1. EL MANIERISMO
Alumna: Oliveros
wenifer
Esc:41 Sec:”A”
Profesora: Estela
Asig: Historia II
VALENCIA
25/05/2015

2. ARQUITECTURA:
La Iglesia del Gesù
situada en la plaza del Gesù en Roma.
El arquitecto fue Vignola.
La fachada consta de dos pisos
unidos mediante unos alerones. En la
fachada podemos ver algunas de las
características más destacadas del
Barroco. La fachada fue realizada por
Vignola y Giacomo della Porta.
Los alerones son un elemento de
enmascaramiento, utilizado para
articular el piso inferior con otro
superior de menor anchura, ocultando
los machones que llevan el empuje de
las nuevas fachadas
La fachada se articula mediante
pilastras y el exterior refleja la
distribución de las naves. La
parte central se encuentra
destacada mediante el uso de
medias columnas y un doble
frontón.
La planta de la iglesia es de cruz
latina y consta de una sola nave
central y de capillas en los
laterales.
El estilo arquitectónico es renacentista y la ornamentación
barroca.
En su interior nos llama la atención su rica decoración
basándose en mármoles, bronces, dorados y frescos.
La nave
central está
cubierta por
una bóveda de
cañón.
Destaca el
fresco del
techo: el
grandioso
Triunfo del
Nombre de
Jesús de
Giovanni
Battista Gaulli.
En el crucero,
una cúpula
impresionante
se alza sobre
los cuatro
pilares que
sostienen la
cúpula, donde
se encuentran
los frescos de
los cuatro
Evangelistas,
obra de
Giovanni
Lanfranco
La presencia de una
cúpula subrayaba la
centralidad del espacio
hacia el fondo de la nave,
y presagiaba la búsqueda
de una integración entre el
esquema longitudinal y el
centralizado.

3. VillaCapra
conocida también como ”Villa la Rotonda”
Es un palacio campestre de planta central diseñado por Andrea Palladio y
construido a partir del año 1566 en las afueras de la ciudad de Vicenza en Italia.
Corresponde a una estructura
cuadrada, elevada sobre un podio,
dividida en su interior por cuatro
espacios similares conectados por
una rotonda que ordena, distribuye y
agrupa los espacios. Tiene acceso
por los cuatro lados. Teóricamente es
una estructura que organiza un
círculo dentro de un cuadrado sobre
una cruz de brazos similares.
El Palacio se encuentra sobre un basamento elevado al que se
accede por cuatro escaleras de varios peldaños, dispuestas en los
cuatro lados. La estructura presenta cuatro frontis o fachadas
iguales, compuestas por una columnata (pronaos) de seis columnas
jónicas, sobre las que se asienta un tímpano o frontis triangular,
entablamento y frisos. Los muros del cuadrado forma un volumen
que tiene en la parte central una cúpula (similar a la del Panteón de
Roma). Está ornamentada con decoración clásica grecorromana.
Fue encargada de construir por Vicario Apostólico
Paolo Almerico (1565) como residencia campestre
de retiro.
Primera construcción civil que introduce en un
espacio centralizado una cúpula. Será un modelo a
imitar.
El hijo de Almerico en 1591 vendió el edificio a los
hermanos Odorico y Mario Capra y desde
entonces ha sido residencia.
Desde 1994 se ha declarado Patrimonio de la
Humanidad (UNESCO).
Este edificio es considerado el modelo de la
arquitectura academicista renacentista.

4. La Basílicade Vicenza
La Basílica que surge en la Plaza dei Signori es una de las más
extraordinarias obras de Palladio.
Es un edificio gótico de planta trapezoidal con unos resultados
excelentes. Empleando una fachada de dos plantas, con un piso bajo de
órden dórico y un piso alto de órden jónico
En este edificio se inicia el “tramo rítmico palladiano” que consiste en
inscribir un arco de medio punto con dos dinteles laterales apeados
sobre columnas , en un marco arquitrabado de columnas gigantescas
Hace uso simultáneo de columnas a dos escalas causando una
trama visual.
La fachada tiene dos alturas. las columnas se prolongan por los dos
cuerpos. En este edificio existe un gran juego de sucesiones de
luces y sombras por la alternancia de los vanos.
Tondos ciegos rehundidos enriquecen efectos de claroscuros y la
concepción geométrica y de sobriedad decorativa.
Esquinas reforzadas con agrupamientos de tres columnas .
Horizontalidad de balaustrada se contrarresta con estatuas que se
recortan en el azul del cielo

5. Iglesia el redentor
Ubicada en Venecia.
Palladio es el encargado del proyecto el 23 de noviembre de
1576.
El pórtico del templo, coronado por un frontón apoyado en
columnas colosales
No parecen ser independientes de la pared frontal, sino que son
atrapadas por ésta.
La pared forma una segunda planta, que se cierra asimismo con
molduras de frontón ascendente, con una cornisa horizontal en
el medio.
Esta cornisa es interrumpida por el frontón, formando el tejado
holandés, que concluye longitudinalmente en la cúpula,
flanqueada por campanarios simétricos.
La fachada es la cara frontal del cubo dividido en varios planos,
La totalidad de la fachada descansa sobre un zócalo, que
corresponde a la altura de la escalera
Las paredes laterales de la fachada están enmarcadas por
pilastras que a su vez se integran en otras, más resaltadas, a los
extremos de la fachada, introduciendo así las columnas de
medio punto, que sobresalen en sus tres cuartas partes de la
pared.
Las columnas externas y el frontón del portal son equiparados
en forma y volumen a las columnas centrales.
En la parte baja, el muro de ladrillo es articulado por
pilastras dobles con capiteles corintios,
Se utilizan las columnas en todas sus variantes
plásticas (libres, de media caña, y tres cuartos)
Bóveda de cañón con lunetos sobre ventanas termales
Cúpula dominante, da una confluencia
de movimiento espacial.
Palladio armoniza mediante volutas la monumental
cornisa con las aberturas de las capillas.

6. Escultura:
El Rapto de las Sabinas
El Rapto de las Sabinas es una escultura hecha de
mármol realizada por Giambologna. Esta obra es de
estilo manierista y está en cierto modo vinculado al
Barroco, ya que es una composición cerrada y las figuras
señalan un punto de fuga en la escena.
Presenta un movimiento ascendente y helicoidal, es
decir en forma de hélice (forma serpentinata), los
cuerpos giran. De composición dinámica, representa tres
personajes desnudos en tensión.
Las características principales de la obra son la
geometría de las líneas de fuerza, el juego de las
miradas, contraste entre las expresiones, variedad de
volúmenes contraídos de forma descendiente y
expandidos posteriormente.
Se percibe cierta influencia helenística, como por ejemplo de
Laocoonte.
Parte de un eje de simetría, que hace posible la jerarquización
de la composición. Presenta contrapposto en la persona que
se encuentra entre las piernas del raptor. El raptor, musculoso
y erguido, rapta a la joven que mantiene los brazos abiertos
por la desesperación. Por tanto, hay una gran expresividad,
dinamismo y dramatismo. Muestra autenticidad, variedad y
veracidad, además de perfección y belleza de los cuerpos
armónicos.

7. Mercuro
La obra más conocida de Juan de Bolonia es el Mercurio Volador (1565).
realizado en bronce y ubicado en el Museo del Bargello florentino aunque una réplica
del mismo también se encuentra en el Museo del Louvre.
El mensajero de los dioses está
representado en una posición en
suma inestable, apoyado sobre la
punta de un pie mientras que la otra
pierna se lanza hacia atrás en
diagonal con el brazo cuya mano
señala los cielos que le envían. Con
una inspiración en modelos antiguos,
Juan de Bolonia expresa con su
dinámica figura una apariencia de
movimiento. Pero en verdad se trata
de un movimiento congelado que se
lanza en actitud vertical de fuerza y
ligereza pese a su altura, cercana a
los dos metros.
La escultura, como característica propia del manierismo, adopta
un infinito número de puntos de vista en función de su
composición helicoidal.
Todo el estudio
de la figura en su
trazo diagonal
anticipa la
escultura barroca
y, en cierta
manera, sirve
de puente entre
el clasicismo
renacentista
romano y el
manierismo
toscano.

8. Carlos Vvenciendoa la Herejía
Comúnmente conocida como Carlos V y
el Furor se trata de una magnífica
escultura realizada en bronce y, fue
realizada por Leone y Pompeo Leoni, y
finalizada en el año de 1564.
sus pies observamos la figura
encadenada del Furor. Simboliza la
Herejía combatida por el emperador. Está
rodeado de armas y se encuentra
encadenado, con una tea encendida en
su mano.
Se representa a Carlos V con coraza, al estilo
romano. Lleva en su mano izquierda una
alfanje.
una espada ancha y curva con un único filo
cortante. Una de las más importantes
novedades la encontramos en que la
armadura puede desprenderse, dejando al
emperador desnudo, como si de un héroe de
la antigüedad se tratara. Se representa a
Carlos V con coraza, al estilo romano. Lleva
en su mano izquierda una alfanje, una espada
ancha y curva con un único filo cortante.
El escorzo de la figura del
Furor contrasta con la
serenidad del monarca,
destacando la fuerza
anatómica de ambas
figuras, apreciándose
incluso los tendones y los
músculos de piernas y
brazos. Carlos V está
sereno, con posición que
recuerda a la curva
praxitelica de las esculturas
antiguas.

9. Pintura:
El cisne
Oleo sobre lienzo del pintor
italiano Antonio Allegri da
Correggio, realizado entre
1531 y 1532. Sus dimensiones
son de 152 x 191 cm y en la
actualidad se encuentra en la
Gemäldegalerie de los
Staatliche Museen zu Berlín,
en Alemania.
En esta obra se muestra
diferentes momentos del
mito de Leda y el cisne. En
el centro del cuadro se sitúa
la Leda siendo acariciada
por el cisne. Ambos son
acompañados de Cupido
que tañe una lira junto a dos
amorcillos.
En la derecha aparecen las doncellas de Leda quitándole sus
ropas mientras que ella contempla el bello cisne blanco que
vuela. La misma Leda parece rechazar a Júpiter durante su
baño aunque su rostro refleje la actitud contraria.
Correggio da un
tratamiento manierista al tema,
añadiendo un paisaje boscoso
tratado con un fino esfumado.
Aparecen en esta
ambientación ninfas bañándose
a la parte derecha del cuadro y,
a la izquierda, Cupido tocando
la lira y angelotes.
La composición, aparentemente
improvisada, es sin embargo
muy estudiada. La figura de
Leda adopta una torsión
típicamente manierista. Su
figura se ve acentuada por
encontrarse delante de
un árbol, quedando éste
ligeramente desplazado hacia
la izquierda. Hay un grupo
central de árboles y, en torno a
ellos, las figuras secundarias
formando un círculo. De esta
manera se lleva la mirada a las
profundidades del paisaje

10. Madonna Del Cuello Largo
De: Parmigianino.
Es uno de los ejemplos mas
destacados en la pintura Manierista,
donde Representa a la Virgen María
donde en sus brazos sostiene al niño
Jesús, su postura es inestable, a la
derecha de la composición un grupo
de efebos porta regalos para el niño.
A la izquierda de la composición
vemos una fila de columnas y una
pequeña figura de San Jerónimo,
santo relacionado con la adoración
de la Virgen que sostiene un pliego
de papel con la traducción de la
sagrada escritura.
Esta obra responde perfectamente
a la estética manierista, donde la
figura en general y la virgen en
particular, destacan por su gran
corporeidad.
María es representada como una mujer
de contextura grande, pero realmente
hermosa. La belleza de la joven virgen
parece descompensada por sus
dimensiones, las manos demasiado
alargadas al igual que el cuello hacen
que la gracia y estilización que buscaba
Parmigianino en esta Madonna se vea un
poco descompensada.
La postura de San Jerónimo es
demasiado forzada, mientras su cuerpo
y extremidades se dirigen hacia la
Virgen, el santo gira la cabeza con
brusquedad hacia el lado contrario,
mientras que En la parte derecha
amplios cortinajes de distintos colores
enmascaran un paisaje sombrío y
tormentoso que sí podemos apreciar en
la parte izquierda.
A su vez se ven que las figuras aparecen agolpadas en la parte
derecha de la composición la izquierda aparece más liberada de
personajes y con un espacio compositivo más abierto, otro
contraste típico del estilo manierista.

11. ElLavatorio
Es un cuadro del
pintor italiano Tint
oretto,
considerado una
de sus obras más
importantes. Fue
pintado
entre 1548-1549,
encontrándose
actualmente
expuesto en
el Museo del
Prado de Madrid,
España.
Se representa aquí una escena narrada por el Evangelio de Juan, en la que se narra
cómo durante la Última Cena, Jesús se levantó de la mesa quitándose el manto y
atándose una toalla a la cintura. Después de echar agua en un recipiente, se puso a lavar
los pies a sus discípulos.
La composición parece descentrada, con el episodio principal desplazado a un lado del
cuadro. Esto se explica por el emplazamiento original del cuadro, en la pared derecha de
una estancia alargada; los creyentes verían más cerca precisamente la parte donde
estaba Jesús. Además, la mesa está orientada hacia esa zona, de modo que vista la obra
desde la derecha, el escorzo de la mesa acentúa el efecto de perspectiva. A ello también
contribuye el pavimento de losas con formas geométricas.
En el fondo de este
lado izquierdo se
ven arquitecturas
clásicas de una
ciudad que
recuerda
a Venecia, con una
barquichuela
entre canales, en
azules y blancos
bañados por una
luz fría, lo que da
un aire un tanto
irreal. Los
elementos
arquitectónicos
están inspirados en
ilustraciones
de Sebastiano
Serlio.