Arquitectura española de 1930 a 1990

 Josep Lluis Sert (trabaja en el
estudio de Le Corbusier en París)y
Fernando García Mercadal,
fundan en 1930 el GATEPAC
(Grupo de Artistas y Técnicos
Españoles para el Progreso de la
Arquitectura Contemporánea).
 La proclamación de la Segunda
República y el Congreso celebrado
en Barcelona en 1932, al que
acuden W. Gropius, Le Corbusier,
S. Giedion, J.L. Sert y García
Mercadal, crearon un ambiente
favorable a la innovación
arquitectónica.

J.M. Aizpurúa y J.
Labayen edifican el
Club Náutico de San
Sebastián.
 J. L. Sert y J. Torres-
Clavé: Dispensario
Central Antituberculoso
de Barcelona.
 E. Torroja levanta la
tribuna del Hipódromo
de la Zarzuela en 1935
en Madrid.

Club Naútico de San Sebastián. J.M. Aizpurúa y J. Labayen, 1929-1930
 Reforma y ampliación del antiguo Real Club Náutico.
 Siguen el estilo barco de Le Corbusier.
 Distribuyen racionalmente las diferentes dependencias (cuartos
de bañistas, vestíbulo, restaurante, terraza, biblioteca) sobre pilotis,
organizando el espacio libremente abriendo amplias ventanas
continuas por donde se divisa el mar.

Club Naútico de San Sebastián. J.M. Aizpurúa y J. Labayen, 1929-1930

J. L. Sert y J. Torres-Clavé
Dispensario Central Antituberculoso de Barcelona. (1934-1938)
 Es un encargo en 1934, dentro de un programa de socialización hospitalaria y
de lucha contra la tuberculosis.
En la obra colaboran Sert, Subirana y Torres Clavé.
 Aplican un modelo de arquitectura higiénica y soleada, racional y funcional.
 Son tres bloques en un solo cuerpo de cuatro plantas, cada una con una
función: portería, dispensario, administración y sala de conferencias.
 Las habitaciones ventiladas, se articulan en un corredor en L, también ventilado
e iluminado.

J. L. Sert y J. Torres-Clavé
Dispensario Central Antituberculoso de Barcelona. (1934-1938)

E. Torroja
Tribuna del Hipódromo de la Zarzuela . Madrid, 1935.
 La tribuna sobresale por su sistema de cubierta, de hormigón armado,
con bóveda en voladizo sujeta a anclajes situados detrás de los montantes.

E. Torroja
Tribuna del Hipódromo de la Zarzuela . Madrid, 1935.

Tras la Guerra Civil, la arquitectura española queda
condicionada por la política franquista y la escasez de medios.
 Sus referentes formales y estéticos son los de la época del
Imperio de los Austrias, siendo el ejemplo más representativo el
Ministerio del Aire en Madrid.
 Ministerio del Aire (1942-1957), Luis Gutiérrez de Soto, que
recuerda a El Escorial.

Universidad Laboral de Gijón (1946-1950) de Luis de Moya,
Ramiro de Moya y Pedro Rodríguez, que destaca por su
monumentalidad y eclecticismo.
 Valle de los Caídos en Madrid, de P. Muguruza y D. Mendez,
mantiene este mismo estilo oficialista.

Ministerio del Aire (1942-1957) , Luis Gutiérrez de Soto.

Universidad Laboral de Gijón (1946-1950) de Luis de Moya, Ramiro de Moya y
Pedro Rodríguez

Valle de los Caídos, Madrid de P. Muguruza y D. Mendez.

La firma de los Pactos con EEUU en 1953 y el ingreso de España
en la ONU favorecen los viajes al exterior y el conocimiento de la
obra de los grandes arquitectos: la Corbusier, Wright, A. Aalto,
Mies van der Rohe, etc.
 Ahora destaca Miguel Fisac, que trata de conciliar en sus
obras las características de la arquitectura orgánica con lo
vernáculo. Sobresale en su producción la iglesia de los Dominicos
de Valladolid (1954) y la del Teologado de San Pedro Mártir de
Alcobendas.

Iglesia del Colegio Apostólico de los Dominicos de Valladolid (1954 ) Miguel
Fisac.

Teologado de San Pedro Mártir de Alcobendas. (1955). Miguel Fisac.

En 1985, los habitantes de la pequeña localidad zamorana de
Pumarejo de Tera sedujeron a Miguel Fisac, para realizar de modo
altruista un proyecto en el que participan todos los vecinos.
 El trabajo se realiza por el método de la facendera, ejemplo de
la organización de un pueblo para la consecución de un objetivo
común.
 En tan sólo 73 días levantaron el templo.

Miguel Fisac, rompe los cánones racionalistas y se sumerge en el
tiempo respetando el concepto de espacio natural.
 Con la construcción de esta pequeña iglesia rural, alcanzó como
en ninguna otra de sus obras religiosas, lo que él denominaba
«humanización de la arquitectura».
 El templo se asienta sobre la traza de la antigua iglesia,
integrándose en la arquitectura local..

Facendera, (1984) (imágenes)

La Pagoda. Laboratorios JORBA. (1965-70). Miguel Fisac.
 Fue construido para albergar la
producción, el almacenaje y las
dependencias administrativas de los
Laboratorios Farmacéuticos Jorba.
 La estructura de las cubiertas de esta
parte del edificio consistía en el uso de
un modelo de viga patentado por el
mismo Miguel Fisac. El sistema consistía
en piezas de hormigón prefabricadas
que se montaban en obra y se tensaban
después. La apariencia resultante es la
de una losa nervada, «vigas hueso».
 La falta de interés y la negligencia por
parte de las administraciones públicas
locales hicieron posible que en 1999 una
operación inmobiliaria provocara su
derribo.

MOVIMIENTO POSTMODERNOMOVIMIENTO POSTMODERNO
• Al final de los años 60 del siglo XX se recrudecen los ataques al Movimiento Moderno; al
“menos es más” de Mies se opone “menos es aburrido” ; a su vez por aquellos años surge
el Pop art, paradigma de la cultura de masas.
• El término Postmoderno fue utilizado por primera vez en 1975, para proclamar la muerte
de la Modernidad.
• El Postmodernismo se basa en un acercamiento a los hábitos arquitectónicos históricos.
Reflexiona sobre otras arquitecturas, que reinterpreta gracias a las últimas tecnologías.
• Usa las formas arquitectónicas históricas reelaboradas y planteadas de forma
sorprendente.
• Devuelve el protagonismo a las fachadas y la convierte en una especie de cartel
publicitario.
• Potencia el ornamento, que recupera su función expresiva y simbólica. La decoración
toma, de forma indiscriminada y aleatoria, todo tipo de elementos.
• Concibe el espacio de fuera adentro.

MOVIMIENTO POSTMODERNO. R. Bofill: Espaces d’Abraxes. 1980-84.
Ricardo Bofill en Marne-la-Vallée, intentó recrear un
“nuevo Versalles” en los Espaces (Theâtre, Palacio y Arc))
que forman un teatro con geometría griega, un palacio
con planta en forma de C y un arco compuesto a partir
de las piezas de los otros dos edificios.
Son un “monumento habitado”, formado por 591
viviendas y varios espacio públicos.
La zona central, recubierta de césped, recuerda un
teatro al aire libre.

Las fachadas de las viviendas emulan columnas monumentales de más de 10
plantas, que se dividen en basa, fuste acanalado y capitel.
Bofill recupera el repertorio formal del clasicismo y lo utiliza de forma
ecléctica, aplicado a las estructuras de hormigón y a los prefabricados, y
organizando sistemas compositivos monumentales.

MOVIMIENTO POSTMODERNO. Sáenz de Oiza.
Torres Blancas, Madrid 1965.

MOVIMIENTO POSTMODERNO. R. Moneo. Museo de Mérida
• Rafael Moneo firma esta obra entre 1980 y
1986. En el año 1996 obtiene el Premio
Pritzker.
• Se decantó por el Clasicismo en las
referencias históricas , y por la
Modernidad en su materialización.
• El edificio, planteado como una gran nave
basilical con bóveda de cañón, exhibe un
ambiente romanizado. El ladrillo de la obra
armoniza con la sobriedad de las piezas
expuestas.
• Las “naves laterales” se dividen en
secciones transversales, coronadas por
altos lucernarios; sus muros llevan
colosales arcos de medio punto,
atravesados por una doble galería de
pasarelas que cruzan arcos escarzanos.

MOVIMIENTO POSTMODERNO. R. Moneo. Museo de Mérida

MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava.
• PUENTE DEL ALAMILLO, SEVILLA

Museo de las Ciencias y Planetario de la Ciudad de las Artes y lasMuseo de las Ciencias y Planetario de la Ciudad de las Artes y las
Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.
Planetario
 Calatrava diseña estructuras de plasticidad escultórica que entroncan con
Gaudí, Nervi y Utzon
 Trabaja con la geometría y la experimentación tecnológica.
 Se sirve del movimiento, la ligereza, el uso poco ortodoxo de los materiales
constructivos y de las formas orgánicas, especialmente zoomórficas, para
potenciar la expresividad de las formas.
Museo de las Ciencias Príncipe Felipe.

MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava.
Palacio de las Artes Reina Sofia, 2007.

Museo de las Ciencias de la Ciudad de las Artes yMuseo de las Ciencias de la Ciudad de las Artes y
las Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.las Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.
 El Museo, de planta rectangular, se construye a partir de la repetición de un módulo
estructural.
 En el interior, cinco grandes árboles de hormigón se ramifican para sustentar la
exuberante cubierta tubular. También contribuye a sostenerla la fachada sur, opaca,
formada por una celosía de hormigón armado que parece recrear pináculos, agujas y

Museo de las Ciencias de la Ciudad de las Artes yMuseo de las Ciencias de la Ciudad de las Artes y
las Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.las Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.
Planetario
La fachada norte, es una impactante cortina acristalada y transparente que, al igual que
la opaca meridional, fue diseñada en función de las actividades que se desarrollan.
 El espacio interior se organiza a partir de una singular estructura de plataformas
suspendidas.
 El color blanco del hormigón armado y el “trencadís” gaudiano crean contrastes con el
azul del cielo y del agua.

MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava. Valencia.MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava. Valencia.
Museo de la Ciudad de las Artes y las Ciencias.Museo de las Ciencias Príncipe Felipe.

El Planetario adquiere la forma de un ojo al reflejarse en el agua.
 La pupila es la cúpula hemisférica de hormigón; los párpados, los arcos
sustentantes; y las pestañas, las rejas móviles acristaladas.

Museo de las Ciencias y Planetario de la Ciudad de las Artes y lasMuseo de las Ciencias y Planetario de la Ciudad de las Artes y las
Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.
Planetario

MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava. Valencia.MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava. Valencia.
Auditorio de la Ciudad de las Artes y las Ciencias.

Panorámica de la Ciudad de las Artes y las Ciencias. Valencia.

Picasso
•Etapa de aprendizaje 1896-1901

Época AZUL.
Valor simbólico del AZUL.
En 1888, Rubén Darío publica Azul.
Denuncia de la miseria humana.
Representa mendigos, mujeres mayores,
ciegos, . . .
Importancia del dibujo, es una pintura en
huesos.
Alargamiento de las figuras por influencia de
El Greco.

 La Celestina.
 mira con su terrorífico ojo ciego.

 El guitarrista ciego.
Con un dibujo nervioso,
es una figura grequina
dominada por el
hambre.
 Melancólico dominado
por el azul.

En El viejo judío, Mendigos a orillas del mar
y La vida, el pintor nos muestra la
pobreza.

La época Rosa (1904-07)
 El color rosa se combina el azul.
Las formas son más graciosas y llenas.
Los rostros son más sosegados.
En un principio insiste en el tema de los
arlequines.

 La planchadora.
 Familia de arlequín.

 Arlequín.
 La Maternidad.

 Paulo.
 Familia de acróbatas.

La época cubista.
 En 1906 conoce a Matisse y su obra.
 Influencia del arte ibérico y de la escultura
negra.
 Influencia de la pintura románica catalana.
 Impacto de la obra de Cézanne.

Las señoritas de la calle Avinyó.

Las señoritas de la calle Avinyó, 1907.
Este cuadro, oleo sobre lienzo de 1907,
marca el comienzo del nuevo lenguaje
cubista, que desarrollaron después Picasso y
Braque en un proceso continuo de
comunicación.
La escena representada se desarrolla en un
prostíbulo de la calle barcelonesa de Avinyó.
Los cuerpos de las mujeres tienen unas
carnaciones de un tono rosado casi uniforme,
como el de las obras que estaba realizando
entonces (etapa rosa).
Pero Picasso no pretende mostrar en esta
obra la apariencia real, sino la verdad
intelectual (lo que pensamos sobre algo, no
cómo lo vemos). Y aprovecha para rendir
homenaje al arte que más le interesa en este
momento:
La escultura ibérica, cuya influencia se
aprecia en las tres figuras de la izquierda.
El año anterior se habían expuesto en el
Louvre las esculturas ibéricas de Osuna y
la Dama de Elche, descubierta ocho años
antes.

La escultura africana, que deja la
impronta en las dos figuras de la derecha,
cuyos rostros nos recuerdan las máscaras
de ese arte primitivo que tanta admiración
estaba despertando en las nuevas
generaciones futuras.
La pintura románica catalana,
apreciable en el hieratismo, el tratamiento
de los ojos y las tintas planas.
Los cuadros de El Greco, con su canon
alargado de cuerpos y rostros.
La pintura de Cezanne, por la
geometrización de las formas.
La obra es, por tanto, una reflexión
intelectual sobre el arte, que prescinde por
completo de los incuestionables preceptos
renacentistas: perspectiva para representar la
profundidad espacial, luz y color como
instrumentos de creación de volumen,
imitación fidedigna de la apariencia real. Por el
contrario, las figuras se descomponen y
fragmentan en multitud de planos, que
corresponden a puntos de vista diversos, es
especial las dos mujeres de la derecha.

Dibujos preparatorios de las Señoritas de la calle Avinyó.

Las Señoritas de la calle Avinyó.

Desnudo con una toalla,
representa la fase de
transformación impulsada
por el arte negro.

El cubismo había sentado el principio de que la visión
del ojo es incompleta y, por tanto, era necesario
perfeccionarla con lo que conocemos sobre el objeto
representado.
Esto obligaba a hacer un “análisis” (separación) de los
diferentes elementos que constituyen el motivo y,
mediante un ejercicio de abstracción, reconstruirlo
mentalmente. Por eso a esta primera fase se denomina
cubismo analítico:
Uno de los mejores ejemplos es el retrato del
marchante de arte Ambroise Vollard, pintado en 1911:
En motivo se somete a una fragmentación en
una infinitud de planos, que corresponden a
puntos de vista y momentos diferentes, hasta el
punto de que a veces resulta difícil reconocerlo.
Como lo que interesa es la estructura formal, el
predominio de la línea es absoluto.
El color, en cambio, pierde importancia y se
reduce a una gama limitada, con ligeras
variaciones tonales.
La perspectiva y la profundidad desaparecen
por completo.
Retrato deAmbroise Vollard, 1911.

Autorretrato. Retrato de Daniel-Henry. La disección de las
formas dejan percibir las formas de los retratados.

La Fábrica de Horta . Se inspira en los paisajes de
Cézanne. Chimenea, casas y palmeras.

La metamorfosis (fase surrealista)
• Mujer sentada al borde
del mar.
• Marca su camino hacia los
presupuestos del
expresionismo. Hasta
1929 se basa en curvas y
elipses. A partir de
entonces la figura humana
es de trazos angulosos,
reflejando un espíritu
atormentado.

La metamorfosis. La Guerra Civil aumenta la tensión
dolorosa de su pintura.
El Guernica
• Dibujos preparatorios.

El Guernica: proceso de creación.

 Moralmente, la importancia del Guernica reside en que la voluntad popular lo hizo suyo de
inmediato y le confirió el carácter universal.
 Para Picasso fue una muestra de su implicación política y de su creencia en el compromiso de la
pintura con el devenir histórico.
 Se trata de un manifiesto artístico de las vanguardias, planteado con la máxima depuración: pocos
elementos, escasos colores y una fortísima carga expresiva.
 Cuenta Henry Moore de una visita al taller de Picasso mientras pintaba esta obra: “Recuerda a la
mujer que llega corriendo desde la cabina de la derecha con una mano levantada delante de ella? Bien,
Picasso nos dijo que allí faltaba algo, se marchó, cogió un rollo de papel y lo pego en la mano de la
mujer, como para decir que había sido sorprendida en el cuarto de baño cuando cayeron las bombas”.
Guernica. Pablo Ruiz Picasso.
1937. Cubismo, Surrealismo, Expresionismo. Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía.

Guernica. Pablo Ruiz Picasso
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La composición es innovadora porque plantea una pintura de batalla a partir de tan sólo nueve
personajes, con una estructura de pirámide luminosa central, compensada por dos ejes verticales a
ambos lados del lienzo.
 La pirámide refleja las conquistas espaciales del cubismo. Tiene su vértice en el centro de la
composición, en el (1) de la mujer que se asoma a la ventana, cuya luz irreal “ilumina” el caballo
agonizante (2) con la lanza clavada en el costado, el guerrero descuartizado (3) a sus pies, y la figura
femenina (4), semidesnuda, que avanza desde la izquierda. En la semipenumbra queda un pájaro (5),
herido, atrapado entre la mesa y el techo. El eje izquierdo integra el toro (6) y la maternidad (7); y el
derecho, la mujer atrapada en el incendio (8). La escenografía se reduce a las edificaciones, un suelo
de baldosas, una mesa . . . El conjunto genera un espacio angustioso, acentuado por el tamaño de los
personajes en relación con la arquitectura.

Guernica. Pablo Ruiz Picasso
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El Guernica no puede ser adscrito a un estilo, sino que se erige como un compendio de la vanguardia
artística de la primera mitad del siglo XX.
 Picasso utilizó el Cubismo al servicio de los desdoblamientos y distorsiones espacio-temporales del
onirismo Surrealista, y de la fuerza dramática del Expresionismo.
Algunos personajes tienen un marcado carácter enigmático: el caballo agonizante (2), que lanza un
grito al cielo y tiene una gran herida vertical (¿el pueblo?); el guerrero muerto (3), con una lanza en la
mano (que en la última versión sumó una flor, ¿la esperanza nunca perdida?); el toro (6), de aspecto
orgulloso y desafiante, el único que no expresa dolor por la tragedia (representa ¿el poder fascista? O
¿la esencia invencible del pueblo?; la mujer que “ilumina” (9) desde la ventana (¿irradia esperanza?).
Picasso nunca dio, de palabra, una interpretación definitiva.
 El cuadro tuvo un gran impacto como denuncia de los horrores de la guerra. Su atemporalidad le dio
universalidad, y la historia lo ha convertido en una dolorosa alegoría, premonición de la Segunda
Guerra Mundial.

Contenido
El 26 de abril de 1937, los aviones alemanes bombardearon la ciudad de
Guernica, habitada casi exclusivamente por mujeres, niños y ancianos (los
hombres estaban en el frente), protagonizando la primera gran masacre de civiles
de la época contemporánea.
Aunque el lienzo le fue encargado en enero, no tuvo claro el tema hasta que, en
abril, quedó impresionado por la brutalidad del bombardeo y creyó que aquella
terrible ruptura de las leyes de la guerra requería una llamada desesperada a la
acción internacional.
En menos de dos meses terminó la obra tras haber realizado siete versiones del
cuadro y un centenar de estudios.
Emplazado en el pabellón de la República Española en la Exposición Universal de
París, convirtiéndose en un auténtico “grito “proferido desde la pared.

Mujer que llora. Rostros desgarradores.

Cráneo de Buey, 1942.
El símbolo de la MUERTE.

La segunda postguerra hace que Picasso llene sus telas de
palomas, temas pastoriles, mar, . . .

En los años 50 la guerra de Corea inicia una nueva fase
expresionista.
Siguiendo a Goya en El fusilamiento del 3 de mayo,

A Manet, en el Fusilamiento de Maximiliano.

Picasso ejecuta La matanza de Corea.

Le seguirá la serie sobre Las Meninas del Museo
Picasso de Barcelona.

La alegría de la VIDA Y LA PAZ.

Salvador Dalí, (1904-1989)
 Inconformista y provocador.
 Se alista en la tendencia surrealista en París en 1929.
 Utiliza un lenguaje oral-poético y narrativo-cinematográfico.
 Pintura de excepcionales calidades plásticas.
 Dibujo influenciado por el Renacimiento y el Barroco.
 Luz limpia y transparente, que según J. Pla es la del Alto Ampurdán.

La persistencia de la memoria, 1931.
Las formas se alargan, resultando de apariencia equívoca.

 Trabajo de juventud,
donde la corrección del
dibujo, la composición y
del color dan muestra
de una obra maestra.
Muchacha en la ventana, 1925.

La persistencia de la memoria. Dalí.
Es la obra conocida como La persistencia de la memoria o Los relojes blandos,
pintada por Dalí en 1931. Salvador Dalí (1904-1989), es uno de los pintores más
conocidos del movimiento surrealista.
Tiene unas dimensiones reducidas, 24 x 33 cms.
Se trata de un óleo sobre lienzo que se custodia en The Museum of Modern Art
(MOMA) de Nueva York.
Es una pintura perteneciente al Surrealismo figurativo, que utiliza una técnica casi
fotográfica para imitar la realidad.

 Dalí representa un escenario onírico compuesto de elementos reales y extraños:
un paisaje costero y rocoso, una figura amorfa tumbada en la playa, una mesa o
pedestal, un pequeño árbol seco, un reloj cubierto de hormigas, otros tres de formas
extravagantes por su naturaleza blanda (como el queso camembert según palabras
de Dalí) y una mosca posada sobre uno de ellos.

La composición está muy estudiada. Domina la línea horizontal del mar al
fondo encuadrado por la luz, que divide el cuadro en dos tramos desiguales pero
armoniosos. Se complementa con la horizontal de la rama seca del árbol, que con
su tronco marca a la izquierda una vertical que equilibra la composición. Emplea
Dalí dos diagonales (mesa, cabeza) y las curvas (relojes, cabeza). Los tonos cálidos
nos acercan las formas, mientras los fríos las alejan. Utiliza una perspectiva
tradicional, pero el espacio conseguido parece extraño. El punto de vista del
espectador es alto, aunque no en todos los objetos.

 La luz juega un gran
papel. El cuadro se divide
en dos partes no simétricas:
una tenebrista, en primer
término, con un foco de luz
a la derecha que ilumina
suavemente los objetos,
proyectando sus sombras
que se recortan en el
espacio; y la otra, muy
iluminada, al fondo, con
una luz blanca, que parece
irreal.
Los objetos están
representados con gran
exactitud y detallismo, sin
embargo sus dimensiones
no son reales. Es de líneas
puras y muy académico.
Dalí manejó la línea de
manera magistral.

 El volumen y las sombras se consiguen a base
de pinceladas pequeñas y muy finas. Consigue
un efecto de profundidad gracias a la diagonal
de las mesas.
Obra perteneciente al surrealismo, en su
método paranoico-crítico. Esta vanguardia
aparece en 1924 tras el Primer Manifiesto
Surrealista de André Breton. Inicialmente fue
literaria, pero que con el devenir afectó a todas
las artes.
 Representa un paisaje onírico, pero reproduciendo el paisaje de la bahía rocosa
de Port Lligart, estableciendo un vínculo entre el autor y el entorno. En la playa, al
anochecer, se representan una serie de elementos que provocan asombro en el
espectador. En el centro destaca una extraña figura que parece una cabeza con una
enorme nariz y larga lengua que parece surgir de una cabeza sin boca. Su cuello se
pierde en la arena. Parece dormir plácidamente, pues vemos cerrado su único ojo
con grandes pestañas. La cabeza es, sin duda, un autorretrato del pintor,
muy similar al que podemos ver en “El gran masturbador”, obra de 1929.

 La cabeza ,tiene encima un reloj blando de bolsillo; a la izquierda sobre una especie
de mesa, aparecen otros dos relojes: uno de consistencia normal parece devorado por
las hormigas; el otro blando y alabeado, con una mosca encima, marca casi las siete, y
se escurre por el borde. Sobre la mesa nace un árbol, roto y seco, con una sola rama de
la que cuelga otro reloj blando. Al fondo, vemos una cala recortada por un acantilado
rocoso, fuertemente iluminado. El mar se confunde con el cielo cubierto de nubes.
Evoca, en clave surrealista, el devenir, la putrefacción y la muerte (los relojes, los
insectos, el árbol); pero también la idea de permanencia (las rocas). La contraposición
entre lo duro y lo blando, aparte de las connotaciones sexuales que encierra, alude a la
relación entre el espacio y el tiempo.

Premoniciones de la Guerra Civil.
 Alargamiento , espacio
vacío y opresivo.

Leda Atómica.
 En esta obra es grandiosamente
barroco.
 El sentido del espacio y de la
composición clásico

Dalí de espaldas pintando a Gala.

La religión en Dalí
Cristo de San Juan de la Cruz, 1951.

Las tentaciones de San Antonio, 1946.

 En el cuadro se muestra a san Antonio Abad en un desierto, arrodillado y
sosteniendo una cruz hecha con dos varitas para protegerse de las tentaciones que
lo atacan, con el antiguo gesto del exorcismo. Estas son representadas por un
caballo y una fila de elefantes, todos estos con sus patas alargadas de forma
grotesca y cada uno cargando con una tentación.

El cuadro describe literalmente las tentaciones a las que el hombre
normalmente cae:
 Triunfo, representado con el caballo, el cual tiene sus pezuñas desgastadas y
llenas de polvo. Este animal recuerda a los jumentos esqueléticos de los primeros
cuadros surrealistas del autor.
 Sexo, representado por la mujer sobre el primer elefante.
 Oro y riquezas, representados por los dos elefantes sobre los que hay una
pirámide y una casa de oro y dentro de esta última, un busto de mujer lo aguarda.
Más atrás, otro elefante carga un altísimo monolito sobre su espalda. Detrás de
este y sobre las nubes, hay un castillo.

 En el paisaje desértico, dos
hombres discuten y al fondo, un
hombre lleva de la mano a su hijo.
Este último par de personajes
también es representado en Vestigios
atávicos después de la lluvia.
Un ángel blanco vuela sobre el
desierto.
 Después de la segunda guerra
mundial, Dalí se convirtió, por su
propia cuenta, al misticismo. El
principio de la era atómica influenció
fuertemente su pensamiento y
condujo a una espiritualidad fuerte
en sus pinturas que le hizo apreciar
para el arte clásico de la pintura. La
tentación de San Antonio se originó
para un cartel de una película.
Demuestra el misticismo nuclear de
Dalí en toda su fuerza.

Un San Antonio desnudo guarda de un
caballo espantoso, que estando apoyado en
patas tan finas, desafía las leyes de la
gravedad. El Santo intenta no ser seducido
por las tentaciones terrenales, simbolizado
por el caballo como símbolo de la energía,
seguido casi flotando por elefantes
continuando con símbolos al fondo, de la
lujuria y de la avaricia.
 Aquí Dalí ensambla con el tema de un
pintor clásico, que ya fuera utilizado por los
pintores Bosco y Bruegel, precursores
surrealistas de Dalí. Dalí, dejó el acto
espantoso de las tentaciones en un mundo
enajenante entre el cielo y la tierra. Sin
embargo, esta "levitación" reaparecerá más
adelante con frecuencia como tema en su
trabajo.

Cristo de San Juan de la Cruz. Dalí, 1959.
Óleo sobre lienzo, Art Gallery, Glasgow.
Posiblemente el cuadro más famoso y difundido de Dalí.
Curiosamente la posición del Cristo no es idea original del
pintor, se basó en un cuadro conservado en el Monasterio
de la Encarnación de Ávila, realizado por San Juan de la
Cruz.
Pertenece a su época mística-clásica que comenzó en
los años 40 y que ha sido criticada por numerosos
entendidos acusándola de comercial. Realmente son
pinturas con un domino absoluto del dibujo, muy
trabajadas y con composiciones espléndidas. Picasso
comentó en esta época de Dalí "...el último pintor
renacentista que le queda al mundo..", una opinión que
compartimos y valoramos.
Además del Jesucristo crucificado, incluye un paisaje de
Port-Lligat tan dibujado y estudiado anteriormente, y un
espacio casi infinito. El Cristo en sí esta incluido en una
perspectiva basada en la Ley renacentista de la Divina
Proporción. Esta situación, la eliminación de cualquier
elemento dramático -sangre, heridas, dolor-, y la
plasmación de la serenidad, hace que el Cristo proyecte su
presencia sobre toda la tierra.

En El Retrato de Mae West, hace coincidir los rasgos faciales con el
mobiliario del salón

El mercado de esclavos, 1940.
 Aparece el busto de Voltaire.
 Los ojos del busto de Voltaire, son los sombreros de las mujeres holandesas.
 La ventana es su cabeza.
 Utiliza el cuerpo de la mujer sin ropa para representar la pobreza.

En el descubrimiento de América por Cristóbal Colón, (1959).
Gala aparece como una santa en el estandarte.
Rinde homenaje al arte pompier.

En La pesca del atún, rinde homenaje al arte pompier.

El gran masturbador, 1929. Óleo sobre lienzo, 1,1 x 1,5 m (MNCA Reina Sofía, Madrid).
COMPOSICIÓN
oEn el verano de 1929, Dalí conoce a Gala.
o La presencia opresiva de su padre y sus temores ante el sexo se diluyen y dejan
paso a un arista de éxito en París. Su amante, Gala le dará confianza.
oEn este lienzo Dalí utilizó una pincelada precisa y colores luminosos y brillantes.

COMPOSICIÓN
oEn la parte central del cuadro se halla una cabeza gigante, con un ojo cerrado y
una prominente nariz, apoyada en el suelo. En el lugar de la boca, aparece una
gran langosta con el vientre plagado de hormigas.
oDetalles: las plumas de colores que surgen a manera de pestañas, las piedras
que se alzan sobre la cabeza y el anzuelo que se aferra a la cabeza
El gran masturbador, 1929. Óleo sobre lienzo, 1,1 x 1,5 m (MNCA Reina Sofía, Madrid).

o A la altura del hipotético cuello surge una cabeza de león con una prominente
lengua.
oMas arriba, una mujer arrima la cara a los genitales de un varón.
o En la playa se observan dos grupos humanos, un hombre abraza una roca con
apariencia femenina; en la izquierda, un joven proyecta su sombra sobre diminutas
figuras, un padre y su hijo.

CONTENIDO.
oEsta pintura nos remite, en clave surrealista, al encuentro del artista con Gala y
a sus propias obsesiones sexuales. Es fruto de la pasión erótica que Gala
despertó en Dalí. Su infancia y la omnipresencia paterna también son
imprescindibles para entender esta obra.
o La figura central del cuadro es en autorretrato del pintor.
o Símbolos sexuales frecuentes: la lengua de la cabeza de león a modo de pene;
la mujer que acerca su boca a los genitales de un varón; el lirio, símbolo de
pureza, es decir, de la masturbación como única forma pura de actividad sexual,
puesto que para Dalí cualquier otra relación sexual implicaba una situación
donde un ser humano devora a otro.

CONTENIDO.
o La langosta, animal que causaba horror al pintor y que evoca a la mantis
religiosa y a su carga erótico-caníbal con respecto al macho, en este caso él
mismo, encarnado en el rostro central.
o Las hormigas concentradas en el vientre de la langosta.
o Las figuras que se abrazan rememoran su relación con Gala y sus paseos por la
playa. La soledad que provoca esta ensoñación está sugerida por la figura
solitaria y la sombra que proyecta sobre unos pequeñísimos padre e hijo, que
nos llevan a la infancia del pintor.

CONTENIDO.
o El anzuelo con la cuerda rota recuerda la ausencia de Gala pero, también, los
intentos de su familia por retenerle.
o Las plumas de colores son referencias a su infancia, mientras que las piedras
que reposan encima de la cabeza serían manzanas petrificadas que remitirían a
la de Guillermo Tell y que simbolizarían la sumisión del hijo respecto al padre.

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada.

SURREALISMO. J. MIRÓ
Es uno de los máximos exponentes del
surrealismo.
Sus orígenes fueron fauvistas, cubistas
y dadaístas. En 1920 y desde París
evolucionó hacia el surrealismo.
Aportó una visión de su inconsciente
mágico y lírico, de gran fantasía.
Fondos blancos o azules y una gama de
colores brillantes.
Gran muralista y escultor.

Interior holandés, 1928. MiróEs una reinterpretación en clave
irónica de El tocador de laúd de
Sorgh (siglo XVII).
La escena transcurre en una
habitación con una particular
estructura tridimensional,
determinada por tres grandes franjas
de color
Aparece el laúd, el músico, el
perro, el gato bajo la mesa, la
ventana, el cuadro y la mujer sobre
la mesa.
Utiliza colores puros, planos y muy
brillantes.
El azul, amarillo, rojo y blanco para
crear las figuras, sobre un fondo
indefinido.

Esta pintura le fue inspirada por los “terribles delirios del hambre”.
Mezcla objetos reales con otros inventados. Objetos que parecen
flotar en el espacio.
A través de la ventana abierta se ve el paisaje “mironiano”, con su
cielo azul y su estrella.
Su gusto por combinar formas y colores ha influido mucho en el
diseño actual.
El Carnaval del Arlequín,1925 . Miró

El jardín, 1928.Perro bajo el sol

ESCULTURA ESPAÑOLA.
En la primera mitad del siglo XX, la escultura española
se renueva, gracias al poder expresivo de las formas y
el interés por los nuevos lenguajes, materiales y las
nuevas técnicas.

Julio González (1876-1942)
Julio González revolucionó la
escultura con la técnica del hierro
soldado.
Entre sus obras podemos destacar
Monterrat, figura dramática que
presentó a La Exposición Universal de
París de 1937 junto al Guernica de
Picasso, con su grito de rabia esta
mujer del pueblo representa la lucha
y resistencia antifascista, y Mujer
ante el espejo.

• Alumno de la Escuela de Bellas
Artes de La Lonja.
• Frecuentó el café Els Quatre Gats,
dónde establece amistad con
Picasso y Casas.
• Viajó con frecuencia a París,
estableciéndose allí en 1923,
creando un estilo propio.
• Uso de chapas de hierro recortadas.
• Incorporación del vacío y el hueco.
• Combina planos cóncavos y
convexos.
• En su obra coexiste la tendencia
figurativa y la abstracta.
Pablo Gargallo (1881-1834)

• Pablo Gargallo. El Profeta o el Gran
Profeta, 1933 en yeso, 1936 en bronce.
• Hay siete reproducciones. Las versiones en
bronce combinan el uso de lámina plana,
tubo ondulado y vacíos estratégicos.
• Los volúmenes ausentes están acotados
por elementos curvos.
• En la cabeza se concentra la vehemencia
del personaje, con los vacíos de la boca,
que nos permite “ver” el grito, y de la
mejilla izquierda.
• El vacío, “la transparencia de la masa”,
como lo llamaba Gargallo, es mucho más
expresivo que los volúmenes tradicionales.
• El cayado que sostiene con la mano
izquierda, es el símbolo del Profeta, que
incita a unos imaginarios interlocutores
para que lo sigan.

Pablo Gargallo
Máscara de Greta Garbo
con mechón, 1930
Bailarina española, 1931

Eduardo Chillida (1924-2002)
La escultura de Chillida es elegante y están abiertas al dialogo
con el entorno.
Hierro, acero, mármol, terracota, …, con una nueva visión
espacial girando sobre la relación vacío-lleno.
Se interesó por los volúmenes y los espacios encerrados en
formas geométricas puras.

Mutación, 1959-1963. Forja. Acero. Galería Maeght, París.
 Escultura abstracta que trata de la transformación, del
cambio constante de algo que se convierte en otra cosa.
 Pretende simbolizar la transformación de todas las cosas.

El peine del viento,1977. San Sebastián
E. Chillida.

El peine del viento,1977. San Sebastián.
E. Chillida.
 Situado en un extremo de la bahía de La Concha, al final de
la Playa de Ondarreta, allí donde las olas y el viento rompen con
fuerza contra las rocas.
 Probablemente su obra más importante y conocida.

Elogio del horizonte, 1990. Gijón
E. Chillida.

Arquitectura española de 1930 a 1990

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