Este documento describe la importancia de las técnicas teatrales para los actores y cómo estas son fundamentales para desarrollar su oficio de manera experta. Explica que la expresión corporal, la voz y la dicción son herramientas externas clave que requieren años de práctica y entrenamiento para dominarlas. También destaca que la falta de conocimiento sobre estas técnicas ha llevado a una mediocridad en el teatro y que cuando un actor domina su técnica de manera experta, esta se vuelve invisible para el público.
El documento describe la animación teatral como un proceso educativo y cultural que utiliza técnicas teatrales para empoderar a personas y comunidades. Explica que la animación teatral tiene objetivos como la concienciación social, el desarrollo comunitario y el cambio social a través de procesos participativos de creación teatral que divierten y educan al mismo tiempo. También enumera diferentes metodologías y componentes de la animación teatral como el teatro del oprimido, las técnicas teatrales y los posibles profesional
Este documento presenta una sesión sobre teatro en el aula. Explora las posibilidades del teatro para trabajar aspectos lingüísticos y de creación. Analiza experiencias para mostrar la evolución del teatro en la enseñanza. Propone actividades prácticas como ejercicios de creación teatral y el análisis de obras clásicas para trabajar en el aula.
El documento presenta una sesión sobre teatro en el aula. Se discuten las posibilidades educativas del teatro, incluyendo ejercicios prácticos y dinámicas grupales. También se analiza el marco legal para la enseñanza de teatro en la educación secundaria y cómo puede usarse para desarrollar habilidades lingüísticas y de expresión en los estudiantes.
El teatro es una forma de arte escénico que representa historias frente a una audiencia utilizando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música y espectáculo. Tiene una base literaria en la forma de un guion escrito por un dramaturgo, pero requiere interpretación a través de actores y elementos como vestuario, escenografía e iluminación. El lenguaje no verbal del teatro incluye la expresión facial y corporal y permite comunicarse sin palabras.
Este documento describe un proyecto de escenografía para adaptar el cuento de Elmer al teatro. El proyecto tiene como objetivos fomentar la creatividad, la expresión corporal y los valores a través de la lectura, el vestuario y el decorado. Se llevará a cabo en 8 sesiones donde los participantes crearán el vestuario, decorado y representarán la obra final. La metodología será activa y participativa.
El documento presenta un proyecto de escenografía para un taller de arte con personas con discapacidad. El proyecto utilizará el cuento de Elmer para trabajar objetivos como la creatividad, expresión corporal y valores. Se desarrollará a lo largo de 8 sesiones con actividades de vestuario, decorado y representación teatral, evaluando el aprendizaje de los alumnos.
Este documento describe dos tipos principales de salas de teatro en Chile:
1) Salas productoras, que realizan todo el proceso de creación de una obra desde su programación hasta su puesta en escena y almacenamiento. Ejemplos son el Teatro Municipal de Santiago y el Teatro Nacional Chileno.
2) Salas receptoras, que generalmente arriendan sus espacios o compran producciones para operarlas. Este modelo es más económico y común.
También existen salas mixtas, que realizan parte de una producción para competir y
El documento describe los beneficios del juego dramático en la educación infantil, como la expresión, el desarrollo de habilidades y la socialización. También promueve la integración de diferentes medios expresivos como lenguaje, arte, música y movimiento corporal. Finalmente, argumenta que el teatro debería incluirse en las programaciones escolares.
El documento describe la animación teatral como un proceso educativo y cultural que utiliza técnicas teatrales para empoderar a personas y comunidades. Explica que la animación teatral tiene objetivos como la concienciación social, el desarrollo comunitario y el cambio social a través de procesos participativos de creación teatral que divierten y educan al mismo tiempo. También enumera diferentes metodologías y componentes de la animación teatral como el teatro del oprimido, las técnicas teatrales y los posibles profesional
Este documento presenta una sesión sobre teatro en el aula. Explora las posibilidades del teatro para trabajar aspectos lingüísticos y de creación. Analiza experiencias para mostrar la evolución del teatro en la enseñanza. Propone actividades prácticas como ejercicios de creación teatral y el análisis de obras clásicas para trabajar en el aula.
El documento presenta una sesión sobre teatro en el aula. Se discuten las posibilidades educativas del teatro, incluyendo ejercicios prácticos y dinámicas grupales. También se analiza el marco legal para la enseñanza de teatro en la educación secundaria y cómo puede usarse para desarrollar habilidades lingüísticas y de expresión en los estudiantes.
El teatro es una forma de arte escénico que representa historias frente a una audiencia utilizando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música y espectáculo. Tiene una base literaria en la forma de un guion escrito por un dramaturgo, pero requiere interpretación a través de actores y elementos como vestuario, escenografía e iluminación. El lenguaje no verbal del teatro incluye la expresión facial y corporal y permite comunicarse sin palabras.
Este documento describe un proyecto de escenografía para adaptar el cuento de Elmer al teatro. El proyecto tiene como objetivos fomentar la creatividad, la expresión corporal y los valores a través de la lectura, el vestuario y el decorado. Se llevará a cabo en 8 sesiones donde los participantes crearán el vestuario, decorado y representarán la obra final. La metodología será activa y participativa.
El documento presenta un proyecto de escenografía para un taller de arte con personas con discapacidad. El proyecto utilizará el cuento de Elmer para trabajar objetivos como la creatividad, expresión corporal y valores. Se desarrollará a lo largo de 8 sesiones con actividades de vestuario, decorado y representación teatral, evaluando el aprendizaje de los alumnos.
Este documento describe dos tipos principales de salas de teatro en Chile:
1) Salas productoras, que realizan todo el proceso de creación de una obra desde su programación hasta su puesta en escena y almacenamiento. Ejemplos son el Teatro Municipal de Santiago y el Teatro Nacional Chileno.
2) Salas receptoras, que generalmente arriendan sus espacios o compran producciones para operarlas. Este modelo es más económico y común.
También existen salas mixtas, que realizan parte de una producción para competir y
El documento describe los beneficios del juego dramático en la educación infantil, como la expresión, el desarrollo de habilidades y la socialización. También promueve la integración de diferentes medios expresivos como lenguaje, arte, música y movimiento corporal. Finalmente, argumenta que el teatro debería incluirse en las programaciones escolares.
El documento describe un programa de estudios de Arte Dramático en Andalucía, incluyendo el perfil del estudiante, las escuelas superiores de arte dramático en la región, los planes de estudio, las salidas profesionales y un máster en teatro social e intervención socioeducativa.
Para que exista teatro se necesitan tres elementos fundamentales: los intérpretes, el texto y el público. Los intérpretes incluyen actores, directores, escenógrafos, luminotécnicos, vestuaristas, coreógrafos y maquilladores. El texto teatral tiene características especiales ya que está escrito para ser representado. El público es a quien el autor construye la obra para que la aprecie aunque el público real puede no ajustarse a las expectativas del autor.
El documento describe los elementos fundamentales del teatro y drama a través de la historia. Explica que el teatro se originó en Grecia como lugar de espectáculos en honor a Dionisio, y que el drama ha existido por más de 3,000 años desde Egipto y la antigua Grecia. Luego detalla cada elemento clave como el texto, actuación, dirección, música, danza, escenografía, iluminación, efectos de sonido, vestuario y maquillaje.
Taller de Teatro para Trabajadores Socialesignacio lopez
Este documento resume una propuesta de un taller de teatro para trabajadores sociales. Explica que el teatro permite explorar creativamente el rol del trabajador social y mejorar sus habilidades para dialogar con grupos e instituciones. El taller enseña técnicas teatrales como ejercicios, juegos y improvisación para potenciar la capacidad de los trabajadores sociales de resolver problemas de manera novedosa.
Este documento resume los elementos básicos del teatro, incluyendo el texto, los actores y el público. También describe el teatro contemporáneo y sus características, como presentar situaciones imposibles y utilizar un lenguaje original. Por último, explica los pasos para preparar y redactar un guión teatral, incluyendo la selección del tema, los personajes y la escritura de diálogos.
Este documento presenta una introducción general al teatro y la dramatización. Explica conceptos básicos como la definición de teatro, dramatización y lenguaje corporal. También describe los roles principales en el teatro como actores, directores y autores. Además, resume brevemente la historia del teatro desde la antigüedad griega y romana hasta el teatro moderno. Finalmente, menciona algunas opciones de formación en el campo del teatro.
El teatro requiere dos elementos fundamentales: los actores y el público. Además, otros elementos como la iluminación, el vestuario, la escenografía y el maquillaje ayudan a crear la atmósfera adecuada y a transmitir información sobre los personajes como su personalidad, edad y estado de ánimo.
Este documento presenta una introducción al teatro como género literario. Explica que el teatro consiste en representar hechos de la vida real o ficción frente a un público. Además, clasifica los discursos dramáticos en tragedia, comedia y drama según la temática y los personajes. Finalmente, detalla los componentes clave de una obra de teatro como el director, los actores, el guión y la estructura en actos y escenas.
Introduction to some concepts of theatre theory and theatre dominants according to Mukarovsky's definition. This document is a part of the "Teorías escénicas en la historia del teatro español" syllabus (University of the Balearic Islands)
El documento describe los elementos básicos del teatro. El teatro implica una historia escrita (guion teatral) que es representada por actores. Incluye elementos como la escenografía, vestuario, iluminación y maquillaje que ayudan a transmitir la historia. El teatro tiene beneficios como desarrollar la creatividad, imaginación y capacidades de los participantes.
Este documento describe el valor del teatro como medio para preservar la memoria histórica. Explica que el teatro colombiano ha influido en la memoria de la nación al contar historias de eventos políticos y sociales. También destaca que el teatro permite que las víctimas relaten sus experiencias y que proyectos teatrales han ayudado en procesos de sanación. El objetivo general es crear obras de teatro que cuenten hechos verdaderos para que se conviertan en memoria colectiva.
El documento describe la importancia del teatro como medio para preservar la memoria histórica. Explica que el teatro colombiano ha influido significativamente en la memoria de la nación al contar historias a través de obras, performances y relatos. El teatro permite que las víctimas cuenten sus experiencias y los hechos con verdad. El proyecto busca valorar el teatro como material histórico y llevar obras a escena que ayuden en los procesos de reparación de las víctimas y preserven la memoria colectiva.
El teatro es un género literario escrito por dramaturgos, cuyo propósito principal es ofrecer diálogos entre personajes con el ánimo de ser representados ante un público, a la hora de llevar a cabo una obra teatral es necesario tener en cuenta ciertos elementos que son imprescindibles para llevar a cabo un buen espectáculo. Entre ellos se encuentra: Los actores, la audiencia, el guion, el director, iluminación, escenografía, utilería, vestuario y maquillaje y sonido. Entre otros
La educación de espectadores, a partir de la circulación de talleres de teatro social, obras de teatro e intervenciones teatrales, con motivo de desarrollar un vínculo con las comunidades de la región de Tarapacá, y fomentar a; la participación activa, la discusión y reflexión de temáticas que son importantes para las comunidades, y cumplir con el derecho al acceso a la Cultura y al arte.
El documento describe un congreso de educadores de arte que se llevará a cabo del 30 de septiembre al 3 de octubre. El congreso contará con 7 talleres en literatura, artes visuales, títeres, teatro, música e interdisciplinarios. Los talleres abordarán temas como la iluminación de la memoria, recorridos gráficos, el uso de títeres en la escuela, el lenguaje teatral, la música y el cuerpo, y la integración de las artes. El congreso está organizado por
El documento resume los conceptos básicos del teatro, incluyendo la definición, los tipos de obras teatrales (tragedia y comedia), el proceso de puesta en escena (análisis, producción, ensayos), y los roles de los actores y el público. Explica brevemente cada uno de estos elementos clave del teatro.
Este documento presenta ideas sobre la formación de espectadores críticos de teatro en el ámbito educativo. Propone que los estudiantes desarrollen la capacidad de percibir y comprender diferentes manifestaciones culturales y artísticas, así como de analizar y evaluar críticamente las obras de teatro. También enfatiza la importancia de que los estudiantes participen activamente en prácticas teatrales y asistan a distintos espectáculos para ampliar su experiencia estética.
El documento describe las características fundamentales del teatro. El teatro es un género literario que se representa en vivo con actores y público. Se caracteriza por la acción dramática, los personajes, la tensión creada, el diálogo y las acotaciones del autor. El lenguaje teatral no es cotidiano sino funcional para avanzar la trama durante la representación.
Presentacion el arte una realidad humana kevin miranda 2kevin andres
Este documento resume los principales lenguajes artísticos de la educación artística como la música, el teatro, la danza, las artes plásticas y el cine. Describe brevemente cada uno de estos lenguajes, señalando que la música permite explorar sentimientos, el teatro transmite experiencias humanas, la danza combina movimiento y expresión, las artes plásticas desarrollan la creatividad y el cine puede usarse como herramienta pedagógica.
Tecnicas teatrales
Definicion
Parlamentos
Acotaciones
Organizacion de la representacion teatral
desarrollo del conflicto
unidad de accion, lugar y tiempo
El resumen del guión teatral es el siguiente:
1) Un granjero echó a un caballo viejo de su establo porque ya no trabajaba.
2) El caballo, triste y solo, se encontró con un zorro en el bosque que le preguntó qué le pasaba.
3) El caballo le contó al zorro que el granjero lo echó por ser viejo y no poder trabajar ya, a pesar de sus años de lealtad.
El documento describe un programa de estudios de Arte Dramático en Andalucía, incluyendo el perfil del estudiante, las escuelas superiores de arte dramático en la región, los planes de estudio, las salidas profesionales y un máster en teatro social e intervención socioeducativa.
Para que exista teatro se necesitan tres elementos fundamentales: los intérpretes, el texto y el público. Los intérpretes incluyen actores, directores, escenógrafos, luminotécnicos, vestuaristas, coreógrafos y maquilladores. El texto teatral tiene características especiales ya que está escrito para ser representado. El público es a quien el autor construye la obra para que la aprecie aunque el público real puede no ajustarse a las expectativas del autor.
El documento describe los elementos fundamentales del teatro y drama a través de la historia. Explica que el teatro se originó en Grecia como lugar de espectáculos en honor a Dionisio, y que el drama ha existido por más de 3,000 años desde Egipto y la antigua Grecia. Luego detalla cada elemento clave como el texto, actuación, dirección, música, danza, escenografía, iluminación, efectos de sonido, vestuario y maquillaje.
Taller de Teatro para Trabajadores Socialesignacio lopez
Este documento resume una propuesta de un taller de teatro para trabajadores sociales. Explica que el teatro permite explorar creativamente el rol del trabajador social y mejorar sus habilidades para dialogar con grupos e instituciones. El taller enseña técnicas teatrales como ejercicios, juegos y improvisación para potenciar la capacidad de los trabajadores sociales de resolver problemas de manera novedosa.
Este documento resume los elementos básicos del teatro, incluyendo el texto, los actores y el público. También describe el teatro contemporáneo y sus características, como presentar situaciones imposibles y utilizar un lenguaje original. Por último, explica los pasos para preparar y redactar un guión teatral, incluyendo la selección del tema, los personajes y la escritura de diálogos.
Este documento presenta una introducción general al teatro y la dramatización. Explica conceptos básicos como la definición de teatro, dramatización y lenguaje corporal. También describe los roles principales en el teatro como actores, directores y autores. Además, resume brevemente la historia del teatro desde la antigüedad griega y romana hasta el teatro moderno. Finalmente, menciona algunas opciones de formación en el campo del teatro.
El teatro requiere dos elementos fundamentales: los actores y el público. Además, otros elementos como la iluminación, el vestuario, la escenografía y el maquillaje ayudan a crear la atmósfera adecuada y a transmitir información sobre los personajes como su personalidad, edad y estado de ánimo.
Este documento presenta una introducción al teatro como género literario. Explica que el teatro consiste en representar hechos de la vida real o ficción frente a un público. Además, clasifica los discursos dramáticos en tragedia, comedia y drama según la temática y los personajes. Finalmente, detalla los componentes clave de una obra de teatro como el director, los actores, el guión y la estructura en actos y escenas.
Introduction to some concepts of theatre theory and theatre dominants according to Mukarovsky's definition. This document is a part of the "Teorías escénicas en la historia del teatro español" syllabus (University of the Balearic Islands)
El documento describe los elementos básicos del teatro. El teatro implica una historia escrita (guion teatral) que es representada por actores. Incluye elementos como la escenografía, vestuario, iluminación y maquillaje que ayudan a transmitir la historia. El teatro tiene beneficios como desarrollar la creatividad, imaginación y capacidades de los participantes.
Este documento describe el valor del teatro como medio para preservar la memoria histórica. Explica que el teatro colombiano ha influido en la memoria de la nación al contar historias de eventos políticos y sociales. También destaca que el teatro permite que las víctimas relaten sus experiencias y que proyectos teatrales han ayudado en procesos de sanación. El objetivo general es crear obras de teatro que cuenten hechos verdaderos para que se conviertan en memoria colectiva.
El documento describe la importancia del teatro como medio para preservar la memoria histórica. Explica que el teatro colombiano ha influido significativamente en la memoria de la nación al contar historias a través de obras, performances y relatos. El teatro permite que las víctimas cuenten sus experiencias y los hechos con verdad. El proyecto busca valorar el teatro como material histórico y llevar obras a escena que ayuden en los procesos de reparación de las víctimas y preserven la memoria colectiva.
El teatro es un género literario escrito por dramaturgos, cuyo propósito principal es ofrecer diálogos entre personajes con el ánimo de ser representados ante un público, a la hora de llevar a cabo una obra teatral es necesario tener en cuenta ciertos elementos que son imprescindibles para llevar a cabo un buen espectáculo. Entre ellos se encuentra: Los actores, la audiencia, el guion, el director, iluminación, escenografía, utilería, vestuario y maquillaje y sonido. Entre otros
La educación de espectadores, a partir de la circulación de talleres de teatro social, obras de teatro e intervenciones teatrales, con motivo de desarrollar un vínculo con las comunidades de la región de Tarapacá, y fomentar a; la participación activa, la discusión y reflexión de temáticas que son importantes para las comunidades, y cumplir con el derecho al acceso a la Cultura y al arte.
El documento describe un congreso de educadores de arte que se llevará a cabo del 30 de septiembre al 3 de octubre. El congreso contará con 7 talleres en literatura, artes visuales, títeres, teatro, música e interdisciplinarios. Los talleres abordarán temas como la iluminación de la memoria, recorridos gráficos, el uso de títeres en la escuela, el lenguaje teatral, la música y el cuerpo, y la integración de las artes. El congreso está organizado por
El documento resume los conceptos básicos del teatro, incluyendo la definición, los tipos de obras teatrales (tragedia y comedia), el proceso de puesta en escena (análisis, producción, ensayos), y los roles de los actores y el público. Explica brevemente cada uno de estos elementos clave del teatro.
Este documento presenta ideas sobre la formación de espectadores críticos de teatro en el ámbito educativo. Propone que los estudiantes desarrollen la capacidad de percibir y comprender diferentes manifestaciones culturales y artísticas, así como de analizar y evaluar críticamente las obras de teatro. También enfatiza la importancia de que los estudiantes participen activamente en prácticas teatrales y asistan a distintos espectáculos para ampliar su experiencia estética.
El documento describe las características fundamentales del teatro. El teatro es un género literario que se representa en vivo con actores y público. Se caracteriza por la acción dramática, los personajes, la tensión creada, el diálogo y las acotaciones del autor. El lenguaje teatral no es cotidiano sino funcional para avanzar la trama durante la representación.
Presentacion el arte una realidad humana kevin miranda 2kevin andres
Este documento resume los principales lenguajes artísticos de la educación artística como la música, el teatro, la danza, las artes plásticas y el cine. Describe brevemente cada uno de estos lenguajes, señalando que la música permite explorar sentimientos, el teatro transmite experiencias humanas, la danza combina movimiento y expresión, las artes plásticas desarrollan la creatividad y el cine puede usarse como herramienta pedagógica.
Tecnicas teatrales
Definicion
Parlamentos
Acotaciones
Organizacion de la representacion teatral
desarrollo del conflicto
unidad de accion, lugar y tiempo
El resumen del guión teatral es el siguiente:
1) Un granjero echó a un caballo viejo de su establo porque ya no trabajaba.
2) El caballo, triste y solo, se encontró con un zorro en el bosque que le preguntó qué le pasaba.
3) El caballo le contó al zorro que el granjero lo echó por ser viejo y no poder trabajar ya, a pesar de sus años de lealtad.
Este documento describe los modelos de color y conceptos básicos relacionados con el color. Explica que el color se percibe cuando la luz es emitida o reflejada, y que el espectro visible para los humanos incluye solo una pequeña parte del espectro electromagnético total. Describe los modelos de color aditivo RGB usado en pantallas y el modelo sustractivo CMYK usado en impresión, así como el círculo cromático que muestra los colores primarios, secundarios y terciarios. Finalmente, define conceptos como ton
Este documento presenta un estudio de impacto ambiental para un proyecto de construcción. Describe las consideraciones legales y potenciales impactos ambientales de las diferentes etapas del proyecto, como movimiento de tierras y obras de concreto. También propone medidas para mitigar los impactos, como usar maquinaria en buen estado y capacitar al personal, así como un plan de abandono para devolver el sitio a su estado original una vez terminada la obra.
O documento descreve a origem do Dia Internacional da Mulher, comemorado em 8 de março. Em 1910, após a morte de 130 operárias em um incêndio em uma fábrica de Nova York onde elas estavam em greve, foi decidido em uma conferência internacional celebrar essa data em homenagem às mulheres e chamar a atenção para os seus direitos. A autora argumenta que prefere ser reconhecida como mulher todos os dias, e não apenas nessa data específica.
Este documento describe una academia de artes escénicas llamada Proarte. La academia ofrece cursos de 5 años en diferentes disciplinas como danza clásica, danza moderna, teatro, dibujo, pintura y malabarismo. Los estudiantes pueden elegir entre diferentes horarios y la matrícula cuesta $35 dólares. La academia tiene 10 aulas equipadas y busca capacitar a los estudiantes de manera profesional en cada arte.
El documento describe la naturaleza física del color y cómo se percibe. Explica que el color es la sensación que resulta de la luz emitida o reflejada y que los colores se identifican por longitudes de onda entre 380-770 nanómetros. También clasifica los colores primarios, secundarios y terciarios, y describe las cualidades del color como el tono, valor y saturación. Por último, explica los tipos de gamas cromáticas como las tonales, de valor y armónicas.
El uso del juego dramatico en el aula de español como lengua extranjera Gabino Boquete Martín
El objetivo de este artículo es mostrar las actitudes y creencias de los profesores hacia el uso del juego dramático en el aula de ELE, su conocimiento sobre estas técnicas y percepción sobre la pertinencia de su implantación como un elemento metodológico habitual. Se realiza una investigación cualitativa con profesores de español durante un curso de actualización metodológica llevada a cabo en la Universidad de Alcalá. Con este trabajo se muestra la disposición de los profesores al uso del juego dramático por considerarlo motivador y eficaz; sin embargo, no utilizan estas técnicas habitualmente en el aula debido a que se sienten limitados por la realidad de la práctica educativa. Consideran, asimismo, que el componente lúdico es compatible con el rigor académico y la disciplina en el aula.
Palabras clave: juego dramático, Español como Lengua Extranjera, componente lúdico, componente comunicativo.
The use of Drama Techniques in Spanish as a Foreign Language Classroom
ABSTRACT: The aim of this article is to show the attitudes and beliefs of teachers toward the use of dramatic play in the language classroom, their knowledge of these techniques and perception of the relevance of its implementation as a methodological element. For this, a qualitative research is performed with Spanish teachers attending a refresher course conducted at the University of Alcalá. This work shows the willingness of teachers to use dramatic techniques and how they consider them effective and motivating; however, teachers usually do not use these techniques in the classroom because they feel constrained by the reality of educational practice. They also consider that the playful component supports academic rigor and discipline in the classroom.
Key words: drama techniques, Spanish as a Foreign Language, playful component, communicative component.
El documento describe los elementos fundamentales de una obra de teatro, incluyendo el conflicto, la acción, los personajes y el lenguaje. Explica que una obra dramática presenta un conflicto humano a través de los personajes y sus acciones. La acción está basada en este conflicto y se desarrolla a lo largo de diferentes momentos o instancias. Los personajes cobran vida a través de su parlamento y ayudan a configurar la acción.
La escenificación es una representación de una situación de la vida real o histórica asumiendo roles para analizar un tema de manera crítica. Tiene como objetivo representar una situación para que sea comprendida por un grupo. Generalmente dura 90 minutos e involucra a varios participantes dependiendo del tema, usando objetos como títeres o prendas. Se prepara con anticipación y luego se presenta, generando una discusión posterior sobre lo representado.
El documento describe el círculo cromático, una representación gráfica que ordena los colores de forma sistemática según su composición y mezcla. El círculo cromático fue desarrollado originalmente por Isaac Newton y distingue entre colores primarios, secundarios y terciarios. Además, explica conceptos como colores complementarios, analógicos y adyacentes y diferentes sistemas para clasificar y mezclar colores.
Los modelos RGB y CMYK describen cómo representar colores de forma matemática. El modelo RGB usa la mezcla aditiva de luces roja, verde y azul y se usa en pantallas. El modelo CMYK usa la mezcla sustractiva de tintas cian, magenta, amarillo y negro y se usa en impresión, restando luz a través de la superposición de tintas.
Este documento describe los textos prescriptivos, que contienen órdenes o instrucciones para regular el comportamiento del receptor. Existen dos tipos: textos normativos con reglas, y textos instructivos con pasos secuenciales. Todos los textos prescriptivos tienen una meta y un programa con las normas/instrucciones, y usan un lenguaje claro, breve y preciso con construcciones imperativas e infinitivas.
El documento describe el círculo cromático, que representa la teoría del color mediante la distribución de los 6 colores derivados de la luz (primarios, secundarios y terciarios) en forma de círculo. Los colores primarios son el amarillo, azul y rojo, los cuales no pueden obtenerse de la mezcla de otros colores. Los secundarios son el verde, violeta y naranja, resultado de mezclar dos primarios. Los terciarios se generan al mezclar un primario y un secundario
El documento describe la poesía lírica como un género literario que expresa los sentimientos y pensamientos del poeta a través de un hablante lírico. Explica que la lírica surgió en la antigüedad griega asociada a la lira y lo religioso, y que con el tiempo los poemas pasaron a expresar temas personales y emociones individuales en lugar de dirigirse a toda la comunidad.
Presentación para clase de Comportamiento Organizacional del profesor Pablo Tuñón.
Por Idis Chávez, Rómulo Ramos, Marlena Arosemena, Milena Calderón y Harold Maduro
El documento describe los conceptos básicos del círculo cromático, incluyendo los grupos primarios, secundarios y terciarios de colores, así como los colores acromáticos, monocromáticos, complementarios y las propiedades del color como pureza, viveza y temperatura. Explica las armonías de color a través de combinaciones complementarias, adyacentes y gamas múltiples.
El documento presenta un resumen de varias teorías clásicas de la motivación como la jerarquía de necesidades de Maslow, la teoría de las dos dimensiones de Herzberg, la teoría de McClelland sobre los tres tipos de motivación, la teoría X y Y de McGregor, y la teoría de la equidad de Adams. Explica que estas teorías buscan entender las necesidades y factores que impulsan la conducta y desempeño de las personas en el trabajo.
La actuación es la acción de representar un papel en obras de teatro, cine o televisión. A lo largo de la historia se han desarrollado diferentes géneros teatrales como la tragedia, la comedia y el drama. Los actores usan su voz, movimiento e imaginación para crear personajes de manera creíble y contar historias.
Este manual de dramaturgia presenta tres oraciones o menos:
1) El manual provee instrucciones para escritores de teatro basadas en la experiencia del autor y maestros notables.
2) Incluye ejercicios prácticos para desarrollar habilidades de comunicación a través de sonidos, gestos y movimiento corporal, elementos fundamentales del teatro.
3) El autor enfatiza que la práctica constante de escribir es más importante que la teoría para aprender el oficio de dramaturgo.
Este manual de dramaturgia presenta tres oraciones o menos:
1) El manual provee instrucciones para escritores de teatro basadas en la experiencia del autor y maestros notables.
2) Incluye ejercicios prácticos para desarrollar habilidades de comunicación a través de sonidos, gestos y movimiento corporal, elementos fundamentales del teatro.
3) El autor enfatiza que la práctica constante de escribir es más importante que la teoría para aprender el oficio de dramaturgo.
Este manual de dramaturgia está dedicado a los hijos y nietos del autor, Tomás Urtusástegui. Se basa en las enseñanzas de maestros de teatro y en la experiencia del autor. El teatro, como la vida, es cambiante y no puede ceñirse a teorías fijas. Este manual presenta herramientas básicas pero también alienta a los creadores a romper reglas.
Este manual de dramaturgia está dedicado a los hijos y nietos del autor, Tomás Urtusástegui. Se basa en las enseñanzas de maestros de teatro y en la experiencia del autor. El teatro, como la vida, es cambiante y no puede ceñirse a teorías fijas. Este manual presenta herramientas básicas pero también debe ser subvertido por los creadores.
Este documento presenta una serie de seminarios y cursos de verano impartidos por el Estudio Corazza para el Actor en julio y septiembre de 2014 en Madrid y Roma. Los cursos cubren temas como la creación de personajes, la acción teatral, el trabajo corporal y vocal para actores, y talleres para profesionales y jóvenes.
Este documento discute el teatro infantil como una herramienta para la educación y el aprendizaje. Explica que el teatro puede enseñar valores a los niños de una manera divertida y atractiva. También analiza cómo el teatro infantil hecho por niños puede ayudarlos a expresarse, mientras que el teatro infantil para niños tiene un enfoque más pedagógico. Además, destaca cómo elementos como la música, el vestuario y la iluminación pueden captar la atención de los niños y ayudar a transmitir mensajes importantes
El documento describe la visión de Jerzy Grotowski sobre un "teatro pobre". Grotowski argumenta que el teatro debe enfocarse en la relación directa entre actor y espectador, no en efectos especiales o síntesis de disciplinas. Propone eliminar maquillaje, vestuario, escenografía y otros elementos para que los actores se expresen a través de su cuerpo y técnica. El objetivo es que los actores alcancen un estado de "trance" y "transiluminación" para transmitir impulsos puros al público.
El documento resume cuatro tipos de teatro: 1) Teatro mortal, que se refiere al mal teatro y que puede aparecer incluso en obras maestras interpretadas de forma rutinaria. 2) Teatro sagrado. 3) Teatro tosco. 4) Teatro inmediato. Explica que a veces estos tipos de teatro coexisten o se mezclan. Luego se enfoca en describir las características del teatro mortal y cómo este puede apoderarse fácilmente de obras como las de Shakespeare al ser interpretadas de forma convencional e imitativa en lugar de vivencial.
El documento presenta los principios básicos de la actuación teatral. Explica que la actuación requiere tanto habilidades técnicas aprendidas como talento innato, y que el actor debe equilibrar su interpretación individual con la cohesión del conjunto. También destaca la importancia de la voz y la caracterización física para transmitir el personaje de manera creíble al público.
Los 13 signos del teatro se dividen en 5 grupos: 1) la palabra y el tono, 2) la mímica, el gesto y el movimiento escénico, 3) el maquillaje, el peinado y el traje, 4) el accesorio, el decorado y la iluminación, y 5) la música y el sonido. Juntos, estos signos artificiales creados de forma voluntaria sirven para comunicar instantáneamente con el público en el arte teatral.
El teatro y el cine tienen una relación estrecha desde los orígenes del cine, cuando las primeras películas imitaban funciones de teatro grabadas. Aunque la actuación para cada medio tiene diferencias, comparten el objetivo común de transmitir una historia y emociones al público. Existen diversas técnicas de actuación que cada actor puede adaptar, y ambos medios continúan influyéndose mutuamente mientras evolucionan.
El documento describe la historia y elementos del teatro. Explica que el teatro surgió de las reuniones del pueblo para celebrar rituales religiosos y ha evolucionado para convertirse en una forma de arte. También describe los componentes clave de un grupo de teatro, incluyendo el director, el elenco, y los encargados de escenografía, utilería, vestuario, maquillaje, luces, entre otros. Finalmente, propone algunos temas como drogadicción y alcoholismo para dramatizaciones.
Este documento presenta la obra de teatro "Las Vírgenes", un proyecto de graduación de la carrera de actuación del IUNA dirigido por Pablo Rotemberg. La obra es el resultado de un proceso de investigación entre Rotemberg y 20 estudiantes de actuación, explorando el movimiento corporal y la poética del movimiento sin la necesidad de la palabra. Se incluye información sobre el elenco, equipo técnico, críticas positivas de la obra resaltando la energía de los jóvenes intérpretes y el viaje al inconsciente
El documento resume una conferencia sobre el impacto de la experiencia artística, especialmente del teatro, en el desarrollo personal y social de los jóvenes. Se discuten los modelos de educación artística y cómo el teatro puede ayudar a los jóvenes a desarrollar habilidades blandas como la confianza, la expresión y el trabajo en equipo. Los estudiantes reportan que el teatro les ayuda a expresarse, establecer relaciones significativas, desarrollar su identidad y olvidarse temporalmente de problemas personales.
TEMA 8 PERCEPCIÓN, MOVIMIENTO Y EXPRESIÓN.pdfamali191
Este documento trata sobre la aplicación didáctica de la expresión corporal en el ámbito escolar. Explica conceptos como la dramatización y su importancia en la edad infantil para favorecer la comunicación cuando los niños aún tienen dificultades con el lenguaje. También describe diferentes metodologías para la interpretación teatral como los métodos de Stanislavski y Grotowski, y diferentes tipos de teatro como el teatro de títeres, sombras y callejero. Finalmente, detalla metodologías para trabajar la dramatización de forma lúdic
Este documento presenta un resumen de 3 oraciones o menos del texto "Espacio vacío por Peter Brook". El documento describe los objetivos del tema, que son establecer la relación entre texto y contexto en el teatro y diferentes espacios escénicos. También analiza las cuatro categorías de teatro descritas por Brook: teatro mortal, teatro sagrado, teatro tosco y teatro inmediato. Concluye explicando que las enseñanzas de Brook promueven una participación colectiva del público en la puesta en escena.
Tecnicas de actuacion. unidad 2. zuleidy j. perezZuleidyPerez1
Este documento resume las técnicas de actuación de reconocidos representantes del teatro como Konstantin Stanislavski. Describe las técnicas de Stanislavski como la memoria emotiva, el subtexto y los principios de su sistema, incluyendo la concentración, el sentido de verdad y las unidades y objetivos. También menciona brevemente a otros directores como Jerzy Grotowski y Antonin Artaud.
El teatro de sombras se originó en la India y China cuando los humanos prehistóricos proyectaban sombras con sus manos frente al fuego. Luego se difundió a Europa a través de los jesuitas en el siglo XVIII. Consiste en proyectar sombras creadas con marionetas o títeres sobre una superficie plana iluminada. Favorece competencias expresivas y de integración en niños.
1. Las Técnicas Teatrales Del Actor
Armado de una pasión por la expresión personal, de un punto de vista
particular y de un objetivo concreto, el actor debe adquirir un dominio
de su oficio, porque, de lo contrario, todo el talento y la buena voluntad
no le servirán para nada.
Existe una gran falta de conocimiento y mucha desinformación sobre
la naturaleza de este oficio, más que sobre las otras artes. Se dice que
la interpretación es un oficio meramente intuitivo y que no requiere
técnica alguna. “Has nacido para ser actor”, “a actuar no se aprende”,
“a actuar no se enseña”, son frases que nacen de la ignorancia y de
los prejuicios que una vez más relegan al actor a la figura de niño
tonto con talento. Ésta es la opinión de aquellos que creen que los
“trucos del oficio” se aprenden actuando en público. Y también parece
haberse extendido hasta nuestros días. Éstos aceptan a todos el que
2. haya sido contratado por un golpe de suerte o por un familiar, con un
solo trabajo a sus espaldas y sin previa formación o experiencia.
De esta manera nuestro teatro sigue siendo un arte mediocre, lleno de
gandules y de imitaciones de estilos de teatro prefabricado que sólo
salvan algunos actores excepcionales, gracias a que, dejando aparte
su talento, saben lo que es el respeto, entienden su oficio y trabajan
para perfeccionarlo. Una de estas rémoras es creer que la única
manera de aprender, al igual que se hacía en el pasado, es entrando a
formar parte de un grupo de actores ambulantes, en una compañía fija
o en una agencia teatral como aprendiz y representar papeles cortitos,
en ocasiones asesorado o dirigido por el director o por los actores
principales, o simplemente copiando el estilo. Evidentemente, los
actores con un talento extraordinario lograron sobrevivir porque
supieron desarrollar una manera intuitiva y muy personal de trabajar (a
menudo incapaces de articular) y confiaron en la experiencia de actuar
ante un público para crecer como artistas. Pero éstos fueron y siguen
siendo una excepción.
Cuando el público asiste a un ballet y observa las piruetas de los
bailarines, los ascensos, la elasticidad, los veloces entrechats se
quedan atónitos ante la maestría de este arte, y saben que lo que
acaban de experimentar no habría sido posible si los artistas no
hubieran pasado por años de práctica y formación. Cando el público
va a un concierto y observa como el violinista coloca su instrumento
bajo el mentón, oprime las cuerdas con los dedos de una mano y
arrastra el arco con la otra mientras toca una música maravillosa, sabe
que es algo que nadie podría hacer igual de buenas a primeras. Y
tampoco se fija en la técnica: se limita a escuchar la música y a
disfrutar del ballet. Cando la técnica del actor destaca en primer plano,
como ocurren con el teatro “eficaz” y artificial, de poses estudiadas, de
recitación de palabras de modo mecánico, a menudo “tarareadas” por
voces bien entrenadas, cuando se derraman lagrimas por el simple
motivo de enseñar la capacidad que uno tiene de llorar en público en
el momento justo, cuando la rimbombancia y el histrionismo se
3. adueñan del ambiente, el público suele quedar impresionado porque
sabe que nadie sería capaz de conseguir lo mismo.
Yo admiro a un actor cuando su técnica es tan perfecta que se hace
invisible y consigue que la audiencia sienta la presencia de un ser
humano vivo con el que pueden identificarse en sus manías y sus
preocupaciones a medida que éstas se van descubriendo en la obra.
Creo fervientemente que cuando el público reconoce una proeza y se
da cuenta de cómo se ha hecho, significa que el actor ha fracaso. No
ha sabido utilizar bien la técnica.
Desgraciadamente, cuando triunfa, cuando su trabajo comunica y su
poder como ser vivo ha traspasado y ha llegado a las butacas, es
entonces cuando la mayor parte del público está convencido de que
ellos también pueden hacerlo, dejando aparte el recurrente: “¿Cómo
pueden aprenderse tanto texto?” Por lo demás, los espectadores se
creen unos críticos experimentados y a menudo aleccionan a los
actores con sus “esto se hace así”, “esto es hace asá”. A veces, el
actor inseguro, aturdido, llega incluso a escucha y a tomar la dirección
equivocada. El actor debe saber que, dado que es un instrumento,
debe ponerse al servicio del personaje y utilizarlo con la misma
destreza con la que el violinista hace música con su violín. El hecho de
que el cuerpo de un actor no sea como un violín no significa que la
técnica sea más fácil de adquirir. La curiosidad malsana de qué es lo
que motiva a un actor a serlo, que se pone de manifiesto
continuamente en los programas de entrevistas, al igual que en los
interminables talleres abiertos, las frases superficiales que los actores
contestan (a menudo acompañadas de anécdotas personales
“graciosas”), no hacen más que agravar el problema. Ni el público, ni
los presentadores de los programas, suelen mostrar interés en oír
hablar sobre los ejercicios de dedos de un músico, de los pies de una
bailarina, de la paleta de un pintor ni de cómo éste aplica las capas de
pintura a sus acuarelas. ¿Por qué deberían entonces interesarse en
nuestra técnica? Es nuestro problema, no el de ellos. Así que a ti,
actor, que de todo tu ser haces tú instrumento, ¡te explicaré en qué
consiste la técnica que hace posible nuestra maravillosa profesión!
4. Las técnicas externas
En Europa, hasta hace poco, a muy pocos actores se les hubiera
permitido subir a un escenario sin haber antes asistido a clases de
expresión corporal, educación de la voz y dicción. Yo misma empecé
en el teatro muy bien formada en las tres materias, y, a pesar de que
no imparto clases de ninguna de las tres, os explicaré por qué les
concedo tanta importancia y por qué me asusta la indiferencia que a
menudos muestra nuestro teatro hacia ellas. Si tu objetivo es hacer
carrera en la televisión y desempeñar papeles cercanos a tu persona,
en los que tu andar desgarbado en tejanos y tu acento local no son
traba alguna para el trabajo, y en los que el micrófono oculta sin
problemas tu voz afónica, no tendrás que preocuparte ni siquiera por
las técnicas más elementales. Pero si ambicionas algo más, por favor
escucha mis consejos.
Empezaras por reconocer que el cuerpo es la manifestación externa
del actor, el instrumento más visible mediante el que se puede
comunicar el pensamiento o sentimiento más sutil. Es un instrumento
de comportamiento regio y porte olímpico aunque también susceptible
de achaques, debilidades y cambios, según los requisitos del papel a
interpretar. No tardarán en ser conscientes de que les harán falta
muchos años de tensión para perfeccionar la técnica de este
instrumento. La danza moderna es uno de los medios idóneos para
adquirir una colocación corporal correcta, una conciencia cinética y
una flexibilidad física. La natación y la gimnasia son igualmente muy
útiles para ello. Mediante el tenis y la esgrima, deportes que ponen a
uno en forma, se trabaja la interacción y los reflejos que se requieren
para responder al “dar y recibir” tan común en las escenas de teatro.
El mismo ejercita la imaginación y la técnica de evocación de objetos y
personajes que se hallan ausentes mientras se actúa desplegando
toda clase de movimientos físicos. El movimiento escénico, que tanto
se enseña en las clases, suele crear en los actores una gestualidad
demasiado consciente y artificial que los lleva a buscar posturas
previsibles y ensayadas, mientras que la danza, el deporte y el mimo
exigen un cuerpo capaz de responder espontáneamente y casi por
reflejo a los estímulos de los diferentes personajes sin interferir en las
reacciones humanas del actor.
5. La voz es un instrumento que hay que aprender a tocar. Hay que
tratarlo como trataríamos a un Stradivarius, utilizando las técnicas del
arco más elaboradas para no rascar las cuerdas. Un mal uso del
instrumento conduce a la formación de nódulos, a la distensión de las
cuerdas, que es la causante de las raspaduras y las afonías tan
comunes en los actores mayores y, a veces, también en los más
jóvenes. También provoca laringitis y puede obligar al actor a
ausentarse de su trabajo. Otras muestras de un mal uso del
instrumento son las voces gangosas, chillonas yo los vozarrones
profundos y de registro muy limitado. Aunque Dios te haya provisto de
una voz naturalmente bien colocada, debes entrenarla para mantener
esa buena disposición y aprender a cuidarla mediante las técnica de
respiración correctas a fin de poder ser escuchado en un gran teatro
sin gritar, ni forzar o proyectar la voz de manera ansiosa. Actualmente,
en la mayoría de espacios teatrales de Broadway se utilizan
micrófonos, porque hay muy pocos actores que proyecten bien su voz.
La intrusión de un objeto mecánico en la comunicación de un
espectáculo en directo es un fenómeno muy triste, y es sólo un
pretexto para culpar al público de no escuchar, en parte porque está
acostumbrado a los volúmenes habituales de la televisión. Tienes que
estar provisto de in instrumento bien templado y que disponga de la
suficiente flexibilidad para dar voz a una amplia variedad de
personajes. Además ha de tener la suficiente potencia para ser oída
en un teatro de dimisiones importantes. Tomar clases de canto es una
buena manera de entrenarla. Las “clases de voz” pueden acarrear
consecuencias similares a las que resultan de las clases de
“movimiento escénico”, con las que se pretende sustituir a la danza. A
través del canto aprenderás a entender el instrumento vocal y a
ejercitarlo sin necesidad de tener que oírte hablar. No caerás en la
tentación de emitir bellos sonidos sólo por gusto y sabrás poner tu voz
al servicio del personaje sin desplegar extrañas estrategias ni mostrar
tensión por estar demasiado pendiente de ti mismo.
La dicción, esa facultad gloriosa de comunicación de la que solo el
hombre disfruta, es el único instrumento del actor que le diferencia de
los demás artistas de las artes escénicas. Dominar el acento estándar,
que es bonito y elegante, y tatar de pronunciarlo sin afectaciones ni
superficialidad es una de las obligaciones de todos y cada uno de los
miembros que forman nuestra profesión. Las afectaciones son
6. síntomas de pereza y de falta de disciplina y compromiso. Muy pocos
llegan a conseguir hablar con naturalidad hasta el punto de integrar el
instrumento en su cuerpo. Incluso los que han recibido dos o tres
clases de dicción semanales durante las que aprendieron y practicaron
las articulaciones apropiadas, caen en los vicios adquiridos en el
momento en que abandonan el aula. Consecuentemente, nunca llegan
a creer que son realmente ellos quienes están hablando bien. Se ven
a sí mismos como unos estudiantes que “ponen” un acento. Y cuando
aplican la nueva técnica aprendida a un papel determinado, se sienten
“antinaturales” y el mismo personaje se aleja del discurso humano
espontáneo. Todos los que realmente lo consiguen sabrán trasladarse
a la época histórica que su discurso requiere y representar una infinita
variedad de personajes con total credibilidad. El consejo que da
Hamlet a los actores (“Di tu parlamento, por favor, como te lo he
recitado, como brincando en la lengua”) no tiene mucho sentido si lo
pronuncias con las típicas inflexiones neoyorquinas o de cualquier otro
lugar. Estamos acostumbrados al tonillo cómico, al daño causado a la
poesía de Christopher Fry y T. S. Eliot, a las diatribas de Shaw y a sus
rimas cansinas, sus malas pronunciaciones y sus dejes. La solución
no es poner acento británico, pues supondría situar a Chejov, Ibsen,
Strindberg o a Moliere en el corazón de Inglaterra. El acento británico
pertenece a nuestros colegas del otro lado del charco. Si un personaje
en concreto o el contexto de la obra lo requieren, un acento puede
aprenderse con una facilidad comparable ala que se necesita para
aprender otros dialectos o acentos. (Cuando digo “facilidad
comparable” es porque doy por hecho que el acento estándar ya se
domina.) Y resulta muy fácil recuperar el acento original si el papel así
lo requiere.
A fin de que el actor asimile lo que ha aprendido en clase, debe estar
dispuesto a llevarse consigo las lecciones a la calle, y repetir las frases
y sonidos cada día de su vida hasta que la práctica se convierta en
algo natural. Tendrá que mostrase muy valiente y luchar contra una
sociedad que considera pecado no ser un “tío enrollado” o que cada
palabra, sonido o movimiento que esté fuera de los cánones
establecidos y conocidos por todos sea juzgado como signo de
afectación o de deslealtad. El actor tendrá que fortalecerse contra las
críticas de amigos y familiares cuando haga esfuerzos por hablar con
propiedad y estos no dejen de decirle que “se le están subiendo los
humos” o que su comportamiento “es muy teatral” o que lo ven muy
7. “engreído”. Deberá practicar la dicción hasta que se acostumbre a ella,
hasta que se oiga a sí mismo hablando con total naturalidad y pueda
gozar de su nueva libertad verbal, de manera que la locución “to be or
not to be” declamada y dicha de manera muy afectada, suene a sus
oídos como una frase estrafalaria y no se vea obligado a pronunciarla
de esta manera para transmitir credibilidad como actor.
Se puede aplicar el mismo principio al trabajo corporal, cuando el
actor practica la colocación del cuerpo o la fluidez de movimientos
caminando por el estudio de danza, aunque, a la hora de salir del aula,
se verá obligado a hacerlo con los hombros caídos, arrastrando los
pies y enseñando la barriga para que nadie le tache de “peripuesto”.
Hay otras maneras de practicar la dicción fuera del aula, por ejemplo,
ejercitando la lectura a vista en tu propia casa media hora al día.
Búscate un amigo que haga de oyente de vez en cuando para darte
cuenta de la destreza con que puedes comunicar el contenido del
texto. En tan sólo unos meses conseguirás grandes mejoras en tu
articulación y pronunciación. Elige el material con esmero: lee novelas
con un vocabulario elaborado o ensayos de Emerson y Thoreu. Lee
poesía, los sonetos de Shakespeare. Si te enfrentas a leer teatro, lee
en voz alta sólo las escenas de personajes que no te planteas
representar en serio en el futuro. Lee los prólogos de las obra de
Shaw. Te familiarizarás con las ideas y las expresiones idiomáticas del
autor. Estos ejercicios tan útiles para la lectura a vista, la voz y la
dicción, son preparaciones para el proceso orgánico posterior de
asimilar el lenguaje de cada personaje. Si aplicas trucos vocales
efectistas al lenguaje de un personaje, perjudicarás el trabajo de base
que has aprendido. En otras palabras, no confundas estos ejercicios
con lo que se conoce por interpretación.
Estos ejercicios también estimularán tu gusto por las palabras, por un
lenguaje refinado y mejorarán tu capacidad de hacer tuyo el lenguaje.
Acabarás rechazando el “boludo” y el “nada” tan comunes como
únicas locuciones para responder. En su lugar, utilizarás la infinita lista
de adjetivos, verbos y nombres que puedes encontrar en cualquier
diccionario. Te darás cuenta de la cansina tendencia de nuestra
sociedad a decir: “¡¡De qué vas!!”, y en su lugar buscarás una
expresión de desaprobación o de rechazo más apropiada. Por no
hablar de los famosos “ahhhh” o “uau” que sustituyen a un auténtico
8. suspiro ante la puesta de sol o ante un huracán, o de la utilización de
improperios como único medio de expresar frustración o rabia. Lee en
voz alta. Aprende a saborear literatura clásica y contemporánea. Deja
que el lenguaje se amolde a tu lengua hasta que te brote del alma.