El documento describe las características del estilo arquitectónico manierista a través de ejemplos como el Teatro Olímpico de Palladio en Vicenza, la iglesia de Il Gesú de Vignola en Roma, y la Rotonda de Palladio también en Vicenza. También analiza las características del estilo manierista en pintura a través de obras como la Virgen del cuello largo de Parmigianino y el Descendimiento de Cristo de Rosso Fiorentino. Finalmente, resume las principales características del estilo manierista como el

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Estilo manierista Este concepto se tomó de la literatura de costumbres y había sido originariamente una cualidad del comportamiento humano. Aquella
maniera significaba poseer un saber hacer, es decir, una habilidad natural que no implicase ningún esfuerzo, pero que se desarrollara
con refinamiento.
Palladio aportó el sentido real de espacio y perspectiva. La platea central , ofrece una ilusión
óptica con las calles que parecen perderse en la lejanía. o primero que salta a los ojos es
el proscenio, un arco triunfal en honor a Hércules, en cuya parte superior se observa el emblema
de la ciudad. La parte anterior, es decir, es escenario, representa una plaza y detrás del
proscenio se abre la espectacular perspectiva de las cinco vías de Tebas,
Arquitectura manierista
Andrea Palladio
Teatro Olímpico
se compone de
nave única con capillas entre contrafuertes y cúpula en el crucero ( inspirada en San
Andrés de
Mantua), las capillas están comunicadas entre si, con lo que se forman gruesos pilares
cuadrados
la zona de las capillas permanece en la penumbra, y la atención se centra en la cabecera
iluminada fuertemente por la cúpula.
Arquitectura manierista
Vignola
la iglesia de Il Gesú
Aunque la Rotonda pueda parecer completamente simétrica, existen desviaciones
proyectadas para que cada fachada fuera el complemento del ambiente y la topografía
circundante. En consecuencia, existen diferencias en las fachadas, en el tamaño de los
escalones, en el muro de contención, etc. De tal modo la simietría de la arquitectura
dialoga con la asimetría del paisaje, para crear una composición en apariencia simétrica.
Arquitectura manierista Vicenza
la Rotonda
Características del estilo
En este periodo existía la conciencia de un gusto más refinado y se consideraba que las obras del momento eran un perfeccionamiento de las creadas en torno a 1500. Sin
embargo, el Manierismo es un estilo vulnerable. Todas las convicciones en que se basa son fácilmente reversibles, como la idea de que la complejidad y el capricho son bellos, que el virtuosismo es
algo a cultivar o que el arte debe ser ostentosamente artificioso.
Virtuosismo: La obra de arte es la realización perdurable de un virtuoso. Esta idea está en estrecha relación con la noción de dificultad. Pintores y escultores reclamaban la
superioridad del arte de unos sobre otros, alegando que el más difícil era el mejor.
Se apreciaba la destreza como una virtud muy positiva que producía géneros pictóricos llenos de complejidad e inventiva, resultado de un incremento deliberado de las dificultades para que, al
superarlas, la habilidad del virtuoso quedara manifiesta.
Existe una obsesión por conseguir una reacción favorable de la audiencia y el estímulo de esa reacción pasa a ser una parte importante de la función de la obra de arte.
Artificio: El alejamiento de la naturaleza y la oposición entre ésta y el estilo obsesionó siempre a los críticos del Manierismo. Una de las principales críticas se debe al clasicista
Bellori cuando afirmaba que “los artistas, abandonando el estudio de la naturaleza, envenenaron el arte con la maniera, o sea un ideal fantástico de la maña, no una imitación de la naturaleza”. Sin
embargo, el estudio de la naturaleza era parte sustancial de las tareas de los artistas, lo que ocurre es que no se conformaban con realizar una copia exacta de la realidad sino que pensaban que la
misión del arte era mejorar la naturaleza.
Variedad: En las artes visuales la variedad se consideraba una cualidad esencial de la obra. Esta búsqueda exagerada de la variedad se ha relacionado con la monotonía de la
vida cortesana y la consiguiente demanda de productos artísticos que produjeran sorpresa en los príncipes manieristas.
La variedad como concepto se contrapone a la unidad clásica y desemboca en el énfasis de las partes en perjuicio del todo. Pero la distinción entre la variedad manierista y la de los periodos
anteriores y posteriores está en que aquélla se convierte en un ornamento que forma parte del propio estilo. Este ornamento es sinónimo de abundancia e incompatible con la abreviación, “la cual
debía evitar el poeta si quería deleitar a sus lectores”.
Separación de forma y significado: Se produce una disyunción entre la forma y el significado para lograr la ostentatio artis. El Manierismo agrede continuamente el concepto
horaciano y aristotélico del decorum o adecuación al fin, es decir, esa proporción o correspondencia que el estilo tiene con el tema.

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El Manierismo constituye en el arte religioso una doble ofensa al concepto clásico del decorum. En primer lugar, era un arte que no expresaba primordialmente el tema y, en
segundo lugar, conducía a menudo a exhibiciones de desnudos y artificios que eran superfluas en un sentido funcional y contrarios a lo que debía perseguir una obra religiosa. Quizás por eso, el
Manierismo se agotó en este campo mucho antes que en el arte laico y siguió otro camino después de la Contrarreforma.
La Forma Serpentinata: La figura Serpetinata es uno de las formas que normalmente se asocian al arte manierista y consiste en un dibujo que recuerda a “la torcedura de una
serpiente viva en movimiento, que es también la forma de una llama ondeante, una figura semejante a la letra S”.
Es una forma que evoluciona a partir del contrapposto clásico, según el cual las partes del cuerpo se disponían asimétricamente, de modo que al giro de la cabeza se oponía el de las caderas, una
pierna recta sostenía el peso del cuerpo mientras que la otra quedaba libre y flexionada, pero todas las asimetrías se conciliaban en un equilibrio final. El primer artista que exageró el contrapposto
fue Miguel Ángel en la escultura del Genio de la Victoria.
responde a la técnica pictórica del óleo sobre lienzo,
el pintor italiano plasmar en su obra a una elegante Virgen, algo que consiguió mediante un largo
cuello que recuerda a un cisne y una alargada mano de finísimos dedos. crea contrastes que
refuerzan el volumen de los personajes y además emplea la técnica de los paños mojados
pegando
las telas al cuerpo para mostrar su anatomía.
PINTURA MANIERISTA
Virgen del cuello largo
Parmigianino
Puede verse el contraste entre esta escena frenética y alborotada con la composición igualmente
compleja, El cielo es sombrío, Las tres escaleras y aquellos que llevan a Cristo parecen
precarios. El propio Cristo es plano. Las figuras son desproporcionadas, con cabezas más bien
pequeñas y los cuerpos alargados. No existe coherencia tampoco en la luz, pues parece que hay
fuentes diversas.
PINTURA MANIERISTA
Rosso Fiorentino
Descendimiento de
Cristo
Los tres planos están unidos por un efecto de luz insólito.
Los personajes están representados en movimiento, con posiciones distintas: de frente, de
espaldas o en escorzo.
Pintura manierista
La expresión formal es figurativa, por tratarse de una persona, es naturista por que aparece como existe en la
naturaleza y es idealizada porque no representa a ningún individuo concreto sino a uno genérico. Tienen un
volumen tridimensional.
El equilibrio de la escultura está en el lado derecho, mientras que en el brazo izquierdo se apoya la cabeza de
Medusa. Perseo tiene la cabeza hacia la abajo mirando seriamente y con desprecio al cuerpo de Medusa que
la enseña, esta también resaltado la sangre que sale del cuello y cuerpo de esta.
Escultura manierista
Benvenutto Cellini
Perseo con la
cabeza de Medusa
La Asunción de la Virgen
Tiziano