El documento resume las principales características de la arquitectura del Quattrocento italiano, destacando obras clave como la cúpula de Santa María del Fiore de Brunelleschi en Florencia, la Basílica de San Lorenzo también de Brunelleschi, y el Palacio Pitti atribuido a Brunelleschi. Se describe el nuevo lenguaje arquitectónico renacentista que toma elementos clásicos y los aplica con un enfoque en la proporción, perspectiva y luminosidad.

1. Hª ARTE 2º BACH
RENACIMIENTO
QUATTROCENTO ITALIANO
SIGLO XV
La reformulación del lenguaje clásico.
Brunelleschi, Donatello y Masaccio como
creadores de un nuevo lenguaje con
ingredientes clásicos y humanistas en
arquitectura, escultura y pintura
EVA P. L.M.
www.aulasabertas.blogspot.com

2. Qué es el renacimiento? Dónde y Cuándo surge?
 El renacimiento es un movimiento artístico y cultural que
surge en Italia y nos sitúa al comienzo de la Edad
moderna.
 El término alude al “renacer” y a la “recuperación” de la
cultura clásica greco-latina que trae consigo un cambio
de mentalidad y un nuevo ideal humanístico.
 No supone una ruptura con la Edad Media, al
contrario, se trata de una continuación o “culminación” de
los deseos de renovación de ésta (arte Carolingio y
Otoniano). Y tampoco afecta a todos los sectores de
la sociedad, más bien a una minoría culta.
 Generalmente se divide en tres etapas: Quattrocento
(siglo XIV), Cinquecento (primer tercio del siglo XVI) y
manierismo (a partir de 1520/30). En Europa las tres
etapas se funden a partir del siglo XVI.

3.  El QUATTROCENTO tiene su origen, a principios del
siglo XV, en las ciudades estado del norte y centro de
la península itálica.
 Por un lado la prosperidad económica de estas
ciudades estado (burguesía enriquecida por la banca y el
comercio) y el ambiente cultural favorece la aparición de
grandes mecenas y de una nueva mentalidad sin
prejuicios éticos ni religiosos, donde nuevos valores
como la fama y la gloria se imponen al ascetismo
medieval. El punto de partida que ostenta el poder
económico y cultural es Florencia.
 Y por otro lado Italia es receptáculo de la antigüedad
clásica: está próxima a los monumentos, a los modelos
romanos reutilizados y a los nuevos hallazgos y
descubrimientos (el tratado De Architectura de Vitrubio

4.  Una serie de características van a condicionar el nuevo movimiento artístico: el
humanismo, el nuevo mecenazgo laico, la nueva consideración social del artista y
un nuevo lenguaje artístico.
 El Humanismo, movimiento estético y filosófico motor del Renacimiento, trae
consigo: nuevos deseos de resucitar los valores los valores y la cultura clásica
(antropocentrismo, revisión de la filosofía griega: neoplatonismo: intento de conciliar
el mundo clásico con el cristianismo), una actitud crítica ante política y religión y el
cultivo intelectual del hombre. Academias, universidades y bibliotecas facilitan su
difusión.
 El nuevo mecenazgo laico: los poderosos gobernantes de las pequeñas
repúblicas, como los Medici en Florencia, los Montefeltro en Urbino o los Sforza en
Milán; utiliza el arte como exaltación del poder y del prestigio personal (el donante
participa en la escena) (del mismo modo que en el siglo siguiente monarcas y
papado lo van a utilizar como medio propagandístico). Ello propicia la demanda y
recuperación de nuevos géneros pictóricos como el retrato y el paisaje, de
tipologías escultóricas como la ecuestre (Gattamelata) y arquitectónicas como la
Villa.
 La consideración social del artista mejora notablemente. El artista comienza a
ser valorado y a trabajar con mayor libertad, desvinculándose del gremio. Tratados
de arte y academias de formación evidencian el carácter intelectual que adquiere la
profesión: el artista es un “ideador” y también se retrata en la obra.
 El nuevo lenguaje, que toma como punto de partida teórico los modelos clásicos
de la antigüedad (asume lo antiguo y lo pagano y lo funde con lo cristiano), explora

5.  “Non pode falarse dunha
obra ben realizada se non
existe unha relación de
proporción, regulada como
a que está no corpo dun
home ben formado”.
Vitrubio S. I a.C.
Lorenzo O Magnífico (1449-1492). Neto de
Cosme O Vello.
Intelectual, alumno de humanistas,
mecenas e diplomático. Amigo de Boticelli.
Fundou a biblioteca Laurencinana e a escola
do xardín de San Marcos, antecedente da
Academia para formar ós artistas.

6. ARQUITECTURA
 http://www.youtube.com/watch?v=9eJTm2ZdCVg
&feature=related
 http://www.slideshare.net/piluchi/bachiller-el-arte-
del-quattrocento
 http://www.slideshare.net/sennumero/a-
arquitectura-renacentista-o-quattrocento
 http://www.slideshare.net/sergisanchiz/02-
renacimiento-arquitectura-del-quattrocentoppt

9.  En lo que respecta a la ARQUITECTURA las principales
aportaciones del Quattrocento se deben a Brunelleschi: primer
planteamiento perspectivo del espacio en la cúpula de Santa Mª Fiori
(Florencia); y a Alberti: primer tratado de arquitectura del renacimiento
(De re Aedificatoria).
 En ambos se aprecian las características generales de la
arquitectura del renacimiento:
1) Experimentación con la perspectiva y la proporción (SªMª Novella de
Alberti)
2) Gusto por formas simples y regulares (círculo, cuadrado, esfera),
3) Equilibrio entre las línea horizontal y la vertical
4) Utilización de modelos y elementos clásicos: plan central y basilical,
espacios abovedados y cupulados, superposición de órdenes, fachadas
con arcos triunfales, arcos de medio punto, órdenes columnarios y
módulo constructivo (San Lorenzo y Capilla Pazzi de Brunelleschi).

10.  Tanto en el Quattrocento como en el Cinquecento van a destacar
dos tipologías arquitectónicas de carácter civil: el palacio: el
modelo de más seguido en el XV será el palacio Medici Ricardi
de Michelozzo y en el XVI el palacio Farnesio de Sangallo y
Miguel Angel; y la villa, residencia de campo, que integra la
arquitectura con el paisaje: Michelozzo fija el modelo en la Villa
Carreggi inspirándose en Pilinio, que en el siglo XVI enriquece
Palladio (Villa Capra, “la Rotonda”).
 Otra de las aportaciones del renacimiento es la recuperación del
urbanismo: según A.E.J. Morris (Historia de la forma urbana) la
ciudad medieval se transforma y racionaliza a través de: la
regeneración de zonas mediante la creación de nuevos espacios
públicos (plaza de Pienza o de Urbino), la reestructuración
mediante la apertura de nuevas calles principales (Roma), la
expansión con la anexión de vastos barrios nuevos (ensanche de
Ferrara) y el trazado de nuevos emplazamientos; a los que se
suman los proyectos centralizados y regulares vinculados a
propuestas utópicas (“Sforzinda” de Filarete).

11. Santa María dei Fiori

12. Nombre: Cúpula de
Santa María del Fiore
(Catedral de Florencia).
Arquitecto:
Brunelleschi, Filippo
(1377-1446).
Cronología: 1418-1446
Localización : Florencia
Estilo: Renacimiento
(Quattrocento)
Cúpula de media
naranja.
Materiales: Ladrillo,
piedra, mármol.
Dimensiones: 114 ms –
altura- Comentario
y 41 ms-
diámetro-

13.  Arquitectura religiosa
 Está considerada como la primera gran obra arquitectónica del
Renacimiento. Símbolo de la nueva arquitectura.
 Cuando en 1418 se convocó el concurso para adjudicar las obras,
ya se habían prefijado los pilares y el tambor octogonal.
 Brunelleschi se hizo con la ejecución del proyecto más ambicioso
de su tiempo, la finalización de la Catedral de Florencia.
 Construida sobre el cimborrio de la catedral gótica, debía de
cubrir un diámetro similar al del Panteón de Roma (42 metros).

14.  Presenta un aspecto singularmente esbelto gracias
a su perfil ojival (apuntado) que Brunelleschi
consigue gracias a la curvatura de los ocho nervios
de mármol blanco de 4 metros de espesor que
ascienden hasta la cúspide donde se unen dando
paso a una estilizada linterna.
 La cúpula, de 8 caras recubiertas con tejas rojas, se
eleva sobre un tambor octogonal de piedra revestida
con mármol (blanco, verde y rosado) con una gran
ventana circular en cada uno de los ocho lados.
 Se construyó sin utilizar cimbras (armazones de
madera) ni andamios desde el suelo. Para hacerla
más ligera (y evitar su hundimiento) la concibió
como una doble cúpula (una interior semiesférica y
otra exterior, apuntada) con un espacio vacío entre
las dos.
 Rematada por una linterna inspirada en los templos
circulares de la Roma Imperial. Diseñada como el
remate indispensable a una cúpula apuntada, es una

16.  Las dimensiones de esta cúpula la convierten en la construcción más
relevante del Quattrocento italiano.
 La obra en sí misma simboliza la importancia de Florencia como
núcleo fundamental del arte renacentista durante el siglo XV y
principal ciudad de la época, tratando de hacer visible el paralelismo
entre la ciudad toscana y la brillante Roma de la época clásica.
 Al mismo tiempo, el hecho de que corone el templo catedralicio la
constituye en símbolo visible de la fortaleza de la Iglesia cristiana en la
sociedad florentina.
http://elperiodicomasb
reve.blogspot.com.es/
2013/03/breve-
resena-de-la-divina-

17. Basílica de San Lorenzo
http://aprendersociales.blogspot.com.es/
2008/02/la-baslica-de-san-lorenzo-
de.html

18.  TÍTULO: Basílica de
San Lorenzo.
 AUTOR: Filippo
Brunelleschi (1377-
1446).
 FECHA: 1421-1429
 LOCALIZACIÓN: Flore
ncia, Italia.
 ESTILO: Arquitectura
renacentista del
Quattrocento.

19.  Materiales: Ladrillo, piedra, mármol.
 Tipología: Arquitectura religiosa
 Fue un encargo de Cosme de Medicis y es un ejemplo del mecenazgo que
en el origen de gran parte de las obras renacentistas. En ella desaparecen ya
las formas medievales y tanto los elementos constructivos como los
decorativos están tomados del arte clásico.
 Brunelleschi, tomando como modelo las basílicas cristianas, la traza de tres
naves. El espacio se ordena en base a una planta longitudinal, donde los
distintos elementos arquitectónicos y la luminosidad logran una visión de
perspectiva (la concibió como un conjunto de bloques independientes, en el
que los mayores son múltiplos de los más pequeños).
 Templo con planta de cruz latina de tres naves, con la nave central más alta
y ancha.
 La separación de las naves se establece mediante columnas de orden
compuesto y sobre ellas un entablamento completo en el que descarga
cada arco de medio punto, consiguiendo mayor altura de una manera
armónica.
 La cubierta de la nave central es adintelada y se decora con grandes
casetones al gusto romano, mientras que las naves laterales son
abovedadas y se cubren con concatenación de bóvedas vaídas.

20.  Elementos clásicos: columna
corintia /arcos de medio punto/
cubierta plana/…
 Luminosidad: tiene amplios
ventanales en la parte alta de la
nave central y óculos en las
laterales
 Horizontalidad: empleando
elementos arquitectónicos que
refuerzan la sensación de
horizontalidad, como los
entablamentos, la cubierta plana
de la nave central, etc.
 Armonía: buscó la armonía
empleando criterios geométricos.
Por ejemplo, establece formas
cúbicas ya que la altura de las
columnas es idéntica a la
distancia entre columnas
contiguas y entre éstas y los
muros de las naves laterales.

21. http://aprendersociales.blogspot.com.es/2
008/02/la-baslica-de-san-lorenzo-de.html
 Cuando Brunelleschi recibe el encargo de levantar (sobre
una antigua iglesia románica) la Basílica de San Lorenzo,
Florencia se halla en el comienzo de una etapa de
esplendor que viene marcada por el predominio en el
gobierno municipal de la familia Médicis, representada por
Juan de Vicci Médicis (1360-1429), riquísimo banquero,
comitente de la obra y con el que se inicia el apogeo de
la dinastíaflorentina, consolidado con su hijo Cosme el
Viejo (1389-1464).
 Juan de Médicis decide encargar el proyecto a
Brunelleschi con una clara finalidad: el templo habría de
servir como panteón de los miembros más ilustres de la
familia, para mostrar al mundo no sólo la riqueza familiar,
sino también su predominio en la vida política y cultural de
la capital toscana.

22. Palacio Pitti
• AUTOR: Filippo
Brunelleschi
• FECHA: 1440
• LOCALIZACIÓN: Flore
ncia, Italia.
• ESTILO: Renacimiento
italiano :Quattrocento.

23.  Es una obra del 1440 aunque fue
ampliado considerablemente en el siglo
XVI.
 Promotor: banquero Luca Buonacorso
Pitti.
 Fue comprado por la familia Médicis en
1549 como residencia oficial de los
Grandes Duques de la Toscana.
 El Palacio Pitti se convirtió en el
prototipo o modelo de palacio
renacentista al integrar el palacio en la
arquitectura urbana.
 Construido en piedra, de planta
cuadrangular en torno a un patio
central.
 Prescinde de la torre defensiva de las
casas florentinas medievales
(desaparece el aspecto miltar) lo que le
dan mayor carácter urbano, sin embargo

24.  La mampostería almohadillada de la
piedra reforzada por la repetición de
vanos y arcadas dan al edificio una
apariencia severa y dura, que recuerda
a un acueducto del Imperio romano (arte
all'antica).
 Estilo sobrio y armónico, en el que se
integran elementos clásicos de orden
dórico, jónico y corintio, otorgando a la
piedra un papel fundamental.
 Sucesivas ampliaciones dotarán al
palacio del aspecto actual, que le
convierten en una de los edificios más
impresionantes de Florencia, con su
fachada de más de 200 metros de largo
al pie de una colina.
 Esta fachada con cierto aspecto de
fortaleza, tuvo gran influencia posterior.
 Este diseño original ha superado el paso
del tiempo, pues la fórmula de su
fachada se mantuvo durante las
sucesivas ampliaciones del palacio,

25. http://www.italyguides.it/us/florence/pitti_palace.htm

27. ARTES PLÁSTICAS

29. ESCULTURA
 Se pierde la integración escultura-arquitectura que venia existiendo y
desaparece en buena parte la función que antes tenía la escultura de decorar
y completar los edificios.
 Materiales; se utilizan piedra, madera, terracota, bronce,… logrando con ellos
gran perfección técnica.
 Hay un gran interés por las texturas de las superficies, con acabados muy
pulidos y tersos y en ocasiones muy expresivo.
 La luz ilumina de forma homogénea y el color no suele aparecer.
 Se domina el volumen aunque existe un marco ilusorio de referencia y un
punto de vista preferencial hasta el manierismo.
 El relieve tiene carácter pictórico y se ajusta a las leyes de la perspectiva
lineal consiguiendo efectos de profundidad.

30.  Los esquemas compositivos son simples y geométricos, basados en la
clara articulación y equilibrio.
 El movimiento se aprecia en el contrapuesto y en la tensión del
movimiento en potencia, hasta la llegada del manierismo que utilizará
las posiciones inestables.
 La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, con interés por la
belleza formal basada en las proporciones y en la armonía. Se domina
la representación del cuerpo humano y proliferan los tratados sobre las
proporciones.
 Se acentúa el naturalismo, la búsqueda de la representación de la
realidad, el interés por el hombre, por su anatomía , así como un
perfeccionamiento de los conocimientos y medios técnicos.
 Los temas son el hombre y la naturaleza con un contenido religioso o
profano ( histórico, alegórico-mitológico) y se multiplican los retratos de
todo tipo.

31.  Dentro de las ARTES PLÁSTICAS a lo largo de Quattrocento se
pueden distinguir dos corrientes: la narrativa y la científica.
 La CORRIENTE “NARRATIVA” O “ARCAÍSTA”, en la que perviven
soluciones del gótico internacional, presta mayor preocupación por
el tema que por los recursos técnicos (utilizados sólo para apoyar la
narración). Su máximo representante en pintura es Fra Angélico
(Anunciación, Juicio Final) y en escultura Luca Della Robbia.
 La CORRIENTE “CIENTÍFICA” O “RENOVADORA” investiga y aplica
recursos técnicos (escorzos, claro-oscuro, volumen y perspectiva)
en detrimento del tema. Las primeras experiencias iniciadas en
escultura por Ghiberti (puerta del baptisterio de S. Mª de Florencia,
1425) culminan con Donatello (David, Gattamelata). En pintura
continúan la línea iniciada por Masaccio (“Tributo”, capilla Brancacci
en Florencia): Paolo Ucello, Piero Della Francesca y Andrea Magtena.
 A finales del Quattrocento estas dos corrientes tienden a fusionarse en
pintores como Botticelli (carácter neoplatónico-alegórico de la
“Primavera” y el “Nacimiento de Venus”), Ghirlandaio o Perugino.

34. La producción de Donatello
Donatello (1386-1466) se formó en el taller de Ghiberti y viajó a Roma para estudiar la
escultura antigua.
 Consiguió representar la figura humana en diferentes estados: la dulzura infantil en sus
cantonas, la belleza y plenitud de la juventud en el San Jorge o la senectud en El profeta
Habacuc.
 En su producción utilizó el mármol, el bronce e incluso la madera.
 En las primeras obras florentinas, la estilización, torsión y equilibrio aún recordaban al
Gótico, pero la postura y la fuerza expresiva anunciaban el cambio, como sucede en la
figura de San Jorge,
 Ya hacia 1425 se establece la etapa de madurez. Se observa entonces un mayor
movimiento e idealización en sus obras.
 En sus obras de bulto redondo sobresale, en este PERIODO DE MADUREZ, el David en
bronce. Es uno de los primeros casos desde la Antigüedad, en que se presenta al
personaje desnudo en tamaño natural. El personaje da sensación de inestabilidad por un
movimiento en la cadera que recuerda a la curva praxiteliana, y destacan el fuerte
contraste entre su belleza y juventud, y la gigantesca y tosca cabeza de Goliat.
 En 1443 se trasladó a Padua, donde ejecutó la Estatua ecuestre de Gattamelata, en
bronce, Gattamelata era un condotiero (jefe militar), por lo que supuso la recuperación de
la escultura ecuestre romana como exaltación del poder, con gran influencia en las
épocas posteriores.

36. David
PERIODO DE
Donatello
MADUREZ,
David en bronce.
1446
Es uno de los
primeros casos desde
Quatrocentto
la Antigüedad, en que
italiano.
se presenta al
personaje desnudo
en tamaño natural
En palabras de Vasari: "es una figura tan natural y
de una belleza tal que resulta increíble para los
artistas que no haya sido moldeada sobre un
modelo viviente“.

37.  Escultura exenta realizada en bronce pulido.
 Tema bíblico del enfrentamiento entre el joven
David y el gigante soldado filisteo Goliat justo en el
momento posterior a dicho enfrentamiento, cuando
éste se ha saldado con la victoria en favor del
joven. Éste aparece representado totalmente
desnudo, a excepción de un sombrero toscano
coronado con hojas de laurel y unas botas altas, El personaje
portando con la mano derecha la espada con la da sensación
que acaba de degollar a Goliat, cuya cabeza pisa de
con la pierna izquierda. inestabilidad
 Donatello vuelve la mirada a la escultura clásica por un
griega y el profeta bíblico aparece representado movimiento en
como si de un Dios olímpico se tratara. El cuerpo la cadera que
de David aparece representado como el de un recuerda a la
curva
joven adolescente de anatomía blanda apenas
praxiteliana.
desarrollada y adopta la postura clásica del
contraposto apoyando el peso del cuerpo sobre
la pierna derecha, cuya cadera sobresale
recreando la curva praxiteliana. La perfección
anatómica, en la que el modelado muscular es Destaca el fuerte contraste
muy suave, difuminado, casi femenino, parece entre su belleza y juventud, y
tomado, también, de Praxíteles. la gigantesca y tosca cabeza
 El rostro imberbe del joven David expresa de Goliat.
serenidad y contrasta con el del vencido Goliat

38.  El David de Donatello, supuso la vuelta al desnudo como tema tras casi mil años
de ausencia de éste de la historia del arte occidental.
 El tema bíblico del enfrentamiento del profeta David con Goliat se convierte en
una simple excusa para representar el desnudo como hicieran los escultores
clásicos. Así David aparece como si de Apolo se tratara y la influencia de
Praxiteles es clara tanto en la pose de la escultura como en el modelado del
cuerpo, de ambigua sexualidad.
 Hay quien ha visto en el encargo de este tema por parte de los Médicis a
Donatello una alusión al enfrentamiento entre la ciudad de Florencia,
representada por el joven David tocado con el petaso o sombrero característico
de los campesinos florentinos, y el ducado de Milán, representado por la cabeza
decapitada de Goliat.
 Más allá de la explicación política del tema representado, el tema de David, de
gran proliferación en el Renacimiento y, con posterioridad, en el Barroco,
simbolizaba el triunfo de Cristo sobre la muerte y el pecado. (Sin embargo,
algunos críticos han cuestionado la identificación del tema con David y
consideran que se trata del dios pagano Mercurio con la cabeza del gigante
Argos).

41. http://vodpod.com/watch/5003615-
condottiero-gattamelata
Ubicación:
Plaza del Santo,
Padua.
Estilo artístico:
Arte del
Quatrocento
(Renacimiento)
italiano
1447 -1453
Técnica:Bronce
Erasmo de Narni, apodado GATTAMELATA (1370-1443) fue
Dimensiones: capitán-condottiero general de la República de Venecia. Este
340 x 390 cm caudillo, que gozaba de una gran popularidad, murió en
Padua durante un ataque, decidiéndose erigirle allí un
monumento concebido al gusto clásico.

42.  Monumento ecuestre en honor al
condottiero Gattamelata (Plaza del
Santo en Padua): Condottiero de la
república véneta Erasmo de Narni.
 Es una de las primeras y más
importantes estatuas ecuestres de todo
el Renacimiento. Probablemente la
primera estatua ecuestre de grandes
dimensiones fundida desde la
antigüedad
 Es la primera estatua en honor de un
guerrero de todo el mundo moderno.
 Es una escultura de bulto redondo
realizada en bronce, apoyada sobre un
zócalo de base en mármol.
 Inspirada en la escultura romana,
concretamente en la escultura ecuestre
de Marco Aurelio.
 El retrato del personaje, heredado del
realismo romano, deja traslucir la
psicología del representado, que
muestra una expresión de su alta y difícil

43.  Naturalismo y serenidad del jinete
y del caballo.
 El guerrero se mueve lentamente en
la plaza, en una marcha de
conquista, unido al caballo que
avanza firmemente  movimiento
en reposo, en preparación para el
acto que desarrolla despacio y
solemne = portan un mensaje de paz
y tranquilidad, acorde con la pacífica
Padua.
 La serenidad de todo el conjunto deja
claro que ha salido exitoso de la
batalla: Gattamelata avanza con la
cabeza descubierta y conduce al
caballo sin violencia pero con
autoridad, remarcada ésta por la
posición del bastón de mando.

44.  Está realizado para glorificar al personaje
representado y resaltar la virtudes del militar.
Interpretaciones:
 El rostro es el de un hombre avanzado en años.
No se trata en este caso de una representación
realista de las auténticas facciones del
Condottiero, sino más bien de una madurez
conquistada con los años, atravesada de una
lucha cotidiana e infinita. Al héroe joven y
físicamente perfecto de la Antigüedad Clásica, le
sustituye entonces la consciencia del hombre
racional: el héroe moderno, representado en su
ser simplemente hombre.
 También se puede ver la alegoría de un Tirano.
Lleva al caballo (que es el pueblo) con mano
dura y rienda corta, espoleándolo con grandes
espuelas, y sobre la pata delantera del caballo
se encuentra una esfera que representa al
mundo a sus pies... Es preferible que el pueblo
le tema antes de que sea amado, según el
propio Maquiavelo.

45. PINTURA
 En el Trecento, Giotto había realizado avances trascendentales en la
pintura que se acercaban a los conceptos del mundo clásico y que se
desarrollaron en el Quattrocento.
Los cambios en la temática, los soportes y las técnicas
 La pintura del Quattrocento continuó siendo en buena parte de carácter
religioso, pero se introdujeron con fuerza temas de la mitología
clásica, que contribuyeron a desarrollar la representación del
desnudo humano.
 En cuanto a los soportes, la mayoría de la producción sigue utilizando,
al igual que en el Gótico, pintura sobre tabla. Sin embargo, con el paso
del tiempo se empezó a usar el lienzo en Venecia, y más tarde en toda
Italia.
 En lo relativo a las técnicas pictóricas, durante la primera mitad del
siglo xv se mantuvo la pintura al temple. Ya en la segunda mitad del
siglo se introdujo desde Flandes el óleo, que permitía pinturas mucho
más luminosas. Para la pintura mural se siguió empleando la técnica

46. Un nuevo sistema de representación: la perspectiva
 La transformación sustancial se produjo con el uso de la
perspectiva lineal. Esta revolucionó el concepto de la pintura al
permitir la representación en una superficie plana de la apariencia
de profundidad, esto es, tres dimensiones donde solo hay dos.
 Su empleo consiste en plantear en la pintura una serie de líneas de
fuga que convergen en un único punto de fuga. Esas líneas
forman una pirámide imaginaria que puede ser cortada en distintos
planos. En esos planos, los objetos representados reducen su
tamaño proporcionalmente al acercarse al vértice de la pirámide,
dando la sensación de profundidad.
 El descubrimiento de la perspectiva y su primera formulación se
deben a Brunelleschi y Alberti, que en su Tratado de la pintura
plasmó la teoría.
 Los pintores también hicieron importantes avances en la utilización
de la luz, con la que conseguían mostrar el volumen de los objetos
o seres representados y que se apreciaran los planos de
profundidad.

48. Masaccio
 Prescinde totalmente del goticismo.
 Inicia la corriente “científica” o “renovadora” en pintura:
investiga y aplica recursos técnicos (escorzos, claro-oscuro,
volumen y perspectiva) en detrimento del tema.
 Carácter escultórico de las figuras: formas robustas,
monumentales, llenas de dramatismo. Reencarna la
monumentalidad de Giotto pero las figuras se funden mejor con
el ambiente.
- Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico.
- Difumina los contornos y crea efectos de luz y sombra para
aumentar la sensación de profundidad.
- Modela las figuras mediante los juegos de luz y sombra.
 En pintura continúan la línea iniciada por Masaccio: Paolo Ucello,
Piero Della Francesca y Andrea Magtena.

50. Tributo de la moneda
Frescos de la capilla Brancaci, iglesia del Carmine, Florencia
Masaccio
Quattrocento italiano, escuela pictórica florentina de la primera mitad del
siglo XV (corriente científica o renovadora)
1428

51. Esta obra pertenece al conjunto pictórico que adorna la capilla de la familia
Brancacci en la florentina iglesia del Carmine.
Dicho conjunto está organizado en torno a un retablo gótico y, está constituido
por varios frescos.
El tema de todo el ciclo de frescos en su conjunto es la salvación de la
Humanidad operada por Jesucristo a través de Pedro y de su iglesia. Los
frescos dedicados al Pecado original (realizados por Masolino de época
gótica) y la Expulsión del Paraíso (de Masaccio del Renacimiento) serán así
un precedente a las historias de Pedro.

52. Mt 17, 24-27 dice así: Al llegar a Cafarnaún, se acercaron
a Pedro los recaudadores del tributo y le dijeron: -¿No va
Autorretrato a pagar vuestro Maestro el tributo? -Sí -respondió. Al entrar
de Masaccio
en la escena en la casa se anticipó Jesús y le dijo: -¿Qué te parece,
del tributo,
cuando tenía Simón? ¿De quiénes reciben tributo o censo los reyes de la
unos 25 tierra: de sus hijos o de los extraños? Al responderle que
años.
de los extraños, le dijo Jesús: -Luego los hijos están
exentos, pero para no escandalizarlos, vete al mar, echa el
anzuelo y el primer pez que pique sujétalo, ábrele la boca y
encontrarás un estáter, lo tomas y lo das por mí y por ti.

53.  El Tributo se sitúa a la izquierda del retablo.
 Representa uno de los episodios de la vida de
Cristo narrado por San Mateo, en el que se cuenta
el milagro producido cuando el recaudador de
impuestos exigió a Jesús el pago del impuesto de
la alcabala. Episodio evangélico en el que Cristo,
dogmatiza que "hay que dar al César lo que es del
César", y por ello manda a Pedro que cumpla con
esta obligación, primero recogiendo el óbolo que
hay que pagar de la boca de un pez (de ahí el
milagro) y después pagándole al recaudador. 
Milagro en segundo plano
 Masaccio narra en el mismo fresco las tres
escenas del milagro, sintetizadas en una sola
representación.
1) En el centro vemos a Cristo rodeado por sus
discípulos y al recaudador de impuestos (es la
figura de espaldas), cuando Jesús ordena a Pedro
pescar el pez y extraerle la moneda.
2) A la izquierda, se observa el milagro
propiamente dicho, pues vemos a Pedro arrodillado
extrayéndola junto a un río pintado con gran
sencillez.

54.  Nuevo lenguaje: no se trata de exaltar el milagro en sí, como hubiera
sido normal en el arte medieval, sino sobre todo de destacar una actitud,
una postura ética, en este caso la de Cristo, que manda pagar el
impuesto y cumplir así con las obligaciones cívicas de una manera
ejemplarizante.
 Las diferentes escenas aparecen unidas mediante los gestos, Cristo
señala el lugar donde Pedro hará el milagro, mientras el recaudador y las
miradas de los apóstoles señalan al otro lado.
 Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico  Toda la
composición aparece enmarcada en un fondo de montañas
esquemáticas con algunos árboles. Los apóstoles y el recaudador
forman un círculo alrededor de Cristo. El recaudador cierra el grupo de
espaldas, dando movimiento a la escena.
 Figuras monumentales, escultóricas, envueltas en túnicas  sensación
de volumen
 Difumina los contornos y crea efectos de luz y sombra para aumentar
la sensación de profundidad.
 Dominio de la perspectiva y del espacio  crea vacíos entre la
figuración que nos dirigen la vista hacia el fondo y alejan el paisaje, usa
colores cálidos en las figuras del primer plano y apagaos en el fondo

55. A la vez, el artista trata
magníficamente cuerpos
casi siempre en
contrapposto (girando torso
y cabeza sobre la postura
de las piernas) y ropajes,
combinando magníficamente
el peso y el volumen de esa
figuras giradas, (cuando se
examina minuciosamente el
yeso sobre el que están
pintadas las figuras, se
aprecian unas líneas
verticales que van desde la
cabeza hasta el talón de la
pierna apoyada, que
Masaccio trazó para
establecer el eje de
gravedad). Ese peso
confiere estaticidad a sus
figuras, aunque no se
aprecia fácilmente,
apreciándose mucho más el
movimiento y vida que
poseen, logrado también por
medio de las manos del
recaudador, de Cristo y de
Pedro, y de las miradas de
los personajes, “con gestos
tan reales -afirma Vasari-
que parecen vivos”.

56. «Ya fui antes lo que vosotros sois; y lo que soy
ahora lo seréis vosotros mañana»
«Io fu già quel che voi sete: e quel chi son voi ancor
sarete»