El documento describe las características generales del romanticismo en la música del siglo XIX, incluyendo los cambios sociales y literarios que influyeron en el movimiento, los géneros y compositores más importantes, y las diferencias entre el periodo clásico y el romántico.

1. Características Generales, géneros y compositores

2. Nombre con que se agrupa la mayor parte de la producción musical del siglo XIX. Caracterizada por una actitud de anhelo por lo infinito, lo inalcanzable, una identificación con la naturaleza, con la alegría y tristeza de vivir, un deseo de profundizar sobre el propósito del ser humano tanto en la vida como en el más allá.

3. El romanticismo alienta la sobreposición de extremos opuestos: amor a la soledad y a la vez amor al prójimo, disfrute de lo exótico junto a una nostalgia por lo familiar, una búsqueda de fama y necesidad de simpleza, Afición a lo novedoso y ansia del pasado. Todo esto se resume en que el romántico desea lo inalcanzable, aún si intelectualmente sepa que es imposible.

4. Movimientos Literarios: Jean Jacques Rousseau (1712-1778) Reacción al racionalismo y a las bases de la Ilustración. Retorno a la naturaleza Las obras de Shakespeare se traducen al Alemán. Wolfgang von Goethe y Friederich von Schiller liderizan la corriente denominada Sturm und Drang, que resalta los aspectos emotivos y antiracionales del espíritu humano. Werther y Fausto de Goethe y Don Carlos, Guillermo Tell y Oda a la Alegría de Schiller encontraron eco en obras de grandes compositores

5. Cambios sociales Alejamiento de la monarquía y el sistema cortesano. Proliferación de la burguesía interesada en las artes. La revolución Francesa, pérdida de privilegios de la monarquía. La Revolución Francesa señaló el nacimiento de una nueva sociedad que exaltaba al individuo como nunca se lo había hecho anteriormente. Su lema era Libertad (religiosa, de empresa, política y personal) Necesidad de Individualismo sin trabas Función principal de la música:Expresar emociones. Músico considerado verdadero artista, sensible, creador, observador y crítico. Apoyo de la música en la literatura, aún en la música estrictamente instrumental.

6. Cambios sociales La burguesía tuvo oportunidad de: comprar boletos para recitales, conciertos y óperas. Adquirir un piano, para hacer música en casa Contratar profesores de música para sus hijas Comprar partituras para interpretar la música de su escogencia. Surgieron Fuentes de trabajo para muchos músicos. Se abrió enormemente el campo de publicación de música, con beneficios para los compositores.

7. La teoría evolutiva Fue formulada en primer lugar en biología pero inmediatamente aplicada a todos los ámbitos del conocimiento. Permitió abarcar a la historia de la música como un movimiento unitario desde sus orígenes hasta la culminación espléndida que el siglo XIX presenciaba. La música como fenómeno cultural debía pasar por las etapas propias de todo organismo: Nacimiento, desarrollo, involución y muerte.

8. Período Clásico Período Romántico El músico permanece fiel a una escritura codificada que le inserta en un medio histórico y geográfico determinado Concibe la música como un arte independiente y completo en sí mismo. Busca por sobretodo salvaguardar la pureza de la forma. Valores: orden, claridad, proporción. Esfuerzo por perfeccionar lo que ya existe. Amor por las normas, control de la emoción dentro de la forma. El músico rechaza todo lenguaje previo para buscar procedimientos expresivos personales en constante evolución. Acerca más intimamente la música a la poesía y la pintura. Se preocupa fundamentalmente por la expresión de las emociones Valores: Exaltación de la singularidad de reacciones personales, originalidad. Se rebela contra la tradición. Crea nuevas formas. Anhelo de lo inasequible, necesidad de éxtasis.

9. Se popularizó la asignación de un número de opus a cada obra, indicando su orden de publicación Inclinación a lo teatral y a lo grandioso así como a lo íntimo y expresivo. Perfeccionamiento del género programático (música asociada a las imágenes específicas literarias o pictóricas) Valoración del contenido expresivo más que su contenido formal. Exaltación de la sensibilidad unida a un modo de expresión totalmente subjetivo. Utilización del Leitmotives o “motivos conductores” (temas compactos símbolo de personajes, emociones, ideas u objetos) Surgimiento del Lied y la pieza para piano. Triunfo del teclado para solista Crecimiento numérico del grupo orquestal Supremacía de la escuela germánica sobre las restantes prácticas nacionales y diferentes estilos individuales

10. Generaciones Románticas

12. Se siente un hombre único, diferente a los demás por tener una sensibilidad fuera de lo común. Este sentimiento de pertenecer a una élite justifica todo tipo de extravagancias. Vida sentimental escandalosa Conducta insolente Atuendos inverosímiles Interés por la dirección Escribe autobiografías, e incursiona en la literatura. Ambiciona consumar la union de sonido y verbo especialmente en el drama y en la música de programa.

14. Abandono del clavecín, excesivamente ligado al pasado. Supremacía del piano. Desprestigio de las técnicas de imitación ancestrales. Desdén hacia las formas clásicas. Fusión de las artes La naturaleza penetra en el arte instrumental. (ej. Ruiseñor en la sinfonía pastoral) Recuerdos de viajes (“aires” suizos, italianos, etc) Evocaciones exóticas extrañas o folclores localizados. Unión de literatura y música (fantasías, recuerdos o variaciones sobre motivos de óperas destinados al piano, violín o al órgano) Exaltación de lo individual y original, expansión lírica de los tempi lentos. Importancia del solista.

15. Perfeccionamiento del piano Mejoras de detalle de la familia de cuerdas. El órgano se convierte en una potente máquina que desciende a las salas de concierto y salones, encandilando al público con su gigantismo sonoro La percusión no era todavía objeto de investigación profunda. Cambios espectaculares en las maderas y metales: Atención prioritaria a la afinación Adaptación de llaves a la madera. Dotación de pistones a la trompa y trompeta.

16. En la búsqueda de nuevos timbres surgen: El Acordeón en Viena (poco antes de 1830) El Armonio en París (1842) El cornetín (1830) El saxofón (Patentado en 1846) La flauta grave en sol o flauta alto La tuba Wagneriana con embocadra de trompa. Investigación en el campo de los registros Nuevos modos de producción de sonidos Preocupación por estudiar la orquestación

17. Conciertos variados (vocal e instrumental) El recital, llamado entonces monoconcierto o soliloquio musical no se introdujo hasta la época de Liszt y su difusión fue lenta. No se guardaba fidelidad estricta a la partitura sino que se adornaba. Los conciertos de música de cámara no gozaban de tanta estima. Aumentan las sociedades sinfónicas. El director, a menudo el mismo compositor provisto de batuta o de un arco, frecuentemente dirige desde el atril del primer violín. Los músicos tocaban de pie antes de conseguir sentarse en taburetes de madera, el público contaba con bancos duros. Los conciertos populares comenzaron a proliferar en 1860 Preferencia por las óperas sobre los conciertos instrumentales.

18. Se recupera y desarrolla la sinfonía y la sonata con una nueva expresión. Los conciertos más de moda en el s. XIX son los conciertos para piano. En menor proporción los hay para violín y otros instrumentos. Los cuartetos de cuerdas cobran importancia. Reaparece la suite, a menudo con sentido programático. Nace el poema sinfónico Nocturno (suele implicar un sueño nostálgico El Estudio, con auge creciente. Géneros breves como bagatelas y baladas, caprichos, impromptus, improvisaciónes, leyendas, pensamientos musicales, preludios, rapsodias, romanzas sin palabras, scherzos, recuerdos….

19. La aparición del tema tiende a retrasarse cada vez más. Aumenta el número y extensión de los temas. Algunos son de origen folclórico. La rítmica es mucho más irregular, más próxima a la palabra. Utilización del rubato (técnica que ocnsiste en retener ligeramente el movimiento de un motivo para hacer que se escuche mejor). Frecuentes cambios de ritmo, paso de binario al ternario o viceversa. Se escribía en tonalidades simples por las dificultades de entonación de algunos instrumentos, pero se diversifican las tonalidades para el teclado. Alteración de diferentes grados (sexta napolitana, quinta aumentada o disminuida), numerosas séptimas disminuidas y uso del acorde de novena inicial o final. Uso del Crescendo y diferentes matices (desde el cuadruple piano al triple fortísimo), así como del Sforzando.

20. El Lied, la melodía y la ópera romántica

21. Las preferencias del nuevo público burgués se orientaban hacia un arte intimista, pero también hacia un arte nacional. Tanto el lied como la melodía, formas perfeccionadas del canto acompañado, son formas específicamente nacionales: El LIED marcado por las cualidades del arte alemán, y la MELODIA por el genio francés.

22. En medios germánicos se utiliza para designar la música vocal acompañada. Es un término impreciso que podría traducirse como “Canto” o “Canción”. En la Edad Media se refirió a los cantos profanos para diferenciarlos de los religiosos.

23. Johann Friederich Reichardt, amigo de los grandes poetas de su tiempo, escribe numerosas colecciones de LIEDER entre 1773 y 1811, basados en textos principalmente dramáticos de Goethe, Herder y Schiller. Johann Rudolf Zumsteeg cultivó el LIED y la BALADA , con temas como el amor imposible, la muerte, la noche y la desesperación. Gluck, Haydn, Weber, Mozart (40) y Beethoven (90), cultivaron el lied como forma de expresión secundaria.

27. Beethoven compuso solo 1 ópera: “Fidelio”. Llamada inicialmente “Leonora” Hizo numerosas revisiones y varias oberturas Inclinación por el elemento moralizador Tema: El amor conyugal, el horror de la prisión y el rescate heróico, la perseverancia que libera al oprimido.

28. Hector Berlioz (1803-1869) Benevenuto Cellini (1838) acerca de un exitoso escultor y sus deslices morales. Les Troyens (1863) En Cellini aparece el leitmotif. Béatrice et Bénedict comedia musical sobre texto de Shakespieare Sinfonía dramática Roméo et Juliette (1839), tomada de Shakespeare, Leyenda dramática La damnation de Faust (1846), adaptación libre de algunos episodios de la acción de la I parte del Faust de Goethe.

32. Compositor, director de orquesta, poeta y teórico musical alemán. Famoso por sus óperas (también calificadas como "dramas musicales") Las obras de Wagner, particularmente las de su última etapa, destacan por su textura contrapuntística, riqueza cromática, armonía y orquestación, y un elaborado uso de los leitmotivs, temas musicales asociados a caracteres específicos o elementos dentro de la trama. Asume también la escenografía y el libreto de sus obras “Gesamtkunstwerk” ("obra de arte total") Wagner construyó su propio teatro de ópera para escenificar estas obras del modo en que él las imaginaba.