora a través de ilustraciones realizadas por más de cuarenta pintores, marcando el inicio de la ilustración científica de plantas en la reg
El documento describe el arte barroco como un fenómeno complejo influenciado por factores sociales, políticos y religiosos. Se caracteriza por expresar un mundo en movimiento y agitación a través de la exageración y ostentación. La Iglesia Católica promovió este estilo para contrarrestar la austeridad protestante, dando lugar a obras suntuosas y recargadas. Los artistas barrocos buscaban emocionar a través de efectos psicológicos y claroscuros.
Este documento analiza el Códice de Teotenantzin, un documento del siglo 18 que representa relieves prehispánicos de diosas en la Sierra de Guadalupe en México. Existen controversias sobre el nombre, creación y contenido del códice. Representa una serranía con dos figuras femeninas en bajorrelieve que podrían ser la diosa Teotenantzin, aunque su nombre y significado son inciertos. También hay desacuerdos sobre la ubicación exacta de los relieves originales.
TEMA 8.3. PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA. ESPECIAL ATENCIÓN A EL GRECOmanuel G. GUERRERO
El documento describe la pintura española del Renacimiento, con especial atención a El Greco. Se explica el contexto histórico y cultural del Renacimiento en España, marcado por la monarquía autoritaria y la defensa del catolicismo. También se analizan las características generales de la pintura, dominada por la temática religiosa. Finalmente, se describen las obras y etapas de importantes pintores como El Greco, cuyo estilo incorporó elementos manieristas y místicos influenciados por su estancia en España.
Arte Latinoamericano enfasis Colombia Universidad Tecnológica de Pereira - Mi...magos11
Este documento describe el sincretismo religioso en América Latina y su impacto en Colombia. Explica cómo las creencias indígenas se mezclaron con el cristianismo traído por los españoles y las religiones africanas, dando lugar a nuevas expresiones religiosas. Luego describe obras de arte coloniales en Colombia que muestran esta fusión de culturas, como pinturas y esculturas que representan santos católicos pero con influencias indígenas. Finalmente, resume la biografía y obras de varios artistas coloniales colombian
Un bodegón es una representación de objetos inanimados como frutas, vegetales, flores o utensilios domésticos arreglados por el artista. Los principales tipos de bodegones son el bodegón geométrico, el realista y el vanitas. El primer bodegón independiente de Europa se considera Cesto con frutas, pintado por Caravaggio en 1596.
El documento resume el arte religioso cristiano durante el período barroco, tanto en Europa como en Hispanoamérica. Explica cómo la Iglesia utilizó obras de arte, como pinturas de vanitas y retablos decorados, para recordarle a la gente que los placeres mundanos son efímeros y que sólo Dios es eterno. También describe cómo el arte barroco se desarrolló en las colonias españolas de América, donde se enfatizó particularmente el culto a la Virgen María.
El documento describe la evolución del arte, los artistas y los comitentes a través de la historia. En la Edad Media, el arte estaba al servicio de la iglesia y tenía fines religiosos y de enseñanza. En el Renacimiento, los artistas ganaron autonomía y produjeron para clientes individuales como príncipes y burgueses. El arte moderno busca la libertad creativa y apelar a la felicidad del espectador.
El documento describe el período artístico del Manierismo entre 1530 y 1600. Se caracterizó por representaciones religiosas, mitológicas y alegóricas de forma cortesana, intelectual y teatral. El término proviene de "maniera", refiriéndose a obras que imitaban a maestros del Renacimiento como Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. Artistas representativos fueron El Greco, Tintoretto, Parmigianino y Veronés, caracterizados por figuras alargadas, colores fríos y compos
Este documento habla sobre la historia y evolución del coleccionismo a través de los tiempos. Comienza describiendo las primeras civilizaciones como China y Egipto y cómo daban un sentido mágico y religioso a los objetos. Luego describe el coleccionismo en Grecia, Roma, el Renacimiento italiano y otros periodos históricos. Finalmente, analiza los cambios en las colecciones y museos en los siglos XVI a XX, incluyendo el surgimiento de los primeros museos públicos y la transición del coleccionista romá
La escultura colonial en Hispanoamérica estuvo vinculada principalmente a la iglesia católica y se desarrolló bajo la influencia del arte barroco español entre los siglos XVI y XVIII. Algunas técnicas escultóricas locales como el uso de la tusa cobraron importancia. La escultura colonial siguió los estilos renacentista, barroco y rococó europeos pero también incorporó elementos indígenas, destacándose escuelas como la quiteña y la cuzqueña.
El documento trata sobre la evolución del lenguaje y la estética de la imagen a través de la historia. Explica que en la Edad Media el arte estaba ligado a la religión y tenía fines de enseñanza, mientras que en el Renacimiento el artista ganó autonomía y sus obras se valoraban por su calidad artística. También analiza la figura del artista, el comitente y el fin de las obras a lo largo de la historia. Por último, menciona al artista vanguardista León Ferrari y cómo su obra refleja moment
El documento describe dos culturas andinas importantes del Período Intermedio Temprano: la cultura Moche y la cultura Nazca. La cultura Moche se desarrolló en los valles del norte del Perú entre los años 100 y 800 d.C. y construyó ciudades, canales de irrigación y centros ceremoniales. La cultura Nazca se desarrolló en los valles del sur entre los años 100 y 800 d.C., donde construyeron largos canales y geoglifos en el desierto, incluyendo líneas y figuras. Ambas culturas crearon cerá
La Cultura Tiahuanaco se desarrolló en el altiplano andino alrededor del lago Titicaca entre los años 250 a.C. y 1000 d.C. Construyeron impresionantes edificios de piedra como La Portada del Sol. Practicaban la agricultura, la ganadería y el comercio, y adoraban a dioses como Viracocha.
Sesion donde se habla de la funciones sociales de la educacion a los alumnos del 5to ciclo de la especialidad de esducacion en las artes, ante el tema los alumnos podran conocer acerca de elementos como la caracteristicas de individuo con respecto a la sociedad y manifestarse atraves de costumbres y tradiciones las cuales pasaran de generacion en generacion.
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Observaremos la metodologia greimasiana y sus consecuencias en la sociedad del periodo del siglo xv donde se desarrollo la cultura con auges absolutistas en su base social
Indicaciones del curso de arte para el desenvolvimiento de la carrera de educacion en la ciudad del cusco pueblo de checacupe a cargo del docente marin vengamin
Ascenso de Francia en el Periodo de Luis XIII y su función en la sociedad actual como indicador de la época del absolutismo y la caida del imperio por medio de las guerras y manifestaciones.
El documento resume la historia del Imperio Otomano. Se fundó en 1300 por Osmán I y llegó a controlar tres continentes desde Hungría hasta Adén. En su apogeo entre los siglos XVI-XVII se expandió por Europa, Medio Oriente y África. La sociedad estaba dividida entre la élite gobernante asker y los súbditos re'aya. El imperio cayó después de la Primera Guerra Mundial cuando su territorio fue repartido entre varios países.
Este proyecto propone la creación de un mural que represente los tres puentes históricos de Checacupe: el Puente Inca, el Puente Colonial y el Puente Republicano. El mural se ubicará en un área turística para decorar el ambiente y mejorar la zona. El objetivo es contribuir al arte y la pintura mural a gran escala. Se utilizarán pinturas acrílicas, materiales artísticos y otros recursos para la preparación e implementación del proyecto.
El documento define el deísmo como la creencia de que Dios creó el universo y sus leyes naturales pero no interviene más, rechazando la revelación divina. Explica que el deísmo enseña que Dios dejó el universo para que siga su curso natural sin milagros y que la Biblia no es la Palabra de Dios. Finalmente, señala problemas con esta visión como que niega a Cristo, se centra en el hombre en lugar de Dios y no puede derivar una moral objetiva de la naturaleza.
Breve introduccion a la perspectiva artistica desde un punto de vista artistico, tomando en cuenta elementos importantes de este resaltando temas importantes como su origen, y utilizacion a lo largo de la historia del arte.
Fichas técnicas de las obras de la exposición de esculturas exentas “Es-cultura. Espacio construido de reflexión”, en la que me planteo la interrelación entre escultura y cultura y el hecho de que la escultura, como yo la creo, sea un espacio construido de reflexión. Ver los documentos: vídeo de presentación, texto de catálogo, imágenes de las obras y títulos en inglés, alemán y español en:
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ARTE Y CULTURA - SESION DE APRENDIZAJE-fecha martes, 04 de junio de 2024.VICTORHUGO347946
sesion de aprendizaje en el marco de la educación de calidad- Los estudiantes aprenden a trabajar en está área consolidadndo aprendizajes según las competencias de aplicación en estas áreas.
Las castas fueron sin duda uno de los métodos de control de la sociedad novohispana y representaron un intento por limitar el poder de los criollos; sin embargo, fueron excedidas por la realidad. “De mestizo y de india; coyote”.
Texto del catálogo de la exposición de esculturas exentas “Es-cultura. Espacio construido de reflexión”, en la que me planteo la interrelación entre escultura y cultura y el hecho de que la escultura, como yo la creo, sea un espacio construido de reflexión. Ver los documentos: vídeo de presentación, imágenes de las obras, fichas técnicas y títulos en inglés, alemán y español en:
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Enganchados nº1_Fanzine de verano de junio de 2024Miguel Ventayol
Número 1 del fanzine de creación Enganchados.
Escrito e ideado por Miguel G. Ventayol.
Poemas, textos breves, narrativa y crítica literaria.
He escrito el primer fanzine para este verano de 2024, con la intención de que tenga continuidad en el tiempo.
Con una serie de poemas surgidos de diversas plantillas de CANVA, porque me pareció divertido trabajar sobre esas imágenes; así como poemas y algunos textos.
Algunos de ellos de experiencias personales, otros inventados.
Recuerdos de discos como el de Supersubmarina, Eels o Los Planetas
ÍNDICE
copiar. página 4
una cala frente al mar. página 5
una plaza en verano. página 6
tierra. página 7
échate unas risas, primo. página 8
palabras son solo palabras, a fin de cuentas. página 9
gírate. página 10
enganchados. páginas 11-13
luis, celine y la chica de ojos Bowie. páginas 14-15
crítica literaria. páginas 16-18
párate y mira. página 19
aniversario de super 8. página 20-22
échate unas risas, primo 2. página 23
FIN. página 24
Obra plástica de la exposición de esculturas exentas “Es-cultura. Espacio construido de reflexión”, en la que me planteo la interrelación entre escultura y cultura y el hecho de que la escultura, como yo la creo, sea un espacio construido de reflexión. Ver los documentos: vídeo de presentación, texto de catálogo, fichas técnicas y títulos en inglés, alemán y español en:
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2. Concepto.
o También conocido como naturaleza muerta, es
una obra de arte que representa objetos
inanimados, generalmente extraídos de la vida
cotidiana, que pueden ser naturales (animales,
frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas)
o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de
mesa o casa, antigüedades, libros, joyas
monedas, pipas, etc.) en un espacio
determinado.
o Es una rama de la pintura que se sirva
normalmente del diseño, el cromatismo y la
iluminación para producir un efecto de
serenidad, bienestar y armonía.
3. Antecedentes del Bodegón
En el antiguo Egipto se creía que los objetos
relacionados con la comida y la vida doméstica
se harían reales en el más allá, por ello eran
dispuestas sus representaciones para que los
muertos los usaran.
Es de notar en este período, la inexistencia de la
preocupación por la perspectiva y el sombreado.
4. Detalle de una escena de ofrenda de diversos alimentos, fresco en la
tumba de un escriba. 1422-1411 a.C. Menna, Tebas (Egipto).
5. En Grecia y Roma las
representaciones se hicieron más
realistas, la gran cantidad de
mosaicos de los objetos que se
pueden ver en el suelo de villas o en
los museos romanos, y las pinturas
murales también, especialmente en
Pompeya (la ciudad romana cubierta
por cenizas durante la erupción del
monte Vesubio en el año 79). Hay
más esfuerzo en la sombra exacta y
en el uso del color.
La apreciación popular del realismo
en el bodegón se relaciona con la
leyenda griega antigua de Zeuxis y
Parrasio, de quienes se dice que
compitieron por crear los objetos
más parecidos a la realidad.
Los mosaicos decorativos llamados
emblema, que se han encontrado en
casas de romanos ricos, demuestran
la variedad de comida de la que
disfrutaban las clases superiores, y
también funcionaban como signos
de hospitalidad y como
6. Mosaico romano, copia de un original griego perdido de Sosos de Pérgamo (siglo II
a.C.).
7. Cuenco de fruta y jarros. Frescos romanos en Pompeya (alrededor del año 70).
9. Durante la Edad Media
se produce un
retroceso en el género
del bodegón. El tema
de la naturaleza muerta
aparece integrado
en composiciones de
simbolismo religioso, en
forma de objetos de la
vida cotidiana,
acompañando a las
figuras protagonistas.
Es el caso de los
frescos de Giotto
Bondone en pleno
Trecento italiano
(SXIV).
La pintura de bodegón
revivió en las pinturas
de tema religioso en
forma de objetos de la
vida cotidiana que
acompañaban a las
figuras protagonistas.
Vida de San
Francisco. Muerte
del caballero de
Celano. Giotto.
Basílica de San
Francisco en Asís
10. El retrato que hizo Petrus
Christus de un novio y una novia
visitando a un orfebre es un
ejemplo típico de un bodegón de
transición que representaba tanto
un contenido religioso como
secular. Aunque su mensaje es
principalmente alegórico, las
figuras de la pareja son realistas y
los objetos que se muestran
(monedas, vasijas, etc.) están
minuciosamente descritas; pero el
joyero es en realidad una
representación de san Eligio y los
objetos son intensamente
simbólicos. La pintura de bodegón
revivió en las pinturas de tema
religioso en forma de objetos de la
vida cotidiana que acompañaban
a las figuras protagonistas.
Otro paso hacia el bodegón
autónomo fue pintar flores en
jarros u otros objetos con un
contenido heráldico o simbólico en
la parte posterior de retratos
seculares alrededor del año 1475.
Petrus Christus: San
Eligio orfebre (pareja
burguesa con un orfebre,
1449 MoMA).
11. El Bodegón grave sólo se
inició en el año 1500 en
el norte de Europa.
Durante el Renacimiento
los primeros en liberarse
del significado religioso
del bodegón estuvieron
Leonardo, quien creó
estudios a la acuarela de
fruta (alrededor de 1495)
como parte de su análisis
naturalístico, y Alberto
Durero, quien también
hizo dibujos detallados de
la flora y la fauna.
Sin embargo fue Jacopo
de’ Barbari dio un paso
más allá con su Bodegón
con perdiz, guanteletes
y flechas de ballesta
(1504), uno de los
primeros bodegones
trampantojo firmados y
datados, con un
contenido religioso
reducido al mínimo
13. El siglo XVI vio una explosión de interés en el mundo natural y la
creación de lujosas enciclopedias botánicas que documentaban
los descubrimientos del Nuevo Mundo. También impulsó el
comienzo de la ilustración científica y la clasificación de las
especies. Los objetos naturales comenzaron a apreciarse como
elementos de estudio individuales aparte de cualquier asociación
mitológica o religiosa.
Un ejemplo lo hallamos en Annibale Carracci y su Carnicería (1583).
14. En el siglo XVII la vida se convirtió en una forma de arte en sí mismo, sobre todo en
los Países Bajos. Estas pinturas no eran tan importantes como los retratos, así como
la pintura de «gran estilo» que abordaba temas históricos, religiosos y míticos, sin
embargo gozaban de mucha popularidad.
En Holanda, los artistas encontraban oportunidad limitada para producir la
iconografía religiosa que durante mucho tiempo había sido su principal industria, ya
que las imágenes de temas religiosos estaban prohibidas en la iglesia protestante
reformada holandesa, la tradición septentrional de realismo detallado y símbolos
ocultos atraían a las crecientes clases medias holandesas, que estaban
reemplazando a la iglesia y el estado como los principales mecenas del arte en los
Países Bajos. Hecho que produjo una variación temática que hoy nos permite su
clasificación y sub géneros: stilleven («naturaleza tranquila») en los países bajos;
mientras que en las lenguas romances, y en ruso, se prefieren términos relacionados
con la «naturaleza muerta»; el bodegón floral, que representa floreros y guirnaldas;
betriegerje («pequeño engaño» o trampantojo imitando a la naturaleza como en la
mímesis griega); vanitas, y colecciones alegóricas.
El bodegón fue el único de los nuevos temas que alcanzó en la España del XVII una
cierta relevancia, más por su calidad y originalidad que por su número.
Masificación del Bodegón
en el Barroco. Clases.
15. Cesta de fruta (1597) de Caravaggio. Óleo/lienzo, 46 × 64,5 cm. Milán, Pinacoteca Amb
16. Juan Sánchez Cotán - Bodegón de caza, hortalizas y frutas. 1602. Óleo /lienzo, Museo
17. Juan Sánchez Cotán - Membrillo, repollo, melón y pepino, 1602. Bodegón del Museo de
San Diego (California), (60 x 81 cm)
18. Colección Alegórica: El Gusto - Autores: Pedro Pablo Rubens y Jan Brueghel el
Viejo. 1617. Óleo sobre tabla, 64 x 109 cm. Museo Nacional del Prado
20. Juan van der Hamen y León - Cesta y caja con dulces, 1622, óleo sobre lienzo, 84 x
105 cm. Museo Nacional del Prado.
21. Juan van der Hamen
y León - Florero y
bodegón con perro,
h. 1625, óleo sobre
lienzo, 228,5 x 100,5
cm. Museo Nacional
del Prado.
22. Modelo de bodegón floral: Juan van der Hamen y León - Bodegón con alcachofas,
flores, y recipientes de vidrio, 1627, óleo sobre lienzo, 81 x 110 cm. Museo Nacional
23. Tomás Yepes (o
Hiepes) -
Florero con
cuadriga vista
de perfil. 1643.
Óleo sobre
lienzo, 115 x 86
cm. Museo
24. Jan de Heem, adorno de frutas y flores (entre 1635 y
25. Bartolomé Pérez
de la Dehesa -
Guirnalda con
San Francisco
Javier. 1675-80.
Óleo sobre
lienzo, 95 x 73
cm. Museo
26. Juan Fernández “El Labrador” :“Bodegón de cuatro racimos de uvas”, Museo del
Prado,1630.
27. Francisco de Zurbarán - Naturaleza muerta con jarra y tazas. Óleo sobre lienzo, 46 cm
× 84 cm. Madrid, Museo del Prado, 1635.
28. Willem Claesz Heda - Bodegón con vaso de plata y reloj, 1635, óleo sobre tabla, 52 x
29. VANITAS
Su título y su concepción se
relacionan con un pasaje del
Eclesiastés: «Vanitas
vanitatum omnia vanitas»
(«Vanidad de vanidades, todo
es vanidad»). El mensaje que
pretende transmitir es la
inutilidad de los placeres
mundanos frente a la certeza
de la muerte, animando a la
adopción de un sombrío
punto de vista sobre el
mundo.
“Vanitas” Bodegón con Bouquet y calavera
- Adriaen van Utrecht, 1642
33. Un hecho curioso es que durante la época barroca, al igual que
en etapas anteriores, estaba prohibido que las mujeres artistas
fueran dueñas de talleres y, si no tenían la suerte de haber nacido
dentro de una familia de pintores con talleres propios, era casi
imposible que una joven artista pudiera desarrollar su talento.
Carecían, salvo excepciones, de libertad intelectual (acceso a
estudios, viajes, relaciones sociales...) y libertad económica, al no
tener medios propios; incluso no disponían de un espacio
personal donde trabajar, reflexionar o crear.
No es posible conocer, en general a todas, y son muchas las que
no estuvieron reconocidas en su aprendizaje, en la creación y
posterior muestra de su obra. Según la mentalidad imperante en
diversas épocas, el arte creado por las mujeres era de inferior
calidad al ejecutado por los hombres, teniendo por consiguiente
su obra menor valor desde el punto de vista técnico y material.
En este contexto, cobra especial significado la obra de dos
pintoras italianas, que destacaron en esta época, y que son
conocidas en la Historia del Arte sobre todo por sus bodegones,
género que pese a su independencia siempre fue considerado
en el Barroco como menor: Fede Galizia y Giovanna Garzoni.
38. En el siglo XVIII, las
connotaciones religiosas y
alegóricas de bodegón se
abandonaron y las pinturas
de mesa de cocina
evolucionaron hasta ser
calculadas representaciones
de variado color y forma,
mostrando comidas
cotidianas. La aristocracia
francesa contrató a artistas
para ejecutar pinturas de
pródigos y extravagantes
bodegones que honraban
sus mesas, también sin el
mensaje moralista de la
vanitas de sus predecesores
holandeses. El amor rococó
por el artificio llevó a un auge
en la apreciación francesa
por el trampantojo (llamado
en francés trompe l'oeil
(«engañar el ojo»). Los
bodegones de Chardin
Chardin: Cesta de fresas salvajes,1750.
41. En el S.XIX, con el surgimiento de las
academias europeas, muy
destacadamente de Academia francesa,
que tuvo un papel central en el llamado
arte académico, el bodegón comenzó a
decaer. Las academias establecieron una
jerarquía de los géneros (o «Jerarquía del
tema tratado»), que consideraba que el
mérito artístico de una pintura radicaba
ante todo en su tema. Según este sistema,
la forma más alta de pintura era la
denominada Pintura de historia, aquella
que representaba temas históricos,
alegóricos, mitológicos o religiosos,
quedando el bodegón en el rango más
inferior del reconocimiento artístico. En
lugar de usar el bodegón para representar
a la naturaleza, algunos artistas, como
John Constable y Camille Corot, eligieron
los paisajes, prefigurando movimientos
posteriores como el impresionismo.
Édouard Manet, Claveles y clemátides en
una jarra de cristal (1883).
43. Van Gogh, Doce girasoles en un florero (1888)
Con el declive final de la jerarquía
académica en Europa y el auge de
los pintores impresionistas y
posimpresionistas, la técnica y
armonía de color triunfaron
sobre el tema, y el bodegón
volvió a ser tratado y
versionado según las nuevas
corrientes pictóricas.
44. Cézanne, Bodegón con plato de cerezas
(1885-1887)
Paul Cézanne
encontró en el
bodegón el vehículo
perfecto para su
revolucionaria
búsqueda de la
organización espacial
geométrica. Para
Cézanne, el bodegón
fue un medio de alejar
la pintura de su
función mimética o
ilustrativa, mostrando
independientemente
los elementos de color,
forma y línea, un gran
paso hacia el arte
abstracto. Así, los
experimentos de
Cézanne infuirán
grandemente en el
desarrollo del bodegón
48. Bodegón del S.XX a la
fecha
Con el inicio de las Vanguardias evolucionaron con rapidez y
se superpusieron en su marcha hacia la abstracción total, lo
no figurativo. El bodegón, así como otros géneros,
continuaron evolucionando hasta mediados de siglo, cuando
la abstracción total, ejemplificada por la pintura de goteo de
Jackson Pollock, eliminaron todo elemento reconocible.
El auge del fotorrealismo en los años setenta del S.XX
reafirmó la representación ilusionística, al tiempo que
conservaba algo del mensaje pop de la fusión de objeto,
imagen y producto comercial.
En las últimas tres décadas, el bodegón se ha expandido
más allá de los límites de un marco, con técnicas mixtas que
emplean objetos reales, fotografía, vídeo y sonido. Las obras
generadas por ordenador han expandido las técnicas
disponibles a los artistas de bodegones. Con el uso de
videocámaras, los creadores pueden incluso incorporar al
espectador a su obra.
59. o Desde la antigüedad hasta el Renacimiento Italiano (S.XV), los antecedentes del bodegón pasaron de
ser una simple imitación de la realidad (mímesis) imbuida de significado religioso-mitológico o de
esparcimiento para la decoración hogareña de las clases acomodadas, a ser un llamado de reflexión
moralizante para la jerarquía de clases en la que se desarrolló la sociedad occidental.
o Para el siglo XVII, como consecuencia de las grandes transformaciones económicas, políticas y de
pensamiento en la sociedad occidental durante los dos siglos anteriores (traducidos en la
consolidación financiera de la clase burguesa, la irrupción de la Reforma y la Contra Reforma, el
avance de las ciencias naturales, los grandes descubrimientos geográficos y la consecuente apertura
de nuevas rutas comerciales con el tráfico de novedosos productos, el desplazamiento de Dios por el
hombre como motor de la vida y centro del universo, etc.), en Europa se desarrolló un mayor interés en
el mundo natural, puesto que éste resultaba interesante para ser observado y registrado a través de
los bodegones, en su propio derecho. Es de resaltar que en los Países Bajos, los artistas se vieron
limitados para producir la iconografía religiosa que durante mucho tiempo había sido su principal
industria, ya que las imágenes de temas religiosos estaban prohibidas en la iglesia protestante
reformada holandesa, la tradición septentrional de realismo detallado y símbolos ocultos atrajeron a las
crecientes clases medias holandesas, que estaban reemplazando a la Iglesia Católica y el Estado
como los principales mecenas del arte en los Países Bajos. Hecho que produjo una variación temática
que hoy nos permite su clasificación y sub géneros.
o Para el S.XIX, tras las grandes revoluciones libertarias, el mundo natural había pasado de moda como
forma de representación plástica, ahora, el mundo del arte estaba más interesado en la exploración de
nuestro mundo interior de los estados de ánimo y emociones (caso de los impresionistas y post
impresionistas) factor que también tuvo efectos en la representación de bodegones.
o A medida que nos desplazamos a través del S.XX, los bodegones se disolvieron en geometría a modo
de objetos de interpretación fuera de la primigenia imitación de la realidad. Al final del milenio, el objeto
Resumen Contextualizado