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UD. 2.
El Romanticismo
tardío
(1850-1900)
• CONTEXTO HISTÓRICO Y POLÍTICO (2a MITAD DEL SIGLO XIX): ASPECTOS
SOCIALES Y ECONÓMICOS. LA BURGUESÍA Y EL PROLETARIADO.
• EL INTERNACIONALISMO POLÍTICO EUROPEO Y LA LLEGADA A EUROPA DEL
ARTE DE ORIENTE.
• LA GUERRA DE SECESIÓN NORTEAMERICANA Y SU INFLUENCIA EN EL ARTE.
• ARQUITECTURA: LOS MOVIMIENTOS NEOGÓTICO Y NEOMUDÉJAR.
• LA ARQUITECTURA DE LAS EXPOSICIONES UNIVERSALES DE PARÍS Y
LONDRES.
• LA TORRE EIFFEL.
• ESCULTURA: DEL CLASICISMO DE CANOVA AL EXPRESIONISMO DE RODIN.
• AUGUSTE RODIN.
• LA ESCULTORA CAMILLE CLAUDEL.
• LA ESCULTURA ESPAÑOLA DEL SIGLO XIX.
• MARIANO BENLLIURE.
Contenidos :
• PINTURA ORIENTALISTA.
• MARIANO FORTUNY.
• LA PINTURA HISTORICISTA. EDUARDO ROSALES, FRANCISCO PRADILLA Y
ALEJANDRO FERRANT
• EL RETRATO GALANTE. LOS MADRAZO.
• EL MOVIMIENTO "ARTS AND CRAFTS" (1850-1900). WILLIANS MORRIS.
• LOS PRERRAFAELISTAS.
• LA TÉCNICA DEL RETRATO DE NADAR.
• EL RETRATO PICTÓRICO Y EL FOTOGRÁFICO.
• LOS PIONEROS DE LA CINEMATOGRAFÍA: LOS HERMANOS LUMMIER.
• MELÍES, SEGUNDO CHOMÓN Y EL NACIMIENTO DEL CINE AMERICANO.
CONTEXTO HISTÓRICO Y POLÍTICO
(2a MITAD DEL SIGLO XIX)
EN EUROPA lo más significativo es la consolidación de los
estados modernos, a partir de las ideas nacionalistas
románticas de la primera parte del siglo.
En 1871 se produce la unificación de Alemania que pasará
pronto a ser la principal potencia de Europa Central.
Italia se unificó en 1870. Predominio del norte. El sur,
empobrecido, sufre la emigración a América.
En Francia, ese mismo año, se proclamó la Tercera República
que dura hasta hoy.
Inglaterra mantiene la supremacía económica y política en
Europa.
Europa a finales del siglo XIX
FUERA DE EUROPA. Estados Unidos, después de la Guerra
de Secesión, acelera su industrialización y se convierte en
potencia mundial
Se inicia el imperialismo estadounidense (imitando a los
países europeos)que se extiende en Sudamérica.
En el este de Europa, Rusia es una gran potencia aunque
se inició una continua convulsión social, debido a las malas
condiciones de vida de la mayoría de la población.
ASPECTOS SOCIALES Y ECONÓMICOS
En Europa se produce durante la segunda mitad del siglo XIX
un rápido crecimiento económico propiciado por la
expansión económica. Este avance de la industrialización esta
también ligado a la intensificación del comercio y el progreso
técnico junto a la consolidación del poder de la burguesía.
No obstante, también el proletariado, como clase social, se
organiza. Tiene lugar una reunión de dirigentes socialistas de
toda Europa, la 1ª Internacional de Marx, y aparecen los
primeros sindicatos que tienen por objeto la protección de
los derechos obreros.
Asisitente a la Iª Internacional -1º Congreso, Ginebra –Suiza- (1866)
Nace un nuevo sistema socioeconómico y político: el
sistema capitalista, propiciado por el desarrollo de dos
nuevas clases protagonistas en la segunda mitad del siglo
XIX.
LA BURGUESÍA que acumulaba riqueza y poder se acercó
a la nobleza, atraídos por su prestigio. La mezcla fue una
nueva clase dominante, que impuso sus sus valores e
intereses: el dinero, la productividad, el trabajo y el
pragmatismo.
La segunda revolución industrial:
La elevada producción y los progresos técnicos como el
motor de explosión, la electricidad, el ferrocarril, incremento
de mano de obra y los nuevos mercados de consumidores,
llevó a la implantación del taylorismo. Método de trabajo
que buscaba aumentar la productividad, creando cadenas de
trabajo en las que los obreros se especializaban en pocas
tareas. Permite aumentar la productividad pero toma al ser
humano casi como una máquina.
EL PROLETARIADO.
En 1864-1889 se
constituye en Londres la I
y II Asociación
Internacional de
Trabajadores, que se
extiende rápidamente a
muchos países europeos…
Otro fenómeno generalizado será la implantación
de la educación primaria obligatoria, que
respondía a objetivos del nuevo sistema
socioeconómico y político: unificar valores como
la cultura y la lengua nacionales, y crear un
sistema educativo laico, libre de la dirección de la
iglesia.
Primer profesorado del Instituto de Granada (mediados del siglo XIX)
Claustro del Instituto de Cabra (principios del siglo XX)
EL INTERNACIONALISMO POLÍTICO
EUROPEO Y LA LLEGADA A
EUROPA DEL ARTE DE ORIENTE
Los beneficios producidos por la revolución
Industrial y la revolución del transporte elevan
la necesidad de las potencias europeas de
invertir el otros países. Que influyen en la
aparición del capitalismo imperialista a fines
del siglo XIX en un grupo de países de Europa,
América del Norte y Japón.
A lo largo de la historia, del siglo XVI al XVIII, los ambientes
cortesanos de Europa fueron cubiertos por la lujosa
decoración de la Chinoiserie, pero las transformaciones
sociales y la apertura de Japón en el siglo XIX produjeron
una expansión del Japonismo a la cultura burguesa.
En esta segunda etapa, ya en el siglo XIX, la valoración del
arte extremo oriental —especialmente el arte nipón— no
radica en su consideración de objeto de lujo, sino en sus
propiedades estilísticas, utilizadas como referencia frente
al arte academicista.
El arquetipo del
Japonismo lo
constituye la figura
idealizada de la
geisha, cuya imagen
fue recreada en
ópera de Giacomo
Puccini (1858-1924),
como Madame
Butterfly.
En el terreno de las Bellas Artes, apreciamos una doble
lectura del fenómeno: Japonismo.
Por una parte, atendiendo a su temática, puede ser
entendido como género; por otra parte, puede ser
considerado como una influencia estilística que influyó
en la renovación del arte académico occidental y le
aportó elementos de vanguardia.
Jóvenes
inspeccionando un
biombo japonés,
James Tissot,
(1870)
La gran influencia del arte japonés como inspiración para el
arte contemporáneo ha sido ampliamente estudiado,
especialmente en los impresionistas, post-impresionistas,
simbolistas y modernistas.
El norteamericano J. A. M. Whistler (1834-1903), tras
conocer los grabados japoneses en París, fue uno de los
primeros pintores en representar con gran sensibilidad
cromática todo el repertorio temático del Japonismo a partir
de 1864.
La Princesa de la Tierra de Porcelana,
James Abbott McNeill Whistler
Considerando a París el epicentro del Japonismo, en el arte
Español tuvieron influencia también otras corrientes
orientalistas, como las islámicas, que tuvieron un papel
masivo en la geografía del exotismo de los pintores
nacionales.
Sorprende, no obstante, encontrarnos en fechas paralelas a
los primeros cuadros japonistas de Whistler algunos
ejemplos del pintor Mariano Fortuny (1838-1874), cuya
proyección ciertamente excede el mercado local y hemos de
situarlo en primera línea de la pintura europea.
La vicaría, Mariano Fortuny (1870).
Así en la primera de las tres versiones que
realizó del cuadro, El Coleccionista de
Estampas (1863) aparecen: una armadura
japonesa propiedad del artista y un jarrón de
porcelana china.
Mariano Fortuny y Marsal: El Coleccionista de Estampas, 1863
LA GUERRA DE SECESIÓN
NORTEAMERICANA
Y SU INFLUENCIA EN EL ARTE.
Uno de los aspectos importantes de “La Guerra
Civil y el arte estadounidense” es que transmite la
respuesta de los creadores ante una gran crisis
nacional que hizo necesario llevar a la práctica los
ideales de los Padres Fundadores de la nación.
OUR BANNER IN THE SKY, 1861"Nuestra bandera en el cielo", de Frederic
Edwin Church (Collection of Fred Keeler)
THE BRIGHT SIDE, (1865) Winslow Homer. Fine Arts Museums of San Francisco.
La Guerra Civil o de Secesión de Estados Unidos
duró alrededor de cuatro años y dejó un
inmenso número de víctimas, así como una
crisis económica nunca antes conocida en el
territorio del Sur.
Prisioneros confederados rindiéndose ante un oficial unionista, (1866)
Winslow Homer. Metropolitan Museum of Art. N.Y.
THE COTTON PICKERS, (1876) Winslow Homer. Los Angeles County Museum of Art.
Cayeron los ideales románticos de la pintura
americana anterior e introdujeron el sentimiento de
ansiedad.
La fotografía llevó a los hogares americanos los
desastres bélicos.
La niña que dejé tras de mí
(1872), Eastman Johnson,
Smithsonian American Art
Museum.
ARQUITECTURA:
LOS MOVIMIENTOS NEOGÓTICO Y NEOMUDÉJAR.
NEOGÓTICO:
En el siglo XIX la Europa continental vivió una
auténtica fiebre neogótica que, además de
levantar nuevos edificios, restauró y completó
edificaciones medievales, como catedrales y
castillos.
En Francia destacó la labor restauradora y
reconstructora de Eugène Viollet-le-Duc.
Eugène Viollet-le-Duc.
Diseño para una sala
de conciertos (1864).
Expresa las formas
góticas con materiales
modernos como el
ladrillo y el hierro
fundido.
El ambiente artístico de mediados del siglo XIX fue
muy proclive al medievalismo, que se extendió por
todas las artes, especialmente en la decoración y el
mobiliario (Arts and Crafts), pero también en
pintura, con distintos criterios (los nazarenos en
Alemania, los prerrafaelitas en Inglaterra) o en
literatura (drama romántico, novela histórica, novela
gótica) o en música (óperas de ambientación
medieval).
Prerrafaelismo:
Medea,
Evelyn De Morgan (1889),
al estilo del Quattrocento
En este periodo, además, conviven, por un lado
la arquitectura historicista, y por otro lado el
progresivo desarrollo de la arquitectura del
hierro, consecuencia de los cambios
introducidos por los nuevos materiales y
procesos industriales generados en la revolución
industrial…
El Palacio de Westminster, sede del
parlamento del Reino Unido en
Londres.
Gárgolas de Notre Dame de Paris, fruto de la
intervención de Viollet-le-Duc (1846),
Neogótico
Edificios representativos:
Tower Bridge sobre el Támesis, en Londres.
Iglesia de San Jerónimo el Real de Madrid.
Interior de la Catedral de la
Almudena de Madrid.
Palacio Episcopal de Astorga, obra de Gaudí.
Casa de los botines en León de Gaudí
NEOMUDÉJAR:
El neomudéjar es un estilo artístico y arquitectónico
que se desarrolló principalmente en la Península
Ibérica a finales del siglo XIX y principios del XX. Se
enmarca dentro de las corrientes orientalistas de la
arquitectura historicista imperante en Europa por
aquella época.
El nuevo estilo se asoció especialmente a
construcciones de carácter festivo y de ocio, como
casinos, estaciones de tren o plazas de toros…
En España el estilo neomudéjar fue reivindicado como
estilo nacional, por estar basado en un periodo
histórico propiamente hispánico. Arquitectos como
Emilio Rodríguez Ayuso o Agustín Ortiz de Villajos
vieron en el arte mudéjar algo únicamente español y
empezaron a diseñar edificios utilizando rasgos del
antiguo estilo, entre ellos las formas abstractas de
ladrillo y los arcos de herradura.
Desaparecida plaza de toros de Goya. Madrid de Rodríguez Ayuso
Sin embargo, lo que la historiografía ha considerado
tradicionalmente como neomudéjar, son en muchos
casos obras de estilo neoárabe, puesto que utilizan
elementos califales, almohades y nazaríes, siendo el
único aspecto mudéjar el uso del ladrillo visto.
Frecuentemente se ha considerado a la Plaza de
toros de Madrid de Rodríguez Ayuso y Álvarez Capra
de 1874 como el inicio del neomudéjar
Plaza de las Ventas (1874), Madrid.
Interior de la Estación de Toledo.
Edificio de correos en Zaragoza
Gran Teatro Falla de Cádiz.
LA ARQUITECTURA DE LAS
EXPOSICIONES UNIVERSALES DE
PARÍS Y LONDRES.
Las Exposiciones Universales se originaron en la
tradición francesa de exposiciones nacionales, una
tradición que culminó con la exposición industrial
francesa de 1844 celebrada en París. Esta feria fue
pronto seguida por otras exposiciones nacionales
en la Europa continental y en el Reino Unido.
Esta feria fue pronto seguida por otras
exposiciones nacionales en la Europa continental y
el Reino Unido.
Palacio de Cristal, Londres, construido para 1ª exposición mundial, 1851.
En el siglo XIX el sistema capitalista había triunfado y su
difusión por diversas partes del mundo adquiría ritmos
impresionantes. El desarrollo científico y tecnológico
era el aspecto que más atraía a la gente debido a la
cantidad de productos, tanto de uso industrial como
doméstico, que maravillaban a la sociedad. En el afán
de mostrar con orgullo los avances del país, se
llevaban a cabo exposiciones industriales de carácter
local.
Interior del palacio de la industria. París, 1855
En cuanto se cayó en la cuenta de la importancia de
darlos a conocer fuera del país, las exposiciones se
abrieron al resto del mundo dando lugar a las
Exposiciones Universales. La primera se celebró en
Londres, en 1851, y después le siguió la de París en
1855, el éxito fue tal que hasta la actualidad se siguen
realizando.
La Exposición Universal de 1855 reúne, por primera
vez, las industrias y las Bellas Artes.
Influencias de las exposiciones en la arquitectura
posterior:
 Utilización de nuevos materiales industriales en
arquitectura: hierro , remaches y cristal.
 Creación de espacios diáfanos de gran amplitud.
 Potenciar la arquitectura espectáculo en cuanto a sus
dimensiones y su relación con el ocio y disfrute,
incorporación a la arquitectura de otros avances
industriales. Como la iluminación eléctrica.
 Difusión de los avances arquitectónicos por la fotografía
lo que hace posible su influencia en otros países.
Exposición Universal 1855. Palacio de Industria. París
Hasta finales del siglo XIX, Londres y París se
alternaron en la organización de estas exposiciones,
destacando Francia en cuanto a las novedades
arquitectónicas que presentaron los sucesivos
certámenes...
Tarjeta postal con una vista de la Galería de las Máquinas (1889), París.
La Exposición Universal de París de 1889 contó con
una Galería de Máquinas, construida según el proyecto
del arquitecto Louis Dutert (1845-1906) y del ingeniero
Contamin (1840-1893). Algo menor que el Crystal
Palace londinense, huía del aspecto de invernadero y
sus monumentales pilares descansaban sobre pilastras
de albañilería. La bóveda, cuya altura alcanzaba los 43
metros, cubría, sin ningún apoyo intermedio, una
superficie de 4,5 hectáreas. El edificio despertó una
gran expectación.
La Galería de las Máquinas fue un pabellón construido para la Exposición Universal de
París de 1889.
LA TORRE EIFFEL
Alexandre Gustave Eiffel (1832-1923), fue un ingeniero
civil francés experto en la construcción de puentes,
estaciones de ferrocarril y edificios de hierro, ya había
participado en la construcción de la estación de
Budapest de Hungría, en la de los almacenes Au Bon
Marché y en los cálculos del techo de la Galería de
Máquinas de la Exposición de 1867 de París.
Asimismo, suya fue la ejecución de muchos puentes,
entre los que destacan el del Duero, en Portugal, y el
viaducto de Garabit, en Francia, como igualmente
concebiría la estructura metálica que sustenta la
estatua de La Libertad, en Nueva York.
Estación del Oeste de Budapest (Hungría).
La construcción de la torre Eiffel, de 300 metros de
altura se realizó para la Exposición Universal de París
de 1887, como conmemoración del centenario de la
Revolución francesa, donde Eiffel llevaría adelante
otro ejemplo de la nueva arquitectura.
Vista general de la Exposición Universal (1887)
Se trata de la famosa torre que tomó su nombre, una
obra que sorprendió y desató entonces toda suerte de
reacciones, negativas en su mayoría.
La base se asienta en un cuadrado de 125 metros de
lado, según los mismos términos del concurso de 1886.
Tiene 325 metros de altura con sus 116 antenas; está
situada a 33,5 metros por encima del nivel del mar.
Fotografía aérea de la Exposición Universal de París de 1889, motivo por el cual la torre
fue construida
Los cimientos: los dos pilares situados del lado de la
Escuela militar de Francia reposan sobre una capa de
hormigón de 2 metros; esta, a la vez, reposa en una
cama de grava, haciendo un hoyo de siete metros de
profundidad. Los dos pilares de la parte del río Sena
se sitúan incluso por debajo del nivel del río.
El primer nivel: situado a 57 metros sobre el suelo,
con una superficie de 4200 metros cuadrados, puede
soportar la presencia simultánea de
aproximadamente 3000 personas.
Una galería circular colocada en el primer piso
permite una vista de 360° sobre París. Esta galería
tiene colocados varios mapas de orientación y
catalejos que permiten observar los monumentos
parisinos. Apuntando hacia el exterior están inscritos
los nombres de setenta y dos personalidades del
mundo científico de los siglos XVIII y XIX.
El segundo nivel: situado a 115 metros por encima
del suelo, posee una superficie de 1650 metros
cuadrados aproximadamente; puede soportar la
presencia simultánea de alrededor de 1600
personas. Se considera que es el piso que posee la
mejor vista, debido a que la altitud es óptima con
relación a los edificios que se encuentran abajo
El tercer nivel: situado a 275 metros sobre el suelo, con
una superficie de 350 m², puede soportar la presencia
simultánea de alrededor de 400 personas.
El acceso se hace obligatoriamente por un ascensor (la
escalera está prohibida al público a partir del segundo
piso) y se llega a un espacio cerrado lleno de mapas de
orientación. Al subir algunas escaleras, el visitante llega
a una plataforma exterior.
ESCULTURA:
DEL CLASICISMO DE CANOVA AL
EXPRESIONISMO DE RODIN.
Neoclasicismo
Cánova:
Las tres Gracias
encarnan el
desnudo
femenino en toda
su perfección,
perviven los
modelos clásicos
en la fisonomía,
anatomía y
peinado
Realismo-romanticismo
Carpeaux por el contrario
todo es movimiento,
mayor naturalismo en la
anatomía los gestos los
cabellos, contraste de
texturas…
El expresionismo de Rodin
El colosalismo y la
rugosidad de las
superficies, como en
Miguel Ángel, le ganó el
apelativo de obra
“inacabada”, que le da una
gran fuerza expresiva,
sugiere más vitalidad y
potencia los efectos de luz
trasladando el
impresionismo a la
escultura.
AUGUSTE RODIN
François-Auguste-René Rodin (1840- 1917) es
considerado uno de los "padres de la escultura
moderna”. Viajó a Italia , donde se sintió atraído por el
tratamiento del movimiento y la acción muscular en
las obras de los escultores del renacimiento Donatello
y Miguel Ángel (el fuerte impacto de la terribilitá de
Miguel Angel se aprecia en toda su obra).
Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una
representación fidedigna del estado interior, y para
lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la
anatomía.
LA EDAD DE BRONCE (1877)
Rodin, Museo Rodin, París,
Manos de amantes, (1904) Rodin.
El beso (h.1882)
Rodin,
Museo Rodin, París
Las puertas del infierno
(1917)
Rodin.
El pensador (1882)
Rodin.
Burgueses de Calais (1889), Rodin.
LA ESCULTORA CAMILLE CLAUDEL.
Camille Claudel (1864 - 1943)
fue una escultora francesa que
llega a París en 1883 con el fin
de perfeccionar su técnica. Ese
mismo año se encuentra por
primera vez con Auguste
Rodin, mientras el célebre
escultor sustituía una clase de
su amigo Alfred Boucher. Al
año siguiente empieza a
trabajar en su taller, posa para
él y colabora en la realización
de las figuras de La puerta del
Infierno…
Además de ser una de
las principales
colaboradoras del
escultor, fue también
su compañera durante
algunos años, se
convirtió en su modelo
y su musa, inspirando
obras como La Danaïde
o Fugit Amor.
La Danaide, (1890) Rodin. Museo Rodin, París.
La pareja frecuentaba los ambientes artísticos y
culturales más importantes del París de la
época y pasaron juntos largos períodos fuera de
la ciudad, sin embargo a Rodin se le relacionó
también sentimentalmente con Rose Beuret,
esta situación sería la inspiración de una de las
obras más importantes de Camille: La edad
madura.
La edad madura (1913) Camille Claudel, Museo d'Orsay, Paris
LA ESCULTURA ESPAÑOLA DEL
SIGLO XIX
En la escultura española del siglo XIX se distinguen tres
etapas:
1º etapa: El siglo XIX se inicia con el movimiento
neoclásico procedente del siglo anterior. Se produce la
decadencia de la escultura religiosa y cobra importancia la
escultura como elemento decorativo de la arquitectura.
Su gran mecenas será la realeza que con la construcción
de sus nuevos palacios o la reforma de los existentes
hacen necesario que se establezca la plaza de escultor de
cámara.
Las Academias serán las encargadas de la
formación de los jóvenes artistas y las que
establecen concursos y becas de estudio en
Madrid, Roma o París. Se impone la rigidez
académica que exige la imitación de la
Antigüedad. El resultado es una estatua fría, que
no comunica nada más que unas poses y unas
medidas.
Como Antonio Solá con el Monumento a Daoiz y
Velarde en la plaza del Dos de Mayo de Madrid
Monumento a Daoiz y Velarde (1822 ) Antonio Solá. Madrid.
2ª etapa: Un corto periodo romántico de escultura
monumental para embellecer edificios o erigir
monumentos conmemorativos. A diferencia de lo que
sucede en pintura, se caracteriza por la falta de carácter
y la desorientación. Es una época de transición, que
alterna elementos clasicistas con otros criterios que
desembocarán en un nuevo realismo.
La corte deja de ocuparse de la escultura, a Isabel II no
le interesa demasiado el arte y se suprimen los pintores
de cámara. A partir de 1845 la Academia deja de dirigir
la enseñanza artística y se crea la Escuela de Bellas
Artes. Las Exposiciones Universales sustituirán los
premios y pensiones de la Academia…
Leones del Congreso de los Diputados (1848) Ponciano Ponzano y Gascón
3ª etapa: Realismo. Lo entendemos como la inspiración
directa en la realidad que nos rodea. Los escultores que
en el último tercio del siglo XIX asimilaron la corriente
naturalista son más abundantes.
Ricardo Bellver (1845-1924) es el autor del Ángel
Caído, monumento que se encuentra en el Parque del
Retiro de Madrid. Es un hermoso desnudo juvenil que
representa al diablo, de forma cuidadosa y expresiva sin
caer en detallismos excesivos.
Plaza del Ángel Caído,
(1887) Ricardo Bellver.
Parque del Retiro, Madrid
MARIANO BENLLIURE
Mariano Benlliure
(1862-1947) está
considerado como
el último gran
maestro del
realismo
decimonónico y el
puente con el
Modernismo.
Sería el más afamado escultor de su época y nos ha
dejado una producción vastísima, en la que destaca
su virtuosismo, dominando un amplio abanico de
géneros y técnicas. Alternó sus estancias en Roma
con viajes a París y obtuvo primeras medallas en las
Exposiciones Internacionales de Berlín, Múnich,
Viena y París…
Monumento al general Martínez Campos, ( 1907) Benlliure. Madrid
Monumento al
Duque de Rivas
(1929), Benlliure.
Córdoba.
Del año 1900 data su primer monumento funerario, con el
que obtuvo la Medalla de Honor de Escultura en la
Exposición Universal de París. La Reina Regente María
Cristina quiso evitar que esta obra de arte acabase en un
cementerio de un pequeño pueblo en el Pirineo y mostró
interés para que fuera colocada en una plaza de Madrid,
pero la voluntad de la familia del tenor Gayarre, al que
estaba dedicado se impuso, y finalmente en 1901 fue
colocado en el lugar para el que había sido creado…
Mausoleo de
Gayarre (1891),
Benlliure,
El Roncal
(Navarra)
En la ingente producción de Benlliure, destacaran sus
monumentos funerario que lo consagraron como el
escultor de moda de la alta sociedad española.
De sus 21 monumentos funerarios, además del de Gayarre
en Navarra, destacarían los del torero Joselito “El Gallo”en
Sevilla, el del novelista Blasco Ibáñez en Valencia, los
sepulcros del Panteón de Hombres Ilustres de Madrid
(Sagasta, Canalejas, y Eduardo Dato) o el de la Vizcondesa
de Termens en Cabra (Córdoba)…
Monumento funerario a Joselito "El Gallo“ (1921), Benlliure. Sevilla
En 1908 se encargan a
Mariano Benlliure y Gil las
obras escultóricas y
arquitectónicas de un
panteón que la Vizcondesa
de Termens, Carmen
Giménez Flores, quiso
construir en el cementerio
de Cabra.
Realizado en mármol y
bronce, respondía al
modelo de monumental y
con capilla…
Los trabajos de terminación
e instalación del mausoleo
durarían desde julio hasta
noviembre de 1914.
El Mausoleo de la
Vizcondesa de
Termens, se
construyó en el
cementerio
municipal y
posteriormente, fue
desmontado y
trasladado a la
capilla de la
Fundación que lleva
su título.
PINTURA ORIENTALISTA
En el romanticismo, la seducción por el oriente cumplía el
mismo papel de alejamiento de la realidad que el
historicismo medievalista.
Washington Irving encontró en Granada la conjunción de
ambos (Cuentos de la Alhambra), contribuyendo a la
generación del tópico del exotismo español.
Pintores como Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme y
Alexander Roubtzoff se recrearon en representaciones de
todo tipo de escenas ambientadas en escenarios de los
países árabes del norte de África y Oriente Medio.
El encantador de serpientes (1879) Jean Louis Gerome
Cuando Jean Auguste Dominique Ingres, director de la
francesa Académie de peinture pintó una visión muy
colorista de un baño turco, hizo que este oriente
erotizado se hiciera públicamente aceptable por su
generalización difusa de las formas femeninas. La
sensualidad se veía aceptable en el exótico oriente…
Este estilo tuvo su momento álgido en las Exposiciones
universales de París de 1855 y 1867.
El baño turco
(1862), Ingres.
Júpiter y Tetis (1811)
Ingres
Además, la posibilidad de emprender viajes por esos
territorios estimuló a los artistas, que en algunos casos
acompañaron misiones diplomáticas o científicas, a
describir lo visto e intentar representaciones más
documentadas de Oriente. Este tipo de producción visual
tuvo tal aceptación que, hacia mediados del siglo xix, la
pintura orientalista abundaba en los salones anuales de
París, y en 1893 se creó la Société des Peintres
Orientalistes con Jean-Léon Gérôme como presidente
honorario…
Bonaparte ante la Esfinge (1868), Jean-Léon Gérôme
Baños del harén (1885) Jean-Léon Gérôme
MARIANO FORTUNY
La vicaría, Mariano Fortuny (1870).
En España el principal ejemplo de pintura orientalista fue
Mariano Fortuny (1838-1874), que viajó a Marruecos donde
quedó prendado del pintoresquismo local. Temas
marroquíes fueron igualmente tratados por Josep Tapiró
(1836–1913) y Antonio Fabrés (1854–1938).
El imaginario orientalista persistió en el arte hasta principios
del siglo XX, como evidencian los desnudos orientalistas de
Matisse.
El uso de Oriente como un telón exótico continuó incluso en
el cine, por ejemplo en muchas de Rodolfo Valentino… y
hasta la actualidad.
Marroquíes (1874), Mariano Fortuny.
The Sultan's Gift (1885) Antonio Fabrés.
José Tapiró Barón
José Tapiró Barón
LA PINTURA HISTORICISTA:
EDUARDO ROSALES, FRANCISCO
PRADILLA Y ALEJANDRO FERRANT
La pintura de historia, o pintura histórica, es un género
pictórico que se inspira en escenas de la historia cristiana, de
la historia antigua (mesopotámica, egipcia, griega,
romana...), de la mitología o de los acontecimientos
históricos recientes.
Fue especialmente demandada por las instituciones y los
concursos académicos, siendo sin duda el género más
destacado a lo largo de todo el siglo XIX.
José Madrazo, La muerte de Viriato (1807) –neoclasicismo-
Las becas para los jóvenes pintores que iban a estudiar
a la Academia de España en Roma dieron lugar a una
emulación para representar en lienzos de grandes
dimensiones episodios gloriosos o espectaculares de la
historia española.
Con su difusión pública se quería construir una visión
de historia nacional española.
Cincinato abandona el arado para dictar leyes a Roma, (1806) Juan Antonio Ribera.
-neoclasicismo-
Eduardo Rosales Gallinas (1836 –1873) fue alumno de
Federico Madrazo. Llegó a Roma en 1857, y se unió al
grupo de pintores españoles que se reunían en el Antico
Caffè Greco (Casado del Alisal, Dióscoro Puebla, Fortuny).
Allí conoció la pintura de los nazarenos, pero pronto
abandonó esa tendencia, y se interesó por un estilo más
realista, en el que realizó su gran obra maestra, Doña
Isabel la Católica dictando su testamento, conservada en
el Museo del Prado. Con la que acudió a la Exposición
Universal de París de 1867 y con la que consiguió un gran
éxito.
Isabel la Católica dictando su testamento (1864), Eduardo Rosales.
Presentación de don Juan de Austria al emperador Carlos V en Yuste (1869), Eduardo Rosales.
La muerte de Lucrecia (1871), Eduardo Rosales.
Francisco Pradilla y Ortiz (1848 – 1921) fue director de
la Real Academia de España en Roma y del Museo del
Prado. Su primer cuadro de importancia fue El rapto de
las sabinas, al que siguió Juana la Loca, cuadro que
obtuvo medalla de honor en la Exposición Nacional de
Bellas Artes (España) de 1878 y una medalla de honor
en la Exposición Universal de París de 1878.
Posteriormente se superó con La rendición de Granada
(1882), que ganó el primer premio en una exposición de
Múnich de 1893.
Doña Juana la Loca (1877), Francisco Pradilla.
La rendición de Granada (1882), Francisco Pradilla
Alejandro Ferrant y Fischermans (1843 - 1917), pintor y
acuarelista estudió en la Real Academia de San
Fernando con su tío, Luis Ferrant Llausas (1806-1868),
que era académico de dicha institución. Participó desde
joven participó en exposiciones nacionales y en 1874
acudió a aprender a Roma con una beca.
Pintó principalmente temas religiosos e históricos,
aunque también se dedicó a la pintura de género y la
decorativa. Su estilo se atiene al gusto académico
predominante en la época: predominio del color sobre
el dibujo y pincelada suelta; el uso de tonos pardos
delata influencias del barroco.
El entierro de San Sebastián (1877) Alejandro Ferrant.
Cisneros, fundador del Hospital de Illescas (1892). Alejandro Ferrant
José Garnelo y Alda (1866 -1944)
fue un pintor historicista español.
Terminó el bachillerato en el
Instituto Aguilar y
Eslava de Cabra en 1882.
En Sevilla ingresó en la Escuela
Superior de Bellas Artes (1883-
1885) y posteriormente se
traslada a Madrid. En 1888 es
becado para estudiar “pintura
histórica” en Roma.
Llegó a ser subdirector del Museo
del Prado y director de
la Academia Española de Roma.
Autorretrato
A la capilla del Colegio de Cabra
el alumno que fue
J. Garnelo/1895
Inmaculada (1895),
José Garnelo.
El pedagogo (1893), José Garnelo.
Dama con papagayo (1930). José Garnelo
Tarde de Toros (h. 1901), José Garnelo
EL RETRATO GALANTE: LOS MADRAZO.
Los Madrazo son una notable dinastía de artistas que
representan diferentes tendencias pictóricas del siglo
XIX español, desde el Neoclasicismo del periodo de
Fernando VII, del que fue un claro exponente José de
Madrazo (1781-1859), hasta el Realismo de Federico de
Madrazo (1815-1894) el mejor retratista del momento,
las pinturas de encargo de Luis de Madrazo (1825-
1897), las pinceladas impresionistas de Ricardo de
Madrazo (1852-1917) o el aire romántico de Raimundo
de Madrazo (1841-1920)…
María Sandalia de Acebal (1820),
José Madrazo.
José de Madrazo y Agudo
(1781 –1859) fue un pintor
y grabador español, que
evolucionó del barroco al
neoclásico. Fundador de
una famosa saga de artistas,
fue padre de Federico
Madrazo, Pedro Madrazo y
Luis Madrazo, abuelo de
Raimundo Madrazo y
Ricardo Madrazo, y
bisabuelo de Mariano
Fortuny y Madrazo.
Luis (1825-1897) participó
en varias Exposiciones
Nacionales de Bellas Artes,
viajó a lo largo de varias
ciudades europeas, y
cultivó la pintura de historia
y el retrato.
Pedro (1816-1898) fue
crítico de arte, pintor, uno
de los grandes nombres de
la historiografía de la
pintura del siglo XIX y autor
de los catálogos oficiales de
la pintura del Museo del
Prado.
Retrato de Elisa Tapia y Parrella (1876),
Luis Madrazo.
Federico Madrazo fue pintor
de cámara de la reina Isabel
II, del mismo modo que su
padre había sido pintor de la
Corte con Fernando VII. Pintó
retratos, sobre todo del
mundo aristocrático y de la
cultura, Gozó de gran
prestigio y tuvo diversos
aprendices, como los
franceses Léon Bonnat y
Gérôme. Su hija Cecilia fue
madre del también pintor
Mariano Fortuny y Madrazo
Doña Amalia de Llano y Dotres, Condesa de
Vilches (1853), Federico Madrazo
Princesa Albert de Broglie,
(1853), Ingres.
Ingres fué el maestro de
los retratistas del siglo
XIX. Madrazo se formó
con él en Francia.
Las damas de la alta
sociedad eran retratados
por los grandes maestros
del retrato pictórico.
Mientras que las damas
burguesas utilizaban la
fotografía…
La Infanta Luisa Fernanda
de Borbón, duquesa de
Montpensier de Federico
de Madrazo y Kuntz.
Nadie consigue como él el
aunar la belleza del
retrato en sí, la pose y la
nitidez en los detalles.
EL MOVIMIENTO
"ARTS AND CRAFTS"
(1850-1900)
"ARTS AND CRAFTS“ (Artes y Oficios) es un movimiento
del diseño y artes decorativas que reacciona frente a la
producción industrial y a la moda victoriana.
Se asocia sobre todo con la figura de William
Morris artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta,
activista, doctor, ingeniero y político. Un hombre
polifacético que se ocupó de la recuperación de las artes
y oficios medievales, renegando de las nacientes formas
de producción industrial.
Diseño tela, (1883) William Morris
Características:
• Creencia en la superioridad de la producción
artesanal sobre la producción mecanizada.
• Simplicidad de las formas.
• Regreso a los gremios como único modo de
garantizar la dignidad de los objetos.
• Rechazo de la máquina.
• Retorno a la Artesanía.
• Búsqueda de honradez, sencillez, moral, religión,
ética.
William Morris (1834-1896) Artista fundador del
movimiento denominado como Arts and Crafts.
Morris estuvo estrechamente vinculado a la Hermandad
Prerrafaelita, movimiento que rechazaba la producción
industrial en las artes decorativas y la arquitectura, y
propugnaba un retorno a la artesanía medieval,
considerando que los artesanos merecían el rango de
artistas
Su obra ejercerá una gran influencia histórica en las artes
visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.
La bella Isolda
- Reina Ginebra-
(1858), Morris
William Morris produce trabajos y reimpresiones de textos clásicos, siendo su
obra más conocida The Chaucer; estudió al detalle el arte del período
medieval y por ello no es sorprendente que sus famosas iniciales y bordes de
los libros.
Los papeles
pintados de Morris
alcanzaron
popularidad y
reputación.
Y las vidrieras
dieron gran
renombre a
Morris and
Company.
LOS PRERRAFAELISTAS
La Hermandad Prerrafaelita (Pre-
Raphaelite Brotherhood) fue una
asociación de pintores, poetas y críticos
ingleses, fundada en 1848 en Londres por
John Everett Millais, Dante Gabriel
Rossetti y William Holman Hunt.
Perséfone (1874) Rossetti.
La Hermandad duró como grupo
constituido apenas un lustro, pero su
influencia se dejó sentir en la pintura
inglesa hasta entrado el siglo XX. Se
utiliza el término prerrafaelismo para
caracterizar al movimiento pictórico que
representan.
Los autores de esta corriente se inspiraron
básicamente en el estilo artístico que se dio antes
del maestro Rafael, de ahí el nombre que
tomaron estos artistas, basándose en los autores
y temas propios del Quattrocento, el Trecento y
asuntos aún más antiguos, medievales
principalmente, leyendas arcaicas e incluso,
pasajes de la época clásica de Grecia y Roma…
La elección de este nombre
recuerda que el grupo
focaliza su crítica en torno a
un cuadro de Rafael, La
Transfiguración (1520) del
que Hunt decía que
"debería ser condenado por
su inmenso desprecio de la
sencillez de la verdad, la
pose pomposa de los
apóstoles y la actitud, poco
espiritual del Salvador".
Jesús en casa de sus padres (1850) John Everett Millais
Entre los artistas más recientes, les inspiraron
también las pinturas románticas de Heinrich
Füssli y, sobre todo, de William Blake, cuyas
visionarias pinturas e ilustraciones de sus
libros de poesía influyeron notablemente en
algunos cuadros de Rossetti, por su
simbolismo y lo fantasmagórico de los
protagonistas de los cuadros.
La juventud de la Virgen María
(1849), Rossetti.
Querían volver a una forma de arte,
acorde con la que existía antes de Rafael,
libre de cualquier amaneramiento
académico.
El arte medieval, y en particular aquel de
los primitivos italianos, es el que designan
como modelo de pureza y de libertad…
Bocca Baciata (1859),
Rossetti
Los objetivos de la Hermandad se resumían en cuatro
declaraciones:
• Expresar ideas auténticas y sinceras.
• Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a
expresar estas ideas.
• Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo,
serio y sincero, descartando lo convencional,
autocomplaciente y aprendido de memoria.
• Interés por la luminosidad de la pintura y la
intensidad del color.
• Y, lo más importante, buscar la perfección en la
creación de pinturas y esculturas.
Ofelia (1852), John Everett Millais.
La chica ciega (1856),
John Everett Millais
Ecce Ancilla Domini (1850),
Dante Gabriel Rossetti
De todos los componentes de la Hermandad
Prerrafaelita, fue Hunt el que mostró más fidelidad a
sus planteamientos a lo largo de toda su vida.
Las pinturas de Hunt concedían una gran atención al
detalle, y mostraban un vívido colorido y un elaborado
simbolismo religioso, a menudo inspirado en los textos
bíblicos.
William Holman Hunt. El pastor.
LA TÉCNICA DEL RETRATO DE NADAR
Gaspard-Félix Tournachon más conocido como
Nadar, fue un fotógrafo, periodista, ilustrador,
caricaturista y aeronauta francés.
Por consejo de un amigo compró una cámara
fotográfica que utilizó para recoger los retratos que
habrían de servir de base de las caricaturas de su
obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron
grandes personajes de la política y la cultura del
momento pertenecientes a su círculo de amistades,
tales como Charles Baudelaire.
Nadar, fue un famoso
fotógrafo, periodista,
ilustrador, caricaturista y
aeronauta francés…
Nunca se planteó el retrato fotográfico como una
actividad con la que ganar dinero, pues mantenía
unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos
que le alejaban de los criterios más comerciales, pero
que por el contrario lo elevaban al rango artístico. En
todo momento se negó a colorear los retratos, así
como a practicar cualquier tipo de retoque. También
renunció a la utilización de elementos de atrezzo.
Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de
iluminar al modelo– y del gesto –mirada y actitud de
los modelos favorecida por la relajación de los
amigos fotografiados–, como elementos principales
de la fotografía...
Nadar hacía retratos como lo
haría un pintor pero con la
cámara. Nadar seguía los
cánones clásicos ya sentados en
la pintura con una técnica
nueva.
En las obras de Nadar lo
importante es realmente el
rostro del retratado, razón por
la cual se prescinde de adornos
superfluos. En aras del realismo,
desprecia el coloreado de las
imágenes o el retoque
buscando con ello una mayor
claridad…
Retrato de Charles Baudelaire (1855)
A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas
de la historia en el año 1858, realizadas con una
cámara fotográfica desde un globo aerostático.
En los años 1870 fue nombrado comandante de
una compañía de globos aeroestáticos para tomar
fotografías de las posiciones de los prusianos que
cercaban el París de la Comuna. También fue el
primer fotógrafo en realizar fotografías con luz
artificial consiguiendo captar imágenes de las
catacumbas de París.
EL RETRATO PICTÓRICO Y EL FOTOGRÁFICO
La daguerrotipia y las otras formas originarias de fotografía
adoptaron rápidamente el género del retrato.
Inicialmente la falta de sensibilidad de las placas provocó
que los retratos implicaran largas tomas de hasta quince
minutos de exposición. Sin embargo cuando aparecieron
otros procedimientos los tiempos para obtener la
exposición fueron reduciéndose cada vez más.
En cuanto a lo estético, los primeros fotógrafos echaron
mano de los estilos e ingredientes del retrato utilizados por
la pintura…
Retrato de de la
duquesa de Vallombrosa
(1840) Winterhalter,.
El éxito de la fotografía de retrato
fue inmediato. Su primer
impacto fue la democratización
del género.
En 1858 un retrato en
daguerrotipo costaba el
equivalente a media jornada de
trabajo. Aunque no era barato,
resultaba mucho más accesible
que una pintura.
Para comprender el auge
fotográfico vale decir que
solamente en Marsella pasaron
de 5 miniaturistas a ser más de
50 fotógrafos que producían un
promedio de 1.200 placas por
año…
Retrato fotográfico de
Sara Bernadt (1860)
Nadar.
Retrato funerario de un niña.
A mediados del siglo XIX el
retrato no era sólo de
individuos, se estaba
conformando la nueva clase
media como grupo social.
Por ello el retrato se usó para
una variedad de propósitos:
conmemorativos, personales
y propagandísticos. Incluso
una función importante del
retrato fue la funeraria.
Incluso podría decirse que
una de las razones
primigenias para que
existiera…
A los fotógrafos que defendían la individualidad de cada
creación fotográfica se los englobó dentro de un
movimiento que se llamó pictorialismo.
Relacionaba pintura y fotografía , de manera que los
fotógrafos intentaban imitar a la pintura copiando
composiciones, motivos, efectos y acabados.
Pero también la pintura acabó recibiendo influencias de
la técnica fotográfica y valiéndose de sus posibilidades.
Fotografía de Durie (1855) Pintura de Delacroix (1857)
LOS PIONEROS DE LA
CINEMATOGRAFÍA:
LOS HERMANOS LUMIÈRE
La historia del cine como
espectáculo comenzó en
Francia, en 1895. Desde
entonces ha
experimentado una serie
de cambios en varios
sentidos, desde el
primitivo cine mudo de
los hermanos Lumière
hasta el cine digital del
siglo XXI.
Los hermanos Lumière, hijos de un fotógrafo crearon el
cinematógrafo: un dispositivo que permitía la toma y
proyección de imágenes en movimiento.
La primera proyección pública fue el 28 de diciembre
de 1895, en París, y consistió en una serie de imágenes
documentales, como la que aparecen los trabajadores
de una fábrica, y la de un tren que parecía abalanzarse
sobre los espectadores.
LA LLEGADA DEL TREN, (1895) Hermanos Lumière
MELÍES, SEGUNDO CHOMÓN Y
EL NACIMIENTO DEL CINE
AMERICANO.
George Méliès, fue un
ilusionista que en
principio, usó el
cinematógrafo como un
elemento más para sus
espectáculos, pero luego
los desarrollaría en cine,
creando rudimentarios -
pero eficaces- efectos
especiales. Su obra más
conocida es El viaje a la
luna (1902).
Segundo de Chomón, fue un
cineasta español, que destacó
como director pionero del cine
mudo y técnico de trucajes.
Frecuentemente comparado
con Méliès, por su calidad
técnica y creatividad fue
considerado uno de los grandes
hombres del cine de su tiempo,
siendo contratado por las más
importantes empresas
cinematográficas de la época,
como la Pathé Frères o la Itala
Films.
EL NACIMIENTO DEL CINE AMERICANO
Durante el periodo en que el cine comenzaba se crearon
tres tipos de discurso cinematográfico:
• El discurso de los Lumière. Pretende plasmar la
realidad, no obstante manipula lo que aparece en
imagen (lo mediatiza), al buscar composiciones que
recogieran los estilos pictóricos en boga en la época.
• El discurso de Méliès. Aplica a la puesta en escena la
tradición carnavalesca y de las fiestas populares,
dando a sus películas un cierto aire fantasmagórico.
• El discurso de Griffith. Combina la imagen
cinematográfica con el discurso propio de la novela
decimonónica, dando así nacimiento al relato
cinematográfico.
El punto de partida para el
cine estadounidense “El
nacimiento de una nación”
de Griffith (1915 ), uno de
los grandes hitos de la
historia del cine, que reúne
todos los recursos
narrativos que había ido
desarrollando el cine: el
uso de los primeros planos,
alternancia entre planos y
planos cortos ...
Ideológicamente inaceptable, por fascista, racista y
retrógrada, la película se basa en la novela de
Thomas E. Dixon “The Clansman”, que narra la
derrota de los confederados en la Guerra de
Secesión y cómo la sobrellevan dos familias, una
del Norte y otra del Sur, los miembros de la cual
tomar parte activa en la fundación del Ku Klux Klan.
A los negros se les llama “bestezuelas”, “salvajes” y
cosas así y, en un primer momento, había hasta
una secuencia, que luego fue eliminada del
montaje final, que propugnaba la repatriación a
África de todos los de esa raza.
Pero fue una auténtica SUPERPRODUCCIÓN…
“El nacimiento de una nación”. The Birth of a Nation. Año 1915.
180 minutos de duración,
presupuesto de 40.000
dólares que finalmente
sería más de medio millón,
más de 18.000 participantes
en el rodaje, 3.000 caballos
utilizados en las escenas de
guerra...
Y en el reparto, las mayores
estrellas de aquellos
tiempos: Lillian Gish, Mae
Marsh, Miriam Cooper,
Ralph Lewis…
Lillian Gish

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UD. 2. El Romaticismo tardío (1850-1900)

  • 2. • CONTEXTO HISTÓRICO Y POLÍTICO (2a MITAD DEL SIGLO XIX): ASPECTOS SOCIALES Y ECONÓMICOS. LA BURGUESÍA Y EL PROLETARIADO. • EL INTERNACIONALISMO POLÍTICO EUROPEO Y LA LLEGADA A EUROPA DEL ARTE DE ORIENTE. • LA GUERRA DE SECESIÓN NORTEAMERICANA Y SU INFLUENCIA EN EL ARTE. • ARQUITECTURA: LOS MOVIMIENTOS NEOGÓTICO Y NEOMUDÉJAR. • LA ARQUITECTURA DE LAS EXPOSICIONES UNIVERSALES DE PARÍS Y LONDRES. • LA TORRE EIFFEL. • ESCULTURA: DEL CLASICISMO DE CANOVA AL EXPRESIONISMO DE RODIN. • AUGUSTE RODIN. • LA ESCULTORA CAMILLE CLAUDEL. • LA ESCULTURA ESPAÑOLA DEL SIGLO XIX. • MARIANO BENLLIURE. Contenidos :
  • 3. • PINTURA ORIENTALISTA. • MARIANO FORTUNY. • LA PINTURA HISTORICISTA. EDUARDO ROSALES, FRANCISCO PRADILLA Y ALEJANDRO FERRANT • EL RETRATO GALANTE. LOS MADRAZO. • EL MOVIMIENTO "ARTS AND CRAFTS" (1850-1900). WILLIANS MORRIS. • LOS PRERRAFAELISTAS. • LA TÉCNICA DEL RETRATO DE NADAR. • EL RETRATO PICTÓRICO Y EL FOTOGRÁFICO. • LOS PIONEROS DE LA CINEMATOGRAFÍA: LOS HERMANOS LUMMIER. • MELÍES, SEGUNDO CHOMÓN Y EL NACIMIENTO DEL CINE AMERICANO.
  • 4. CONTEXTO HISTÓRICO Y POLÍTICO (2a MITAD DEL SIGLO XIX)
  • 5. EN EUROPA lo más significativo es la consolidación de los estados modernos, a partir de las ideas nacionalistas románticas de la primera parte del siglo. En 1871 se produce la unificación de Alemania que pasará pronto a ser la principal potencia de Europa Central. Italia se unificó en 1870. Predominio del norte. El sur, empobrecido, sufre la emigración a América. En Francia, ese mismo año, se proclamó la Tercera República que dura hasta hoy. Inglaterra mantiene la supremacía económica y política en Europa.
  • 6. Europa a finales del siglo XIX
  • 7. FUERA DE EUROPA. Estados Unidos, después de la Guerra de Secesión, acelera su industrialización y se convierte en potencia mundial Se inicia el imperialismo estadounidense (imitando a los países europeos)que se extiende en Sudamérica. En el este de Europa, Rusia es una gran potencia aunque se inició una continua convulsión social, debido a las malas condiciones de vida de la mayoría de la población.
  • 8.
  • 9. ASPECTOS SOCIALES Y ECONÓMICOS En Europa se produce durante la segunda mitad del siglo XIX un rápido crecimiento económico propiciado por la expansión económica. Este avance de la industrialización esta también ligado a la intensificación del comercio y el progreso técnico junto a la consolidación del poder de la burguesía. No obstante, también el proletariado, como clase social, se organiza. Tiene lugar una reunión de dirigentes socialistas de toda Europa, la 1ª Internacional de Marx, y aparecen los primeros sindicatos que tienen por objeto la protección de los derechos obreros.
  • 10. Asisitente a la Iª Internacional -1º Congreso, Ginebra –Suiza- (1866)
  • 11. Nace un nuevo sistema socioeconómico y político: el sistema capitalista, propiciado por el desarrollo de dos nuevas clases protagonistas en la segunda mitad del siglo XIX. LA BURGUESÍA que acumulaba riqueza y poder se acercó a la nobleza, atraídos por su prestigio. La mezcla fue una nueva clase dominante, que impuso sus sus valores e intereses: el dinero, la productividad, el trabajo y el pragmatismo.
  • 12.
  • 13. La segunda revolución industrial: La elevada producción y los progresos técnicos como el motor de explosión, la electricidad, el ferrocarril, incremento de mano de obra y los nuevos mercados de consumidores, llevó a la implantación del taylorismo. Método de trabajo que buscaba aumentar la productividad, creando cadenas de trabajo en las que los obreros se especializaban en pocas tareas. Permite aumentar la productividad pero toma al ser humano casi como una máquina.
  • 14. EL PROLETARIADO. En 1864-1889 se constituye en Londres la I y II Asociación Internacional de Trabajadores, que se extiende rápidamente a muchos países europeos…
  • 15. Otro fenómeno generalizado será la implantación de la educación primaria obligatoria, que respondía a objetivos del nuevo sistema socioeconómico y político: unificar valores como la cultura y la lengua nacionales, y crear un sistema educativo laico, libre de la dirección de la iglesia.
  • 16. Primer profesorado del Instituto de Granada (mediados del siglo XIX)
  • 17. Claustro del Instituto de Cabra (principios del siglo XX)
  • 18. EL INTERNACIONALISMO POLÍTICO EUROPEO Y LA LLEGADA A EUROPA DEL ARTE DE ORIENTE
  • 19. Los beneficios producidos por la revolución Industrial y la revolución del transporte elevan la necesidad de las potencias europeas de invertir el otros países. Que influyen en la aparición del capitalismo imperialista a fines del siglo XIX en un grupo de países de Europa, América del Norte y Japón.
  • 20.
  • 21. A lo largo de la historia, del siglo XVI al XVIII, los ambientes cortesanos de Europa fueron cubiertos por la lujosa decoración de la Chinoiserie, pero las transformaciones sociales y la apertura de Japón en el siglo XIX produjeron una expansión del Japonismo a la cultura burguesa. En esta segunda etapa, ya en el siglo XIX, la valoración del arte extremo oriental —especialmente el arte nipón— no radica en su consideración de objeto de lujo, sino en sus propiedades estilísticas, utilizadas como referencia frente al arte academicista.
  • 22. El arquetipo del Japonismo lo constituye la figura idealizada de la geisha, cuya imagen fue recreada en ópera de Giacomo Puccini (1858-1924), como Madame Butterfly.
  • 23. En el terreno de las Bellas Artes, apreciamos una doble lectura del fenómeno: Japonismo. Por una parte, atendiendo a su temática, puede ser entendido como género; por otra parte, puede ser considerado como una influencia estilística que influyó en la renovación del arte académico occidental y le aportó elementos de vanguardia.
  • 25. La gran influencia del arte japonés como inspiración para el arte contemporáneo ha sido ampliamente estudiado, especialmente en los impresionistas, post-impresionistas, simbolistas y modernistas. El norteamericano J. A. M. Whistler (1834-1903), tras conocer los grabados japoneses en París, fue uno de los primeros pintores en representar con gran sensibilidad cromática todo el repertorio temático del Japonismo a partir de 1864.
  • 26. La Princesa de la Tierra de Porcelana, James Abbott McNeill Whistler
  • 27. Considerando a París el epicentro del Japonismo, en el arte Español tuvieron influencia también otras corrientes orientalistas, como las islámicas, que tuvieron un papel masivo en la geografía del exotismo de los pintores nacionales. Sorprende, no obstante, encontrarnos en fechas paralelas a los primeros cuadros japonistas de Whistler algunos ejemplos del pintor Mariano Fortuny (1838-1874), cuya proyección ciertamente excede el mercado local y hemos de situarlo en primera línea de la pintura europea.
  • 28. La vicaría, Mariano Fortuny (1870).
  • 29. Así en la primera de las tres versiones que realizó del cuadro, El Coleccionista de Estampas (1863) aparecen: una armadura japonesa propiedad del artista y un jarrón de porcelana china.
  • 30. Mariano Fortuny y Marsal: El Coleccionista de Estampas, 1863
  • 31. LA GUERRA DE SECESIÓN NORTEAMERICANA Y SU INFLUENCIA EN EL ARTE.
  • 32. Uno de los aspectos importantes de “La Guerra Civil y el arte estadounidense” es que transmite la respuesta de los creadores ante una gran crisis nacional que hizo necesario llevar a la práctica los ideales de los Padres Fundadores de la nación.
  • 33. OUR BANNER IN THE SKY, 1861"Nuestra bandera en el cielo", de Frederic Edwin Church (Collection of Fred Keeler)
  • 34. THE BRIGHT SIDE, (1865) Winslow Homer. Fine Arts Museums of San Francisco.
  • 35. La Guerra Civil o de Secesión de Estados Unidos duró alrededor de cuatro años y dejó un inmenso número de víctimas, así como una crisis económica nunca antes conocida en el territorio del Sur.
  • 36. Prisioneros confederados rindiéndose ante un oficial unionista, (1866) Winslow Homer. Metropolitan Museum of Art. N.Y.
  • 37. THE COTTON PICKERS, (1876) Winslow Homer. Los Angeles County Museum of Art.
  • 38. Cayeron los ideales románticos de la pintura americana anterior e introdujeron el sentimiento de ansiedad. La fotografía llevó a los hogares americanos los desastres bélicos.
  • 39.
  • 40. La niña que dejé tras de mí (1872), Eastman Johnson, Smithsonian American Art Museum.
  • 42. NEOGÓTICO: En el siglo XIX la Europa continental vivió una auténtica fiebre neogótica que, además de levantar nuevos edificios, restauró y completó edificaciones medievales, como catedrales y castillos. En Francia destacó la labor restauradora y reconstructora de Eugène Viollet-le-Duc.
  • 43. Eugène Viollet-le-Duc. Diseño para una sala de conciertos (1864). Expresa las formas góticas con materiales modernos como el ladrillo y el hierro fundido.
  • 44. El ambiente artístico de mediados del siglo XIX fue muy proclive al medievalismo, que se extendió por todas las artes, especialmente en la decoración y el mobiliario (Arts and Crafts), pero también en pintura, con distintos criterios (los nazarenos en Alemania, los prerrafaelitas en Inglaterra) o en literatura (drama romántico, novela histórica, novela gótica) o en música (óperas de ambientación medieval).
  • 45. Prerrafaelismo: Medea, Evelyn De Morgan (1889), al estilo del Quattrocento
  • 46. En este periodo, además, conviven, por un lado la arquitectura historicista, y por otro lado el progresivo desarrollo de la arquitectura del hierro, consecuencia de los cambios introducidos por los nuevos materiales y procesos industriales generados en la revolución industrial…
  • 47. El Palacio de Westminster, sede del parlamento del Reino Unido en Londres. Gárgolas de Notre Dame de Paris, fruto de la intervención de Viollet-le-Duc (1846), Neogótico Edificios representativos:
  • 48. Tower Bridge sobre el Támesis, en Londres.
  • 49. Iglesia de San Jerónimo el Real de Madrid.
  • 50. Interior de la Catedral de la Almudena de Madrid.
  • 51. Palacio Episcopal de Astorga, obra de Gaudí.
  • 52. Casa de los botines en León de Gaudí
  • 53. NEOMUDÉJAR: El neomudéjar es un estilo artístico y arquitectónico que se desarrolló principalmente en la Península Ibérica a finales del siglo XIX y principios del XX. Se enmarca dentro de las corrientes orientalistas de la arquitectura historicista imperante en Europa por aquella época. El nuevo estilo se asoció especialmente a construcciones de carácter festivo y de ocio, como casinos, estaciones de tren o plazas de toros…
  • 54. En España el estilo neomudéjar fue reivindicado como estilo nacional, por estar basado en un periodo histórico propiamente hispánico. Arquitectos como Emilio Rodríguez Ayuso o Agustín Ortiz de Villajos vieron en el arte mudéjar algo únicamente español y empezaron a diseñar edificios utilizando rasgos del antiguo estilo, entre ellos las formas abstractas de ladrillo y los arcos de herradura.
  • 55. Desaparecida plaza de toros de Goya. Madrid de Rodríguez Ayuso
  • 56. Sin embargo, lo que la historiografía ha considerado tradicionalmente como neomudéjar, son en muchos casos obras de estilo neoárabe, puesto que utilizan elementos califales, almohades y nazaríes, siendo el único aspecto mudéjar el uso del ladrillo visto. Frecuentemente se ha considerado a la Plaza de toros de Madrid de Rodríguez Ayuso y Álvarez Capra de 1874 como el inicio del neomudéjar
  • 57. Plaza de las Ventas (1874), Madrid.
  • 58. Interior de la Estación de Toledo.
  • 59. Edificio de correos en Zaragoza
  • 60. Gran Teatro Falla de Cádiz.
  • 61. LA ARQUITECTURA DE LAS EXPOSICIONES UNIVERSALES DE PARÍS Y LONDRES.
  • 62. Las Exposiciones Universales se originaron en la tradición francesa de exposiciones nacionales, una tradición que culminó con la exposición industrial francesa de 1844 celebrada en París. Esta feria fue pronto seguida por otras exposiciones nacionales en la Europa continental y en el Reino Unido. Esta feria fue pronto seguida por otras exposiciones nacionales en la Europa continental y el Reino Unido.
  • 63. Palacio de Cristal, Londres, construido para 1ª exposición mundial, 1851.
  • 64. En el siglo XIX el sistema capitalista había triunfado y su difusión por diversas partes del mundo adquiría ritmos impresionantes. El desarrollo científico y tecnológico era el aspecto que más atraía a la gente debido a la cantidad de productos, tanto de uso industrial como doméstico, que maravillaban a la sociedad. En el afán de mostrar con orgullo los avances del país, se llevaban a cabo exposiciones industriales de carácter local.
  • 65. Interior del palacio de la industria. París, 1855
  • 66. En cuanto se cayó en la cuenta de la importancia de darlos a conocer fuera del país, las exposiciones se abrieron al resto del mundo dando lugar a las Exposiciones Universales. La primera se celebró en Londres, en 1851, y después le siguió la de París en 1855, el éxito fue tal que hasta la actualidad se siguen realizando. La Exposición Universal de 1855 reúne, por primera vez, las industrias y las Bellas Artes.
  • 67. Influencias de las exposiciones en la arquitectura posterior:  Utilización de nuevos materiales industriales en arquitectura: hierro , remaches y cristal.  Creación de espacios diáfanos de gran amplitud.  Potenciar la arquitectura espectáculo en cuanto a sus dimensiones y su relación con el ocio y disfrute, incorporación a la arquitectura de otros avances industriales. Como la iluminación eléctrica.  Difusión de los avances arquitectónicos por la fotografía lo que hace posible su influencia en otros países.
  • 68. Exposición Universal 1855. Palacio de Industria. París
  • 69. Hasta finales del siglo XIX, Londres y París se alternaron en la organización de estas exposiciones, destacando Francia en cuanto a las novedades arquitectónicas que presentaron los sucesivos certámenes...
  • 70. Tarjeta postal con una vista de la Galería de las Máquinas (1889), París.
  • 71. La Exposición Universal de París de 1889 contó con una Galería de Máquinas, construida según el proyecto del arquitecto Louis Dutert (1845-1906) y del ingeniero Contamin (1840-1893). Algo menor que el Crystal Palace londinense, huía del aspecto de invernadero y sus monumentales pilares descansaban sobre pilastras de albañilería. La bóveda, cuya altura alcanzaba los 43 metros, cubría, sin ningún apoyo intermedio, una superficie de 4,5 hectáreas. El edificio despertó una gran expectación.
  • 72. La Galería de las Máquinas fue un pabellón construido para la Exposición Universal de París de 1889.
  • 74. Alexandre Gustave Eiffel (1832-1923), fue un ingeniero civil francés experto en la construcción de puentes, estaciones de ferrocarril y edificios de hierro, ya había participado en la construcción de la estación de Budapest de Hungría, en la de los almacenes Au Bon Marché y en los cálculos del techo de la Galería de Máquinas de la Exposición de 1867 de París. Asimismo, suya fue la ejecución de muchos puentes, entre los que destacan el del Duero, en Portugal, y el viaducto de Garabit, en Francia, como igualmente concebiría la estructura metálica que sustenta la estatua de La Libertad, en Nueva York.
  • 75. Estación del Oeste de Budapest (Hungría).
  • 76. La construcción de la torre Eiffel, de 300 metros de altura se realizó para la Exposición Universal de París de 1887, como conmemoración del centenario de la Revolución francesa, donde Eiffel llevaría adelante otro ejemplo de la nueva arquitectura.
  • 77. Vista general de la Exposición Universal (1887)
  • 78. Se trata de la famosa torre que tomó su nombre, una obra que sorprendió y desató entonces toda suerte de reacciones, negativas en su mayoría. La base se asienta en un cuadrado de 125 metros de lado, según los mismos términos del concurso de 1886. Tiene 325 metros de altura con sus 116 antenas; está situada a 33,5 metros por encima del nivel del mar.
  • 79. Fotografía aérea de la Exposición Universal de París de 1889, motivo por el cual la torre fue construida
  • 80. Los cimientos: los dos pilares situados del lado de la Escuela militar de Francia reposan sobre una capa de hormigón de 2 metros; esta, a la vez, reposa en una cama de grava, haciendo un hoyo de siete metros de profundidad. Los dos pilares de la parte del río Sena se sitúan incluso por debajo del nivel del río. El primer nivel: situado a 57 metros sobre el suelo, con una superficie de 4200 metros cuadrados, puede soportar la presencia simultánea de aproximadamente 3000 personas.
  • 81.
  • 82. Una galería circular colocada en el primer piso permite una vista de 360° sobre París. Esta galería tiene colocados varios mapas de orientación y catalejos que permiten observar los monumentos parisinos. Apuntando hacia el exterior están inscritos los nombres de setenta y dos personalidades del mundo científico de los siglos XVIII y XIX.
  • 83.
  • 84. El segundo nivel: situado a 115 metros por encima del suelo, posee una superficie de 1650 metros cuadrados aproximadamente; puede soportar la presencia simultánea de alrededor de 1600 personas. Se considera que es el piso que posee la mejor vista, debido a que la altitud es óptima con relación a los edificios que se encuentran abajo
  • 85.
  • 86. El tercer nivel: situado a 275 metros sobre el suelo, con una superficie de 350 m², puede soportar la presencia simultánea de alrededor de 400 personas. El acceso se hace obligatoriamente por un ascensor (la escalera está prohibida al público a partir del segundo piso) y se llega a un espacio cerrado lleno de mapas de orientación. Al subir algunas escaleras, el visitante llega a una plataforma exterior.
  • 87.
  • 88. ESCULTURA: DEL CLASICISMO DE CANOVA AL EXPRESIONISMO DE RODIN.
  • 89. Neoclasicismo Cánova: Las tres Gracias encarnan el desnudo femenino en toda su perfección, perviven los modelos clásicos en la fisonomía, anatomía y peinado
  • 90. Realismo-romanticismo Carpeaux por el contrario todo es movimiento, mayor naturalismo en la anatomía los gestos los cabellos, contraste de texturas…
  • 91. El expresionismo de Rodin El colosalismo y la rugosidad de las superficies, como en Miguel Ángel, le ganó el apelativo de obra “inacabada”, que le da una gran fuerza expresiva, sugiere más vitalidad y potencia los efectos de luz trasladando el impresionismo a la escultura.
  • 93. François-Auguste-René Rodin (1840- 1917) es considerado uno de los "padres de la escultura moderna”. Viajó a Italia , donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel (el fuerte impacto de la terribilitá de Miguel Angel se aprecia en toda su obra). Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía.
  • 94. LA EDAD DE BRONCE (1877) Rodin, Museo Rodin, París,
  • 95. Manos de amantes, (1904) Rodin.
  • 97. Las puertas del infierno (1917) Rodin.
  • 99. Burgueses de Calais (1889), Rodin.
  • 100.
  • 101. LA ESCULTORA CAMILLE CLAUDEL.
  • 102. Camille Claudel (1864 - 1943) fue una escultora francesa que llega a París en 1883 con el fin de perfeccionar su técnica. Ese mismo año se encuentra por primera vez con Auguste Rodin, mientras el célebre escultor sustituía una clase de su amigo Alfred Boucher. Al año siguiente empieza a trabajar en su taller, posa para él y colabora en la realización de las figuras de La puerta del Infierno…
  • 103. Además de ser una de las principales colaboradoras del escultor, fue también su compañera durante algunos años, se convirtió en su modelo y su musa, inspirando obras como La Danaïde o Fugit Amor.
  • 104. La Danaide, (1890) Rodin. Museo Rodin, París.
  • 105. La pareja frecuentaba los ambientes artísticos y culturales más importantes del París de la época y pasaron juntos largos períodos fuera de la ciudad, sin embargo a Rodin se le relacionó también sentimentalmente con Rose Beuret, esta situación sería la inspiración de una de las obras más importantes de Camille: La edad madura.
  • 106. La edad madura (1913) Camille Claudel, Museo d'Orsay, Paris
  • 107. LA ESCULTURA ESPAÑOLA DEL SIGLO XIX
  • 108. En la escultura española del siglo XIX se distinguen tres etapas: 1º etapa: El siglo XIX se inicia con el movimiento neoclásico procedente del siglo anterior. Se produce la decadencia de la escultura religiosa y cobra importancia la escultura como elemento decorativo de la arquitectura. Su gran mecenas será la realeza que con la construcción de sus nuevos palacios o la reforma de los existentes hacen necesario que se establezca la plaza de escultor de cámara.
  • 109. Las Academias serán las encargadas de la formación de los jóvenes artistas y las que establecen concursos y becas de estudio en Madrid, Roma o París. Se impone la rigidez académica que exige la imitación de la Antigüedad. El resultado es una estatua fría, que no comunica nada más que unas poses y unas medidas. Como Antonio Solá con el Monumento a Daoiz y Velarde en la plaza del Dos de Mayo de Madrid
  • 110. Monumento a Daoiz y Velarde (1822 ) Antonio Solá. Madrid.
  • 111. 2ª etapa: Un corto periodo romántico de escultura monumental para embellecer edificios o erigir monumentos conmemorativos. A diferencia de lo que sucede en pintura, se caracteriza por la falta de carácter y la desorientación. Es una época de transición, que alterna elementos clasicistas con otros criterios que desembocarán en un nuevo realismo. La corte deja de ocuparse de la escultura, a Isabel II no le interesa demasiado el arte y se suprimen los pintores de cámara. A partir de 1845 la Academia deja de dirigir la enseñanza artística y se crea la Escuela de Bellas Artes. Las Exposiciones Universales sustituirán los premios y pensiones de la Academia…
  • 112. Leones del Congreso de los Diputados (1848) Ponciano Ponzano y Gascón
  • 113. 3ª etapa: Realismo. Lo entendemos como la inspiración directa en la realidad que nos rodea. Los escultores que en el último tercio del siglo XIX asimilaron la corriente naturalista son más abundantes. Ricardo Bellver (1845-1924) es el autor del Ángel Caído, monumento que se encuentra en el Parque del Retiro de Madrid. Es un hermoso desnudo juvenil que representa al diablo, de forma cuidadosa y expresiva sin caer en detallismos excesivos.
  • 114. Plaza del Ángel Caído, (1887) Ricardo Bellver. Parque del Retiro, Madrid
  • 116. Mariano Benlliure (1862-1947) está considerado como el último gran maestro del realismo decimonónico y el puente con el Modernismo.
  • 117. Sería el más afamado escultor de su época y nos ha dejado una producción vastísima, en la que destaca su virtuosismo, dominando un amplio abanico de géneros y técnicas. Alternó sus estancias en Roma con viajes a París y obtuvo primeras medallas en las Exposiciones Internacionales de Berlín, Múnich, Viena y París…
  • 118. Monumento al general Martínez Campos, ( 1907) Benlliure. Madrid
  • 119. Monumento al Duque de Rivas (1929), Benlliure. Córdoba.
  • 120. Del año 1900 data su primer monumento funerario, con el que obtuvo la Medalla de Honor de Escultura en la Exposición Universal de París. La Reina Regente María Cristina quiso evitar que esta obra de arte acabase en un cementerio de un pequeño pueblo en el Pirineo y mostró interés para que fuera colocada en una plaza de Madrid, pero la voluntad de la familia del tenor Gayarre, al que estaba dedicado se impuso, y finalmente en 1901 fue colocado en el lugar para el que había sido creado…
  • 122. En la ingente producción de Benlliure, destacaran sus monumentos funerario que lo consagraron como el escultor de moda de la alta sociedad española. De sus 21 monumentos funerarios, además del de Gayarre en Navarra, destacarían los del torero Joselito “El Gallo”en Sevilla, el del novelista Blasco Ibáñez en Valencia, los sepulcros del Panteón de Hombres Ilustres de Madrid (Sagasta, Canalejas, y Eduardo Dato) o el de la Vizcondesa de Termens en Cabra (Córdoba)…
  • 123. Monumento funerario a Joselito "El Gallo“ (1921), Benlliure. Sevilla
  • 124. En 1908 se encargan a Mariano Benlliure y Gil las obras escultóricas y arquitectónicas de un panteón que la Vizcondesa de Termens, Carmen Giménez Flores, quiso construir en el cementerio de Cabra.
  • 125. Realizado en mármol y bronce, respondía al modelo de monumental y con capilla… Los trabajos de terminación e instalación del mausoleo durarían desde julio hasta noviembre de 1914.
  • 126. El Mausoleo de la Vizcondesa de Termens, se construyó en el cementerio municipal y posteriormente, fue desmontado y trasladado a la capilla de la Fundación que lleva su título.
  • 127.
  • 128.
  • 129.
  • 130.
  • 131.
  • 133. En el romanticismo, la seducción por el oriente cumplía el mismo papel de alejamiento de la realidad que el historicismo medievalista. Washington Irving encontró en Granada la conjunción de ambos (Cuentos de la Alhambra), contribuyendo a la generación del tópico del exotismo español. Pintores como Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme y Alexander Roubtzoff se recrearon en representaciones de todo tipo de escenas ambientadas en escenarios de los países árabes del norte de África y Oriente Medio.
  • 134. El encantador de serpientes (1879) Jean Louis Gerome
  • 135. Cuando Jean Auguste Dominique Ingres, director de la francesa Académie de peinture pintó una visión muy colorista de un baño turco, hizo que este oriente erotizado se hiciera públicamente aceptable por su generalización difusa de las formas femeninas. La sensualidad se veía aceptable en el exótico oriente… Este estilo tuvo su momento álgido en las Exposiciones universales de París de 1855 y 1867.
  • 137. Júpiter y Tetis (1811) Ingres
  • 138. Además, la posibilidad de emprender viajes por esos territorios estimuló a los artistas, que en algunos casos acompañaron misiones diplomáticas o científicas, a describir lo visto e intentar representaciones más documentadas de Oriente. Este tipo de producción visual tuvo tal aceptación que, hacia mediados del siglo xix, la pintura orientalista abundaba en los salones anuales de París, y en 1893 se creó la Société des Peintres Orientalistes con Jean-Léon Gérôme como presidente honorario…
  • 139. Bonaparte ante la Esfinge (1868), Jean-Léon Gérôme
  • 140. Baños del harén (1885) Jean-Léon Gérôme
  • 142. La vicaría, Mariano Fortuny (1870).
  • 143. En España el principal ejemplo de pintura orientalista fue Mariano Fortuny (1838-1874), que viajó a Marruecos donde quedó prendado del pintoresquismo local. Temas marroquíes fueron igualmente tratados por Josep Tapiró (1836–1913) y Antonio Fabrés (1854–1938). El imaginario orientalista persistió en el arte hasta principios del siglo XX, como evidencian los desnudos orientalistas de Matisse. El uso de Oriente como un telón exótico continuó incluso en el cine, por ejemplo en muchas de Rodolfo Valentino… y hasta la actualidad.
  • 145. The Sultan's Gift (1885) Antonio Fabrés.
  • 148. LA PINTURA HISTORICISTA: EDUARDO ROSALES, FRANCISCO PRADILLA Y ALEJANDRO FERRANT
  • 149. La pintura de historia, o pintura histórica, es un género pictórico que se inspira en escenas de la historia cristiana, de la historia antigua (mesopotámica, egipcia, griega, romana...), de la mitología o de los acontecimientos históricos recientes. Fue especialmente demandada por las instituciones y los concursos académicos, siendo sin duda el género más destacado a lo largo de todo el siglo XIX.
  • 150. José Madrazo, La muerte de Viriato (1807) –neoclasicismo-
  • 151. Las becas para los jóvenes pintores que iban a estudiar a la Academia de España en Roma dieron lugar a una emulación para representar en lienzos de grandes dimensiones episodios gloriosos o espectaculares de la historia española. Con su difusión pública se quería construir una visión de historia nacional española.
  • 152. Cincinato abandona el arado para dictar leyes a Roma, (1806) Juan Antonio Ribera. -neoclasicismo-
  • 153. Eduardo Rosales Gallinas (1836 –1873) fue alumno de Federico Madrazo. Llegó a Roma en 1857, y se unió al grupo de pintores españoles que se reunían en el Antico Caffè Greco (Casado del Alisal, Dióscoro Puebla, Fortuny). Allí conoció la pintura de los nazarenos, pero pronto abandonó esa tendencia, y se interesó por un estilo más realista, en el que realizó su gran obra maestra, Doña Isabel la Católica dictando su testamento, conservada en el Museo del Prado. Con la que acudió a la Exposición Universal de París de 1867 y con la que consiguió un gran éxito.
  • 154. Isabel la Católica dictando su testamento (1864), Eduardo Rosales.
  • 155. Presentación de don Juan de Austria al emperador Carlos V en Yuste (1869), Eduardo Rosales.
  • 156. La muerte de Lucrecia (1871), Eduardo Rosales.
  • 157. Francisco Pradilla y Ortiz (1848 – 1921) fue director de la Real Academia de España en Roma y del Museo del Prado. Su primer cuadro de importancia fue El rapto de las sabinas, al que siguió Juana la Loca, cuadro que obtuvo medalla de honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes (España) de 1878 y una medalla de honor en la Exposición Universal de París de 1878. Posteriormente se superó con La rendición de Granada (1882), que ganó el primer premio en una exposición de Múnich de 1893.
  • 158. Doña Juana la Loca (1877), Francisco Pradilla.
  • 159. La rendición de Granada (1882), Francisco Pradilla
  • 160. Alejandro Ferrant y Fischermans (1843 - 1917), pintor y acuarelista estudió en la Real Academia de San Fernando con su tío, Luis Ferrant Llausas (1806-1868), que era académico de dicha institución. Participó desde joven participó en exposiciones nacionales y en 1874 acudió a aprender a Roma con una beca. Pintó principalmente temas religiosos e históricos, aunque también se dedicó a la pintura de género y la decorativa. Su estilo se atiene al gusto académico predominante en la época: predominio del color sobre el dibujo y pincelada suelta; el uso de tonos pardos delata influencias del barroco.
  • 161. El entierro de San Sebastián (1877) Alejandro Ferrant.
  • 162. Cisneros, fundador del Hospital de Illescas (1892). Alejandro Ferrant
  • 163. José Garnelo y Alda (1866 -1944) fue un pintor historicista español. Terminó el bachillerato en el Instituto Aguilar y Eslava de Cabra en 1882. En Sevilla ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes (1883- 1885) y posteriormente se traslada a Madrid. En 1888 es becado para estudiar “pintura histórica” en Roma. Llegó a ser subdirector del Museo del Prado y director de la Academia Española de Roma. Autorretrato
  • 164. A la capilla del Colegio de Cabra el alumno que fue J. Garnelo/1895 Inmaculada (1895), José Garnelo.
  • 165. El pedagogo (1893), José Garnelo.
  • 166. Dama con papagayo (1930). José Garnelo
  • 167. Tarde de Toros (h. 1901), José Garnelo
  • 168. EL RETRATO GALANTE: LOS MADRAZO.
  • 169. Los Madrazo son una notable dinastía de artistas que representan diferentes tendencias pictóricas del siglo XIX español, desde el Neoclasicismo del periodo de Fernando VII, del que fue un claro exponente José de Madrazo (1781-1859), hasta el Realismo de Federico de Madrazo (1815-1894) el mejor retratista del momento, las pinturas de encargo de Luis de Madrazo (1825- 1897), las pinceladas impresionistas de Ricardo de Madrazo (1852-1917) o el aire romántico de Raimundo de Madrazo (1841-1920)…
  • 170. María Sandalia de Acebal (1820), José Madrazo. José de Madrazo y Agudo (1781 –1859) fue un pintor y grabador español, que evolucionó del barroco al neoclásico. Fundador de una famosa saga de artistas, fue padre de Federico Madrazo, Pedro Madrazo y Luis Madrazo, abuelo de Raimundo Madrazo y Ricardo Madrazo, y bisabuelo de Mariano Fortuny y Madrazo.
  • 171. Luis (1825-1897) participó en varias Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, viajó a lo largo de varias ciudades europeas, y cultivó la pintura de historia y el retrato. Pedro (1816-1898) fue crítico de arte, pintor, uno de los grandes nombres de la historiografía de la pintura del siglo XIX y autor de los catálogos oficiales de la pintura del Museo del Prado. Retrato de Elisa Tapia y Parrella (1876), Luis Madrazo.
  • 172. Federico Madrazo fue pintor de cámara de la reina Isabel II, del mismo modo que su padre había sido pintor de la Corte con Fernando VII. Pintó retratos, sobre todo del mundo aristocrático y de la cultura, Gozó de gran prestigio y tuvo diversos aprendices, como los franceses Léon Bonnat y Gérôme. Su hija Cecilia fue madre del también pintor Mariano Fortuny y Madrazo Doña Amalia de Llano y Dotres, Condesa de Vilches (1853), Federico Madrazo
  • 173. Princesa Albert de Broglie, (1853), Ingres. Ingres fué el maestro de los retratistas del siglo XIX. Madrazo se formó con él en Francia. Las damas de la alta sociedad eran retratados por los grandes maestros del retrato pictórico. Mientras que las damas burguesas utilizaban la fotografía…
  • 174. La Infanta Luisa Fernanda de Borbón, duquesa de Montpensier de Federico de Madrazo y Kuntz. Nadie consigue como él el aunar la belleza del retrato en sí, la pose y la nitidez en los detalles.
  • 175. EL MOVIMIENTO "ARTS AND CRAFTS" (1850-1900)
  • 176. "ARTS AND CRAFTS“ (Artes y Oficios) es un movimiento del diseño y artes decorativas que reacciona frente a la producción industrial y a la moda victoriana. Se asocia sobre todo con la figura de William Morris artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista, doctor, ingeniero y político. Un hombre polifacético que se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción industrial.
  • 177. Diseño tela, (1883) William Morris
  • 178. Características: • Creencia en la superioridad de la producción artesanal sobre la producción mecanizada. • Simplicidad de las formas. • Regreso a los gremios como único modo de garantizar la dignidad de los objetos. • Rechazo de la máquina. • Retorno a la Artesanía. • Búsqueda de honradez, sencillez, moral, religión, ética.
  • 179. William Morris (1834-1896) Artista fundador del movimiento denominado como Arts and Crafts. Morris estuvo estrechamente vinculado a la Hermandad Prerrafaelita, movimiento que rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura, y propugnaba un retorno a la artesanía medieval, considerando que los artesanos merecían el rango de artistas Su obra ejercerá una gran influencia histórica en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.
  • 180. La bella Isolda - Reina Ginebra- (1858), Morris
  • 181. William Morris produce trabajos y reimpresiones de textos clásicos, siendo su obra más conocida The Chaucer; estudió al detalle el arte del período medieval y por ello no es sorprendente que sus famosas iniciales y bordes de los libros.
  • 182. Los papeles pintados de Morris alcanzaron popularidad y reputación.
  • 183. Y las vidrieras dieron gran renombre a Morris and Company.
  • 185. La Hermandad Prerrafaelita (Pre- Raphaelite Brotherhood) fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. Perséfone (1874) Rossetti. La Hermandad duró como grupo constituido apenas un lustro, pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta entrado el siglo XX. Se utiliza el término prerrafaelismo para caracterizar al movimiento pictórico que representan.
  • 186. Los autores de esta corriente se inspiraron básicamente en el estilo artístico que se dio antes del maestro Rafael, de ahí el nombre que tomaron estos artistas, basándose en los autores y temas propios del Quattrocento, el Trecento y asuntos aún más antiguos, medievales principalmente, leyendas arcaicas e incluso, pasajes de la época clásica de Grecia y Roma…
  • 187. La elección de este nombre recuerda que el grupo focaliza su crítica en torno a un cuadro de Rafael, La Transfiguración (1520) del que Hunt decía que "debería ser condenado por su inmenso desprecio de la sencillez de la verdad, la pose pomposa de los apóstoles y la actitud, poco espiritual del Salvador".
  • 188. Jesús en casa de sus padres (1850) John Everett Millais
  • 189. Entre los artistas más recientes, les inspiraron también las pinturas románticas de Heinrich Füssli y, sobre todo, de William Blake, cuyas visionarias pinturas e ilustraciones de sus libros de poesía influyeron notablemente en algunos cuadros de Rossetti, por su simbolismo y lo fantasmagórico de los protagonistas de los cuadros.
  • 190. La juventud de la Virgen María (1849), Rossetti.
  • 191. Querían volver a una forma de arte, acorde con la que existía antes de Rafael, libre de cualquier amaneramiento académico. El arte medieval, y en particular aquel de los primitivos italianos, es el que designan como modelo de pureza y de libertad…
  • 193. Los objetivos de la Hermandad se resumían en cuatro declaraciones: • Expresar ideas auténticas y sinceras. • Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas. • Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero, descartando lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria. • Interés por la luminosidad de la pintura y la intensidad del color. • Y, lo más importante, buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.
  • 194. Ofelia (1852), John Everett Millais.
  • 195. La chica ciega (1856), John Everett Millais
  • 196. Ecce Ancilla Domini (1850), Dante Gabriel Rossetti
  • 197. De todos los componentes de la Hermandad Prerrafaelita, fue Hunt el que mostró más fidelidad a sus planteamientos a lo largo de toda su vida. Las pinturas de Hunt concedían una gran atención al detalle, y mostraban un vívido colorido y un elaborado simbolismo religioso, a menudo inspirado en los textos bíblicos.
  • 198. William Holman Hunt. El pastor.
  • 199. LA TÉCNICA DEL RETRATO DE NADAR
  • 200. Gaspard-Félix Tournachon más conocido como Nadar, fue un fotógrafo, periodista, ilustrador, caricaturista y aeronauta francés. Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire.
  • 201. Nadar, fue un famoso fotógrafo, periodista, ilustrador, caricaturista y aeronauta francés…
  • 202. Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero, pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos que le alejaban de los criterios más comerciales, pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico. En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de iluminar al modelo– y del gesto –mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados–, como elementos principales de la fotografía...
  • 203. Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con la cámara. Nadar seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva. En las obras de Nadar lo importante es realmente el rostro del retratado, razón por la cual se prescinde de adornos superfluos. En aras del realismo, desprecia el coloreado de las imágenes o el retoque buscando con ello una mayor claridad… Retrato de Charles Baudelaire (1855)
  • 204. A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858, realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna. También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.
  • 205.
  • 206. EL RETRATO PICTÓRICO Y EL FOTOGRÁFICO
  • 207. La daguerrotipia y las otras formas originarias de fotografía adoptaron rápidamente el género del retrato. Inicialmente la falta de sensibilidad de las placas provocó que los retratos implicaran largas tomas de hasta quince minutos de exposición. Sin embargo cuando aparecieron otros procedimientos los tiempos para obtener la exposición fueron reduciéndose cada vez más. En cuanto a lo estético, los primeros fotógrafos echaron mano de los estilos e ingredientes del retrato utilizados por la pintura…
  • 208. Retrato de de la duquesa de Vallombrosa (1840) Winterhalter,. El éxito de la fotografía de retrato fue inmediato. Su primer impacto fue la democratización del género. En 1858 un retrato en daguerrotipo costaba el equivalente a media jornada de trabajo. Aunque no era barato, resultaba mucho más accesible que una pintura. Para comprender el auge fotográfico vale decir que solamente en Marsella pasaron de 5 miniaturistas a ser más de 50 fotógrafos que producían un promedio de 1.200 placas por año… Retrato fotográfico de Sara Bernadt (1860) Nadar.
  • 209. Retrato funerario de un niña. A mediados del siglo XIX el retrato no era sólo de individuos, se estaba conformando la nueva clase media como grupo social. Por ello el retrato se usó para una variedad de propósitos: conmemorativos, personales y propagandísticos. Incluso una función importante del retrato fue la funeraria. Incluso podría decirse que una de las razones primigenias para que existiera…
  • 210. A los fotógrafos que defendían la individualidad de cada creación fotográfica se los englobó dentro de un movimiento que se llamó pictorialismo. Relacionaba pintura y fotografía , de manera que los fotógrafos intentaban imitar a la pintura copiando composiciones, motivos, efectos y acabados. Pero también la pintura acabó recibiendo influencias de la técnica fotográfica y valiéndose de sus posibilidades.
  • 211. Fotografía de Durie (1855) Pintura de Delacroix (1857)
  • 212. LOS PIONEROS DE LA CINEMATOGRAFÍA: LOS HERMANOS LUMIÈRE
  • 213. La historia del cine como espectáculo comenzó en Francia, en 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos, desde el primitivo cine mudo de los hermanos Lumière hasta el cine digital del siglo XXI.
  • 214. Los hermanos Lumière, hijos de un fotógrafo crearon el cinematógrafo: un dispositivo que permitía la toma y proyección de imágenes en movimiento. La primera proyección pública fue el 28 de diciembre de 1895, en París, y consistió en una serie de imágenes documentales, como la que aparecen los trabajadores de una fábrica, y la de un tren que parecía abalanzarse sobre los espectadores.
  • 215. LA LLEGADA DEL TREN, (1895) Hermanos Lumière
  • 216. MELÍES, SEGUNDO CHOMÓN Y EL NACIMIENTO DEL CINE AMERICANO.
  • 217. George Méliès, fue un ilusionista que en principio, usó el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos, pero luego los desarrollaría en cine, creando rudimentarios - pero eficaces- efectos especiales. Su obra más conocida es El viaje a la luna (1902).
  • 218. Segundo de Chomón, fue un cineasta español, que destacó como director pionero del cine mudo y técnico de trucajes. Frecuentemente comparado con Méliès, por su calidad técnica y creatividad fue considerado uno de los grandes hombres del cine de su tiempo, siendo contratado por las más importantes empresas cinematográficas de la época, como la Pathé Frères o la Itala Films.
  • 219. EL NACIMIENTO DEL CINE AMERICANO
  • 220. Durante el periodo en que el cine comenzaba se crearon tres tipos de discurso cinematográfico: • El discurso de los Lumière. Pretende plasmar la realidad, no obstante manipula lo que aparece en imagen (lo mediatiza), al buscar composiciones que recogieran los estilos pictóricos en boga en la época. • El discurso de Méliès. Aplica a la puesta en escena la tradición carnavalesca y de las fiestas populares, dando a sus películas un cierto aire fantasmagórico. • El discurso de Griffith. Combina la imagen cinematográfica con el discurso propio de la novela decimonónica, dando así nacimiento al relato cinematográfico.
  • 221. El punto de partida para el cine estadounidense “El nacimiento de una nación” de Griffith (1915 ), uno de los grandes hitos de la historia del cine, que reúne todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine: el uso de los primeros planos, alternancia entre planos y planos cortos ...
  • 222. Ideológicamente inaceptable, por fascista, racista y retrógrada, la película se basa en la novela de Thomas E. Dixon “The Clansman”, que narra la derrota de los confederados en la Guerra de Secesión y cómo la sobrellevan dos familias, una del Norte y otra del Sur, los miembros de la cual tomar parte activa en la fundación del Ku Klux Klan. A los negros se les llama “bestezuelas”, “salvajes” y cosas así y, en un primer momento, había hasta una secuencia, que luego fue eliminada del montaje final, que propugnaba la repatriación a África de todos los de esa raza. Pero fue una auténtica SUPERPRODUCCIÓN…
  • 223. “El nacimiento de una nación”. The Birth of a Nation. Año 1915.
  • 224. 180 minutos de duración, presupuesto de 40.000 dólares que finalmente sería más de medio millón, más de 18.000 participantes en el rodaje, 3.000 caballos utilizados en las escenas de guerra... Y en el reparto, las mayores estrellas de aquellos tiempos: Lillian Gish, Mae Marsh, Miriam Cooper, Ralph Lewis… Lillian Gish