El fauvismo fue un movimiento pictórico francés que duró de 1905 a 1908 caracterizado por el uso violento y arbitrario del color para expresar sentimientos en lugar de representar objetos de forma naturalista. Los pintores fauvistas, incluyendo a Henri Matisse, André Derain y Maurice Vlaminck, aplicaban colores puros en amplias áreas planas para definir formas y transmitir emociones sobre temas como paisajes y naturalezas muertas. El cuadro Madame Matisse de 1905 ejemplifica este estilo al usar colores intensos como

1. . El fauvismo
El fauvismo es un movimiento francés y efímero que apenas abarca tres años, los que
van de 1905 a 1908, fecha en la que había alcanzado ya su punto culminante. Está
considerado el primer movimiento de vanguardia más por su influencia en movimientos
posteriores que por la cohesión y propósito de los pintores que lo componen.
Reaccionan contra el Impresionismo, potenciando color y objeto, que el impresionismo
reducía a tonalidades
Su denominación viene de la palabra francesa fauve que significa “fiera”, y que define
la aplicación exacerbada y violenta de los colores sobre la tela, rompiendo la tradicional
asociación con el objeto representado. Es decir, que por encima de la copia mimética de
la realidad, prima la visión subjetiva y estética del artista.
Tuvieron como maestros a Van Gogh: (pintura como expresión de un sentimiento
interior que provoca una violencia emotiva de las formas) y a Gauguin (desinterés por la
fidelidad de la Naturaleza, con uso de colores no descriptivos ni naturales).
Si hubiera que señalar la esencia del grupo, que cada pintor interpretó a su manera, se
diría que era el uso arbitrario del color a fin de definir la forma y expresar el
sentimiento.

2. El Fauvismo mantiene un mayor arraigo de lo decorativo y una ausencia total de
planteamientos sociales, de ahí que los temas sean similares a los impresionistas:
paisajes, personajes en habitaciones, naturalezas muertas, etc.
Formalmente la pintura fauve se acoge a estas características:
- Una pincelada libre y, normalmente, muy empastada, de mancha plana y
ancha.
- Una paleta de gran viveza y llena de contrastes, que rechazaba los matices
propios del Impresionismo, y experimentaban con colores puros
- La línea recupera su energía con trazos gruesos y nítidos, para respetar el
objeto, que se perdería entre las violencias y arbitrariedades coloristas.
- Aplicación libre del color aunque no tenga relación con el color real del
objeto (como había planteado Gauguin)
- Supresión casi total del modelado y el claroscuro.
- Despreocupación por la profundidad y el espacio. La luz suele
desaparecer debido a la aplicación del color en manchas planas y anchas y
con ella la profundidad.
Los representantes más destacados del Fauvismo son Henri Matisse, André Derain,
Maurice Vlaminck y Raoul Dufy. Sólo tenían en común el interés por un color brillante
y puro.
El fauvismo pasó pronto, aunque la utilización autónoma del color va a resurgir en la
pintura abstracta.
Puente de Westminster. Derain Restaurante Marly-le-Roi. Vlaminck
Puente de Waterloo de Vlaminck, 1906

3. Henri Matisse (1869-1954)
Fue el pintor más importante del Fauvismo, aunque su biografía no se corresponde con
el patrón de un pintor de vanguardia: no fue un artista precoz, estudió Derecho en París,
llevó siempre una vida pulcra y ordenada, y prácticamente no tuvo contacto con los
ambientes bohemios que rodeaban a los artistas de vanguardia.
Además en su pintura mantuvo lo que para él eran dos principios esenciales que
perduraron desde el comienzo de su carrera hasta el final:
- Un cuadro tiene que tener su propia autonomía, es decir, debe ser una
creación independiente de la realidad.
- La aplicación del color debía corresponderse con las resonancias
decorativas y emocionales que se establecen al combinarse entre sí.
Suele utilizar los tonos fuertes (por contraposición a la tímida paleta impresionista),
colores planos a veces cubriendo con uno sólo de ellos grandes zonas. Estos colores se
separan unos de otros por gruesos trazos de color negro que delimitan exageradamente
las diferentes zonas cromáticas.
Lujo, calma y voluptuosidad, 1904 La alegría de vivir, 1905-1906
La habitación roja, 1908 La danza, 1910

4. Madame Matisse. Retrato de la raya verde. Museo Real de Bellas Artes.
Copenhague. 1905. Óleo sobre lienzo 40,5x32,5 cm.
Tal vez el manifiesto del grupo fauve, lo constituya este cuadro. Tiene algo de máscara
Aparece la esposa de Matisse captada de medio busto hacia arriba y con el rostro
levemente ladeado. A pesar de la intensidad cromática, la obra trasmite calma. El artista
ha simplificado las formas de su mujer reduciéndolas a lo que es meramente esencial,
sin dejar nada gratuito.
La raya verde no está situada de forma arbitraria; muestra, en el rostro femenino, la
separación entre el espacio iluminado y el sombreado.
En lugar de pintar de forma convencional un lado oscuro y otro iluminado, Matisse
traduce la luz a colores, de manera que el lado derecho de tonos fríos simula la parte en
sombras, y el lado izquierdo de colores cálidos, la iluminada.
Al fondo llaman la atención, en su rechazo de las armonías tradicionales, los tonos
verdes, naranjas y violetas. La contraposición de colores produce un avance y un
retroceso de las superficies y crea un ritmo que sugiere volumen y profundidad.
La disposición de los colores del rostro se equilibran con los del fondo puesto que son
los mismos tonos, pero colocados al revés que en el fondo.
El cabello a base de negro con reflejos azules y morados. Todo realzado con trazos
negros azulados de las cejas y el rojo del vestido.
La intención de Matisse al pintar este cuadro no era reflejar el rostro de su mujer, sino
reproducirlo tal y como él lo veía; es decir, plasmar su propia vivencia interior.
La premisa de Matisse era sencillez, claridad y tranquilidad y siempre la acató. Jugó con
los colores, las curvas y las contracurvas para que su pintura consiguiese su principal
objetivo: ser un placer.
Matisse representa sensaciones o vivencias a través del vigor cromático y da vida y luz
propia al cuadro por medio de los contrastes.
Consigue la exaltación cromática empleando el rojo y las tonalidades anaranjadas, y
enfrentándolas a su complementario, el verde, que ocupa la zona central del rostro y, en
un tono más austero, el fondo que corresponde a la parte derecha de la cara. La elección
de los colores es arbitraria, pues no coinciden con la realidad.

5. Los colores, intensos y saturados, están distribuidos en áreas planas, sobre todo en los
fondos; en la mujer están planteados con pinceladas sueltas, pero siempre siguiendo un
orden o ritmo que da sentido a la imagen.
Esta obra, en realidad se trata por encima de todo un estudio de color. Una
experimentación sobre las posibilidades del color como elemento del lenguaje pictórico
y además una obra emblemática de los primeros fauvistas porque marcaría una línea a
seguir, aunque es igualmente cierto que la obra de Matisse pronto seguirá un camino
propio e independiente. En su intención de liberar plenamente al color de su vinculación
a la realidad, va incluso más lejos de lo que había ido Gauguin en su momento.