1. HISTORIA ARTE MEDIEVAL
ARTES PLASTICAS GOTICO ITALIA 1
EL GÓTICO (1). LAS ARTES PLÁSTICAS EN ITALIA.
1. INTRODUCCIÓN
Y mientras, en Italia se va por otros derroteros. La herencia romana y el contacto frecuente con
Bizancio crean un modelo que toma como referencia los clásicos. A su pasado artístico, hay que
añadir una pugna por el poder europeo que tiene como escenario la península italiana: la lucha
entre el Papa y el Emperador Germano por imponer su orden. En el reino de Sicilia, en manos
del Emperador, intenta que en su corte se produzca una escultura lo más similar posible a la
clásica, con el fin de legitimar su reinado. Sin embargo, a pesar de la insistencia de ambos, no
logran controlar las ciudades, que cada vez se hacen más grandes e independientes: Venecia,
Génova, Milán, y sobre todo las villas de la Toscana: Florencia, Siena, Pisa, y Bolonia. Poseen
un pequeño territorio en tomo y se constituyen en ciudades-estado independientes en la práctica.
A partir del último tercio del siglo XIII se empieza a dar una lenta transformación en las formas
artísticas, para alcanzar, en el siglo XIV un modelo propio, muy diferente del francés y mucho
menos homogéneo que aquel.
2. LOS TALLERES DE ESCULTURA Y LA REFERENCIA DE LOS MODELOS CLÁSICOS
En Italia, desde los años finales del siglo XII y hasta fechas relativamente avanzadas del siglo
XIII, se cultivan en la Toscana unas formas de intenso sabor antiquizante, difícilmente
catalogables la mayoría de las veces si excluimos el recurso del estilo 1200. La obra de
Guglielmo, Biduino, Benedetto Antelami, Guido da Como el Viejo, por ejemplo, en un primer
período, o la de Guido da Como el Joven, fra Guglielmo, el mismo Nicola Pisano, después,
todos, a pesar de esta separación que he impuesto, comparten una misma característica: el
recurso al mundo antiguo y su utilización selectiva en la gestación de su propio lenguaje
artístico.
En Italia, la escultura no se concentra en las portadas, sino también en fuentes o púlpitos.
Además, los artistas tienen la costumbre de firmar sus obras, por lo que sabemos bastante de
los artistas italianos de esta época, al contrario que sus vecinos del norte.
En Pisa trabaja Nicolás Pisano, un escultor de gran éxito que
recoge y plasma esa herencia romana y etrusca en sus
obras. Algunos datos apuntan que nació en Apulia e, incluso,
fue conocido como Nicola de Apulia. Sus obras de juventud
se enmarcan en la denominada "época de Federico II" por
su aspecto figurativo. Influido por las manifestaciones
plásticas galas y la escultura romana clásica, incorpora en
su trabajo elementos propios de la antigüedad. El resultado
es un trabajo marcado por el gótico, el estilo que impera
entonces, salpicado de reminiscencias clásicas que
determinarían la llegada del RenacimientoEntre ellas
destaca:
- El Púlpito del Baptisterio de Pisa: se trata de un prisma
sobre columnas, cada una de las caras cubierta de
esculturas de bulto casi redondo, pliegues amplios y
rostros severos, al estilo clásico. Lo original de su trabajo
no está en la forma, sino en la aplicación escultórica de
la estructura, que está al servicio del hombre. El púlpito
sirve para poner énfasis en el sermón.
Destacar los grupos del Nacimiento y la Epifanía, y la
Crucifixión. Pisano incluye un personaje que podría ser un
Hércules, y la Virgen recuerda a las damas de los
sarcófagos etruscos.

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- El Púlpito de la Catedral de Siena: Tiene tanto éxito que le encargan más trabajos
similares. Para este altar tiene la ayuda de Arnolfo y Giovanni di Cambio, padre e hijo.
Arnolfo di Cambio y su hijo Giovanni Pisano volvieron a ser sus colaboradores a finales de la
década de los años ochenta en la realización de la Fuente Mayor de Perugia, donde
abandona los asuntos sacros para recurrir a personajes de la mitología y símbolos relacionados
con la astrología y las artes. De su faceta como arquitecto se le atribuye la edificación de la
iglesia de la Santísima Trinidad de Florencia.
De Arnolfo di Cambio destacar su clasicismo, que hizo que durante muchos
años se le atribuyera una estatua romana. Sus obras son:
- Vera Efigie: retrato de un obispo para la tumba de este
- Fachada de la Catedral de Florencia: Obra inacabada y muy
maltratada.
Sus primeros pasos dentro de su trayectoria artística estuvieron ligados a
Nicola Pisano, también arquitecto y escultor. Con este participó en la
elaboración del Arca de Santo Domingo de Bolonia. Es autor de "La
Virgen en su trono" y "La Natividad", realizadas para decorar la
anterior fachada de la catedral de Florencia. Como arquitecto, sus
trabajos se inspiran en las bases de la antigua Roma. A lo largo de su
carrera proyectó distintos diseños para Roma y Florencia, especialmente en
esta última, donde dejó una mayor impronta. Allí se encargó de la
dirección del Palacio Viejo, y el diseñó los planos de la catedral.
Sin duda es la de Giovanni Pisano la personalidad más brillante y
genial en su campo, de todo el Trecento. Hijo de Nicola, con quien pudo
colaborar en el púlpito de Siena, desde un principio sus planteamientos
se separan radicalmente de los del padre. Poseedor de un gran oficio y
una gran capacidad para la experimentación, logra, sirviéndose
también del mundo antiguo, un lenguaje propio que le llevará a
adentrarse en el expresionismo como vía esencial. Este púlpito, que
debe mucho tipológicamente a los de Nicola, es escultóricamente algo
absolutamente ajeno a lo anterior.
También señalar a Lorenzo Maitani, responsable de la fachada de la
Catedral de Orvieto, que desarrolla un amplio programa iconográfico,
desde el Génesis hasta el Juicio Final.

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Además de la influencia de los clásicos italianos, Giovanni
añade su formación francesa, lo que se traduce en la expresión
del pathos en las figuras. De su obra hay que destacar:
- El Púlpito de San Andrés de Pistonia. En él, se repite el
esquema de púlpito: utiliza los mismos temas y estructura
general, pero se diferencia claramente por la forma.
Utiliza técnicas pictóricas como el non-finito (no dar el
último toque de lija a las figuras, técnica de la que será
maestro Miguel Ángel) y el contrapposto, habitual en el
Manierismo o Renacimiento.
- El Púlpito de la Catedral de Pisa, del que destaca
especialmente el grupo de La Prudencia, al pie de una de
las columnas. La imagen de la mujer desnuda recuerda a
la Venus púdica clásica.
Indudablemente, Andrea Pisano ocupa un lugar de honor dentro del Trecento italiano. Sin
embargo, es la ejecución de las primeras puertas del Baptisterio de Florencia, obra ya de
madurez, la primera que tenemos documentada como suya.
Más adelante, las referencias van apareciendo (maestro
mayor de las catedrales de Florencia y Orvieto), pero con
anterioridad nada sabemos de él.A pesar de su origen pisano,
su lenguaje artístico tiene en ciertos aspectos poco en común
con el de Nicola o el de Giovanni. Si bien los tipos físicos de
pómulos muy marcados, largas barbas y ojos hundidos
bajo pobladas cejas, responden a los de este último, en lo
concerniente al acabado, el que Andrea da a su obra
contrasta radicalmente con el recurso al "non finito" de
Giovanni. Su producción, por ello, pone de relieve contactos
con lo francés, que no son intrínsecos en cambio en la de los
anteriores, salvo en casos muy puntuales. Las puertas del
Baptisterio florentino no son sólo su primera realización
documentada, sino su obra maestra. De gran elegancia
formal, los relieves consagrados a San Juan Bautista, suponen
un hito en el Trecento toscano, pues constituyen el escaparate
donde se expone depurada la serie de experiencias que son
comunes a pintores y a escultores en los años precedentes.
Destacan en particular las preocupaciones espaciales que en determinadas escenas se
resuelven magistralmente, merced al contrapunto de unos paisajes y unas arquitecturas
reducidas a lo esencial, y también el interés por el volumen de las figuras, para lo cual, como en
Giotto, son fundamentales las túnicas con las que se envuelven los personajes. Sobresalen en este
sentido dos relieves, ambos de gran fuerza plástica: la conducción del cadáver del Precursor y
su colocación en el sepulcro.
Baptisterio de Florencia. Puerta sur Autor:Andrea Pisano Fecha:1330-36 Museo:Baptisterio
de Florencia Material:Bronce
Andrea Orcagna es pintor y escultor. Más tradicional, destaca entre sus obras el Tabernáculo de
Or de San Michel, en Florencia.

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3. LA ESPIRITUALIDAD FRANCISCANA Y LA RENOVACIÓN PICTÓRICA.
El Gótico Italiano se estrena con el Duocento, o más bien un poco antes. A finales del siglo XII
se introducen los postulados artísticos de la orden del Císter, que pretende transformar la
decadente doctrina cristiana, perdida en el lujo y la ostentación. Con sus prédicas acerca de la
sencillez se comienza a construir en un estilo depurado, al tiempo que se insta a ornamentar lo
mínimo estas iglesias. Esto tuvo grandes consecuencias en la pintura y la escultura.
La ola de renovación se tradujo en brotes heréticos y otros legalizados por la Iglesia. Éste fue el
caso de San Francisco de Asís y su orden de fratres minores, operantes entre 1181 y 1226.
También ellos predican la pobreza absoluta para el clero. En sus construcciones sustituirán el
carísimo mosaico por la pintura, mucho más barata de realizar. Sus doctrinas se extienden por la
Toscana: Florencia, Pisa, Asís, etc.
Las regiones que no son susceptibles a esta influencia mantienen la denominada "maniera
Greca", es decir, el estilo de los griegos, que no es otro que el arte bizantino. Hemos de
recordar que Bizancio mantuvo colonias comerciales y relaciones marítimas hasta avanzado el
siglo XV con los puertos más importantes del Mediterráneo. Por esta razón, Venecia y Sicilia
continúan con esta maniera bizantina de figuras hieráticas que recuerdan iconos; los
personajes están rígidos, frontales ante el espectador, con los miembros pegados al cuerpo, y
grandes ojos llenos de expresión que miran directamente al espectador.
Es en la pintura donde mejor se formula el modelo italiano. Hay que tener en cuenta los
siguientes aspectos:
• Debido a la diferente evolución de la arquitectura italiana, siguen quedando en la
península grandes y macizos muros que permiten seguir pintando frescos y realizando
grandes mosaicos, en la línea de la tradición romana y bizantina. El fresco será el
elemento técnico por excelencia de esta época aunque pronto desaparecerá el mosaico.
• Aún así, hasta mediados del siglo XIII, se siguen realizando trabajos muy
conservadores, como la Cripta de la Catedral de Agnani, o el Oratorio de los Cuatro
Coronados, en Roma. Por otra parte, la retrotabla se va haciendo cada vez más
grande, dando origen a grandes retablos pintados.
• Durante el siglo XIII crece cada vez más el culto a la virgen. Se empiezan a crear
cada vez mejores y más grandes iconos de la Virgen en Majestad.
• Importancia de San Francisco de Asís y su orden. La influencia franciscana es visible
en el intento de hacer más cercanas y accesibles las figuras. La iglesia de San
Francisco, en Asís, es un verdadero museo de pintura.
4. LAS DIFERENTES ESCUELAS PICTÓRICAS.
Hay una serie de maestros de transición, entre el bizantinismo y la pintura del trecento:
•••• Toscana
La Toscana entre tanto comienza un pujante florecimiento técnico y temático. La nueva técnica
permite unas obras más populares por su pobreza. Así mismo, la versatilidad de la pintura
aumenta la iconografía y la velocidad de ejecución. Es en Toscana, cerca de Pisa, donde se
establecen dos tipos iconográficos de gran éxito:

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ARTES PLASTICAS GOTICO ITALIA 5
• Uno es el crucifijo toscano, una gran tabla con la crucifixión de Cristo flanqueado por
dos escenitas a los lados, que pueden
ser la Virgen y San Juan, o bien
escenas de la Pasión, y coronado en lo
alto por una imagen del Calvario.
• Otro tipo es el Cristo toscano, de
menor tamaño, con los ojos cerrados,
un paño de pudor relativamente corto
en vez de una túnica, cuatro clavos y
con el cuerpo violentamente arqueado
sobre la cruz. Esta postura introduce
criterios de espacio entre el Cristo y la
cruz, así como de sombreado y
volumen del cuerpo.
También el retablo toscano, aunque no es una creación, si constituye una variante especial, ya
que el tamaño de las escenas es mayor y más ordenado que en los retablos europeos. Y el
centro está ocupado completamente por la figura del santo al que se dedica. Este
ordenamiento permite la lectura de las imágenes por el fiel, lo cual entronca de nuevo con la
intención renovadora de aproximar la doctrina a los creyentes. En Florencia son mucho más
bizantinistas. Destaca entre este grupo de maestros, Cimbaue.
Cimabue suele ser considerado como uno de los fundadores del arte moderno y se cree que
fue el maestro de Giotto.. Este es una figura relativamente anónima, al que se atribuye un
nuevo tipo iconográfico derivado de un culto popular
que empieza a cobrar fuerza a fines del Duocento:
la devotio mariae, la devoción a María, la Virgen,
como en el cuadro que mostramos, la Madonna de la
Santa Trinidad. Esta aparece en Maestá: sentada en
un trono, rodeada de ángeles, sosteniendo a un
Niño extremadamente fuerte y de anatomía muy
desarrollada, aludiendo a la fortaleza de la fe
cristiana. Se hallaba en Roma en el año 1272 con
seguridad y pudo haber recogido la influencia de la
corriente clásica representada por Cavallini. La
única pieza de la que hay documentos que
atestigüen que fue realizada por Cimabúe fue una
representación de San Juan que forma parte de un mosaico de grandes dimensiones y que se
encuentra en el ábside de la Catedral de Pisa, en cuya realización se hallaba trabajando en
1302. Otras obras también se le han atribuido como la Virgen de san Francisco de la Iglesia
de la parte baja y la impresionante Virgen de Santa Trinidad de Florencia de los Uffizzi, que se
puede compara con la Virgen de Ognissanti de Giotto o la Madonna Rucellai del Duccio.
- Crucifijo de la Iglesia de Santo Domingo de Arezzo
- Mosaico absidal de la Catedral de Pisa, parcialmente conservado, con un Cristo
entronizado, una Virgen Plorante, y un San Juan Evangelista
- Madonna del Museo de los Ufizzi. Esta obra es muy bizantina, aunque destacan ya
las formas redondeadas, con una expresión más natural y una mayor variedad de
actividades.
- Crucificado y Maiestá en la iglesia de San Francisco de Asís.
•••• Roma
Roma también mantendrá esta influencia bizantina, por otras razones: el mosaico es una
técnica extremadamente cara y sólo es posible su desarrollo en regiones económicamente
potentes. Roma es la sede papal. Además, carece de grandes artistas, por lo que los importa

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de Venecia. Por ello, en Roma se continúa realizando un arte arcaizante, que empieza a ser
superado por los logros pictóricos. En Roma vive Pietro Cavallini, el más famoso del grupo de
mosaicistas, pero también pintor y miniaturista. Cavallini ha sido llamado el “Primer hombre del
Renacimiento”. Destacan sus obras: Mosaicos de Santa Cecilia de Trastévera (Roma), con la
pieza El Juicio Final. Cristo posee la belleza y la severidad de un Zeus griego. Dominio del
modelado con notables cabezas.
•••• Siena.
En Siena encuentra una mayor continuidad el arte más bizantinizante, prefiriéndose las líneas a
los volúmenes. Es un arte de corte más miniaturístico, que emborrona la composición con
multitud de detalles, en contraste con la claridad de la escuela de Florencia. El color es un
elemento decorativo, no plástico.
Destaca Duccio di Buoninsegna, que
desempeña un papel similar al de Giotto,
aunque menos definitivo. Es el autor de la
Pala de la Catedral de Siena, gigantesco
retablo pintado por ambos lados y
presidido por una abigarrada Maestá de
la Virgen con ángeles y santos. En las
diversas se ponen de manifiesto
contradicciones compositivas o de técnica
que llevaron a algún investigador a un
hipercrítico examen de autorías que no ha
encontrado eco generalizado. Puede
deberse a la propia personalidad del
pintor, desigual, inquieto, conflictivo. Tal
vez una de sus mayores virtudes reside en
su sensibilidad cromática.
Su producción religiosa se distingue por la
elegancia y sensibilidad del dibujo, a lo
que se suma su destreza a la hora de
estructurar los elementos de la
composición. Su arte dejó huella en muchos
creadores posteriores.
La madonna Rucellai. Duccio pintó esta obra para la Iglesia
de Santa María de Novella de Florencia, aunque en la
actualidad se encuentra en la Galería de los Uffizi.Se trata
de un retablo que muestra a la Virgen sentada en el trono
con el Niño Jesús, flanqueada por dos ángeles de rodillas y
con un fondo de oro de tradición bizantina.
Presenta muchos elementos similares a la Madonna de
Cimabue, ya que Duccio fue discípulo suyo. Pero la
delicadeza, el limpio colorido y el movimiento decorativo
de la línea ondulada del borde del manto de la Madonna
Rucellai difieren de la de Cimabue. El trono, que se
presenta simultáneamente de frente y de lado, no tiene
respaldo y detrás de la Virgen se coloca un velo. Los
ángeles que la flanquean aparecen arrodillados unos sobre
otros, no hay profundidad, ya que Duccio no se preocupa
por el volumen de las formas, sino por el color