El documento describe diferentes aspectos de la pintura como arte, incluyendo su definición, historia, géneros pictóricos como la pintura histórica y el retrato, y técnicas como el óleo y la acuarela. Explica que la pintura involucra el uso de pigmentos mezclados con aglutinantes para crear composiciones en superficies. También resume los principales desarrollos e innovaciones en la pintura durante el Renacimiento y los pintores más destacados de esa época.
2. PINTURA
La pintura es el arte de la representación gráfica
utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes
orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura,
conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el
dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una
superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un muro,
una madera, un fragmento de tejido, etc.— una técnica determinada,
para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos,
etc. dando lugar a una obra de arte según algunos
principios estéticos.
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4. HISTORIA
En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica, se
desarrolló la perspectiva lineal y el conocimiento de la anatomía
humana para su aplicación en la pintura, también en esta época
apareció la técnica del óleo. Fue una época de grandes pintores entre
los que destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael
Sanzio y Tiziano. En la obra de La Gioconda descollan las nuevas
técnicas empleadas por Leonardo, el sfumato y el claroscuro. Miguel
Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas: los frescos de
la Capilla Sixtina. Los artistas que más emplearon temas simbólicos
fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan
van Eyck y Hubert van Eyck. En Alemania sobresalió el pintor
y humanista Durero.
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6. GÉNEROS PICTÓRICOS
La pintura histórica era considerada grande genre e incluía las
pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o
alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y
mostraba un mensaje intelectual o moral. Sir Joshua Reynolds, en
sus Discursos sobre arte expuestos en la Royal Academy of Arts entre
1769 y 1790 comentaba: «El gran fin del arte es despertar la
imaginación ... De acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo
llamo esta parte del arte Pintura Histórica, pero debería decirse
Poética .(...) Debe algunas veces desviarse de lo vulgar y de la estricta
verdad histórica a la búsqueda de grandeza para su obra ».
Aunque Nicolás Poussin fue el primer pintor que realizó este género
en formato más reducido, esta innovación tuvo poco éxito, Diego
Velázquez en 1656 realizó Las Meninas con un tamaño que
demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real entra
dentro del género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo
Picasso en su obra Guernica de 1937, también emplea una gran
dimensión para esta pintura histórica.
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8. RETRATO
Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación ambigua e
intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a semejanza de
Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de
una persona. Históricamente, se ha representado los ricos y poderosos. Pero
con el tiempo, se difundió, entre la clase media, el encargo de retratos de
sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retrato como encargo de
gobiernos, corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando el artista se
retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrant exploró en este
sentido con sus más de sesenta autorretratos. El artista en general intenta
un retrato representativo, como afirmó Edward Burne-Jones: «La única
expresión que se puede permitir en la gran retratística es la expresión del
carácter y la calidad moral, nada temporal, efímero o accidental.»10 En la
técnica del óleo fue Jan van Eyck uno de los primeros que lo impuso en los
retratos, su Matrimonio Arnolfini fue un ejemplo de retrato de pareja en
cuerpo completo. Durante el renacimiento, representaron el estatus y éxito
personal del retratado, sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael
Sanzio y Durero.11 En España descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de
Goya. Los impresionistas franceses también practicaron este
género, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc. En el siglo
XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto
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10. TÉCNICAS
Óleo:
El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y
el disolvente es la trementina. La pintura al óleo se hace básicamente con
pigmento pulverizado seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún
aceite vegetal. Estos aceites se secan más lentamente que otros, no por
evaporación sino por oxidación. Se forman capas de pigmento que se
incrustan en la base y que, si se controla cuidadosamente los tiempos de
secado, se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Este
proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del
pigmento seco, y el artista puede variar las proporciones de aceite y
disolventes, como la trementina, para que la superficie pintada muestre toda
una gama de calidades, opaca o transparente, mate o brillante. Por esta y
por otras razones, el aceite puede considerarse como el medio más flexible.
Usado de una manera conveniente, la pintura al óleo cambia muy poco de
color durante el secado aunque, a largo plazo, tiende a amarillear
ligeramente. Su capacidad de soportar capas sucesivas, permite al artista
desarrollar un concepto pictórico por etapas - Degas llamaba este
proceso bien amenée(bien llevado)- y la lentitud de secado le permite retirar
pintura y repasar zonas enteras. Las fotografías con rayos X demuestran que
incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el
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12. TÉCNICAS
Acuarela:
La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores
diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la
cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel
(blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de
pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus
procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de
lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está
realizando. Requiere del artista la seguridad en los trazos y
espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en el
frescor y la transparencia de los colores. Sin embargo existe la
acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que
utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas
veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero
