El documento describe los orígenes del teatro griego. Surge de rituales religiosos como los Misterios de Eleusis en honor a Deméter y Dionisos, que incluían procesiones, bailes y cantos. Un elemento clave fueron los ditirambos, coros que cantaban en honor a Dionisos durante las fiestas. Poco a poco el ditirambo se secularizó y pasó de cantar a dioses a cantar sobre héroes, sentando las bases del teatro.

1. EL TEATRO
GRIEGO

2. “El arte griego, fuente inagotable de estímulos para
el arte occidental, nos introduce en un proceso
constante de descubrimiento. Ha configurado
nuestro gusto de mil formas diferentes. Los límites
de su lenguaje se han ampliado continuamente, en
el espacio y en el tiempo. Al relacionarse con otras
culturas cada generación lo enriquece. No
constituye una herencia definitiva y cerrada. Lo
dilatamos también nosotros formulando las viejas
preguntas de un modo nuevo. El encanto principal
del arte griego es su capacidad de ofrecernos un
ciclo completo en el que los artistas se plantearon
unas preguntas simples y fundamentales de forma
siempre diferente.”
Olmos, Ricardo (2005) El arte griego -
(Historia del Arte – Tomo I – dirigida por Juan Antonio Ramírez)
Editorial Alianza, Madrid

3. Contexto histórico
y geográfico

5. La cultura griega clásica es, sin duda, uno de los pilares de la
civilización occidental. Es en Grecia donde surgen, por primera
vez, conceptos esenciales como la democracia, donde aparece la
filosofía, a partir de que el ser humano comienza a cuestionarse
su existencia, donde el hombre se convirtió en el centro del
pensamiento y en la medida de la belleza.

6. Uno de sus mayores logros, ha sido el mantener a lo largo de toda
su historia, una fuerte unidad cultural, teniendo en cuenta su
variada geografía, y sus notorias diferencias, marcadas por una
clara balcanización entre las muchas polis que compusieron su
realidad política.

7. · Base de la cultura europea y Occidental en general. Pensamos
como ellos (filosofía racional), nos organizamos como ellos
(democracia), construimos y esculpimos como ellos.
· Lo que ocurrió en la Grecia clásica fue un milagro cultural que los
historiadores aún no saben explicar, una isla de humanidad en un
contexto donde el hombre no valía nada.
· Base de la cultura europea y Occidental en general. Pensamos
como ellos (filosofía racional), nos organizamos como ellos
(democracia), construimos y esculpimos como ellos.
· Lo que ocurrió en la Grecia clásica fue un milagro cultural que los
historiadores aún no saben explicar, una isla de humanidad en un
contexto donde el hombre no valía nada.
3 Elementos
Constitutivos
Arte GriegoArte Griego
Los dorios aportaron la rigidez, la dureza, el espíritu militar y
deportivo, el estilo geométrico.
Los dorios aportaron la rigidez, la dureza, el espíritu militar y
deportivo, el estilo geométrico.
De las supervivencias cretomicénicas quedó el gusto por
la belleza como algo ideal, utópico, el amor a la naturaleza,
a la luz mediterránea, el concepto de proporción y armonía.
De las supervivencias cretomicénicas quedó el gusto por
la belleza como algo ideal, utópico, el amor a la naturaleza,
a la luz mediterránea, el concepto de proporción y armonía.
Los gigantes vecinos: Imperio Persa y el Egipcio. Su tradición cultural
era mucho más antigua. por eso la influencia oriental de Persia y Egipto es
también componente importante en la cultura griega.
Los gigantes vecinos: Imperio Persa y el Egipcio. Su tradición cultural
era mucho más antigua. por eso la influencia oriental de Persia y Egipto es
también componente importante en la cultura griega.

8. Los inicios de la cultura griega son en el siglo VII a.C. ,
finalizando en el 146 a.C. (Corinto es tomada por Roma).
Comienza entonces una nueva fase histórica donde Grecia una
provincia romana. Durante esos seis siglos podemos apreciar
varias fases:
Los inicios de la cultura griega son en el siglo VII a.C. ,
finalizando en el 146 a.C. (Corinto es tomada por Roma).
Comienza entonces una nueva fase histórica donde Grecia una
provincia romana. Durante esos seis siglos podemos apreciar
varias fases:
ARCAISMO CLASICISMO
HELENISMO

9. Arte GriegoArte Griego
Religión Politeísta
• Sin dogma ni fe, sin un clero profesional (eran cargos públicos
rotativos), y sobre todo, basada en el libre albedrío del hombre.
• Elemento cohesionador de las polis y del futuro sentimiento
panhelénico.
• Religión humanizada, con dioses con vicios y virtudes
humanas. Era una religión que no solucionaba problemas de
conocimiento, que permitía la investigación racional y lógica
• Incitaba al Arte y a la belleza. De hecho la característica
principal de los dioses era su belleza absoluta (belleza humana
puesto que es una religión completamente antropomórfica) con
lo cual se divinizaba la belleza.

10. LOS DIOSES DEL OLIMPOLOS DIOSES DEL OLIMPO

11. Arte GriegoArte Griego
El artista
Luego de un anonimato total en el período arcaico, en clásico
surgen las personalidades individuales, que firman sus obras y cada
autor sigue una línea personal. Los mejores artistas incluso crearon
escuela.
Trabajan por todo el territorio helénico pero los principales trabajan
más para su polis, eran figuras reconocidas que vivían muy bien y
eran aclamados por sus conciudadanos.
Hasta la fase helenística no se crearán escuelas locales.
La técnica y la investigación se ponen al servicio del Arte, tanto en
arquitectura , como en la escultura.

12. LOS ORÍGENES DEL
TEATRO EN GRECIA

13. El teatro constituye un
fenómeno sociocultural de
gran relevancia desde su
nacimiento en la Grecia
Clásica, tanto como reflejo
de las inquietudes de cada
época como por su
potencial dinámico
generador de cambio
social. A lo largo de su
trayectoria histórica, el
fenómeno teatral ha ido
adoptando diversas formas
y contenidos.

15. TEATRO DE EPIDAURO - GRECIA

16. TEATRO DE TAORMINA
SICILIA - ITALIA

17. EL CAMINO HACIA
EL TEATRO
LAS CEREMONIAS PRE-TEATRALES

18. 1. LOS MISTERIOS
DE ELEUSIS

19. Los misterios eleusinos eran
ritos de iniciación anuales al
culto a las diosas agrícolas
Deméter y Perséfone que se
celebraban en Eleusis, una
localidad agrícola próxima a
Atenas. De todos los ritos
celebrados en la antigüedad,
éstos eran considerados los de
mayor importancia. Los ritos,
así como las adoraciones y
creencias del culto, eran
guardados en secreto, y los
ritos de iniciación unían al
adorador con el dios,
incluyendo promesas de poder
divino y recompensas en la
otra vida.

20. Los misterios estaban
basados en una leyenda
en torno a Deméter. Su
hija, Perséfone, fue
secuestrada por Hades,
el dios de la muerte y el
inframundo. Deméter era
la diosa de la vida, la
agricultura y la fertilidad,
e hizo que muriese toda
vegetación sobre la
tierra, amenazando a la
humanidad con su
extinción, la Tierra se
heló y la gente pasó
hambre: el primer
invierno.

21. Los dioses temían no obtener más sacrificios y
oraciones de los mortales e imploraron a
Deméter que devolviese la fertilidad a las
tierras. Esta petición no fue satisfecha hasta
que Zeus ordenó a su hermano Hades, dios del
mundo subterráneo, devolver Perséfone a su
madre. Madre e hija volvieron al Olimpo, pero
desde entonces Perséfone tenia que pasar la
mitad del año con su esposo en el mundo
subterráneo. Cuando lo hacia, el invierno
reinaba sobre la tierra, cuando Perséfone volvía
a la Tierra en primavera, el mundo vegetal
despertaba con flores y frutos nuevos.

22. Antes de que Deméter volviese al Olimpo, dio a los reyes de
Eleusis, Keleos y Triptolemus, instrucciones para celebrar
los ritos en su templo.
Estos eran preceptos secretos, misterios para ser
guardados. Divulgarlos o profanarlos podía ser castigado
con la muerte. Apreciando el propicio final del drama de
Eleusis, Deméter dio a Triptolemus, el primer iniciado de
Eleusis, una rama de trigo y encomendó instruir a la
humanidad en la agricultura.

23. Los misterios se celebraban según una ceremonia
compleja, en varias etapas repartidas en distintos
lugares y en dos épocas del año, los Misterios
Menores que se realizaban en primavera y los
principales o Misterios Mayores en octubre durante el
otoño. La mayor parte de los ritos eran públicos y
contaban con procesiones y baños rituales pero la
parte más importante, y de la que existe menor
información, es la celebrada en el interior del
santuario durante tres días.

24. 2. El ditirambo

25. Platón llama al ditiramboditirambo el nacimiento de Dionisos. En
este dios los griegos personificaban todas las fuerzas
misteriosas, bienhechoras y aterradoras de la Naturaleza.
En el Ática las fiestas estaban dedicadas a Dionisos, de ahí
que se las denominase fiestas dionisiacas o dionisias.

26. Si existe una figura clave en el nacimiento del
teatro en Grecia, es sin duda alguna la del dios
Dionisos. Hijo de una mortal y de un dios, es la
divinidad de la fecundidad, de la vegetación y de
la vendimia, características que le permitirán ser
figura principal en la sociedad agrícola y ganadera
de la Grecia primitiva.

27. DIONISOS

28. Fiestas en honor a Dionisos: el ditirambo
Los griegos celebraban sus fiestas al principio y
al final de la siega, piden a los dioses que el campo sea
fecundo, y concretamente, lo piden a Dionisos. Una
procesión de danzantes dionisíacos que representan a
los sátiros - compañeros de Dionisos - pasea por las
avenidas de la Grecia primitiva seguida por jóvenes
ansiosos de alcanzar el éxtasis dionisíaco (recordemos
que Dionisos es también, como dios de la vendimia, dios
del vino). En estas fiestas, un carro recorre las calles
con la estatua de Dionisos sobre él, mientras los
ciudadanos danzan, se disfrazan y se embriagan.

30. El elemento característico del ditirambo solía ser un
ritornelloritornello (estribillo) lanzado como un grito por el Coro. Con
estos gritos se alternaba el canto del guía del coro llamado
exarconte o corifeoexarconte o corifeo. En ellos se solía implorar
ansiosamente la llegada de Dionisos, dios de la fecundidad
animal y agraria (ganadería y agricultura).

31. En el ditirambo, en
honor a Dionisos, se
sacrificaba a un
carnero cuya sangre
fecundaba los
campos y danzaban
los trasgos (sátiros
con disfraz de macho
cabrío, de hecho,
trasgo significa
macho cabrío en
griego) y a la vez que
bailan recitaban
algunos textos: son el
precedente del coro

33. El ditirambo es pues, un precedente del teatro
griego pues ya encontramos la principal
característica, lo fundamental del teatro: gente
que mira y gente que actúa.

34. Sin embargo, el paso más importante aún
estaba por darse. El simple canto de loa o de petición a
un dios no era aún teatro, aunque sí teatralidadteatralidad. . Hacía
falta que se "cantase" a un hombre y no a un diosa un hombre y no a un dios. El
rito religioso debía retirarse de la escena para dejar
paso al hombre.
Ese paso lo dio Grecia. Dionisos era mitad
hombre, luego ¿por qué no cantar a un hombre que
haya muerto y sea célebre? La naturaleza semihumana
de Dionisos permitió a Grecia lo que otras culturas no
habían alcanzado, secularizar el ditirambo.secularizar el ditirambo.

35. THEATRON

36. El término "teatro""teatro" con el que en la actualidad
designamos tanto al género literario dramático
como al espacio físico donde se llevan a cabo las
representaciones de las obras teatrales, procede
de la palabra theatrontheatron, del griego antiguo. En sus
orígenes, venía a significar "lugar donde se mira"
o bien "lo que se mira“. Pero actualmente, por
teatro entendemos tanto el lugar en el cual se
desarrolla el espectáculo como la misma
representación. Por lo tanto, también es teatro el
texto, la obra, el guión.
THEATRON

37. El "primer actor" que
salió del coro para
disfrazarse de Dionisos,
se afirma que fue
TespisTespis, el primer hombre
de teatro que se conoce.
Tespis viajaba con su
barco de isla en isla
saliendo en cada fiesta
dionisíaca del coro para
intercalar ritornellos con
el coro.
Más tarde se
representarían escenas
de la vida del dios, y
luego y finalmente, de los
hombres.
De lo religioso a lo
humano

38. El siguiente paso fundamental, y último, sería la
incorporación al ditirambo del diálogo, la aparición de un
segundo actor. Si Tespis era el protagonista que dialogaba
con el coro, el paso siguiente sería un deuteragonistadeuteragonista que
dialogara con Tespis
(Protos = primero, déuteros =
segundo; agonista viene de agon
que significa lucha, acción).

39. Con la aparición del primer actor acaba de nacer en
realidad el teatro occidental propiamente dicho.
Esto es fácilmente comprensible si imaginamos que este
primer actor no sólo dialoga con el Coro, sino que
acompaña su diálogo con la acción. Dicho de otro modo,
no sólo recita o canta, sino que actúa: Es sujeto y
objeto de la acción.

40. Hacia el siglo V a.C.
se celebraban en
primavera unas fiestas
llamadas "Grandes
Dionisíacas" en honor
a Dionisos y en las
que había ya
representaciones
teatrales,
especialmente
tragedias, y que más
tarde fueron
incluyendo comedias y
dramas satíricos en su
repertorio.

41. Las fiestas duraban varios días. Previamente la ciudad
había escogido a tres o cuatro poetas para que durante
estos días representaran sus obras teatrales, generalmente
presentaban una tetralogía (tres tragedias - que eran la
trilogía - y un drama satírico), y el público decidía, tras ver
las obras, cuál de los poetas merecía ser ganador.
Posteriormente se fue introduciendo una comedia al final de
las fiestas.

42. LOS GÉNEROS DRAMÁTICOS

43. Tres son los géneros dramáticos griegos:
el drama satíricodrama satírico, ,
la la tragediatragedia y
la la comediacomedia. .
Los dos últimos servirán de norma a las variantes
habidas en el teatro occidental.
El drama satírico expresa otra de las necesidades
expresivas del teatro griego que, en ocasiones,
debe dar rienda suelta a los impulsos refrenados, a
las capas del yo reprimidas por la conciencia.

44. La tragediatragedia es seguramente la más brillante de las
invenciones griegas y la que mayor esplendor alcanzó,
contemporánea e históricamente. La tragedia griega
clásica supone el inicio de un género que aún hoy en
día pervive y que sigue tomando como ejemplos
indiscutibles de maestría aquellas obras que en la
Grecia Clásica se escribieran mucho antes del
nacimiento de Cristo. La tragedia griega fue y sigue
siendo el canon de perfección temática y formal del
género dramático.
La tragedia

46. La tragedia griega clásica no es de tema original,
es decir, el dramaturgo no inventa, no idea, el
argumento de su obra sino que, tomando sustomando sus
temas de la Ilíada y de los ciclos legendariostemas de la Ilíada y de los ciclos legendarios
conocidos por todos los griegos - pues eran temas
de la mitología popular - la tragedia griega nos
muestra el conflicto personal de los héroes en su
momento más dramático, por ejemplo: no se va a
relatar la historia de Edipo de Tebas, sino que se va
a presentar el momento más dramático, el punto
álgido de la tragedia del tebano Edipo.

48. Se nos mostrará al
héroe en su
momento más
humano, más
visceral, hasta el
punto de que, a
pesar de ser héroes
de la mitología y de
las leyendas
helénicas, siguen
siendo hoy
arquetipos
ejemplares de las
pasiones humanas
más profundas y
antropológicas.

49. Características
generales de la
tragedia
El origen de la tragedia
se remonta a los ritos
dionisiácos y a las
fiestas primaverales
El ditirambo
es el
antecedente
básico de la
tragedia
El héroe trágico
vive un conflicto
sin solución. La
causa de ese
sufrimiento suele
ser un error o
desconocimiento
que hace que el
héroe se enfrente
a su destino.
Aristóteles
expone en su
Poética que la
tragedia sirve
para elevar el
alma y purificarla,
a partir de
provocar la
catarsis
El coro es el elemento
fundamental en los
orígenes de este
género, del coro
surgió el exarconte, o
sea, el actor
El eje central de toda
obra trágica es el
restablecimiento
doloroso del orden, y
el alumbramiento
traumático del deber.

50. Características
generales de la
tragedia
Las tragedias
conservadas presentan
una estructura más o
menos regular, con dos
elementos básicos: coro
y actores.
Los actores debían
recitar largos
monólogos, o bien
dialogaban entre sí o
con el coro.
En la tragedia, el
mythos se funde
con la acción, es
decir, con la
representación
directa o drama.
El espectador se introduce en
los impulsos generados por las
acciones de los hombres,
simpatizando con el héroe
trágico a través de sus
emociones (pathos), pero
también condenando su
desmesura a través del hybris o
soberbia.
El concatenamiento de las
acciones parece en cierta
manera inducido por los
dioses, que no actúan
directamente, sino como
deus ex machina.

51. ESTRUCTURA DE LA TRAGEDIA
Estructura externa:
Desde el punto de vista de la forma, la tragedia se compone
de:
•PRÓLOGO: parte que precede a la presencia del coro. Su
función es hacer un resumen de la situación dramática.
•PÁRODOS: es el canto del coro cuando entra en la
orquestra. Es su primera intervención.
•ESTÁSIMOS: cada canto del coro cuando ya está en la
orquestra, en las que se expresan las ideas políticas,
filosóficas, religiosas o morales del autor.
•EPISODIOS: es la parte dialogada entre cada estásimo.
Corresponde a las intervenciones de los personajes.
•ÉXODO: es la salida del coro y su última intervención. En el
héroe reconoce su error. A veces es castigado con la muerte
por los dioses y es allí donde aparece la enseñanza moral.

52. Crátera con
sacerdotisas
llevando un carnero
para el sacrificio.

53. Estructura interna de la
tragedia:
se articula en torno a tres
elementos básicos

54. EL CORO:
• Es su elemento fundamental.
• En época clásica se componía de 15 coreutas.
• Su función es lírica. Están presentes en toda la representación.
• Es un personaje colectivo con un portavoz (CORIFEO) que
puede dialogar con los personajes.
• Esta formado por mujeres o anciano incapaces de defenderse y
de entrar en acción.
•Funciones:
1.Ritual
2.Hacen comentarios líricos.
3.Anticipan acciones futuras.
4.Toman posición ante la acción que se desarrolla.
5.Comentan el destino del héroe o lo acompaña en su destino
trágico.

55. LOS PERSONAJES:
• Dialogan en el proscenio y se encargan de la parte recitada.
• Son héroes de la mitología que representan al ser humano y
su problemática.
• Representan diversas actitudes de los hombres ante ciertos
problemas:
1.Ante los dioses.
2.Ante las leyes o lo que es justo.
3.Ante el ejercicio del poder
4.Ante el amor.
5.Ante su destino que no puede cambiar.
•Nadie puede ayudar al héroe trágico: el exceso, la soberbia,
infringir las leyes humanas o divinas acaban con él.
•Sófocles fija el número de personajes simultáneos en el
escenario en tres.

56. LA ACCIÓN:
• Es el conflicto trágico cuyo desarrollo conduce al desenlace.
• Es un problema que afecta al héroe y del que no es
totalmente responsable.
• Representa el enfrentamiento entre la razón y la pasión.
• La acción está poco desarrollada. Esto se explica por la
importancia del coro.
• Del conflicto interesan no los acontecimientos, sino sus
causas y consecuencias. Esto se pone de manifiesto por los
enfrentamientos dialécticos de los personajes.
• Muertes, suicidios, asesinatos son relatados por la figura del
MENSAJERO que traslada a los personajes y al público lo que
ocurre fuera del escenario.

57. AUTORES Y OBRAS
Los trágicos griegos de quienes se
conservan obras son:
Esquilo
Sófocles
Eurípìdes

58. ESQUILO (525- 456 a.C.). Algunas de sus obras son:
Las Suplicantes, Los Persas, Los siete contra Tebas y
La Orestíada.
Esquilo habría sido el creador de
las reglas fundamentales del
drama trágico, así como la
introducción de máscaras y
coturnos. Por otra parte, con él,
la tragedia empieza a ser una
trilogía. Al introducir un segundo
actor, hace posible la
dramatización de un conflicto.

59. SÓFOCLES (497/6 - 406 a.C.). Algunas de sus obras
son: Edipo Rey, Antígona, Electra.
Sófocles introdujo un tercer actor, que
permitió que la tragedia multiplicara el
número de personajes posibles,
aumentó a quince el número de
coreutas, interrumpió la hasta
entonces obligatoria trilogía, haciendo
posible la representación de dramas
independientes, introdujo el uso de la
escenografía.

60. EURÍPIDES (485/4 - 406 a.C.). Algunas de sus obras
son: Medea, Hipólito, Las Troyanas, Las Bacantes.
En Eurípides, se destaca su realismo,
con el cual el dramaturgo traza la
dinámica psicológica de los
personajes. Los héroes descritos en
sus obras ya no son los resueltos
protagonistas de los dramas de
Esquilo y Sófocles, sino que a menudo
son personas problemáticas e
inseguras, muy alejadas del modelo
del héroe clásico.

61. Dionisos, en forma humana, llega a la ciudad
de Tebas para castigar la insolencia de su rey,
Penteo, que niega el origen divino del dios y
que prohíbe sus ritos. Este acto de arrogancia
es muy penado en las tragedias de Eurípides
Pese a las advertencias de Cadmo y Tiresias (el
oráculo se encarga de profetizar un sin fin de
tragedias como la muerte de Ifigenia la hija de
Agamenon) el joven monarca apresa al
extranjero. Dionisos se aparece ante Penteo y
le convence para que, disfrazado de mujer,
vaya a observar a las Bacantes (las mujeres
tebanas que habían huido de la ciudad
poseídas por el dios para realizar los rituales
en su honor) El rey parte, vestido de mujer y su
propia madre, Agave, lo mata creyéndole una
fiera. Cuando la mujer se percata de lo que ha
hecho sufre tremendamente ante el horror del
acto cometido. La obra termina con la partida
hacia el exilio de Cadmo y Agave.
Un ejemplo de teatro
trágico como
fenómeno de masas :
LAS BACANTES de
Esurípides
El teatro asume la función
de caja de resonancia
para las ideas, los
problemas y la vida
política y culturales de la
Atenas democrática.

62. Las Bacantes
Personajes:
Agave, Ino, Sémele, Autónea, coro
de Bacantes, Cadmo, Penteo,
Tiresias, Dionisos, Antino, soldados y
sátiros.

63. LAS BACANTES –Ernest Bieler – (Suiza 1863 - 1948

64. Estructura argumental de la
obra:
En esta obra se propone una reivindicación de los valores
religiosos griegos, en tanto su estructura se acerca de
manera muy fiel a los antiguos rituales báquicos, de donde
se dice proviene la tragedia.
Su temática, que traspasa el límite de lo meramente
humano y político, nos presenta un universo metafísico,
que bien podría ser la sustentación misma de la tragedia,
que retorna a su forma más original y pura, sin perder el
ingenio que supone su misma evolución.

65. Penteo, en su afán individualizador y moralista, quebranta la
ley natural que es rendirle culto a Dionisio, y no solo eso, sino
que además su familia de la cual hace parte Dionisio, lo ha
negado como dios y ha injuriado la memoria de Sémele,
madre de Bromio. Es por eso que Dionisio infunde locura en
las mujeres de Tebas, la madre y las tías de Penteo, que en su
trance terminan por despedazar a Penteo. Esto no solo es el
castigo hacia el rey sino hacia toda su familia, que además
deberá vagar por tierras extranjeras, fuera de la ciudad que
han fundado.

66. Al final, a manera de profecía, todo el mundo deberáAl final, a manera de profecía, todo el mundo deberá
danzar en el coro, embriagados o poseídos por el jubilodanzar en el coro, embriagados o poseídos por el jubilo
de Dionisio, destruyendo así el orden civilizado. Penteode Dionisio, destruyendo así el orden civilizado. Penteo
muere y con él muere la pretensión individualista de lamuere y con él muere la pretensión individualista de la
razónrazón

69. TRAGEDIA E IMITACIÓN:
Platón (427 – 347 a C) examinó formas del arte como la
tragedia, al igual que la escultura, la pintura, la
cerámica, la arquitectura, no como “arte”, sino como
habilidad artesana. Los consideraba como ejemplos de
“mimesis” o imitación.
Criticaba todas las imitaciones, incluyendo las tragedias,
por no describir las realidades ideales eternas: “Formas”
o “Ideas”.
La tragedia confundía al público acerca de los valores: si
los personajes buenos experimentan trágicos fracasos,
esto nos enseña que la virtud no siempre es
recompensada.

70. Aristóteles (384 – 322 a C) defendió la tragedia en su
poética argumentando que la imitación es algo natural
que agrada a los seres humanos desde temprana edad
y de la que incluso aprenden. No creía que hubiera una
esfera aparte de Ideas, como Platón. Para Aristóteles,
la tragedia podría educar atrayendo a la mente, los
sentimientos y los sentidos de las personas. Si una
tragedia muestra como hace frente a la adversidad una
persona buena, genera una purificación o “catarsis” por
medio de las emociones del temor y la compasión.

71. Esquilo trata de glorificar el
espíritu de lucha griego que
intenta salvaguardar unos
valores legítimos, frente a los
ostentosos persas amantes de
la esclavitud cuya lucha no
tiene valor pues representan la
más ominosa servidumbre.

72. EL DRAMA SATÍRICO
De origen dorio, fue
introducido en Atenas a
principios del siglo V a C, en la
época en que Esquilo iniciaba
su carrera, y se incorporó al
programa dramático que pasó
a contar con una trilogía de
tragedias y un drama satírico,
convirtiéndose en una
tetralogía.
El único drama completo es El
Cíclope de Eurípides. Existen
importantes fragmentos de los
Tiradores de red y los
Espectadores del Istmo de
Esquilo, y de Los Sabuesos de
Sófocles.

73. Su estructura técnica – con coros, monólogos, partes
dialogadas – no difería mucho de la tragedia; pero su
espíritu era poderosamente bufonesco.
En la representación cuentan los gestos, la danza y en la
composición del Coro, integrado obligatoriamente por
sátiros, conducidos por su jefe y padre, Sileno; de donde,
en Atenas, se le conoce también con la denominación de
Drama silénico.

74. Por su fondo y su forma,
se podría considerar como
una tragedia divertida en
la que el Coro de sátiros
sería el componente
básico y esencial.
Como Dionisos, a cuyo
cortejo pertenecen, los
sátiros personifican las
fuerzas de la naturaleza,
particularmente las
fuerzas; de ahí que hayan
pasado a la posteridad
como símbolo de la
pulsiones eróticas que
anidan en el hombre y en
los animales.

75. La Comedia nace del instinto
de imitación y de la práctica
popular de la caricaturización
y la burla.
Desde los primeros tiempos
de la antigua Grecia,
existieron los bufones
errantes que divertían a la
plebe. Los más famosos eran
llamados Fliacas, que
recorrían los pueblos en
carromatos y recitaban sobre
un tablado de madera, con
máscaras y vestimenta festiva,
con un enorme vientre y un
gran falo.
LA COMEDIA

76. Los principales tratados eran:
escenas cotidiana de la gente más
humilde, donde no pocas veces
incluían la presencia de dioses y
héroes; las necesidades físicas del
hombre y su insatisfacción.
De estas situaciones surge la
caricatura del hambriento, del
ebrio, del dormilón, del hombre
viejo, sus lamentos, sus males y sus
lamentos propios de la vejez
(enfermedades, incapacidad sexual,
etc.)
También plantean la lucha
constante por la existencia entre
opuestos: charlatán-crédulo;
ciudadano astuto-campesino
rústico; parásito-ignorante, etc.

77. La Comedia como género es también, como el drama
satírico, una composición risueña, para más vasta, y con un
tema no mitológico, sino vinculado a la contemporaneidad
del autor.
En cuanto a su estructura, el primer episodio – llamado
Agón o Combate - consiste obligadamente en una escena de
disputa de la que saldrá triunfante el actor que representa
las ideas del poeta.
Las comedias más antiguas constaban de soliloquios,
diálogos y coros; y estaban divididas en la mitad por un
canto especial (parábasis) donde los coreutas se quitaban
los mantos y las máscaras, se volvían a los espectadores y
avanzaban hacia ellos y cantaban.

78. Se cree que el primer
comediógrafo griego habría sido
EPICARMO (528?-428?) nacido en
la Magna Grecia – actual Sicilia – y
de su obra han llegado a nuestros
tiempos muchos títulos, pero
pocos fragmentos.
Sus comedias tocaban temas míticos (El Cíclope,
Las bacantes, Ulises náufrago, Los troyanos, etc.),
pero también fue el creador de varios de los tipos
de personajes ya nombrados. Escribió a su vez
varios textos para mimos.

79. Luego de su origen en la Magna Grecia, la comedia se
traslada al Ática hacia el siglo VI a C.
Allí la misma incorpora a su estructura elementos
religiosos y dionisíacos, entre ellos una adaptación de los
coros de los llamados ritos falofóricos o faloforias. En
estas ceremonias se portaban grandes falos en procesión,
como símbolos de fertilidad y se agregaban himnos en
honor a Dionisos donde los coreutas se burlaban de los
espectadores.
Gracias a este elemento cómicos, los poetas
comprendieron que era posible pasar del rito a la
comedia, así como se había pasado del Ditirambo a la
Tragedia.

80. PRINCIPALES REPRESENTANTES DE LA COMEDIA
ÁTICA GRIEGA
CRATINO - ¿500-421 a C? – Damajuana.
EUPOLIS – 446-411 a C – Los Aduladores,
La raza de oro.
FERÉCRATES - El Humano Heracles,
Desertores.
ARISTÓFANES – 444 – 380 a C – Las
nubes, La paz, Las avispas, Los pájaros,
Las ranas, las Tesmofórias.
Sus comedias son el único género
dramático de la época con una escena
única, sino múltiple, pues representaba
varios lugares a la vez (ciudad, campo,
cielo, infierno, etc.)

81. EL LUGAR DE LA ACCIÓN: EL «THEATRON»
Es de suponer que antes de la construcción de los teatros, los coros
ditirámbicos actuasen al aire libre, rodeados por los espectadores.
En la época clásica, el teatro fue de madera.
Posteriormente, se pensó en su ubicación en la confluencia de dos colinas
en cuyas laderas se situaba el auditorio o theatron (lugar para ver) al que
los romanos llamarán cavea (parte excavada).
En el siglo V antes de Cristo, el auditorio abrazaba unas (3/4) tres cuartas
partes del círculo de la orquesta.
En la parte baja de las colinas queda la orquestra, de forma circular,
rodeada de una balaustrada de piedra con un altar de Dionisos (timele) en
su parte central.

82. REPRESENTACIONES TEATRALES
EL EDIFICIO
• Al principio se construían en madera
y se desmontaban. Luego se
construyeron en piedra, en la falda
de una colina.
Las partes de un teatro griego son:
 ORQUESTRA: tenía forma circular.
El coro la utilizaba para su
representación que consistía en
declamar, cantar y bailar.
 PÁRODOS: entradas laterales
descubiertas que dan acceso a la
orquestra y a las gradas.
 SKENÉ: edificación situada detrás
de la orquestra que servía de telón
de fondo.
 PROSCENIO: plataforma sobre la
que actuaban los actores.
 KOILON: Hileras de gradas para los
espectadoes

86. Las Máscaras

87. Las máscaras representaban las facciones de los
distintos personajes. Las más primitivas estaban
hechas de corteza de árbol luego de cuero forrado con
tela y finalmente, de madera. Los creadores eran
verdaderos artesanos, la abertura de la boca era
grande y prolongada como un embudo hecho de cobre.
Este formato contribuía a aumentar el volumen de la
voz en escena.

89. La máscara opera la transmutación del actor en personaje o, mejor
dicho, la ocultación de la identidad real del actor para representar la
identidad del personaje a través de los rasgos reflejados en la
máscara.
Otras pueden ser también sus consecuencias:
* la de hacer coincidir al personaje con su carácter expresivo (cómico o
trágico tipificados);
* la de producir efectos de sobrecogimiento, particularmente en la
tragedia; porque al ir figurada en un casco que agranda las dimensiones
normales de la cabeza humana, hace más visible al personaje, al tiempo
que consigue que guarde las proporciones con su elevada estatura,
debido al uso de los coturnos;
* igualmente, según otros, su cavidad servía para ampliar la voz,
haciendo el papel de falso megáfono (pero esto no era necesario, dada
la buena acústica de los teatros);
* finalmente, permitía que un actor pudiese representar a varios
personajes con sólo cambiar de máscara.

91. Hubo varias clases de máscaras: cómicas,
trágicas y satíricas. Las primeras eran
ridículamente toscas, con los ojos bizcos, la boca
torcida y las mejillas desvencijadas. Las trágicas
eran notablemente grandes, tenían la mirada
furiosa, los cabellos erizados y las sienes o la
frente deformes. Las satíricas eran las más
fantásticas y representaban solamente figuras
extravagantes, tales como cíclopes, centauros,
faunos y sátiros.

92. Coturno
El coturno era un antiguo calzado alto de suela de corcho
o madera sujetos por cintas de cuero u otro material.
El coturno era utilizado en las representaciones de la
tragedia calzados por los actores, tenían la función de
proporcionar altura al actor que representaba
personajes nobles elevándolo por encima del coro y
equiparándolo a las grandes dimensiones de la
máscara, convirtiéndolo así en un personaje enorme.
De este modo, se acrecentaba también la impresión sobre
el público.

93. Coturnos

94. El Vestuario
Eran túnicas, cortas o medias (quitón o clámide) y
mantos. Jugaban con los colores a la hora de simbolizar,
así, los reyes iban de púrpura, los personajes de luto con
colores oscuros...
Usaban unas almohadillas para abultarse, de modo que se
guardara las proporciones con las máscaras y los
coturnos.
Además, usaban otros elementos como la corona en el
caso de los reyes, símbolo de su poder.
Por lo general, podemos decir que los trajes de los actores
no discernía demasiado de la moda ateniense

95. El Vestuario

96. El muro de la skene, que pudo en un principio aparecer desnudo, se
revistió más tarde con elementos colgantes.
Al principio, en el espacio escénico no debió figurar ningún lugar
extra escénico. Éste debía ser creado por la imaginación de los
espectadores siguiendo las indicaciones del texto.
En tiempo de Esquilo, el espacio escénico se integró en el
espectáculo para sugerir los lugares comunes de la acción (palacio,
fortaleza, bosque, lugar elevado), lo que se conseguía por medio de
un telón de fondo y de unos bastidores, llamados periactois,
colocados en los laterales del proscenio.
Los periactois podían incluso girar sobre sí mismos para presentar
en sus caras diferentes decorados a lo largo del espectáculo para
cambiar la “escena”.
DECORADO Y MAQUINARIA

97. Ya con Eurípides se disponía igualmente de:
* una plataforma móvil,
* de una polea en el techo de la skene para alzar por los aires a
los dioses,
* de plataformas elevadas para designar los lugares olímpicos,
* de terrazas,
* de escotillas,
* de escaleras por las que podían ascender los fantasmas de los
muertos.
Como utensilios necesarios para producir efectos sonoros y
visuales, los griegos disponían de placas que se golpeaban para
simular el ruido del trueno, mientras que con antorchas que se
agitaban para producir el resplandor de los relámpagos.